Independentemente do tipo de mistura em que estou a trabalhar, há algumas qualidades que procuro frequentemente: amplitude, profundidade, precisão e impacto. Estes objectivos são bastante consistentes, independentemente do género musical. Desde o jazz mais suave até à EDM mais forte, há alguns princípios que normalmente deixo guiar-me, como "limpar os graves e "conseguir que os sons se colem".

No entanto, quando misturo música metal, especialmente metal moderno, com os seus tempos rápidos e arranjos densos, o livro de jogo muda. Embora continue a utilizar algumas técnicas tradicionais como base, a intensidade exigida em cada camada requer um toque mais inovador.

Hoje, quero apresentar-vos um guia aprofundado sobre a mistura de música metal, do princípio ao fim. Posso dizer com toda a convicção que, depois de leres, não vais precisar de outro guia para obteres a clareza e a agressividade que procuras nas tuas misturas de metal.

Mas, primeiro, quero responder a uma pergunta importante.

Porque é que a mistura de metais é tão difícil?

Sinto que estou constantemente a ver novos vídeos no YouTube com dicas de mistura de metais. Claro que não seriam tão populares como são se as pessoas não se esforçassem tanto para misturar.

A questão é: porque é que é tão mais difícil do que misturar música pop normal?

Arranjos densos

A música metal moderna utiliza muitas vezes arranjos densos e complexos, com várias faixas de guitarra, bateria de contrabaixo e riffs rápidos e ultra-distorcidos. Esta densidade pode tornar difícil garantir que cada instrumento é ouvido claramente sem acabar com uma grande bola de papa.

Além disso, a distorção pesada tornou-se uma marca registada do metal. Usamo-la para obter os tons de guitarra e baixo agressivos que todos conhecemos e adoramos. No entanto, um efeito secundário da distorção é que aumenta o conteúdo harmónico. Se não for feito com cuidado, podemos acabar com uma mistura lamacenta e uma definição obscurecida entre diferentes camadas. Encontrar este equilíbrio delicado é algo com que muitos engenheiros principiantes se debatem.

Colocação vocal

As vozes do metal podem variar muito.

Desde o canto limpo à la Dio até os agressivos guinchos de porco, rosnados e gritos, descobrir como você quer colocar seus vocais em uma mixagem já densa pode ser um desafio. Não queres que as tuas vozes fiquem encobertas por uma parede de guitarras, mas também não queres que fiquem por cima da instrumentação, como aconteceria numa mistura pop.

Fadiga

A música metal tem uma energia implacável.

Passado algum tempo, ouvir a mesma batida e o mesmo riff cromático pode ser assustador. Ao contrário de uma faixa de R&B lo-fi, as características ásperas do metal podem dificultar a audição por longos períodos.

Para além dos aspectos físicos, o metal lida frequentemente com temas agressivos e intensidade emocional. Algumas canções exigem um grande esforço psicológico da parte do misturador para não ficar exausto logo no início. Ouvir a níveis razoáveis e fazer pausas frequentes é fundamental.

Utilização de amostras

Muitos engenheiros de mistura da velha guarda podem dizer que usar samples de bateria na mistura de metal é uma heresia. Se tiveres a gravação certa logo à partida e souberes como usar o equalizador e a compressão, não deverás precisar de reforço de samples de bateria, certo?

Bem, muitas vezes não é esse o caso, especialmente quando a mistura que lhe foi enviada tem uma bateria demasiado dinâmica que foi gravada de forma deficiente numa sala com mau som.

De muitas formas, o uso de samples de bateria tornou-se tão comum como o uso de auto-tune numa mistura pop. Tal como os nossos ouvidos se habituaram a ouvir o tom perfeito nas nossas canções pop favoritas, também se habituaram ao poder e precisão característicos das misturas de metal modernas.

Por vezes, utilizar samples de bateria é o caminho mais rápido para lá chegar, por isso, porque não tirar partido disso?

Os samples certos podem aumentar a potência e a consistência da sua bateria em toda a faixa, garantindo que cada batida tenha tanto impacto quanto a anterior. Isto é particularmente valioso em misturas de metal, uma vez que se pretende uma bateria que corte através de paredes densas de guitarra e baixo sem perder a sua ferocidade.

