Compor é muitas vezes expandir os limites. Mas, quando os limites estão completamente fora da janela, o que é que a composição se torna? Por outras palavras: as obras dos compositores podem alguma vez deixar de ser consideradas como... música?

Porque o Dicionário Oxford define a ópera como "uma forma de drama musical em que forças rítmicas puramente melódicas se entrelaçam com elementos narrativos". Isto não parece aplicar-se ao "Pierrot Lunaire" de Schoenberg, por exemplo. OK; podemos então continuar a chamar-lhe "melodrama"? :)

Prefácio

A composição é um processo profundamente pessoal e criativo para qualquer artista. Cada artista tem o seu estilo único, que reflecte a sua individualidade e visão artística.

Ao iniciar o processo criativo, o artista considera cuidadosamente a forma de misturar vários elementos para criar um todo coeso. Através do seu estilo de composição, o artista transmite a sua estética e perspectivas ao público.

O estilo de composição de um artista pode evoluir ao longo do tempo, reflectindo o seu crescimento pessoal e a mudança de influências. Ou melhor, é a fusão do estilo e da composição que dá origem às obras de arte. E cada obra carrega um pedaço da alma do artista e uma mensagem única para o mundo interpretar.

Os bons compositores de música sempre tiveram a capacidade única de transformar os seus pensamentos e experiências em obras-primas musicais. Atualmente, os compositores modernos continuam a alargar os limites da expressão musical.

A música ocidental foi, de certa forma, definida por um centro tonal. Na atonalidade, os compositores libertam-se dos constrangimentos de trabalhar numa determinada tonalidade e das expectativas que lhe estão associadas.

Podem utilizar igualmente todas as doze notas da escala cromática, ignorando as hierarquias da harmonia tonal tradicional.

Esta ausência de uma chave definida na atonalidade abriu caminho a composições únicas e inovadoras.

Música clássica

A música clássica ocidental tem uma tonalidade definida (ou centros tonais, se/quando ocorrem modulações).

Um centro tonal forte pode ser encontrado em praticamente qualquer composição clássica. Por exemplo, na hiper-popular Sinfonia n.º 9 de Beethoven, a tonalidade de Ré menor serve o objetivo de "âncora".

Este exemplo ilustra a forma como os compositores utilizam o conceito de centro tonal para criar coesão musical e um sentido de resolução. Isto não quer dizer que a escala cromática não seja um elemento fundamental na música clássica. De facto, é exatamente o oposto!

Na composição clássica, a utilização da escala cromática introduz uma paleta rica e expressiva de cores musicais. Aprofunda o conjunto de opções, permitindo harmonias intrincadas e passagens carregadas em obras clássicas.

Os acordes funcionais

Tal como referido no nosso artigo sobre a escala diatónica, a noção do que constitui um acorde evoluiu ao longo dos tempos. A música tonal define-o de forma mais rigorosa e estrutural.

O conceito de funcionalidade dos acordes está intimamente relacionado com as relações mútuas dos acordes, tal como definidas através de progressões e cadências harmónicas.

No entanto, um único acorde também pode ser funcional e fornecer a estrutura que sustenta uma melodia. Portanto, tudo depende das capacidades e intenções do compositor.

Autores habilidosos podem criar uma grande variedade de estados de espírito através de um único acorde, assumindo diferentes contextos musicais. Aprender a exprimir-se através de um acorde é, de facto, um passo crucial para a arte musical!

Para além do Classicismo

No início do século XX, nomes como Alexander Scriabin e Igor Stravinsky começaram a descrever a música com um desvio da escala diatónica tradicional.

As suas obras expressionistas abraçaram o cromatismo expressivo, utilizando harmonias, escalas e acordes que praticamente abandonaram a tonalidade convencional.

Quando ouvimos as suas composições, podemos apreciar a sua mestria. As suas progressões de acordes e melodias carregadas desafiavam as expectativas do ouvinte.

O início

À medida que as coisas evoluíam, ideias inovadoras desafiavam os últimos limites da harmonia funcional.

Este desvio da abordagem tradicional fez com que os acordes sucessivos se tornassem dissonantes e desconexos, tal como observado da perspetiva da estrutura convencional dos acordes.

Arnold Schoenberg introduziu a atonalidade e muitas outras técnicas experimentais, alargando ainda mais os limites. O "estilo Schoenberg" era tão vanguardista na altura, que alguns nem sequer o consideravam música, o que faz dos seus esforços um exemplo de uma mudança de paradigma arquetípica.

A sua atonalidade livre insistia em que os conceitos harmónicos tradicionais fossem totalmente abandonados, sem ser rigoroso quanto ao que os constitui exatamente. Isto levanta a questão: será que um compositor atonal se concentra apenas em quebrar todas as regras tradicionais?

Estética da atonalidade

Ao contrário do que se pensa, a atonalidade não é uma "anti-tonalidade". É um conjunto de princípios independentes. Embora as cadências harmónicas sejam "proibidas", os compositores atonais não baseiam a sua estética no grau de não-tonalidade de uma peça musical.

A ausência de um centro tonal tradicional é, de facto, uma caraterística que define uma peça atonal. E sim: numa obra atonal, o compositor evita deliberadamente estabelecer uma tonalidade inicial, levando a uma manifestação dinâmica de várias estruturas de acordes.

