Kui sa alles alustad elektroonilise muusika tundmaõppimist, siis on sul ees suur maailm, mida avastada. Tänu lugematutele pluginatele, süntesaatoritele ja pidevalt arenevale produktsioonistiilide valikule on elektroonilise muusika võimalused peaaegu lõputud.

Loomulikult võib just see ressursside rohkus, mis muudab elektroonilise muusika nii mitmekesiseks, muuta selle algajate jaoks mõnevõrra hirmutavaks. Kust sa üldse alustad, kui selle teema ümber on YouTube'i videote, artiklite ja veebikursuste universum?

Just sellepärast me oleme siin. Selles juhendis tutvustame elektroonilise muusika tegemise põhitõdesid, alates sünteesi põhitõdedest kuni produtseerimistarkvara ja -riistvara labürindini. Olenemata sellest, kas soovid toota tantsupõrandale sobivat techno't, ambientseid helimaastikke või midagi vahepealset, on mul olemas hulk teadmisi ja näpunäiteid, mis loodetavasti inspireerivad sind oma oskusi täiustama!

Mis on elektrooniline muusika?

Elektrooniline muusika selle kõige laiemas tähenduses ületab kaugelt ühe tüüpilise žanri ulatuse. See on tõeliselt meetod, mis on täielikult muutnud seda, kuidas me muusikat loome ja tarbime.

Erinevalt orgaanilisest muusikast, mis tugineb akustiliste instrumentide, näiteks kitarride, keelpillide, klaverite ning elavate trummide ja löökpillide looduslikele helidele, koosneb elektrooniline muusika sageli sünteesitud helidest ja tekstuuridest.

Selle keskmes on analoogsüntesaatorid ja muud elektroonilised instrumendid, näiteks elektriorelid ja trummimasinad, mille populaarsus on aastakümnete jooksul kasvanud.

Loomulikult on elektrooniline muusika tänapäeval arenenud tuntavate nuppude ja elektrooniliste juhtmete ja vooluahelate süsteemide kasutamisest vanas analoogriistvaras leiduvatest puutetundlikest nuppudest arvutite ja digitaalsete tarkvarainstrumentide elegantsete kasutajaliideste juurde.

Enamik elektroonilise muusika produtsente toetub suuresti arvutitele, kasutades DAW-sid ja nende lõputuid helisid ja efekte. Mulle meeldib mõelda sellest muutusest kui muusikatootmise demokratiseerimisest, sest see muutis selle kättesaadavaks kõigile, kellel on arvuti ja loominguline meel.

Kuigi elektrooniline muusika oli algselt põrandaalune liikumine (mõelge tagasi house-muusika sünnile Chicagos 70ndate lõpus või krautrocki tutvustamisele Saksamaal 60ndate lõpus, mis oli eksperimentaalse roki alaliik, mis hõlmas süntesaatorite, sekventserite ja lindisilmuste kasutamist), on see nüüdseks läbinud peavoolu kultuuri, mõjutades kõike popist hip-hopini.

On päris põnev näha, kui paljud kaasaegse elektroonilise muusika tootjad, nagu Bonobo, Tycho ja Four Tet, põimivad nüüd oma lugudesse tagasi akustilisi elemente. See on mõnevõrra uuem fusion, mis loob rikkaliku, tekstuurse heli, et avaldada austust minevikule ja samas lükata uuenduslikkuse piire.

Elektroonilise muusika tootmine on nii lai katus, et seda on raske ühe definitsiooniga kokku võtta (ma peaksin kirjutama terve raamatu, kui tahaksin vältida mõne kõige olulisema detaili väljajätmist). Sellegipoolest, kui sa oled keegi, kes tahab saada elektroonilise muusika produtsendiks, siis mulle tundub, et on olemas head kohad, kust alustada, et orienteeruda.

Must-Have tarkvara ja tööriistad

Elektroonilise muusika tegemisel on mõned vahendid, mida soovid selle käigus omandada. Iga selles nimekirjas olev seade mängib tootmisprotsessis ainulaadset rolli, alates DAW-st, mis on teie digitaalse stuudio süda, kuni riistvaraliste süntesaatorite ja trummimasinateni, mis annavad teie helile unikaalse sõrmejälje.

Sukeldume pisut sügavamalt, kuidas kõik need tööriistad võivad teie elektroonilise muusika tootmist tõsta.

Digitaalne helitöötlusjaam (DAW)

Iga elektroonilise muusika produtsendi seadistuse keskmes on digitaalne helitöötlusjaam (DAW).

Teie DAW on teie peamine tööriist. See on keskne sõlmpunkt, kus kõik teie loomingulised ideed saavad teoks. DAW abil saate oma muusikat salvestada, redigeerida, miksida ja masterdada. Põhimõtteliselt on teil terviklik keskkond elektroonilise muusika tegemiseks, kuidas iganes te soovite.

Kuigi igal produtsendil on oma lemmik DAW, olen jõudnud arusaamisele, et mõned neist on elektroonilise muusika tegemiseks lihtsalt paremad kui teised:

• Ableton Live: Ableton Live'i suur fänn juba kümme aastat, eriti selle intuitiivse sessioonivaate tõttu. See on ka paljude elektroonilise muusika tootjate lemmikprogramm live-esinemiste ja MIDI sekveneerimisvõimaluste jaoks.
• FL Studio: FL Studio on oma kasutajasõbraliku kasutajaliidese ja võimsa mustripõhise sekveneerimisega veel üks raskekahurvägi elektroonilise muusika produtsentidele, kes soovivad alustada massiivse hulga sisseehitatud süntesaatorite ja efektide abil.
• Logic Pro: Nagu enamik Apple'i tooteid, on ka Logic Pro üks terviklikumaid produktsioonipakette ning nagu enamik Apple'i tooteid, on ka see elegantne ja hõlpsasti kasutatav. Lisaks saad alustamiseks ulatusliku helide ja loopide raamatukogu.
• Propellerhead põhjus: Reason pakub oma kvaliteetsete virtuaalsete süntesaatorite, samplerite ja efektidega, mida saab omavahel lõputult ühendada, ehk kõige unikaalsemat ja eksperimentaalsemat lähenemist muusika tootmisele.