Encontrar um equilíbrio

Não estou a dizer para apagar o que o engenheiro de gravação trabalhou incansavelmente para criar. A gravação original é onde está o som único e a emoção da faixa. Substitua isso completamente por samples e você acabará com uma bateria que soa como a de todo mundo.

Encontrar o equilíbrio certo entre os sons de bateria originais e os samples adicionados é a chave aqui.

O meu objetivo é muitas vezes complementar e melhorar os tons naturais da bateria em vez de os substituir totalmente, para que o kit mantenha o seu carácter único enquanto beneficia da força e clareza adicionais que os samples podem proporcionar.

É por isso que normalmente gosto de adicionar samples de bateria gravados durante a sessão em vez de usar samples de terceiros, uma vez que estes dão um som mais coeso que se mistura naturalmente com as propriedades acústicas do kit. É claro que, se não tiver samples da sessão, samples de terceiros cuidadosamente seleccionados que se aproximem do som do kit serão suficientes. Basta manter um ouvido aberto e sempre errar pelo lado de manter a integridade do som original da bateria.

A integração de samples de bateria numa mistura de metal pode ser abordada de duas formas. Um método é a substituição de samples, em que os accionadores do desempenho original da bateria são usados para ativar os samples. Este método pode ser particularmente útil para reforçar batidas fracas ou inconsistentes. Outra abordagem é a mistura de samples, em que os samples são misturados com as batidas originais para adicionar peso e corpo sem ultrapassar completamente o som natural da bateria.

Como integrar amostras

Felizmente, este processo é mais fácil do que nunca. Temos imensos plug-ins à nossa disposição para adicionar amostras de bateria. Algumas das escolhas mais populares incluem o Slate Digital's Trigger, que oferece alta precisão e flexibilidade para triggering e blending, e o Superior Drummer da Toontrack, que tem uma extensa biblioteca de samples de alta qualidade que pode personalizar completamente para se adequar à sua mistura.

Assim como a maioria dos engenheiros de mixagem de metal, eu me tornei um grande fã do Steven Slate Drums nos últimos anos. É óptima quando se quer sons de bateria realistas que podem ser facilmente integrados em produções de metal. As capacidades de edição são fantásticas e acho sempre fácil adaptar os samples à minha mistura na perfeição.

Agora que explorámos a arte subtil da utilização de samples de bateria na mistura de metal, vamos passar para o panorama mais amplo do processo de mistura de metal.

O processo de mistura de metais

Metade da batalha da mistura de música metal é obter os sons certos na fonte, embora quando sentir que os tem no lugar, pode começar a tarefa de fazer com que esses sons se encaixem o melhor possível.

1. Alinhamento de fase e de tempo

O primeiro passo é certificar-se de que tudo está em fase e a tempo.

Sem cuidar deste passo, é quase impossível obter a potência e a clareza que deseja da sua mistura de metais.

Fontes de Kick Drum

Ao lidar com várias fontes de kick drums, tais como diferentes microfones e amostras adicionadas, é necessário garantir que são coerentes em termos de fase. Isto implica alinhar as formas de onda de cada fonte de kick drum de modo a que se complementem em vez de se cancelarem mutuamente.

Um método simples é fazer zoom nas formas de onda no seu DAW e ajustar manualmente o tempo das faixas até que os picos e vales se alinhem o mais próximo possível. Ao fazê-lo, estará a maximizar o impacto do som combinado.

Também recomendo selecionar uma fonte de kick drum para dominar as frequências baixas ou sub para evitar conflitos de frequência entre elas. Ao atribuir a responsabilidade das subfrequências a uma única fonte, obtém-se um fundo mais focado e impactante, permitindo que outros elementos do kit de bateria e da mistura se sentem mais confortavelmente nas suas respectivas gamas de frequência.

Faixas de caixa, overheads e microfones de sala

Preste a mesma atenção às suas faixas de caixa, overheads e microfones de sala.

Para as caixas, alinhe o microfone próximo com quaisquer amostras utilizadas. Os microfones overheads e de sala também devem ser verificados em relação aos microfones próximos para garantir que estão em fase. Poderá ser necessário rodar o interrutor de fase na faixa de canais da sua DAW e ouvir qual a posição que proporciona um som mais cheio.

