A beleza de aprender a misturar música é que pode criar a sua própria fórmula única: uma assinatura sónica que o identificará como artista ou engenheiro de áudio e o ajudará a criar uma paleta sónica que o fará sobressair. Mas, antes de tudo isto, há certas regras na mistura de áudio que, embora não sejam definitivas, irão certamente ajudá-lo a obter um som mais profissional.

Algumas dicas foram concebidas para o ajudar a otimizar o seu fluxo de trabalho e outras para garantir que a sua música soará bem em todos os sistemas de reprodução. O que todas estas recomendações têm em comum é o facto de funcionarem como uma verificação da realidade enquanto mistura, orientando-o à medida que faz ajustes e ajudando-o a tomar decisões conscientes, quer trabalhe na sua própria música ou em obras de outros artistas.

Todos os engenheiros de som terão as suas próprias teorias sobre o que é crucial e o que não é quando se mistura áudio. No entanto, abaixo, encontrará o que eu acredito serem as regras a seguir quando quiser criar uma mistura profissional, independentemente do seu estilo, género e experiência.

Compreender o género

Se estiver a misturar a sua própria música, presumo que esteja familiarizado com o género musical que está a produzir. No entanto, as coisas podem ser diferentes se for um engenheiro de áudio que trabalha com vários artistas de vários géneros.

Metal, hip-hop, pop, música clássica: cada género tem as suas próprias regras e o som esperado. Pode decidir não as seguir cegamente, mas deve, pelo menos, estar ciente delas. Um solo de guitarra soará completamente diferente se fizer parte de uma canção pop, soul, disco ou heavy metal; o mesmo se aplica a todos os outros elementos de uma canção, desde a bateria às vozes e sintetizadores.

No rock e no metal, equilibrar os níveis nos médios pode ser uma tarefa longa e exigente; na música pop, o vocal principal é normalmente o elemento mais importante; no hip-hop e no techno, o kick drum deve ser a principal força motriz da sua batida. Poderíamos continuar a discutir eternamente como cada género musical tem as suas próprias assinaturas distintas, mas cabe-lhe a si compreender e identificar o que é crucial na sua mistura e melhorá-la em conformidade.

O objetivo final é sempre criar um som coeso que esteja de acordo com o que o público imagina, e a mistura final que vai enviar para o engenheiro de masterização já deve apresentar as características do género em que está a trabalhar.

Organização da mistura

Organizar o seu fluxo de trabalho ao misturar significa que poderá poupar tempo, obter resultados consistentes e criar um som reconhecível que pode adaptar a vários projectos sem ter de começar sempre do zero.

Existem várias formas de preparar a sua sessão, e algumas das mais comuns incluem o agrupamento, a codificação por cores, a atribuição de nomes às faixas, a utilização de pastas de faixas e a utilização de busses.

Se agrupar faixas semelhantes, como secções de cordas e bateria, será mais fácil fazer ajustes nos níveis e efeitos dessas faixas. É também uma excelente forma de visualizar o seu projeto e ver faixas separadas como parte de um elemento único.

A utilização do código de cores pode ser um fator de mudança quando se trabalha em grandes projectos: pode utilizá-lo para diferenciar elementos na sua mistura e pode ajudar a localizar facilmente as faixas. Por exemplo, pode utilizar uma cor para o sintetizador, outra para a guitarra e outra para as vozes. Mais uma vez, isto dá-lhe uma representação visual do que se está a passar, o que é crucial se for um engenheiro de som a trabalhar em vários projectos.

Em algumas DAWs pode criar pastas de faixas, que é uma forma de agrupar faixas de forma hierárquica, o que pode ajudá-lo a manter os seus elementos de mistura organizados e arrumados.

Finalmente, não se esqueça da importância dos busses de mistura, os canais virtuais que lhe permitem agrupar várias faixas e aplicar-lhes efeitos colectivos. A sua utilização não só lhe poupará imenso tempo, como também terá um impacto positivo na consistência da sua mistura.

Trilhas de referência

Este é talvez o aspeto mais crucial quando se pretende produzir uma mistura de boa qualidade. Escolher uma faixa de referência que não só esteja de acordo com o género em que está a trabalhar, mas também com os desejos do seu cliente, o seu gosto e as ferramentas à sua disposição não é uma tarefa trivial, mas é necessária.

