A mistura de música jazz oferece um desafio único, levando-nos de volta às raízes de um dos géneros mais duradouros da história da música. Ao contrário de muitos estilos contemporâneos que evoluem continuamente com os avanços tecnológicos, o jazz manteve de forma notável o seu som autêntico ao longo das últimas décadas.

A verdadeira marca de um engenheiro competente transparece na sua abordagem à mistura de um disco de jazz, onde a essência da atuação ao vivo reina livremente e as dinâmicas subtis devem ser preservadas, em vez de reinventadas. Se está habituado a misturar música pop, rock, hip-hop ou eletrónica, pode ser difícil afastar-se do que entende atualmente como engenheiro de mistura.

A mistura de jazz requer uma abordagem com mais nuances, desde a captação da interação espontânea entre instrumentos até ao respeito pelo espaço acústico que define o seu som. Hoje, vamos explorar 13 dicas e técnicas comprovadas para misturar jazz e explorar como a adoção destas abordagens únicas pode torná-lo um melhor engenheiro de áudio!

1. Mantenha as coisas naturais

Há muito que a música jazz está profundamente enraizada nos clubes e nos bares clandestinos. Ainda hoje, carrega consigo a essência dos espaços acústicos naturais onde ressoou pela primeira vez.

Esta ligação ao seu ambiente não é apenas histórica, mas um aspeto significativo do som e do apelo do género. As actuações ao vivo, espontâneas e interactivas, que são típicas do jazz, prosperam nestes ambientes acústicos! Queremos ouvir as nuances da reverberação da sala e a interação entre os músicos da banda, mesmo que não seja tecnicamente "perfeito".

De acordo com a tradição, a maioria dos instrumentos de jazz são tocados na sua forma pura e não amplificada, quer se trate de baixo vertical, saxofone ou piano. Enquanto engenheiro de mistura que trabalha com jazz, o desafio é manter essa autenticidade natural. Se for o responsável pela sessão de gravação, isto também significa considerar cuidadosamente a colocação do microfone na sala.

A menos que o artista lhe diga especificamente para se aventurar e tentar algo experimental, o seu objetivo principal deve ser replicar a sensação de estar na sala com os músicos.

2. Não fazer compressão

A emoção no jazz reside na dinâmica, pelo que é fundamental ser delicado com a compressão.

A gama dinâmica inerente do jazz - desde a batida mais suave de um pincel numa caixa até à explosão total de uma secção de metais bombástica - conta uma história. A tensão e a libertação são tudo, e é por isso que um dos maiores erros que os engenheiros de mistura podem cometer é a compressão excessiva.

A última coisa que se quer fazer é roubar à música a sua força vital e arrancar-lhe o fluxo e o refluxo.

Quando utilizar a compressão no jazz, tenha um objetivo claro e explícito. Por exemplo, pode utilizar um compressor num contrabaixo com um toque ligeiro para nivelar os níveis entre as notas de pizzicato e as passagens com arco, de modo a que ambas assentem bem na mistura.

Num piano, a compressão pode ser aplicada para domar suavemente os picos de passagens staccato mais agressivas, preservando as variações de volume expressivas de secções mais suaves e líricas.

3. Utilizar a saturação da fita

Alguns dos melhores discos de jazz foram gravados em cassete, por isso, quer o saibamos ou não, o som e a saturação que obtemos é algo que estamos habituados a ouvir.

A saturação de fita é um dos meus tipos favoritos de saturação para usar numa mistura, especialmente quando se quer calor, carácter e coesão. Mesmo quando usada subtilmente, pode ser bastante impactante. Para além dos harmónicos que se obtêm da saturação, também se obtém uma ligeira compressão que as gravações digitais muitas vezes não têm.

Quando utilizar a saturação da fita no master, adopte uma abordagem ligeira. O objetivo aqui é imbuir toda a mistura com um calor e plenitude coesos sem comprometer a sua clareza e gama dinâmica. Alguns podem chamar-lhe "cola".

