Entre as inúmeras formas de criar sons utilizando a síntese, a síntese aditiva e subtractiva são dois dos quatro pilares principais, juntamente com a síntese FM e a síntese wavetable.

Compreender os conceitos básicos de cada método pode ajudá-lo a estabelecer uma base para uma ligação mais profunda com a sua música e os seus sintetizadores (tanto de software como de hardware), permitindo-lhe articular precisamente o que ouve no ouvido da sua mente.

Neste guia, vamos aprofundar a síntese aditiva e subtractiva, para que possa começar a utilizar estas técnicas para moldar os seus sons e abrir novas portas à expressão criativa.

O que é a síntese aditiva?

Gosto de pensar na síntese aditiva como uma pintura com uma tela em branco. Para obter o som desejado, é preciso adicionar meticulosamente um traço de cada vez. Neste caso, estes traços são harmónicos. Este método funciona com base no princípio de que qualquer som complexo pode ser dividido nos seus componentes fundamentais, que são ondas sinusoidais puras em várias frequências, amplitudes e fases.

A síntese aditiva funciona através da construção de som a partir do zero, o que proporciona um grau bastante elevado de controlo e precisão.

Claro que pode estar a pensar,

O que são os harmónicos?

Na sua definição mais simples, os harmónicos são essencialmente as frequências múltiplas que compõem um som. Cada harmónica é um tom puro ou uma onda sinusoidal, que contribui para o timbre e o carácter geral do som. O primeiro harmónico, ou a frequência fundamental, determina o tom que percebemos, enquanto os harmónicos subsequentes (sobretons) acrescentam textura, riqueza e cor.

Na síntese aditiva, os harmónicos são os pequenos componentes que podemos esculpir e manipular para criar sons únicos.

O processo começa com o silêncio. A partir daí, podemos adicionar seletivamente harmônicos e ajustar suas freqüências, amplitudes e fases para criar o som desejado. A única desvantagem para a natureza meticulosa da síntese aditiva, entretanto, é que ela pode ser tanto intensiva em CPU quanto exigente em termos de nossa compreensão da estrutura sonora.

Uma história da síntese aditiva

A história da síntese aditiva pode ser rastreada até um dos instrumentos musicais mais antigos e majestosos da humanidade: o órgão de tubos da igreja. Este grande instrumento incorporou os princípios da síntese aditiva muito antes do termo ser cunhado, pois combinou tubos diferentes, cada um dos quais produziu um único tom, para criar um som mais completo e mais complexo.

Ao puxar vários batentes, os organistas podiam efetivamente sobrepor estes tons, controlando a mistura de harmónicos em tempo real, um processo notavelmente semelhante à síntese aditiva moderna.

Este conceito de construção de sons a partir de componentes individuais foi revolucionado e tornado mais acessível com o advento do órgão Hammond na década de 1930. O Hammond diferia do órgão de tubos tradicional em vários aspectos, nomeadamente na forma como gerava o som. Em vez de se basear na passagem de ar através de tubos, utilizava rodas de ressonância para criar as suas oscilações, o que produzia um som mais rico e algo mais complexo. O Hammond também introduziu barras de tração, para que os músicos pudessem manipular o seu som de uma forma reminiscente do que a síntese aditiva se tornaria, embora com um conjunto fixo de escolhas harmónicas em vez das possibilidades infinitas.

O salto para a verdadeira síntese aditiva em instrumentos electrónicos foi marcado pela introdução do Kawai K5 no final dos anos 1980. O K5 foi um dos primeiros sintetizadores digitais a usar a síntese aditiva como seu método de geração de som principal. Ao contrário dos seus predecessores, o K5 permitiu aos utilizadores manipularem harmónicos individuais diretamente, oferecendo um nível de controlo sem precedentes.

Com este sintetizador, podia esculpir sons ajustando a amplitude, frequência e fase de até 128 harmónicos em tempo real, o que abriu o caminho para o design de som intrincado e detalhado que define a síntese aditiva de estilo de software atualmente.