Estes princípios deram origem ao que mais tarde ficou conhecido como a Segunda Escola de Viena. Arnold Schoenberg escreveu Pierrot Lunaire para demonstrar os seus pontos estéticos anteriormente, e os seus alunos Alban Berg e Anton Webern seguiram-no, começando a escrever peças para piano e até suites.

As suas peças de piano, em particular, mostraram que o foco musical era completamente diferente. A mão direita não estava a "voar" enquanto tocava a melodia ou as notas de passagem das cadências maiores. Em vez disso, as peças tinham mais a ver com classes de altura e estrutura, uma vez que mandavam as teclas maiores para a reforma.

Sim, na música atonal, o virtuosismo (ou melhor: a destreza) torna-se menos importante. Webern e Berg continuaram a desenvolver o que o seu professor lhes proporcionou, levando a novos desenvolvimentos estilísticos.

Anos Apex

A música serial surgiu como um desvio significativo da música atonal livre como tal. Baseia-se numa técnica de doze tons ou linha de tons, que determina a sequência melódica e os acordes sucessivos ao longo de uma composição.

A técnica de composição correspondente, então apelidada de "Serialismo", ganhou proeminência através das obras da Segunda Escola Vienense. O impulso dos compositores levou à criação de obras atonais inovadoras.

Os alunos favoritos de Schoenberg (os já mencionados Alban Berg e Anton Webern) estavam na vanguarda do movimento serialista.

Começaram a empregar estruturas matemáticas rigorosas para organizar as suas composições. As suas obras atonais utilizavam frequentemente as já mencionadas linhas de doze tons para atingir o seu objetivo.

Este sistema exigia que todos os 12 tons da escala cromática fossem utilizados, mas não de uma única oitava e estritamente sem qualquer semelhança com uma melodia tonal (como tradicionalmente definida). Para aumentar o desafio, a "linha" precisa de ser desenvolvida sem repetições de tons.

Como consequência, a música atonal tornou-se também um grande desafio para o intérprete, especialmente as peças atonais com uma parte vocal. Devido à ausência de referências harmónicas funcionais, os vocalistas menos experientes precisavam frequentemente de fazer exercícios especiais e até de aprender a sua parte de cor.

A influência do serialismo deixou um impacto duradouro no mundo da música clássica contemporânea. As peças atonais abriram caminho para novas experiências na composição.

Os não vienenses

Seria um erro chegar à conclusão de que a música atonal está relacionada com Viena - ou apenas com o Ocidente em geral, já agora.

Sergei Prokofiev explorou estes conceitos de forma independente, criando obras que desafiavam especialmente a estrutura convencional da ópera. Continuou a construir sobre as fundações estabelecidas por Scriabin e Stravinsky.

As suas composições, à semelhança da ópera Wozzeck de Alban Berg, assistiram à dissolução do elemento estrutural primário, à medida que as melodias e os ritmos ganhavam mais independência e complexidade.

Ironicamente, a atonalidade livre pode ser considerada tanto o início como o fim, simplesmente porque a atonalidade era menos rigorosa antes e depois dos serialistas.

Podemos discordar, mas certos aspectos ou excertos da música de Prokofiev, Shostakovich ou mesmo Rachmaninov são, de certa forma, "livremente atonais".

Jazz

Pelo menos desde Charlie Parker, e definitivamente depois dele, literalmente todos os músicos de jazz estavam obcecados com a forma de expandir os centros tonais; como "redefinir as teclas", se quiser. Isto deu origem ao cool jazz e ao jazz modal em particular.

Um pouco mais tarde, Herbie Hancock explorou a fusão entre a música clássica contemporânea e os géneros de jazz - uma consequência inevitável do seu espírito inovador. Tratou o ritmo como um parceiro inseparável da melodia, criando composições inovadoras.

Estas experiências com tensões rítmicas melódicas tornaram-se um dos principais factores determinantes do desenvolvimento da nova música no século XX.

Consequências

A música atonal não pôs fim à música tonal ou à harmonia funcional. Pelo contrário, redefiniu os conceitos, os acordes e o que define um centro tonal, o que constitui um acorde, etc.

Música tonal hoje

A harmonia funcional contemporânea soa... bem... enriquecida (para dizer o mínimo). A estética permite tanto as classes de altura da música atonal como um centro tonal.

A música tonal de hoje pode - e tem - também música atonal. Ou talvez "semelhanças" de música atonal, ou talvez vislumbres e influências de música atonal. E é natural, porque música é música, e a chave está nas ideias dos compositores.

A música atonal de hoje?

Da mesma forma: música atonal é música atonal. E a música atonal contemporânea existe de facto, embora não a encontre designada como tal (como "música atonal contemporânea" ).

Arnold Schoenberg e qualquer escola anterior são muito diferentes das escolas actuais. O "Pierrot Lunaire" não é comparável à música atonal atual. Mas, por outro lado, também não era comparável à "Trenódia às Vítimas de Hiroshima" de Penderecki, e esta surgiu apenas uma década após a morte de Schoenberg...

O que importa é que a música atonal de Schoenberg trouxe novas ideias para o mundo da música. Ideias-chave, especialmente úteis na música para cinema ou na esfera teatral. E sim: hoje toda a gente concorda que as obras de Schoenberg foram - e serão sempre - música!