Alguns dos meus plug-ins de saturação de fita favoritos incluem o Universal Audio Ampex ATR-102, que fornece uma representação meticulosamente modelada da máquina de fita clássica, e o Waves J37, que foi inspirado na máquina usada para gravar muitos dos melhores álbuns da década de 1960.

4. Encontrar espaço desde o início

Encontrar espaço na sua mistura em bruto numa fase inicial é fundamental, especialmente na música jazz. Antes de pegar num equalizador, considere o panning e os níveis como as suas principais ferramentas para criar espaço e profundidade. A ideia aqui é fazer com que cada elemento se encaixe naturalmente no campo estéreo, para que não seja necessário usar um equalizador pesado mais tarde.

Faça a panorâmica e ajuste os níveis para preparar o palco para que cada instrumento brilhe no seu próprio espaço. Por exemplo, pode deslocar a secção rítmica ligeiramente para fora do centro para espelhar a sua colocação física num ambiente ao vivo, com o contrabaixo ligeiramente para a esquerda e o piano para a direita. A bateria pode ser deslocada de acordo com a perspetiva do ouvinte, colocando o chimbal ligeiramente para um lado e os timbalões espalhados pelo campo estéreo, para lhe dar uma representação mais realista.

5. Deixar a bateria decidir

Um dos meus princípios orientadores para a mistura de jazz é "deixar a bateria decidir". Na minha opinião, as características sónicas e a dinâmica da bateria definem o tom para o resto da mistura.

Consideremos duas abordagens muito contrastantes à mistura de baterias no jazz.

Num cenário, a bateria pode ter uma caixa suave e escovada e um bumbo discreto e suave para complementar a vibração clássica, descontraída e fumada do lounge. Esta configuração exige que o baixo, o piano e as cornetas sejam misturados de uma forma que espelhe esta subtileza.

Por outro lado, uma mistura focada numa faixa de bebop de alta energia pode apresentar uma caixa com um estalido agudo e pronunciado e um bumbo que seja firme e proeminente. Esse som de bateria também exigiria uma abordagem de mistura muito mais agressiva e dinâmica para o resto dos instrumentos.

Veja-se o som de bateria com nuances de Paul Motian em "Sunday at the Village Vanguard" de Bill Evans, em que o seu trabalho de pincel não só cria um ambiente contemplativo como também dita uma mistura em que todos os instrumentos respiram e interagem. Do outro lado do espetro, temos a energia explosiva de Art Blakey em "Moanin", que mostra como uma bateria poderosa e centrada na frente pode forçar os outros músicos a acelerar.

6. Prepare-se para as peculiaridades de misturar uma banda ao vivo

Um dos desafios mais singulares da mistura de jazz é saber como misturar uma banda ao vivo, o que é uma mentalidade diferente da que normalmente se aplica à mistura de música pop.

Muitas gravações de jazz captam a magia de uma sessão ao vivo. Coloca-se um grupo de músicos de jazz numa sala, envolve-os com uma constelação de microfones e carrega-se no botão gravar. Embora esta possa ser a melhor forma de captar a interação espontânea e a energia de uma atuação ao vivo, também introduz complexidades como o sangramento e os problemas de fase.

Bleed é o som de um instrumento que é captado pelo microfone de outro instrumento. No entanto, na música jazz, em vez de encarar o "bleed" como um problema, pode encará-lo como uma oportunidade para adicionar profundidade e realismo à sua mistura.

Os microfones de sala, por exemplo, são inestimáveis neste contexto. Um engenheiro de gravação utiliza-os para captar o som coletivo do conjunto na mesma sala, o que dá à mistura uma sensação de unidade que é difícil de reproduzir com faixas isoladas. A chave aqui é ter cuidado com os problemas de fase entre estas fontes de microfone.