Iga DAW pakub midagi unikaalset, kuid see, milline neist toetab teie vajadusi kõige paremini, on täiesti subjektiivne. Soovitan neid kõiki proovida, et näha, milline neist integreerub kõige loomulikumalt teie töövoogudega.

Heliraamatud ja proovipaketid

Järgmisena on meil heliraamatud ja sample-paketid, mis on elektroonilise muusika ehitusplokid. Kas otsite krõbedaid trummikoopaid, kõrvetavaid süntesaatorite liidreid või vanakooli R&B vokaali, mida saate tükeldada ja ümber mängida, on oluline, et teil oleks juurdepääs nendele ressurssidele.

Viimastel aastatel on minust (nagu ka paljudest teistest elektroonilise muusika tegijatest) saanud Splice'i suur fänn. Tellimuspõhise mudeli abil saate krediiti, mida saate vahetada laiaulatusliku, žanrideülese proovide ja loopide kollektsiooni vastu.

Kui sulle meeldib laadida alla täielikke pakette, siis soovitan vaadata Loopmastersi. Nad pakuvad ka laia valikut kvaliteetseid pakette erinevates žanrites, alates vintage trummimasinate proovidest kuni kaasaegsete süntesaatoriteni.

Oleksin hooletu, kui ma ei mainiks ka Native Instruments Komplete' i . Kuigi Komplete ei ole iseenesest proovipakett, pakub Komplete lõputuid instrumentide, efektide ja helide raamatukogu, mis on üldise muusikaproduktsiooni jaoks suurepärane.

Kui soovite kasutada oma heliraamatukogusid ja proovipakette DAW-s, siis soovite mingit tööriista, mis võimaldab teil neid tagasi mängida või nendega erinevalt manipuleerida (aja venitamine, helikõrguse nihutamine jne.) Õnneks on enamik DAW-sid varustatud sisseehitatud samplerite ja trummimasinatega just selleks otstarbeks.

Näiteks Ableton Live'i Sampler ja Drum Rack pakuvad mõlemad võimsaid proovivõtu- ja rütmitootmisvõimalusi ning mõlemal on ulatuslikud modulatsiooni- ja redigeerimisvõimalused.

Kui oled Logic Pro's, saad kasutada Quick Samplerit, mis sobib suurepäraselt erinevate proovivormingute importimiseks ja taasesitamiseks. Samuti on sellega kaasas üsna üksikasjalik redigeerimine ja kohandamine.

Loomulikult on olemas ka kolmanda osapoole võimalusi, näiteks NI Kontakt, millel on sügavalt kohandatav sampler, samuti tohutu helikogu ja kolmanda osapoole laiendused, või Serato Sample, mis võimaldab hõlpsasti proovida muusikat erinevatest allikatest ning kasutada kiireid tükeldamise, ajapikenduse ja kõrguse nihutamise vahendeid.

Pluginad ja virtuaalsed instrumendid

Siin on lõbus osa.

Pluginid ja virtuaalsed instrumendid on elektroonilise muusika tootmisprotsessi võtmekomponendid. See on must auk, mille uurimisega võib tõesti igavesti tegeleda, sest seal on tuhandeid erinevaid efektipluginaid ja VST-sid. Ma ütleksin, et parim asi, mida sa praegu teha saad, on hankida endale mõned eri kategooriate pluginad ja tutvuda nendega nii hästi kui võimalik.

Siin on mõned tüübid, mida tuleks jälgida:

• Süntesaatoripluginad: Genereeri elektroonilisi helisid, kasutades sünteesi (nagu analoogsüntesaatoriga), mis on suurepärased unikaalsete juhtide, basside, padi jne loomiseks.
• Efektpluginad: Parandage või muutke helisid selliste efektidega nagu EQ, compression, reverb, delay, distortion, modulation ja palju muud.
• Sampleri pluginad: Digitaalsete salvestuste või proovide taasesitamine või manipuleerimine.
• Trummimasinapluginad: Emuleerib trummimasinad või samplerid, sobib suurepäraselt löökide ja rütmide mängimiseks või joonistamiseks.
• Sequencer Plugins: Muusika korraldamiseks ja sekveneerimiseks. Need on sageli varustatud täiustatud mustrite ja loopide loomise võimalustega.

Nagu ma ütlesin, võid aastakümneid uurida erinevate arendajate pluginate ja virtuaalsete instrumentide kasutamist ning see, mis võib olla ühe elektroonilise muusika tootja jaoks kohustuslik VST, võib olla teise jaoks flopp. See on sinu asi, et teha uuringuid ja leida need, mis sulle kõige paremini sobivad. Saate isegi uurida selliseid saite nagu Equipboard, et teada saada, mida teie lemmikartistid kasutavad.