Quando se trabalha com um cliente numa mistura de música, é sempre uma boa ideia pedir-lhe canções anteriores como referência, o que lhe dará uma ideia mais clara do tipo de equilíbrio que procura na sua mistura. Ao saber exatamente o que você ou os seus clientes estão à procura, pode criar uma mistura que esteja de acordo com o que eles imaginam.

Passe algum tempo a explorar o género, os artistas e a música relevantes para poupar tempo no processo de mistura. Não tem de fazer com que a sua mistura soe como a de todos os outros, mas é uma boa prática saber a que é que o público está habituado antes de iniciar o processo de mistura.

Por onde começar

Quando chega a altura de começar a misturar, pode estar a perguntar-se qual o instrumento musical que deve tocar primeiro. Mais uma vez, não existe uma resposta unívoca para esta questão, mas como regra geral, recomendo que comece com o baixo e a bateria.

Essa é a base sólida da sua música, e tê-la equilibrada vai ajudá-lo a tomar decisões informadas sobre onde os elementos principais da sua mistura (guitarras, sintetizadores, vozes) devem ficar.

Além disso, a bateria abrange todo o espetro de frequências, o que lhe pode dar uma "pré-visualização" do comportamento das frequências na sua mistura.

Se começar com a bateria, a melhor opção é concentrar-se primeiro na caixa e no bumbo. A caixa deve ser um dos elementos mais altos da sua mistura: é a espinha dorsal da sua faixa e define o seu groove: todos os outros elementos da bateria devem girar em torno dela.

O kick drum é quase tão importante. Deve ser alto, mas não demasiado, pois pode ofuscar os transientes da caixa ou os instrumentos principais.

Tudo o resto (toms, pratos, percussões) virá depois da caixa e do kick. Deve dar-lhes o espaço adequado na sua mistura, garantir que são claramente audíveis sem ofuscar o que guia o groove na sua mistura.

Ao passar para os outros elementos da sua mistura, concentre-se em como pode melhorar a profundidade da mistura e afinar todos os instrumentos musicais envolvidos. Quanto mais elementos adicionar à sua mistura, mais o processo de equilíbrio exigirá pequenos ajustes para soar bem. Pode parecer complicado no início, mas com o tempo, tornar-se-á um processo divertido e envolvente, e começará a ver a sua assinatura sónica única em cada faixa que misturar.

Volumes primeiro, efeitos depois (misturas estáticas)

A mistura estática deve ser o primeiro passo no processo de mistura. Quando bem feita, dá-lhe uma mistura aproximada que facilitará muito a obtenção de uma mistura colada através de efeitos de pós-produção.

Tente obter uma mistura equilibrada utilizando apenas os faders de volume e os controlos de panorâmica sem a ajuda de processamento dinâmico, efeitos ou automação. Este equilíbrio básico ajudá-lo-á a criar equilíbrio e uma imagem estéreo aproximada na sua faixa, que pode ser melhorada com efeitos mais tarde.

Comece por colocar todos os níveis de volume a zero e, em seguida, introduza lentamente cada faixa na mistura, uma a uma. Ajuste os faders de volume para garantir que cada elemento fica bem na mistura, concentrando-se na forma como interagem uns com os outros. Utilize o panning para colocar os elementos dentro do campo estéreo, dando a cada um o seu próprio espaço e evitando a máscara de frequência.

A mistura estática final deve soar como uma versão em bruto do álbum que vai lançar: todos os volumes devem estar perfeitamente equilibrados e cada instrumento deve ter o seu próprio espaço no palco sonoro.

É provável que tenha de fazer ajustes quando começar a aplicar EQs, faders e compressão. No entanto, esta mistura básica será um ponto de partida crucial para começar a esculpir o seu som através de efeitos.

Esqueça o botão "Solo

A mistura tem tudo a ver com a obtenção de equilíbrio e harmonia entre todos os elementos de uma faixa, por isso não é de surpreender que uma visão holística ao trabalhar numa faixa traga os melhores resultados.

Os ajustes de frequência efectuados no modo a solo podem fazer com que a mistura perca clareza: Os ajustes de equalização feitos desta forma podem fazer com que uma faixa "invada" o espaço de frequência de outra, ou as definições de compressão que pareciam ideais sozinhas podem comprometer a dinâmica da mistura.

Mais uma vez, a minha recomendação é utilizar os ajustes de volume e panning como as principais ferramentas para resolver problemas de mistura e melhorar o equilíbrio dinâmico. A remoção de ruído ou pequenos ajustes de equalização podem exigir a utilização de um solo, mas considere estas excepções e não a regra.