Preste atenção às relações de fase entre os microfones, especialmente aqueles próximos uns dos outros ou que captam a mesma fonte. Inverter a fase de um microfone pode muitas vezes resolver o cancelamento de fase e reforçar um som fraco. Também é possível usar estratégias com a automação de gating e volume para minimizar o impacto do sangramento em momentos críticos.

7. Processo em paralelo

O processamento paralelo é uma das minhas técnicas favoritas em geral, mas quando misturo jazz, é fundamental.

Ao colocar efeitos como compressão, reverberação ou atraso em canais paralelos, pode misturar o sinal processado com as faixas originais não processadas e aumentar determinados aspectos sonoros sem sobrecarregar o som natural geral da mistura.

Numa mistura de jazz, utilizo frequentemente compressão paralela na bateria, enviando as faixas de bateria para um bus com compressão pesada e depois misturando-a novamente com a bateria original, não processada. No final, obtém-se um som de bateria muito mais forte e coeso que ainda mantém a subtileza e a dinâmica essenciais ao jazz.

O reverb paralelo é ótimo da mesma forma. Por exemplo, posso enviar uma faixa de saxofone ou trompete para um bus dedicado ao reverb para criar uma sensação de espaço ambiente sem o fazer soar distante ou desbotado. Claro que, a menos que o músico o peça, é melhor ser subtil com efeitos espaciais como o reverb e o delay.

8. Tirar partido da automatização do volume

A automatização do volume reina suprema sobre a compressão quando se mistura música jazz. Em vez de ouvir alguns picos e procurar um compressor para os controlar, pode utilizar a automatização do volume para os reduzir para um controlo mais preciso e natural.

A compressão, mesmo quando aplicada de forma relativamente ligeira, pode anular a vida de um momento espontâneo a solo. Por outro lado, a automatização do volume permite-lhe aumentar ou diminuir certas partes da atuação conforme necessário, dando-lhe o controlo para se certificar de que cada nuance é ouvida exatamente como pretendido.

9. Ser subtil com os efeitos

A forma como utiliza os efeitos no seu álbum de jazz pode influenciar o quão "intemporal" soa.

Certos discos, como os da era da fusão de jazz dos anos 70, com os seus graves carregados de phaser, ou os discos de rock dos anos 80, caracterizados pela utilização intensiva de reverberações gated, podem soar nitidamente datados devido aos efeitos predominantes da sua época.

Claro que os produtores e engenheiros provavelmente pensaram que estavam a ser inovadores na altura e, embora o tenham sido, isso também ancora esses discos a um período específico, o que pode limitar o seu apelo a futuros ouvintes.

A chave para evitar que um disco soe datado é servir as necessidades da música acima de tudo. Deixe que seja o próprio disco a ditar se os efeitos devem ou não ser utilizados. Por exemplo, um disco de jazz que pretende captar a vibração acústica e ao vivo de um álbum Blue Note dos anos 60 beneficiaria de efeitos mínimos.

Por outro lado, um projeto de fusão de jazz moderno, como Electric Masada ou James Blood Ulmer, pode incorporar alegremente efeitos esotéricos como delays e phasers para sair das normas do género. A diferença é que estes efeitos fariam parte do som, fazendo uma declaração artística em vez de se agarrarem a um efeito barato mais tarde.

10. Encontrar o Reverb certo

Em vez de confiar em efeitos pesados baseados no tempo ao misturar jazz, recomendo frequentemente que se incline mais para configurações de reverberação ambiente ou de sala. Estes tipos de reverbs são concebidos para emular a acústica natural de um espaço, proporcionando uma sensação de ar e dimensão que melhora a sensação ao vivo da gravação sem prejudicar a musicalidade.

O objetivo é fazer com que a banda sinta que está a atuar em conjunto no mesmo espaço, mesmo que as faixas tenham sido gravadas separadamente. Os reverbs de ambiente e de sala podem preencher subtilmente os espaços entre os instrumentos, unindo-os num palco sonoro coeso que espelha uma experiência ao vivo num clube de jazz ou numa sala de concertos.