Kuid kuna sa oled siin, siis annan sulle mõned oma lemmiksoovitused, mida ma kasutan enamikus oma lugudes, alustades efektide pistikprogrammidest:

• FabFilter Pro-Q 3: Mitte ükski mix ei lähe mööda ilma selle FabFiltri uskumatult mitmekülgse ja kasutajasõbraliku EQ-ga. See sobib suurepäraselt kirurgiliseks ja dünaamiliseks EQ-ks ning sellel on ilus kasutajaliides, mis annab ülevaate sagedusspektrist.
• Valhalla VintageVerb: Tõenäoliselt on minu kõige sagedamini kasutatav reverb plugin, eriti kui ma tahan lopsakat, vintage-inspireeritud reverbe, et lisada sügavust ja ruumi igale loole.
• Soundtoys EchoBoy: Ma ei oska mõelda mitmekülgsemat delay pluginat. Saate rikkalike, analoogse kõlaga viivitusefektide komplekti, mis on piisavalt mitmekesine, et rahuldada kõiki elektroonilise muusika žanre.
• iZotope Ozone: Ozone sisaldab kõike, mida vajate lihvitud, professionaalse kõlaga viimistlemiseks, alates EQ-st ja kompressioonist kuni stereokujunduse ja piiramiseni.
• Xfer Records LFOTool: Kui mul on lugu, mis vajab liikumist, vaatan sageli Xfer Recordsi LFO tööriista, mis pakub lihtsat võimalust lisada tremolo, auto-pan, trance-gate, side-chaini kompressori simulatsiooni ja dubstep-tüüpi wobble-efekte minimaalse vaevaga.
• FabFilter Saturn 2: Veel üks minu lemmik FabFilter pluginad, Saturn 2 on tohutu valik moonutamise, küllastuse ja võimendi modelleerimise efekte, suurepärane, kui teie lood vajavad soojust või griti.

Mis puutub virtuaalsetesse instrumentidesse, siis siin on mõned, mida ma soovitan uurida, eriti kui soovite eelkõige mitmekülgsust:

• Xfer Records Serum: See wavetable-süntesaator on üks elektroonilise muusika tootmise tipptasemel tarkvarainstrumente, mis pakub ühed kõrgeima kvaliteediga heli ja kõige paindlikumaid helidisaini võimalusi turul.
• Native Instruments Massive X: Massive sai elektroonilise muusika tootmise põhitegevuseks, kui dubstep tuli lavale, ja NI lükkas Massive X-iga veelgi kaugemale. See on minu jaoks alati vajalik, kui vajan sügavaid ja võimsaid basse ja liidreid.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 võib olla üks kõige mitmekülgsemaid tarkvarainstrumente turul oma massiivse heliraamatukoguga ja lõputute sünteesi stiilidega. Keyscape on samamoodi mängumuutlik modelleeritud klaverite ja klahvpillide jaoks.
• Native Instruments Battery 4: Minu peamine trummide ja löökpillide sampler on praegu Battery 4. Sellel ei ole mitte ainult suur kogus kit'e ja sample'id kõikide elektroonilise muusika žanrite jaoks, vaid see pakub ka sügavat redigeerimis- ja lihtsat taasesitamisvõimalust, kui sa laadid üles oma sample'id.
• Arturia V Collection: Arturia V Collection on täpselt modelleeritud vintage-süntesaatorid ja klahvpillid. Kui teil ei ole ligipääsu analoog riistvarale, on see kollektsioon ideaalne klassikaliste toonide lisamiseks teie lugudele.
• Spitfire Audio LABS: Ma hakkasin hiljuti uurima LABSi ja mulle meeldib iga nende väljaanne. See on pidevalt kasvav seeria kvaliteetseid, tasuta instrumente alates keelpillidest kuni vokaalideni ja eksperimentaalsete helideni, mis sobivad ideaalselt teie muusikasse ainulaadsete tekstuuride lisamiseks.

Kui jätkate elektroonilise muusika loomist, siis armute teatud pistikprogrammidesse ja virtuaalsetesse instrumentidesse, kuigi ma kutsun teid tungivalt üles uurima ja uute versioonidega kursis olema, sest silmapiiril on alati midagi põnevat.

MIDI klaviatuur või kontroller

MIDI, mis tähendab "Musical Instrument Digital Interface", on elektroonilise muusika keel.

See on tehniline standard, mis võimaldab elektroonilistel muusikainstrumentidel, arvutitel ja muudel seadmetel omavahel suhelda, kontrollida ja sünkroonida. Me kasutame seda, et aidata erinevatel digitaalsetel muusikaseadmetel omavahel suhelda. Lisateavet selle toimimise kohta leiad meie MIDI-juhendist.

Nüüd, kui sa saad oma DAW-s MIDI-nooti joonistada, kasutades hiirt või arvuti klaviatuuri, on MIDI-klaviatuuri või kontrolleri kasutamine palju tuntavam ja väljendusrikkam. Klaviatuuri või kontrolleri abil saate mängida meloodiaid, trummirütme ja juhtida süntesaatoreid DAW-s reaalajas, andes teile vahetu tagasiside ja intuitiivsema viisi elektroonilise muusika loomiseks.

Minu jaoks on riistvara, mida saan kasutada muusika loomiseks, mis toob inimliku puudutuse tagasi digitaalsesse protsessi.