Síntese aditiva na era digital

A síntese aditiva sofreu uma séria transformação no ouvido digital, muito da qual foi impulsionada pelo puro poder de computação. Atualmente, é possível encontrar uma infinidade de sintetizadores de software que aproveitam o poder e as possibilidades da síntese aditiva. Aqui estão alguns dos meus favoritos:

Logic Pro - Alquimia

Outrora um sintetizador autónomo, a Apple acabou por integrar o Alchemy no Apple Logic Pro. Este sintetizador possui um motor aditivo robusto com uma mistura de amostragem e síntese. É particularmente forte para a transformação entre sons.

Para além das suas capacidades de síntese espetral e aditiva, encontrará uma enorme biblioteca de fontes e efeitos, tornando-a uma ferramenta versátil para criar pads exuberantes e leads dinâmicos.

Linha de imagem - Harmor

O Harmor adopta uma abordagem abrangente ao design de som, exatamente como o que se espera do Image-Line. Leva a síntese aditiva para o nível seguinte ao integrar a síntese de imagem, onde pode literalmente transformar imagens em som, oferecendo uma ponte única entre os meios visuais e auditivos.

As capacidades de re-síntese também lhe permitem manipular sons existentes a um nível harmónico, tornando-o uma ferramenta poderosa tanto para criar novos sons como para transformar áudio samplado.

Native Instruments - Razor

O Razor é um dos meus sintetizadores aditivos favoritos. Ele criou um nicho no mercado de sintetizadores digitais com seu design ultra-moderno e de ponta. Feito com o produtor de hoje em mente, ele oferece sons nítidos, ricos e imensamente detalhados.

A interface é lindíssima e fornece toneladas de feedback visual que torna o intrincado processo de moldar os harmónicos intuitivo e envolvente. Na verdade, uma das principais características do Razor que eu adoro é a sua capacidade de manipular o som num ambiente visualmente imersivo. Além disso, com uma gama dinâmica de filtros, efeitos e moduladores, é possível criar tudo, desde baixos agressivos ao estilo Hans Zimmer até pads flutuantes e etéreos. É capaz de ser um dos sintetizadores mais versáteis do mercado atual.

O que é a síntese subtractiva?

Afastando-nos do mundo rico e estratificado da síntese de som aditiva, encontramo-nos no reino sagrado da síntese subtractiva, uma linguagem de sintetizador que moldou os sons de inúmeros discos.

Enquanto a síntese aditiva constrói sons através da sobreposição de harmónicos, a síntese subtractiva adopta a abordagem oposta.

Começa-se com uma forma de onda harmonicamente rica, como uma onda quadrada, dente de serra ou de pulso, e esculpe-se as frequências usando filtros, LFOs e geradores de envelope para moldar o som. Pense nisso como esculpir mármore, onde você remove o material para revelar a forma interna.

A síntese subtrativa pode assumir muitas formas, embora tenha sido celebrada há muito tempo por seus sons quentes e ressonantes que ela produz. Um exemplo quintessencial da síntese subtrativa no trabalho é na faixa icônica "Jump" do Van Halen. A linha de sintetizador principal memorável da música foi tocada em um Oberheim OB-Xa, que indiscutivelmente se tornou um dos sintetizadores de hardware mais populares de todos os tempos.

Uma história da síntese subtractiva

A síntese subtractiva remonta às primeiras experiências com instrumentos electrónicos.

Contudo, o advento dos sintetizadores analógicos subtrativos é frequentemente creditado ao trabalho pioneiro de Robert Moog e Donald Buchla na década de 1960. Moog, em particular, desempenhou um papel crucial com a introdução do sintetizador Moog, que se tornou sinônimo de síntese subtrativa.