Se quiser acelerar o processo, existem imensos plugins de alinhamento automático que podem ajustar automaticamente o tempo e a fase, como o Sound Radix Auto-Align ou o Waves In-Phase.

Faixas de baixo DI e amplificador

Alinhar a pista de baixo DI (injeção direta) com a pista do amplificador de baixo com microfone (se tiver um) é o próximo passo crítico.

Uma vez que estas faixas representam o mesmo desempenho captado de formas diferentes, alinhá-las dá-lhe um tom de baixo mais apertado e coeso. Basta fazer corresponder o transiente inicial da forma de onda da faixa DI com o da faixa do amplificador para os reforçar.

Garantir que todos os instrumentos estão a tempo

É claro que também se quer ter a certeza de que todos os instrumentos estão em sincronia uns com os outros, sem sugar a vida da atuação. Eis os passos que costumo seguir:

• Comece pela secção rítmica e alinhe primeiro as faixas de bateria. Elas vão ser a espinha dorsal da mistura, por isso vai querer certificar-se de que estão suficientemente apertadas na grelha para proporcionar consistência, embora não tão apertadas que percam a sensação humana.
• Alinhe o baixo com o bumbo. A interação entre estes dois é fundamental para apertar o groove.
• Verificar o alinhamento das guitarras rítmicas com as faixas de bateria e baixo e efetuar os ajustes necessários para garantir a estanquicidade.
• Por fim, alinhe quaisquer instrumentos ou vozes adicionais para se certificar de que se enquadram bem na base rítmica estabelecida.

2. Agrupamento

Em seguida, gosto de agrupar os meus instrumentos em busses, encaminhando várias faixas de instrumentos semelhantes, como baterias, guitarras ou vozes, para canais de bus únicos.

Esta abordagem não só simplifica o fluxo de trabalho de mistura, permitindo-me processar várias faixas em simultâneo, como também ajuda a obter um som mais coeso. Ao aplicar efeitos, EQ e compressão a um grupo de instrumentos como um todo, pode colá-los.

Além disso, a utilização de um único equalizador numa parede de guitarras poupará mais CPU do que a utilização de vários plugins de equalização em faixas individuais que têm todas as mesmas definições.

3. Balanço de volume

O equilíbrio do volume deve ser o principal objetivo de qualquer mistura. Se não fizer esta parte corretamente, nenhuma quantidade de EQ, compressão ou efeitos irá ajudar.

Durante a fase de equilíbrio do volume, pretende-se garantir que cada elemento da faixa é ouvido (ou sentido) claramente e que contribui para o impacto global sem dominar a mistura. Costumo seguir a regra geral de manter pelo menos 6dB de headroom durante este processo para evitar o clipping digital e permitir espaço suficiente para o eventual processo de masterização.

Equilíbrio dos tambores

Um som de bateria firme é um elemento básico da música metal moderna e, para obter esse som, é uma boa ideia dar prioridade aos microfones de ponto de bateria em detrimento dos microfones de overhead ou de sala. Esta abordagem permite um controlo mais preciso sobre os elementos individuais da bateria.

Pode começar com o bumbo e a caixa, e depois misturar cuidadosamente os toms e os pratos a gosto. A forma como equilibra a sua bateria dependerá completamente da música, embora uma dica que lhe posso dar é ter cuidado com os overheads. Muitas misturas amadoras de metal soam ásperas e abrasivas porque o engenheiro de mistura colocou os pratos demasiado altos.

Equilíbrio entre baixo e guitarra

O próximo passo é equilibrar o baixo e as guitarras em relação à bateria.

O baixo deve complementar o bumbo, preenchendo as frequências graves sem pisar nele. Eventualmente, iremos equalizá-lo e comprimi-lo, por isso não sejas muito duro contigo mesmo se não soar perfeito logo de início.

Normalmente, gosto de fazer um solo com o meu kick e aumentar o fader da guitarra baixo até sentir que está bloqueado. Saberás quando o ouvires.

Quanto às guitarras, são frequentemente as estrelas da música metal. Assegure-se de que são claras sem dominar a bateria e o baixo.