Siin on mõned MIDI-klaviatuurid ja kontrollerid, mida soovitan uurida: need vastavad erinevatele vajadustele ja eelarvele:

• Akai MPK Mini MkIII: Kui soovid kompaktset ja taskukohast, siis on see kontroller ideaalne. Hind on algajatele kergesti vastuvõetav ja 25 miniklahvi kasutajaliides on suurepärane neile, kellel on piiratud stuudiopind. Lisaks saate määrata padjaid ja nuppe, mis suurendavad mitmekülgsust!
• Novation Launchkey seeria: Kuigi see on loodud Ableton Live'i jaoks, võib Launchkey seeria töötada mis tahes DAW-ga. See pakub täissuuruses klahve, pade, nuppe ja faderid, et kontrollida kõiki elektroonilise muusika tootmise aspekte.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential saavutab hea tasakaalu funktsioonide ja taskukohasuse vahel ning sobib ideaalselt Arturia tarkvaralise instrumentide kollektsiooniga integreerimiseks. Klahviplaat tundub suurepärane ja DAW-juhtimisseadmeid on palju, et muuta mängukogemus käepärasemaks.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-seeria: Kui kasutate sageli Native Instruments'i tarkvara, ei ole paremat valikut integreerimiseks. S-seeria klaviatuurid pakuvad kvaliteetset klaviatuuri koos aftertouchiga ning üht kõige intuitiivsemat sirvimis- ja parameetrikontrollisüsteemi turul.
• ROLI Seaboard Block: See klaviatuur on MIDI-kontrollerite turu must lammas, kuid kui soovite minna kaugemale traditsioonilisest klaviatuurimängust, siis Seaboardi ekspressiivne mängupind hõlmab puutetundlikkuse viit mõõdet viisil, mida ükski teine klaviatuur ei ole suutnud saavutada.

Jällegi, need on vaid mõned minu lemmikud, kuigi on palju teisi MIDI-klaviatuure ja kontrollereid, mis toovad lauale midagi unikaalset, olenemata sellest, kas te peate esmatähtsaks kaasaskantavust ja taskukohasust või mitmekülgsust ja sügavat tarkvaraintegratsiooni.

Proovige võimalusel erinevaid ja vaadake, mis sobib teie töövoogudega kõige paremini.

Trummimasinad ja samplerid

Kuigi ma ei arva, et trummimasinad ja samplerid on tänapäeval elektroonilise muusika tootmisel "must-haves", on need olulised tööriistad, mida tuleb tunnustada, sest nad on olnud elektroonilise muusika tootmise selgroog alates nende loomisest.

Nende instrumentide ajalugu on pikk ja paljud ikoonilised mudelid on kujundanud tervete žanrite kõla. Näiteks Roland TR-808, mis tuli välja 80ndate alguses, sai hip-hopi sünonüümiks. Kuula Afrika Bambaataa lugu "Planet Rock" ja kuuled selle trummimasinate kuulsuse tõusu üht esimestest näidetest.

Samamoodi muutis Akai MPC, mis oli sampleri ja sekveneerija kombinatsioon, revolutsioonilise viisi, kuidas produtsendid biite tegid. J Dilla on üks parimaid näiteid legendaarsest beatmakerist, kes muutis MPC abil elektroonilise muusika tegemise viisi.

Riistvaraliste trummimasinate ja samplerite kasutamise ilu nende virtuaalsete kolleegidega võrreldes seisneb selles, et saad taktilise kogemuse ja analoogse heli. Mina, nagu ka paljud teised produtsendid, pean füüsilist suhtlemist nuppude, pade'ide ja faderitega palju inspireerivamaks.

Lisaks võivad riistvara ainulaadsed helilised omadused ja piirangud ergutada hetkelist loovust, Muidugi on ka live-esituse aspekt, ja pole kahtlust, et riistvara teeb usaldusväärsema ja visuaalselt kaasahaaravama komplekti.

Kuigi te peaksite kindlasti vaatama, mida mõned teie lemmikartistid ja produtsendid kasutavad, et alustada oma kollektsiooni loomist, on siin mõned minu lemmik trummimasinad ja samplerid, mida ma tihtipeale teistele soovitan:

• Roland TR-8S: Kui te olete nagu enamik tootjaid ja teil ei ole tuhandeid dollareid kulutada originaal TR-08, siis soovitan vaadata TR-8S-i. See suhteliselt hiljutine Rolandi väljaanne pakub klassikalisi TR-seeria trummimuusika helisid koos proovide taasesitamise võimalustega, mis teeb sellest mitmekülgse tööriista nii live-esitluseks kui ka stuudiotööks.
• Elektron Digitakt: See kompaktne trummimasin ja sampler on üks minu lemmikvalikutest. Sellel on metsikult võimsad sekveneerimisvõimalused ja hulgaliselt sisseehitatud helidisaini tööriistu.
• Akai MPC Live II: MPC Live II on tänu sisseehitatud kõlaritele ja laetavale akule suurepärane MPC tööprotsessiks ja eraldiseisvaks paindlikuks tootmiseks liikvel olles.
• Korg Volca Sample: See taskukohane ja kompaktne sample sekventser sobib ideaalselt algajatele, sest see pakub hulgaliselt maksimumpotentsiaali ning omab hulgaliselt funktsioone ja ühendusvõimalusi reaalajas groove'i tegemiseks.
• Dave Smith Instruments Tempest: Kuigi see on aastate jooksul olnud üsna vastuoluline, on see Dave Smithi ja Roger Lini koostöös valminud trummimasin üks minu lemmikvalikutest võimsa analoogtrummimasinasoundi saamiseks.

Riistvara teeb suurt tagasitulekut, mistõttu igaüks, kes õpib elektroonilise muusika tootmist, peaks uurima ka seda osa tööriistakojast. Isegi kui sul ei ole tohutut eelarvet, on seal ikkagi palju võimalusi!

Audio liides

Kindlasti võid elektroonilise muusika tootmise õppimisega hakkama saada ainult oma sülearvutiga, kuid kui soovid oma elektroonilise muusika tootmise seadistusega tõsiselt tegeleda ja ehitada silda oma instrumentide, mikrofonide ja arvuti vahel, on sul vaja audioliidest.