Este instrumento apresentou osciladores que geraram sons ricos e brutos, que poderiam então ser esculpidos em uma ampla gama de tons distintos usando filtros, envelopes e moduladores. De muitas maneiras, foi o sintetizador do Moog que trouxe a síntese subtrativa para a vanguarda da música.

De facto, uma das primeiras e mais influentes composições que usaram síntese subtractiva foi "Switched-On Bach" de Wendy Carlos em 1968. Este álbum inovador reimaginou as composições de Bach usando sintetizadores Moog e demonstrou o potencial musical dos instrumentos electrónicos, solidificando-os como ferramentas sérias para a produção de música moderna.

Enquanto Robert Moog é frequentemente anunciado por popularizar a síntese subtrativa, as contribuições de Donald Buchla foram igualmente pioneiras, embora com uma filosofia diferente. Buchla estava trabalhando na costa oeste dos Estados Unidos ao redor do mesmo tempo que Moog, quando ele introduziu o Buchla Box, um instrumento que enfatizou sons experimentais e modulação complexa sobre a interface de teclado tradicional favorecida por Moog.

A abordagem de Buchla à síntese e à conceção de instrumentos foi profundamente influente nos domínios da vanguarda e da música eletrónica. Ele continuou a alargar os limites do que podia ser alcançado com a música eletrónica, embora a sua obra seja talvez menos popular do que a de Moog.

Como a tecnologia avançou, a síntese subtrativa evoluiu com a introdução de sintetizadores polifónicos no final dos anos 1970 e sintetizadores digitais nos anos 1980. Estes desenvolvimentos expandiram as capacidades da síntese subtrativa, oferecendo forma de onda mais complexa e opções de design de som. Além disso, facilitou sua integração em quase todos os gêneros, do rock ao pop e hip-hop.

Como funciona a síntese subtractiva?

A síntese subtractiva é única na medida em que começa com a geração de uma forma de onda rica e complexa, normalmente produzida por um oscilador. Esta forma de onda, frequentemente uma onda dente de serra, quadrada ou de pulso, contém um amplo espetro de harmónicos.

Os utilizadores podem então pegar nesse som em bruto e moldá-lo em algo musicalmente agradável ou interessante, subtraindo certas frequências. A ferramenta principal para esta tarefa é o filtro, que remove seletivamente as frequências do som. Os filtros passa-baixo, que permitem que as freqüências abaixo de um certo ponto de corte passem enquanto atenuam as freqüências mais altas, são especialmente comuns na síntese subtrativa. Os filtros passa-alto e passa-banda têm funções semelhantes, embora tenham como alvo diferentes porções do espetro de frequência.

Alguns outros controlos chave na síntese subtractiva incluem geradores de envelope, que moldam a amplitude do som ao longo do tempo, definindo como evolui desde o momento em que uma nota é tocada até desaparecer. Os envelopes tipicamente têm quatro estágios: ataque, decaimento, sustentação e liberação (ADSR), permitindo aos usuários moldá-los em uma infinidade de maneiras.

Os osciladores de baixa frequência (LFOs) também oferecem capacidades de modulação, adicionando movimento ao som à medida que o músico modula vários parâmetros, como o pitch, o corte do filtro ou a amplitude, a uma frequência baixa.

Uma das razões que eu prefiro a síntese subtrativa sobre a aditiva por várias razões é que com os sintetizadores subtrativos, você geralmente obtém uma resposta mais intuitiva e imediata. Moldar o som removendo frequências é uma abordagem muito prática, e obter sons quentes e ricos que se encaixam bem em uma mixagem pode ser feito rapidamente, especialmente para baixos, leads e pads.

Além disso, ambos os sintetizadores subtractivos de hardware e software têm tipicamente interfaces amigáveis que encorajam a experimentação, tornando muito mais fácil para os principiantes que estão simplesmente a tentar compreender os fundamentos da síntese.