Ao selecionar um reverb para uma mistura de jazz, considere definições que ofereçam uma sensação realista de espaço com um tempo de atenuação relativamente curto.

11. Cuidado com as guerras de volume

Tenho a certeza de que, nesta altura, já todos estamos fartos de ouvir falar da "Loudness Wars". No entanto, isso não significa que não estejamos ainda a seguir uma tendência para práticas de masterização cada vez mais agressivas com o objetivo de tornar a música o mais ruidosa possível.

O problema é que esta procura do volume máximo não está de acordo com o espírito do jazz. As misturas de jazz prosperam no fluxo e refluxo da intensidade, os momentos calmos são tão expressivos como os altos.

Ao preparar uma mistura de jazz para masterização e eventual transmissão ou difusão, é necessário ter um cuidado especial para manter a integridade dinâmica. Forçar demasiado uma mistura de jazz para o limitador ou codec pode introduzir distorção ou artefactos indesejados. Os pratos são muitas vezes os mais afectados por este tratamento agressivo.

Como um dos elementos mais vitais na música jazz, os pratos contribuem significativamente para a sensação e atmosfera de uma faixa. No entanto, quando são demasiado limitados, obtém-se uma mistura que parece restrita e artificial. Esta é provavelmente uma das razões pelas quais não ouvimos muitos pratos pesados na música pop. Eles não combinam com uma masterização pesada.

Em vez de tentar obter o máximo de volume para ajudar a sua mistura a fazer frente a outras em plataformas de streaming, é melhor abraçar a gama dinâmica em vez de deixar que os algoritmos de streaming reduzam o seu master como penalização pelo volume.

12. Utilizar EQs de hardware

O EQ pode influenciar significativamente o som da mistura final.

Optar por equalizadores de hardware mais conservadores e clássicos ou pelas suas emulações de plugins pode adicionar aquela camada doce de riqueza analógica e subtileza que funciona lindamente no jazz. Não são tão precisos, embora seja esse o objetivo. Queremos que as nossas escolhas de EQ sejam musicais, não cirúrgicas.

O Pultec EQP-1A é um dos meus favoritos absolutos para misturar discos de jazz. Tem a capacidade única de cortar e aumentar simultaneamente a mesma frequência, o que pode adicionar profundidade e presença a um baixo vertical, por exemplo.

As emulações do Neve 1073 também são óptimas quando se pretende adoçar as vozes, mantendo um toque orgânico.

13. Referência a outras misturas

A referência é uma prática inestimável para qualquer engenheiro de mistura, independentemente do género em que se esteja a trabalhar. Felizmente, com o jazz, temos décadas de referências sónicas para nos guiar através do processo de mistura.

Escolha uma faixa de jazz misturada e masterizada profissionalmente que partilhe semelhanças com a sua e analise-a de perto para obter informações sobre como equilibrar instrumentos, gerir dinâmicas e aplicar efeitos de forma a aumentar o impacto emocional e a clareza da música.

Depois de misturar durante horas a fio, pode ser difícil manter uma nova perspetiva. Com a referenciação, tem a perspetiva correcta à sua frente para verificar as suas decisões a qualquer momento e garantir que está no caminho certo.

O resultado final

Em comparação com outros géneros musicais, a música jazz pode ser bastante difícil de misturar. Há a dificuldade de misturar instrumentos acústicos numa gravação ao vivo e a incapacidade de esconder falhas atrás de efeitos como a compressão e a reverberação.

É por isso que é tão importante fazer as coisas corretamente durante o processo de gravação. Qualquer grande misturador de jazz dir-lhe-á que os discos de jazz lendários não resultam do processo de mistura, mas sim dos músicos, da composição e da gravação. Uma vez nas suas mãos, o seu único trabalho é elevar a experiência de audição.

Que estas dicas o inspirem a misturar com a sensibilidade e o fluxo que o jazz exige, de modo a que cada faixa que tocar balance, faça grooves e ressoe para as gerações vindouras!