Equilibrar os vocais

Não há muito que eu possa dizer quando se trata de equilibrar os níveis vocais, uma vez que eles serão largamente determinados pelo estilo e tipo de atuação. Muitos estilos agressivos requerem que as vozes ocupem um lugar de destaque na mistura, enquanto as partes mais melódicas ou atmosféricas podem misturar-se mais com o pano de fundo instrumental.

Muitas bandas de metal que eu mixei gostam que seus vocais fiquem mais para trás na mixagem. Os Deftones vêm-me sempre à cabeça, pois sinto que o Chino gosta sempre que as suas vozes se misturem com a instrumentação, em vez de se destacarem.

A ideia aqui é que a inteligibilidade pode nem sempre ser primordial, especialmente se quiser desviar a atenção para as guitarras ou para a bateria.

4. Panorâmica

Reparem que ainda não disse nada sobre o panning.

Isto porque gosto de obter o meu equilíbrio de volume em mono. É claro que os níveis relativos vão mudar quando começar a fazer o panning, mas para mim é mais fácil certificar-me de que o meu balanço aproximado soa bem em mono antes de me concentrar noutros aspectos.

Um bom panning desempenha um papel crucial na criação de uma mistura espaçosa. É fácil que as coisas soem congestionadas sem ele, especialmente em misturas densas.

Normalmente, gosto de começar com uma base central forte, mantendo o kick, o snare, o baixo e as vozes principais no meio e, depois, espalhando estrategicamente as guitarras, os teclados e as vozes de apoio pelo campo estéreo para criar contraste.

As guitarras duplas vão muitas vezes para a esquerda e para a direita, embora por vezes as coloque ligeiramente para dentro e as automatize para fora durante o refrão para o tornar mais impactante.

É também uma boa ideia considerar como quer que a sua bateria fique - perspetiva do baterista ou perspetiva do público?

Erros a evitar na exploração mineira

Existem algumas armadilhas que devem ser evitadas na seleção.

Para começar, uma panorâmica excessiva dos instrumentos para a extrema esquerda ou direita pode deixar uma mistura desequilibrada, especialmente se fizer uma panorâmica forte de um elemento sem nada do outro lado para o equilibrar.

Para além disso, negligenciar a relação de fase entre as fontes captadas e as fontes DI'd quando colocadas em pane pode dar um som fraco ou oco, e é por isso que recomendo sempre que verifique regularmente a sua mistura em mono para garantir que os elementos colocados em pane não desaparecem ou ficam sem fase.

Além disso, tenha em atenção para não sobrelotar determinadas áreas do campo estéreo. Se tiver um riff de guitarra e uma parte de piano que estejam a tocar na mesma gama, considere a possibilidade de os afastar um do outro para criar um equilíbrio, em vez de os colocar um em cima do outro. No final, não terá de fazer tanto trabalho de equalização para obter a clareza que procura.

5. EQ

A equalização é a ferramenta seguinte no processo de mistura. Dá-lhe a capacidade de esculpir e refinar o equilíbrio tonal de cada faixa dentro da mistura, de modo a que todas funcionem bem umas com as outras.

No entanto, embora o equalizador apresente vastas possibilidades para melhorar uma mistura, é igualmente fácil destruir a sua mistura se não a tratar com respeito.

Muitos engenheiros de mistura têm tendência para aumentar as frequências antes de as tentar cortar.

Claro que o reforço é ótimo quando necessário, uma vez que pode ser utilizado para realçar as melhores características de um instrumento, como o boom de um kick ou a presença de um solo de guitarra. O aumento excessivo, no entanto, pode levar a uma mistura desordenada onde os elementos competem por espaço. No final, fica-se com lama e falta de definição.

Em vez disso, comece por cortar as frequências indesejadas para limpar o som. É sempre surpreendente como esta abordagem revela frequentemente uma mistura mais clara e equilibrada sem a necessidade de aumentos significativos.

Outro erro comum é passar demasiado tempo a equalizar as faixas a solo.

Embora isto possa ajudar a identificar frequências problemáticas, não fornece contexto sobre a forma como a faixa se situa na mistura. Os instrumentos e as vozes podem soar de forma muito diferente quando isolados e quando misturados com outros elementos.