Síntese subtractiva na era digital

Embora os sintetizadores subtractivos de hardware estejam definitivamente de volta à moda, pôr as mãos naqueles botões e faders tácteis pode ser uma aventura cara. Felizmente, pode poupar algum dinheiro e obter um som muito fiel ao analógico com muitos sintetizadores de software subtractivos que existem por aí.

Melhor ainda, muitos sintetizadores de software subtractivos ultrapassam os seus equivalentes de hardware em termos de flexibilidade, tornando-os óptimos para designers de som e para aqueles que gostam de experimentar. Vamos dar uma olhada em algumas das melhores opções.

Xfer Records - Soro

O Serum é há muito tempo um dos melhores sintetizadores de software que existem. Não só tem alguns dos osciladores mais limpos e flexíveis de qualquer sintetizador VST que eu possa imaginar, mas também oferece infinitas opções de modulação e uma interface visual intuitiva que desmistifica processos complexos de design de som.

O que distingue o Serum é a sua capacidade de síntese wavetable. Pode alternar facilmente entre uma vasta gama de formas de onda - não apenas as clássicas ondas dente-de-serra, quadradas ou sinusoidais típicas da síntese subtractiva. Esta flexibilidade, combinada com uma poderosa secção de filtro duplo que pode processar sons em série ou em paralelo, permite-lhe gerar sons que vão desde pads subtis a baixos oscilantes e muito mais.

A atribuição de modulação por arrastar e largar torna o processo ainda mais simples, enquanto a visualização da forma de onda em tempo real fornece um feedback visual imediato. Em muitos aspectos, é também uma ferramenta educacional! Como cereja no topo do bolo, obtém um rack de efeitos de alta qualidade, que inclui reverberação, atraso e distorção, dando-lhe todas as ferramentas necessárias para adicionar os toques finais a qualquer som.

Native Instruments - Massive X

O Massive X é um peso pesado na categoria de síntese subtractiva e ganhou a sua reputação ao longo dos anos com o seu som "gordo" caraterístico e capacidades de modulação extensivas. A primeira iteração do Massive foi responsável sozinha por alguns dos maiores sucessos da EDM do início dos anos 2000.

A Native Instruments concebeu o Massive com o objetivo de produzir baixos ricos e profundos e leads elevados, muitos dos quais se tornaram elementos básicos da música eletrónica. A sua abordagem única ao encaminhamento e modulação, em que praticamente todos os parâmetros podem ser modulados de forma a arrastar e largar, oferece uma liberdade criativa sem paralelo.

Com as fontes de modulação de executantes e stepper, pode transformar sons estáticos em texturas rítmicas e em evolução. Além disso, a secção de oscilador do sintetizador é capaz de produzir formas de onda analógicas clássicas e timbres digitais intrincados, por isso, independentemente do tipo de sons musicais que procura, o Massive é capaz de o fazer. É um instrumento de referência para qualquer pessoa que faça música eletrónica.

LennarDigital - Sylenth1

O Sylenth1 pode parecer um pouco datado para alguns, embora em termos de status lendário de sintetizador de software, ele mereça todo o amor que puder receber.

Tem um som digital muito claro e um conjunto interminável de patches e predefinições que pode utilizar para criar praticamente qualquer som que possa imaginar. Mesmo assim, emula de forma magnífica as imperfeições subtis dos osciladores e filtros de hardware, dando-lhe uma qualidade realista.

A arquitetura do Sylenth1 inclui quatro osciladores, duas secções de filtro e uma série de opções de modulação, permitindo uma vasta gama de sons. Com uma interface de utilizador simplificada e focada, é tão acessível para principiantes como excitante para especialistas.

Considerações finais

A maioria dos utilizadores de sintetizadores que conheço não tem uma preferência séria entre a síntese aditiva e a subtractiva, uma vez que ambas são úteis em determinadas situações. Recomendo que experimente algumas das opções de VST acima e faça experiências para descobrir o que mais lhe convém!