Lühidalt öeldes muundab audioliides analoogsignaalid digitaalseteks audioandmeteks, mida teie DAW saab töödelda, ja vastupidi. Lisaks muundamisele võib audioliides ka märkimisväärselt parandada teie salvestuste helikvaliteeti võrreldes enamiku arvutite sisseehitatud audiosisendite ja -väljunditega ning pakkuda selliseid olulisi funktsioone nagu mikrofoni eelvõimendid, otsese jälgimise võimalus viivitusteta salvestamiseks ning mitu sisendit ja väljundit erinevate audioallikate ja välisseadmete ühendamiseks.

Heliliideseid on igasuguse kujuga ja suurusega, kuid kui te ei ole kindel, kust alustada, siis siin on mõned valikud eri eelarvete jaoks:

• Eelarvesõbralik :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3. põlvkond): Üks peamisi soovitusi algajatele, kes soovivad kvaliteetsete eelvõimenditega ja vastupidava konstruktsiooniga liidese.
  • Behringer U-PHORIA UM2: äärmiselt taskukohane valik, mis pakub kõiki põhitõdesid, mida on vaja koduse salvestamise alustamiseks.
• Mid-Range :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: laitmatu helikvaliteet ja reaalajas UAD töötlus, mis on ideaalne, kui soovite oma tootmistegevust tõhustada.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Pakub head tasakaalu funktsioonide ja hinna vahel ning pakub mitmeid sisendeid/väljundeid ja madalat latentsust.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: tuntud oma usaldusväärsuse, erakordse helikvaliteedi ja madala latentsuse poolest, mis sobib väikestesse professionaalsetesse stuudiotesse.
  • Apollo x4 by Universal Audio: nelja Unison-eelvõimendi, UAD-2 Quad Core töötluse ja suurepärase konverteerimise abil saate UAD-i riistvara parimad omadused.

Teie jaoks õige audioliides sõltub teie konkreetsetest vajadustest.

Kui salvestate näiteks mitut mikrofoni korraga, on vaja arvukaid sisendeid ja väljundeid. Kui olete aga palju liikvel, võib suurimaks müügiargumendiks olla kaasaskantavus. Sõltumata sellest, on audiointerfääri investeerimine hädavajalik, kui soovite oma muusika kvaliteeti tõsta.

Kõrvaklapid või stuudiomonitorid

Kui hakkate ise muusikat tegema, on teil vaja midagi, millega seda kuulata.

Üks esimesi asju, mille üle te peate otsustama, on see, kas investeerida kõrvaklappidesse või stuudiomonitoridesse. Mõlemal on muusikaproduktsioonis oma kindel eesmärk ja tegelikult on mõlema olemasolu parim valik.

Stuudiomonitorid annavad täpsema ettekujutuse helistruktuurist ruumis, mis võimaldab teil mõista, kuidas teie muusika reaalses keskkonnas mõjub. Samuti pakuvad need ruumilist ja ruumilist perspektiivi teie segu kohta, aidates teil teha teadlikke otsuseid paanitamise, sügavuse ja stereokujunduse kohta.

Kõrvaklapid seevastu pakuvad detailsust ja eraldatust. Need sobivad suurepäraselt peente nüansside tuvastamiseks segus, mis võivad kõlarite puhul jääda tähelepanuta, nagu näiteks madala taseme müra või klõpsatused ja popid. Kõrvaklapid on olulised ka hilisõhtustel sessioonidel või kui töötate töötlemata ruumides, kus te ei saa kõlarite kaudu täpselt jälgida.

Mõlema vahendi olemasolu on väga kasulik, sest see aitab teil näha, kuidas teie segu erinevates kuulamiskeskkondades kõlab, nii et te teate, et teie muusika kõlab suurepäraselt paljudes erinevates taasesitussüsteemides.

Siin on mõned minu soovitused igaühe kohta:

Kõrvaklappide soovitused:

• Eelarve: Audio-Technica ATH-M40x - Suurepärane helikvaliteet ja vastupidavus taskukohase hinnaga.
• Keskmine vahemik: Beyerdynamic DT 770 PRO - tuntud oma üksikasjaliku, tasakaalustatud heli ja mugavuse poolest. Mulle meeldib neid kasutada pikkade miksimisseansside jaoks.
• High-End: Sennheiser HD 650 - tipptasemel avatud seljaga stuudiokõrvaklapid suurepärase loomuliku helitruuduse ja täpse bassivastusega.

Stuudio monitori soovitused:

• Eelarve: Presonus Eris E3.5 - Ülimalt kompaktne ja taskukohane, kuid samas selge ja täpne heliprofiil väikestele kodustuudiotele.
• Keskmine vahemik: Yamaha HS5 - ideaalne lame reageering ja suurepärane heli taasesitus, eriti töötlemata ruumides segamisel.
• High-End: Adam Audio A7X - sobib suurepäraselt professionaalsetele muusikaprodutsentidele ja inseneridele, kes soovivad täpset bassivastust ja üksikasjalikke ülemisi sagedusi.

Kui ma alustasin elektroonilise muusika tootmist, töötasin umbes aasta aega kõrvaklappidega, enne kui ma oma stuudio seadistust uuendasin, nii et kui stuudio monitorid ei kuulu praegu teie helitootmise eelarvesse, siis ma ei muretseks selle pärast liiga palju. Kui kuulete ainult kõrvaklappidega, siis tehke kindlasti sagedasi pausid, et säilitada perspektiivi ja hoida kõrvu väsimuse eest.

Kuidas teha elektroonilist muusikat

Elektroonilise muusika tootmine on suur. Kindlasti ei saa ma lubada teile, et seda artiklit lugedes hakkate seda kunsti omandama, kuigi ma saan loodetavasti anda teile ülevaate oma kogemustest elektroonilise muusika tootmisel viimase kümne aasta jooksul ja te saate seda kasutada inspiratsioonina oma teekonnal.