É crucial tomar decisões de equalização no contexto da mistura completa, para que cada ajuste contribua positivamente para o som global.

Utilizar filtros

Conseguir o low-end correto numa mistura é uma das coisas mais difíceis na mistura de música metal.

Os graves carregam o peso e a potência da faixa, mas quando não são geridos corretamente, podem levar a uma mistura turva e indefinida. O mascaramento é muitas vezes o maior culpado de um low-end pobre, em que as frequências sobrepostas de diferentes instrumentos desorganizam o mesmo espaço sónico.

É aqui que os filtros passa-alto (HPFs) entram em ação.

Com um filtro passa-alto, pode remover seletivamente frequências baixas desnecessárias de instrumentos que não precisam delas, para que o baixo e o bumbo possam ter o impacto de que necessitam. Embora não existam regras rígidas e rápidas, aqui estão algumas sugestões de filtros passa-altas para diferentes instrumentos:

• Bumbo: Se as batidas de explosão estiverem a ficar um pouco flácidas no fundo, pode começar por volta dos 30 a 40 Hz para apertar o seu bumbo sem perder o baque fundamental.
• Guitarra Baixo: Um HPF à volta de 30-50 Hz pode ajudar a remover os ruídos, mantendo o corpo, e tirá-lo do caminho do bumbo.
• Tarola: Comece com um HPF à volta de 80-100 Hz. O objetivo aqui é remover o ruído de baixa frequência abaixo da frequência fundamental desejada. No metal, a parte mais importante da caixa é o estalido.
• Toms: O HPF em torno de 80-120 Hz para os toms de rack e 60-100 Hz para os toms de chão, dependendo do seu tamanho e afinação, normalmente funciona. Para preenchimentos em que os toms estão a tocar sozinhos, pode até automatizar o HPF para que esteja desligado, trazendo de volta os subs por um segundo.
• Chimbais e pratos: A aplicação de um HPF em torno de 200-300 Hz é óptima para limpar qualquer sangramento ou ruído de baixa frequência. Não precisa de muito corpo para estes elementos.
• Microfones de cabeça: Definir um HPF até 300 ou 400 Hz não é invulgar. Os microfones de overhead devem concentrar-se em captar o brilho dos pratos e a imagem espacial da bateria. Normalmente, gosto de ver onde está a frequência fundamental do meu prato, para não ir acima dela e perder o seu carácter.
• Microfones de sala: Um HPF à volta de 80-20 Hz pode eliminar o ruído indesejado das baixas frequências e reforçar o som geral do kit, embora dependa realmente do que pretende que a sala contribua para a sua mistura.
• Guitarras eléctricas: A filtragem abaixo de 60-100 Hz pode eliminar o ruído ressonante dos sons graves e o ruído da cabina, embora isto possa mudar consoante a afinação.
• Vocais: A maioria dos vocais não tem conteúdo utilizável abaixo de 80 Hz, razão pela qual um HPF em torno de 80-100 Hz pode ser ótimo para eliminar plosivos e ruídos de baixa frequência que não são essenciais para a sua clareza. Com vozes masculinas ou femininas mais agudas, pode até ser possível ir mais longe.

Os filtros passa-baixo (LPF), por outro lado, são frequentemente ignorados, embora sejam igualmente cruciais. Normalmente, aplico filtros passa-baixo a guitarras eléctricas e baixos para me livrar da efervescência do topo de gama. As guitarras de metal, por exemplo, recebem frequentemente um equalizador "cut-off-the-crust", com um roll-off nos graves e agudos para os colocar no centro e tirá-los do caminho dos elementos que deveriam existir nessas regiões.

Em termos gerais

Existem inúmeras formas de abordar a equalização e, antes de me debruçar sobre instrumentos específicos, gostaria de abordar algumas dicas que podem ser úteis para si.

Para começar, evite aumentar ou cortar a mesma frequência em vários instrumentos. Se o fizer, pode levar a uma acumulação de frequências ou a um afinamento excessivo em áreas específicas da mistura, causando uma falta de clareza e separação entre instrumentos. Por exemplo, se aumentar os médios-baixos na guitarra rítmica e no baixo, pode resultar numa mistura lamacenta em que nenhum dos instrumentos se destaca distintamente.