Deixar espaço livre

O headroom é o espaço entre os níveis de pico de um sinal de áudio e o limite máximo de um sistema digital.

Este espaço protege contra recortes, mas também define a qualidade e a textura do seu som, especialmente quando utiliza plugins. Isto deve-se ao facto de os plugins digitais responderem de forma diferente consoante os níveis de entrada: níveis de entrada mais baixos resultam normalmente numa interação dinâmica mais reactiva dentro do plugin e numa aplicação mais transparente e eficaz do efeito.

Por fim, ao ter espaço suficiente, evita o recorte e os artefactos indesejados de distorção digital e melhora a dinâmica da faixa. Como regra geral, deve deixar entre 3 e 6dB de altura livre durante a mistura.

Escuta silenciosa

Quando ouvimos música em volumes baixos, os nossos ouvidos são menos sensíveis a frequências extremamente baixas e altas do espetro de frequências. À medida que o volume de reprodução aumenta, começamos a ouvir as frequências altas e baixas de forma homogénea. Tente ouvir uma música pop num volume muito baixo: já reparou que ainda consegue ouvir claramente as vozes, mas a linha de baixo é quase inaudível?

Assim, se uma mistura conseguir atingir uma sensação de plenitude e clareza em volumes baixos, está bem equilibrada. Por outro lado, se uma mistura soar equilibrada em volumes mais altos mas perder clareza e coesão quando o volume é reduzido, isso significa que algo não está bem com a interação dos elementos dentro da mistura.

Por último, mas não menos importante, ouvir em volumes baixos também é importante quando se pretende criar uma mistura excelente que funcione bem em todos os sistemas de retorno, preservando a sua gama dinâmica e expressividade.

A importância do Mono

Uma mistura que mantém a clareza e o equilíbrio em mono, onde todos os elementos são somados num único canal, é uma mistura que não precisa de mais ajustes de nível. A minha recomendação é sempre verificar como soa uma mistura em mono, pois é a melhor forma de identificar e lidar com problemas de frequência.

Numa mistura estéreo, os diferentes elementos podem ser deslocados e espalhados pelo campo estéreo para criar separação e espaço. No entanto, quando estes elementos são colapsados em mono, quaisquer problemas com o cancelamento de fase podem tornar-se muito mais evidentes. Da mesma forma, os problemas de mascaramento de frequência podem ser identificados mais facilmente quando se ouve em mono.

Por fim, uma mistura com bom desempenho em mono é provavelmente mais consistente numa vasta gama de sistemas de reprodução, desde sistemas audiófilos topo de gama a dispositivos de altifalante único, que é precisamente o que procura quando mistura música.

Conheça as melhores ferramentas, mas trabalhe com o que tem

Sei por experiência própria que é fácil ficar preso à ideia de que são necessários plug-ins e equipamentos caros para obter um som profissional. Nos dias de hoje, isso já não é verdade.

A maioria das estações de trabalho de áudio digital vem com uma variedade de plugins incorporados que podem proporcionar resultados profissionais; pode começar por aprender a dominar estas ferramentas, o que é uma solução mais razoável do que obter um grande número de plugins de terceiros que provavelmente nunca irá utilizar.

Não estou a dizer que não deva conhecer ou adquirir plugins e equipamento de alta qualidade para os seus projectos, mas ficar obcecado com eles irá distrair-se dos aspectos mais cruciais da mistura, que é aperfeiçoar as suas capacidades, confiar nos seus ouvidos e utilizar os recursos que tem disponíveis para criar a melhor mistura possível.

Considerações finais

Na produção áudio, nada é definitivo. E isso é parte do que faz com que seja uma experiência tão envolvente e criativa.

No entanto, o equilíbrio cuidadoso do volume é o que pode transformar a sua mistura num êxito: dedique tempo a compreender cada instrumento presente na sua faixa e a sua posição ideal no palco sonoro. Não se concentre em elementos isolados, mas sim na experiência sónica como um todo, com a qual o ouvinte se pode ligar e sentir o seu impacto emocional.

Nunca é demais sublinhar a importância de testar a sua mistura em vários sistemas de reprodução para garantir que é reproduzida como imaginou em todos os dispositivos. Uma música pode soar bem num ambiente de estúdio e péssima no sistema de áudio do carro, e não queremos que isso aconteça. Utilize auscultadores profissionais e monitores de estúdio, mas verifique também as suas misturas com auscultadores baratos: deve soar bem independentemente da forma como a experimenta.

Boa sorte e mantenha-se criativo!