Mulle meeldib mõelda muusika loomise protsessist kolmes etapis:

1. Ideed: Esimeses etapis visandate oma esialgsed ideed, katsetate helide ja mustritega ning kogute ideid või inspiratsiooni teistelt kunstnikelt, kes teile meeldivad.
2. Korraldus: Kui olete oma ideed kirja pannud, saate neid struktureerida ühtseks vooluks, luues pala, mis viib kuulaja teekonnale algusest lõpuni.
3. Täpsustamine: See on miksimise ja masterdamise faas, kus te lihvite oma lugu ja veendute, et kõik elemendid sobivad hästi kokku.

Oluline on märkida, et iga tootja läbib need etapid omamoodi.

Mõned võivad alustada meeldejääva meloodiaga ja ehitada selle ümber, samas kui teised hakkavad mõned proovid üles ja peksavad MPC-l laheda sekventsi. Teised võivad võtta traditsioonilise lähenemisviisi ja kasutada standardset pop-arranžeeringu struktuuri, et ehitada lugu üles algusest peale, alustades trummidest, siis bassist, siis kitarrist ja nii edasi.

Elektroonilise muusika tootmise ilu seisneb selles lähenemisviiside mitmekesisuses.

Kuigi ma jagan meetodit, mis minu jaoks kõige paremini toimib, pidage meeles, et ei ole olemas ühtset protsessi, mis sobiks kõigile. Küsimus on selles, kuidas leida tööprotsess, mis süttib teie loovust ja võimaldab ideedel vabalt voolata.

Oma heli leidmine

Kui õpid esimest korda elektroonilist muusikat tegema, võib kõige raskem osa olla oma heli leidmine.

"Elektroonilise muusika" all on nii palju alamžanre ja igal neist on oma unikaalne helide, rütmide ja struktuuride palett. Siin on mõned populaarsed alamliigid, et nimetada vaid mõned neist:

• Maja
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligent Dance Music)
• EDM (elektrooniline tantsumuusika)
• Trance
• Trumm ja bass
• Tulevane bass

Uue produtsendina arvan, et võtmeks oma heli avastamisel selles mitmekesisuses on uurimine ja eksperimenteerimine.

Sukeldu sügavuti erinevatesse alaliikidesse, mitte ainult kuulajana, vaid ka õpilasena. Loo lühikesi palasid või biite, mis on inspireeritud erinevatest stiilidest, et näha, mis sind kõnetab ja mis paneb su loomingulised mahlad voolama. Võid proovida ka koostööd teiste produtsentidega, kes võivad pakkuda uusi vaatenurki ja inspireerida suunda, mida sa üksi ei oleks võinud kaaluda.

Selline lähenemine nõuab aktiivset kuulamist. See on üks võimsamaid vahendeid iga alaliigi nüansside mõistmiseks. Kui kuulate lugu, püüdke seda lahti mõtestada: tuvastage selle heli määratlevad põhielemendid, alates tempost ja trummimustritest kuni süntesaatorite valikute ja arranžeeringu struktuurini. Pöörake tähelepanu sellele, kuidas on kujundatud pinge ja vabanemine, kuidas lugu aja jooksul areneb ning milliseid emotsioone või atmosfäärid tekitab.

Tänaseni on analüütiline lähenemine kuulamisele üks minu lemmikviise, kuidas laulu kohta rohkem teada saada.

Aluskoosseisu saavutamine

Elektroonilise muusika keskmes on groove, mille me sageli saame trummidest ja löökpillidest.

BPM (Beats Per Minute) mängib kriitilist rolli alamliigi määratlemisel ja kuigi alati saab eksperimenteerida, on enamikul kuulajatel teatud tüüpi elektroonilise muusika kuulamisel ootused.

Näiteks techno jääb tavaliselt vahemikku 120-135 BPM, ja sellel on neli-põhjaline kick-trummimuster, samas kui traditsiooniline house-muusika on sageli hingelähedasem ja ülestõstev vibes, jäädes vahemikku 120-130 BPM, pisut funky ja groovy trummimustriga.

Dubstep, mis on tuntud oma raskete basside ja sünkoopiliste groovide poolest, on tavaliselt 140 BPMi ringis, mis loob veidi ruumi nende ikooniliste, kaalukate poolaegsete trummimustrite jaoks.

Drum and bass läheb veelgi kaugemale, peaaegu 160-180 BPM, kasutades kiirendatud breakbeat-rütme, mis pakuvad intensiivsemat ja kaootilisemat energiat.

Loomulikult on meil ka ambientne elektrooniline muusika, mis loobub traditsioonilistest trummilöökidest ja loobub voolavamast, arenevast tekstuurist. Mõnikord puuduvad trummid üldse. Pigem keskendutakse rohkem atmosfäärilise maastiku loomisele.

Nende alamžanrite tüüpiliste tempode ja trummimustrite tundmine aitab teil oma lugusid žanrikonventsioonidega vastavusse viia. Muidugi, nagu ma ütlesin, ärge kartke eksperimenteerida tempo ja rütmiga, et leida oma unikaalne kõla!

Oma rütmi koostamine

Ma olen alati arvamusel, et trummidest alustamine on elektroonilise muusika tootmise kindel strateegia.

Rütmisektsioon võib panna aluse loo tempole ja energiale ning luua groove'i, millesse ülejäänud elemendid saavad lülituda. Mõtle sellest kui loo selgroo rajamisest.