Outra estratégia eficaz envolve a atenuação de instrumentos que estão a mascarar outros, em vez de aumentar as frequências do instrumento que está mascarado. Ao fazê-lo, acabará por obter uma mistura mais natural e dinâmica. Por exemplo, se as guitarras rítmicas estiverem a mascarar a tarola, em vez de aumentar os médios superiores da tarola (o que pode fazer com que soe áspera ou pouco natural), tente cortar ligeiramente essas frequências nas guitarras. Este ajuste subtil pode revelar a presença e o impacto da caixa sem alterar o seu tom inerente.

Por último, experimente escolhas de EQ espelhadas. Com isso, quero dizer fazer ajustes de equalização complementares em instrumentos diferentes para que eles se encaixem como peças de um quebra-cabeça. Por exemplo, se cortar algumas frequências médias-baixas na guitarra baixo para limpar a confusão, pode aumentar ligeiramente essas mesmas frequências no bumbo para manter a plenitude nessa gama de frequências.

EQ de diferentes instrumentos

Tal como referi anteriormente, não existe uma abordagem única para a equalização, uma vez que cada mistura contém elementos diferentes que soam completamente diferentes. Nem todas as guitarras distorcidas soam da mesma forma, assim como nem todos os sons de baixo têm a mesma gama baixa ou média.

Ao longo destas dicas gerais, quero que tenham isso em mente.

Bumbo

É importante notar que a fundamental da maioria dos chutos se situa algures entre 60-80 Hz.

Se necessitar de potência e peso extra, pode aumentar a potência nesta zona. Mas tenha cuidado, uma vez que grandes aumentos nesta região podem acabar por soar a boomy, especialmente com pontapés duplos rápidos.

Por vezes, gosto de aplicar um ligeiro aumento entre 3-5 kHz para melhorar o ataque do batedor e dar-lhe aquele som de "clique", que o pode ajudar a articular-se no meio de guitarras fortemente distorcidas. Se estiver a misturar um kick que pareça demasiado boomy e sem definição, cortar algumas das frequências em torno dos 250-400 Hz pode limpá-lo e tirá-lo do caminho dos tons de guitarra médios-baixos.

Tambor de caixa

Na música de metal, você normalmente quer uma caixa curta e rápida. Se não estiver a cortar a mistura, pode aumentar os médios superiores em cerca de 2-4 kHz para realçar o estalido da caixa. Por outro lado, um ligeiro aumento em torno de 200 Hz pode adicionar corpo e peso, caso esteja a soar um pouco fino.

Se o seu som de caixa for um pouco áspero, recomendo que procure em torno de 1 kHz para ver onde pode fazer alguns pequenos cortes.

Chimbais e pratos

Para chimbais e pratos, o objetivo numa mistura de metal é uma presença nítida e arejada que complemente a energia geral sem se tornar penetrante ou esmagadora.

Depois do filtro passa-alto, pode tentar aumentar ligeiramente em 6-10 kHz para realçar o brilho natural se estiverem a soar aborrecidos ou se estiverem a perder-se na mistura. Se soarem finos ou ásperos, pode eliminar quaisquer ressonâncias ásperas em torno dos 2-4 kHz. Além disso, isto irá tirar os pratos e os chapéus do caminho dos vocais!

Toms

Os toms são frequentemente usados no metal para preenchimentos e transições dramáticas. Há duas coisas que eu normalmente quero deles - punch nos graves e clareza no ataque.

Aumentos em torno de 80-100 Hz (especialmente no tom de chão) podem enriquecer o tom fundamental, enquanto um ligeiro corte em torno de 400-600 Hz pode ajudar a reduzir o efeito de caixa. Aumentar o ataque dos toms em torno de 3-5 kHz pode ajudá-los a atravessar a mistura.

Guitarra Baixo

O papel do baixo no metal é o de se ligar ao bumbo e fornecer uma base sólida.

Muitas vezes gosto de aumentar ligeiramente cerca de 80-100 Hz para reforçar os tons fundamentais do baixo, especialmente se sentir que lhe está a faltar o fundo. Também costumo cortar um pouco da turbulência em torno dos 200-250 Hz, uma vez que as frequências podem acumular-se muito rapidamente aqui.