Kuigi elektroonilised laulud võivad üksteisest üsna drastiliselt erineda, on enamiku trummigruppide põhikomponendid kick, snare või clap, hi-hatid ja täiendavad löökpillid, mis võivad lisada veidi maitset ja tekstuuri.

Kui hakkate ise trummilööke tegema, võite kasutada mitmeid lähenemisviise:

• Trummiproovivõtjate kasutamine: Native Instruments' Battery 4 suur fänn, sest sinna saab laadida oma trummisampleid ja luua MIDI-gruuve algusest peale.
• Pauside, tsüklite ja proovide pööramine: Breakbeatide ja loopide tükeldamine on vanakooli lähenemine, kuid see on endiselt elektroonilise muusika tegemise ja uute ideede inspireerimise põhikomponent.
• Referentslugude kuulamine: Soovitan veeta aega, analüüsides trummide groove'i, mis teile meeldivad, ja püüdes neid jäljendada. Pöörake tähelepanu erinevatele kihtidele, svingile või sirgele ajastusele ja sellele, kuidas rütm täiendab pala üldist tunnetust.

Vaatame, kuidas võiksite luua lihtsa house beat'i:

1. Alusta Kick Drumiga: Leia ideaalne house'i stiilis kick ja aseta see igale takti löögile (1, 2, 3, 4), et saada see ikooniline four-on-the-floor rütm.
2. Lisage klapp või Snare: Kihiline clap või snare 2. ja 4. lööki, et alustada groove'i ehitamist.
3. Hi-Hatside lisamine: Lisage suletud hi-hatid iga löögi ja snare'i löögi vahele, et saavutada ühtlane, hoogne rütm. Kui soovite sujuvamat tunnet, võite kasutada kaheksandiknoote.
4. Lisage löökriistad: Et oma groove'ile lisate vürtsi, võite lisada mõned löökriistad, näiteks šakerid või tamburiinid.
5. Eksperimenteeri loopidega: Kui ma tahan oma groove'ile lisatekstuuri, siis panen tihti peale loopitud löökriistad või top loopi, et seda täita.

Rütmi loomine on sama palju eksperimenteerimisest kui valemite järgimisest, nii et mängige kõigi nende elementidega ja kohandage neid oma maitse järgi.

Bassiliini paigaldamine

Bassiliini panemine on koht, kus teie lugu hakkab tõeliselt hoogu koguma. Bass peaks täiendama sinu trummigruuvi, kuid ühendama su muusika rütmilisi ja harmoonilisi elemente, mida me veidi hiljem lähemalt käsitleme.

Siin on lihtsustatud lähenemine huvitava bassiliini loomiseks:

1. Valige oma heli: Alustage oma žanrile sobiva bassiheli valimisega. Sünteebassid on mitmekülgsed ja neid saab ulatuslikult kujundada, samas kui sampled bassid võivad lisada teie loole tõelist tekstuuri. A
2. Kujundage groove: Alustage baasmustriga, mis järgib teie trummi groove'i, seejärel katsetage sünkoopiate või lisanootidega, et tekitada rütmi ja huvi. Soovitan kuulata teiste elektrooniliste lugude bassiridu, mis teile meeldivad, ja vaadata, milliseid tehnikaid nad kasutavad.
3. Muutke oma märkmeid: Ärge kartke kõrvale kalduda põhinoodist. Võite uurida skaala erinevaid noodivalikuid. Ei ole kindel, kuidas rakendada skaalasid muusikateooria alusel? Vaadake mõnda meie teemakohast blogi.
4. Kihiline subbass: Kui teie bass vajab natuke rohkem "oomph" madalaid helisid, võite lisada selle alla puhta, siinuslainepõhise subbassi. Veenduge, et see on häälestatud ja rütmiliselt kooskõlas teie põhibassiga.

Ükskõik, milline on teie lähenemine, teadke, et bassiliin on iga elektroonilise muusikapala põhielement, seega võtke aega selle täiustamiseks ja ärge kartke teha muudatusi, kuni leiate täiusliku groove'i.

Teie akordide korraldamine

Järgmisena soovite alustada oma pala akordiprogressiooni väljatöötamist. Teie akordid on selleks, et luua emotsionaalne alus, millele te ehitate oma meloodia ja muud tekstuurid. Neil on võime esile kutsuda teatud meeleolusid, luua pingeid ja vabaneda ning juhatada kuulajat läbi jutustuse.

Loomulikult võib viis, kuidas me akordidele läheneme, žanriti oluliselt muutuda. Näiteks ambient-elektroonilises muusikas võivad näiteks lopsakad, pikad akordiprogressioonid olla head sügavustunde loomiseks, samas kui house'is või technos võib olla parem valik lihtsamad akordipulgad ilma suurema harmoonilise liikumiseta.

Kuigi te ei pea olema muusikateooria ekspert, aitab teooria põhjalik tundmine teil teha teadlikumaid otsuseid akordide häälestuse ja progresseerimise kohta. Muusikateooria ilu seisneb selles, et see tähendab reeglite tundmist, et sa saaksid neid rikkuda. Lisaks annab see sulle võimaluse teatavaid emotsioone ja ideid oma muusika kaudu edasi anda,

Kui soovite rohkem teada muusikateooriast, vaadake meie juhendit akordiprogressioonide loomiseks .

Meloodia kirjutamine

Mis on siis meloodia?

Kõige lihtsamalt öeldes on see nootide jada, mis on muusikapala põhiteema või keskne punkt.

See on osa loost, mida kuulajad kõige rohkem mäletavad, mis tähendab, et hea meloodia peaks olema meeldejääv. Muusikateoreetilisest vaatenurgast peaks see sobima ka teie pala harmoonilisse konteksti.

Üks peamisi asju, mida meeldejääva meloodia loomisel arvestada, on korduse jõud.

Korduv motiiv või fraas on suurepärane viis, kuidas kinnistada oma lugu ja anda kuulajale sidususe tunne, kuigi sa pead hoiduma ka liiga palju kordusi kasutamast, sest meloodia võib lõppkokkuvõttes kõlada monotoonselt.

Soovitan aktiivselt kuulata tugevate meloodiatega muusikat, et saada inspiratsiooni.

Analüüsige, kuidas need meloodiad on üles ehitatud, pange tähele, kuidas nad akordide ja rütmiga suhtlevad ning kuidas nad kasutavad kordusi ja variatsioone liikumise ja emotsioonide loomiseks. Saate neist lauludest inspiratsiooni ammutada ka ilma otsese plagieerimiseta, nagu artistid on teinud aegade algusest peale. Kõik on üles ehitatud millegi varasemast.

Kõike kokku sidudes

Järgmisena tahate hakata leidma viise, kuidas siduda kõik oma raja elemendid kokku.

Kuigi elektroonilise muusika struktuur võib varieeruda, järgib enamik popstiilis elektroonilisi lugusid standardset struktuuri, millel on algusest lõpuni tõusud ja mõõnad.

Sissejuhatusest võite liikuda salmidesse, kus lugu hakkab arenema. See võib viia refrääni eelsesse või ülesehitusse, et suurendada pinget refrääni, konksu või tilkumiseni, mis on loo kulminatsioonipunktiks.

Sealt edasi võid lisada soolosektsiooni, et näidata mingit süntesaatorit või vokaaliliini, või sildi kontrasti või mõtiskluse hetkeks enne lõplikku refrääni, drop'i või outro't.

Miksimine ja mastering

Lõpuks jõuame miksimise ja masterdamiseni, mis on kriitilised etapid järelproduktsiooniprotsessis. Siinkohal tuleks keskenduda sellele, et muuta teie üksikute lugude kogumik ühtseks, viimistletud muusikapalaks, mis on mõeldud avaldamiseks.

Miksimisel on eesmärk tasakaalustada helitasemed, paanida eri instrumente stereoväljas, rakendada EQ-d, et kõrvaldada sageduskonflikti, kompressiooni, et ühtlustada dünaamikat, ning kasutada efekte, nagu järelkaja ja viivitus, et luua kolmemõõtmelist sügavust.

Mastering on viimane samm, kus segatud lugu lihvitakse ja valmistatakse ette levitamiseks. Selles etapis häälestate üldist heli, veendute, et laulud on kogu albumi või EP puhul ühtsed, kui te loote projekti, ja kontrollige, et muusika kõlab kõige paremini erinevates taasesitussüsteemides.

Mõlemad protsessid nõuavad üksikasjalikku kõrva ja sügavat arusaamist sellest, kuidas heli käitub, ning kuigi te võite kindlasti arendada oma oskusi piisavalt, et ise oma lugusid miksida ja masterdada, on tavaliselt kasulik, kui keegi teine täidab neid ülesandeid, kui te alles alustate, sest on hea, kui keegi on värske kõrvaga ja spetsiaalsete seadmetega.

Parimad ressursid elektroonilise muusika õppimiseks

Lisaks sellele artiklile on elektroonilise muusika tegemine pidev õppimisprotsess, mis hõlmab palju katsetusi ja eksperimente. Õnneks on olemas lugematuid ressursse, mis on mõeldud kõikide tasemete produtsentidele, sealhulgas:

Siin on nimekiri erinevatest ressurssidest ja sellest, miks need on kasulikud teie teadmiste ja oskuste laiendamiseks:

• Online-õpikud ja -kursused: Platvormid nagu Skillshare, Udemy ja Coursera pakuvad elektroonilise muusika kursusi, mida õpetavad valdkonna spetsialistid ja mis võivad ulatuda algajatest kuni edasijõudnuteni.
• YouTube'i videod: Kanalid nagu Point Blank Music School ja ADSR Music Production Tutorials pakuvad lõputuid tasuta õpetusi, näpunäiteid ja tehnikaid muusika tegemise protsessi erinevate aspektide kohta, mis sobivad ideaalselt visuaalsetele õppijatele.
• Foorumid ja veebikeskkonnad: Sellised kogukonnad nagu Gearslutz, Redditi r/edmproduction ja KVR Audio on suurepärased teiste produtsentidega suhtlemiseks, muusika jagamiseks, tagasiside saamiseks ja tootmistehnikate arutamiseks.
• DAW-spetsiifilised ressursid: Enamikul DAW-del on ametlikud foorumid, õpetused ja dokumentatsioon. Ma olen suur fänn Abletoni Learning Music'i veebisaidile, kus on lõputult DAW-spetsiifilisi näpunäiteid, nippe ja juhendeid.

Meie blogi on täis kasulikke vahendeid elektroonilise muusika tegemiseks, olgu selleks siis muusikateooria õppimine, muusikatööstuse toimimine või lugude arranžeeringu käsitlemine.

Lõplikud mõtted

Elektroonilise muusika tegemise õppimine ei ole midagi, mida saab teha üleöö.

Lõppkokkuvõttes on lõppeesmärk luua lugu, mis paneb sind midagi tundma - lugu, mille üle sa võid uhke olla. Muusika areneb pidevalt, seega ei ole põhjust end mingite reeglite külge siduda. Kuid ülaltoodud vahendite ja nende kasutamise mõistmine võib aidata sul luua midagi, mis on elektroonilise muusika laias maailmas nii ilus kui ka ainulaadne.