Se não conseguir ouvir muito bem o seu baixo através da parede de guitarras, um ligeiro aumento em torno dos 700 Hz a 1 kHz, juntamente com alguma distorção de topo, pode ajudar a articular o som do dedo ou da palheta do baixo.

Guitarra eléctrica

A forma como equalizo as guitarras de metal pode variar. Um solo principal é diferente de uma guitarra rítmica distorcida, que é diferente de uma parte ambiente limpa e brilhante.

Por uma questão de brevidade, vamos falar de guitarras de metal directas, volumosas e de ganho elevado, como as que se esperaria ouvir num disco dos Slayer.

Se sentir que as minhas guitarras de metal estão a soar lamacentas, corto cerca de 300-400 Hz, e se sentir que precisam de um pouco mais de definição, 800 Hz pode trazê-las para a frente. Se estiver a lidar com guitarras principais que precisem de um pouco mais de mordida para se destacarem de todos os instrumentos na mistura, faço um ligeiro aumento à volta dos 3 kHz.

Vocais

Os vocais no metal também variam muito, desde rosnados guturais a melodias estrondosas.

Cada um deles requer uma abordagem personalizada para se situar corretamente na mistura. No entanto, em comparação com uma mistura pop, em que posso querer empregar um aumento de agudos acima dos 10kHz para dar aos vocais aquele brilho cintilante, gosto de me concentrar mais nos médios-altos quando misturo metal ou rock.

Um aumento em torno de 2-5 kHz pode ajudar a dar mais presença e energia a um vocal. No entanto, se um aumento nessa área estiver a soar demasiado duro, pode tentar atenuar cerca de 200-300Hz e aumentar o volume geral da voz.

6. Compressão

A compressão pode ser um ponto de discórdia para muitos novos engenheiros, uma vez que pode ser difícil de ouvir.

Felizmente, no metal, é possível ser um pouco mais agressivo com a compressão, o que requer menos delicadeza do que, por exemplo, uma mistura de jazz ou R&B.

O elemento mais importante a manter consistente é a sua bateria.

Compressão de bateria

Para o bumbo, um rácio moderado a elevado (cerca de 4:1 a 8:1) com um ataque lento pode ajudar a enfatizar o transiente inicial, dando-lhe força e presença, enquanto comprime o corpo. A caixa requer frequentemente uma abordagem semelhante, com a consideração adicional do tempo de libertação para realçar o decaimento natural da bateria.

Os toms podem ser comprimidos com um rácio ligeiramente mais baixo (3:1) e um tempo de ataque médio para preservar os seus preenchimentos dinâmicos sem achatar o seu desempenho. Os overheads normalmente requerem uma compressão menos agressiva (se é que requerem alguma), uma vez que gosto de me concentrar mais em colar o kit com eles. Por outro lado, sinta-se livre para esmagar os microfones da sala em pedacinhos, pois é uma ótima maneira de dar vida ao kit!

É claro que também pode utilizar a compressão paralela nesta altura, mas falaremos mais sobre isso daqui a pouco

Compressão de graves

Ao comprimir a guitarra baixo, pode ancorar os graves de uma mistura de metal.

Gosto de usar dois compressores em série, o que permite um controlo dinâmico subtil e a preservação do tom natural do baixo. O primeiro compressor pode ser configurado com um rácio elevado (cerca de 8:1) e um ataque mais rápido para apanhar os picos, enquanto o segundo compressor, com um rácio mais baixo e um ataque mais lento para uniformizar o desempenho como um todo.

Compressão vocal

Os vocais podem ter uma gama dinâmica bastante ampla, especialmente quando os vocalistas sobem e descem na sua gama.

Na maioria dos casos, os vocais de metal podem beneficiar de uma taxa de compressão mais elevada (6:1 ou superior) para obter um som mais consistente. Um ataque rápido assegura que as partes agressivas são imediatamente domadas, enquanto um tempo de libertação médio ajuda o compressor a respirar com a atuação.

7. Reverberação e atraso

Quando utilizo o reverb na música metal, gosto de o abordar com moderação.

Os arranjos densos e os ritmos rápidos do metal deixam pouco espaço para a lavagem ou a lama que o reverb excessivo pode introduzir, e é por isso que eu recomendo usá-lo com moderação para melhorar, e não sobrecarregar, o poder natural dos instrumentos e vocais.

Os pratos curtos com definições de pré-atraso são óptimos para caixas e toms, uma vez que proporcionam apenas o realce espacial suficiente para os fazer sobressair sem desfocar o seu ataque. O pré-atraso permite que a batida inicial da bateria atravesse a mistura de forma limpa antes de o efeito de reverberação entrar em ação, acrescentando uma sensação de profundidade e dimensão sem sacrificar o impacto percussivo.

Os plates também são óptimos para vocais, se a música exigir qualquer reverberação (por vezes, os slap delays ou ping-pong delays podem proporcionar uma sensação de espaço sem a densidade de uma reverberação). Seja qual for a sua escolha, é uma boa ideia usar o EQ na faixa de retorno para esculpir o equilíbrio tonal, eliminando os baixos e altos desnecessários.

Quanto à maioria dos outros instrumentos, pode manter o uso do reverb bastante leve. Algumas excepções podem ser um reverb de sala maior usado com moderação num solo de guitarra principal ou um reverb de sala mais apertado nas guitarras rítmicas para adicionar coesão.

Dicas adicionais de mistura de metais

Dividir o seu baixo

Para mim, obter o som de graves correto na música metal é dividi-lo em canais separados de alta e baixa frequência utilizando o equalizador. Isto é ótimo para processar cada gama de frequência de forma independente.

Ao isolar os graves, é possível preservar o ruído e o calor limpos e fundamentais do baixo, para que ele sustente solidamente a mixagem sem ficar lamacento. No canal de alta frequência, por outro lado, pode colocar alguma saturação e distorção para realçar a força e o carácter do baixo, fazendo-o atravessar até os arranjos mais densos.

Quanto ao ponto de passagem alto e baixo, normalmente gosto que os meus graves tenham um corte LPF à volta de 150 a 250 Hz e os graves saturados tenham um HPF à volta de 200 a 300 Hz.

Controlar os médios-baixos em guitarras eléctricas

A utilização de um compressor multi-banda para afinar os médios baixos das guitarras eléctricas, particularmente durante as secções palm-muted, é uma técnica sagrada na mistura de metal.

Os riffs com palma são um elemento básico na música pesada. No entanto, sem um tratamento cuidadoso, eles podem às vezes soar lamacentos ou sem definição. Ao visar especificamente as frequências médias-baixas com um compressor multi-banda, como o FabFilter MB, pode controlar e apertar as suas guitarras de modo a que a gama de frequências não sobressaia sempre que as guitarras atingem uma secção de palm muted.

A chave aqui é isolar a faixa de freqüência onde os palm mutes ressoam mais - geralmente entre 200 e 500 Hz - e aplicar a compressão seletivamente a esta faixa. O resultado final são guitarras de metal que são controladas, mas claras.

Usando o processamento paralelo em vocais

Por último, quero falar sobre a utilização de compressão e distorção paralelas nas vozes para ajudar a dar-lhes agressividade.

A compressão paralela, também conhecida como compressão de Nova Iorque, envolve a mistura de uma versão fortemente comprimida da faixa vocal com a faixa original não comprimida. Este método permite que os vocais mantenham as suas dinâmicas e nuances naturais, enquanto o sinal comprimido proporciona uma presença consistente e poderosa em toda a mistura.

O resultado é uma voz que atravessa instrumentais densos sem perder o seu alcance expressivo.

A adição de distorção em paralelo oferece benefícios semelhantes.

Obtém toda a agressividade e energia de uma faixa vocal de alta octanagem sem perder a inteligibilidade ou a qualidade dos vocais naturais.

Considerações finais - Misturar metal como um profissional

Misturar música de metal é muito divertido e existem muitas dicas, truques e técnicas fantásticas que pode usar para ser criativo com todos os elementos nas suas misturas. Mesmo que não se goste muito de música pesada ou agressiva, há muito que se pode aprender ao mergulhar numa mistura de metal. Além disso, muitas das competências adquiridas na mistura de metal podem ser utilizadas noutros géneros, desde o hip-hop ao reggae e muito mais.

Mantém-no pesado!