Quando se trata de misturar a caixa de bateria, há muito em que pensar. A maioria das pessoas quer uma caixa gorda e firme que atravesse a mistura e dê à faixa a energia tão necessária, certo?

É claro que nem todas as caixas são iguais e cada uma precisa do seu próprio tratamento. Dito isto, há certas qualidades que praticamente todas as caixas partilham, como membros da mesma família, e é necessário tê-las em mente ao misturar.

Neste guia, vou concentrar-me em como misturar uma caixa de bateria ao vivo no contexto de uma faixa pop ou alternativa moderna. Mas não se preocupe - a maior parte do que eu vou falar pode ser aplicado a qualquer caixa com a qual você acabe trabalhando, seja num hino de punk rock, num trap banger com todos os samples, ou qualquer coisa no meio.

Escolher a caixa certa para começar

Escolher a caixa certa para começar é uma parte fundamental do processo de mistura, e muito disso resume-se a compreender o contexto da sua música. Antes de começar a processar a sua caixa, pense na vibração que está a procurar.

Trata-se de uma música pop de alta energia, um hino de rock moderno ou talvez uma faixa de neo-soul descontraída, estilo D'angelo? O som da caixa deve encaixar no quadro geral da música, e isso começa com o conhecimento da vibração que pretende criar.

Uma dica útil aqui é ter uma referência em mente de como você quer que a caixa soe. Quer se trate de uma faixa específica ou apenas de um sentimento geral, ter esse som na cabeça fará uma enorme diferença à medida que vai trabalhando na mistura.

Por exemplo, pense na diferença entre a caixa de Travis Barker numa música dos Blink-182. É firme, rápida e agressiva em comparação com a caixa lateral suave numa faixa de Bob Marley. Ambas as caixas servem perfeitamente as suas músicas, mas soam a mundos diferentes.

Por isso, quando começar a misturar, tente identificar esse som de caixa ideal na sua cabeça e aponte para ele. Isso ajudará a orientar as suas decisões durante qualquer parte do processo. E lembre-se, a sua referência não está gravada em pedra. Use-a apenas como referência para começar na direção certa.

Utilizar um portão para limpar as coisas

O gating é muitas vezes uma das primeiras coisas que faço quando misturo baterias de caixa, especialmente se estou a lidar com uma caixa acústica que tem muito cymbal bleed. Para aqueles que não sabem, o cymbal bleed acontece quando o microfone da caixa capta o som de outras partes do kit, particularmente dos pratos, o que pode fazer com que a sua mistura soe desordenada e confusa.

Com um gate, pode limpar as coisas cortando qualquer ruído indesejado quando a caixa não está a ser tocada. Isto mantém a sua mistura firme e concentrada, sem que todo o lixo extra passe por ela.

Dito isto, o estilo da faixa é muito importante para decidir se deve usar um gate. Por exemplo, numa música rock ou pop em que se pretende uma caixa mais nítida e forte, o gating é praticamente obrigatório. Mas numa faixa acústica, folk ou jazz mais relaxada, onde se pretende uma sensação mais orgânica e aberta, o gating pode não ser a melhor opção. Nesse caso, pode querer abraçar o bleed natural para ajudar a manter a vibração intacta.

Quando se faz o gating de uma caixa, o objetivo é remover qualquer ruído extra sem afetar o som da própria caixa. Comece por definir o limiar suficientemente baixo para que a porta se abra quando a caixa bate, mas permaneça fechada quando há silêncio.

O truque é encontrar o ponto ideal onde a caixa ainda soa natural e viva, mas o sangramento é minimizado. No entanto, tenha cuidado para não definir o ataque ou a libertação de forma demasiado agressiva, uma vez que se o portão reagir demasiado rápida ou lentamente, pode fazer com que a caixa soe pouco natural ou agitada.

Verificar a relação de fases

Se estiver a trabalhar com uma faixa que tem dois microfones de caixa, terá de fazer um pequeno ato de equilíbrio. Normalmente, terá um microfone colocado em cima da caixa (muitas vezes chamado de "microfone superior") e outro colocado por baixo (o "microfone inferior da caixa").

O microfone superior capta o som principal da caixa e é o que lhe dá o som "estaladiço", enquanto o microfone inferior capta o zumbido dos fios da caixa e proporciona alguma profundidade e estaladiço extra.

A parte complicada é lidar com a relação de fase entre estes dois microfones.

Se não estiverem em fase, anular-se-ão mutuamente de formas estranhas e perderá força, clareza e até mesmo energia de baixa frequência. É por isso que é tão importante verificar a relação de fase entre os microfones e certificar-se de que estão a funcionar bem juntos.

Para verificar a fase, tudo o que precisa de fazer é ouvir com atenção. Um método simples é rodar o interrutor de fase num dos microfones da caixa (normalmente o microfone inferior) e comparar o som. Se rodar o botão de fase fizer com que a caixa soe mais concentrada e forte, a fase está correta. Se soar mais fino, mais fraco ou oco, então os microfones estavam fora de fase e terá de os inverter.

Se faz parte do processo de gravação, há algumas coisas que pode fazer para resolver o problema.

Primeiro, tente ajustar ligeiramente a colocação do microfone para ver se isso ajuda. Se tiver um microfone posicionado demasiado perto da caixa ou apontado de uma forma que crie problemas de fase, um pequeno reposicionamento pode fazer maravilhas. Se isso não resolver o problema, por vezes a utilização de uma inversão de fase no microfone com a pior relação de fase (normalmente o microfone de baixo) pode resolver o problema.

Encontre o volume certo na sua faixa

Obter o volume correto para a sua caixa é a parte mais importante do processo de mistura. Eu gosto de trabalhar com uma faixa de referência para esta etapa, já que as caixas podem ter níveis diferentes, dependendo do estilo da música.

Basta encontrar uma faixa que tenha um som de caixa que queira emular, certificar-se de que tem o mesmo volume relativo que a sua mistura e usá-la como ponto de referência.

Eis como recomendo que se certifique de que o volume da sua caixa está correto:

1. Comece com a mistura a um bom nível: Primeiro, defina a mistura geral para um nível de audição baixo e confortável. Quer conseguir ouvir tudo claramente sem ser enganado pelo som da sua sala. Isto dá-lhe uma boa base para começar a trabalhar.
2. Encontre a sua faixa de referência: Carregue uma faixa de referência que tenha uma vibração ou som de caixa semelhante ao que pretende. Esta faixa será o seu guia para saber quão alto a sua caixa deve estar em comparação com tudo o resto.
3. Corresponder o volume: Coloque a caixa na sua mistura e use a sua faixa de referência para o ajudar a corresponder o volume. Um bom ponto de partida é definir a caixa para que esteja mais ou menos ao mesmo nível que a caixa na sua faixa de referência. Certifique-se de que se está a concentrar no corpo principal do som da caixa (não apenas na batida inicial ou na cauda).
4. Confie nos seus ouvidos (e na medição): Finalmente, preste atenção à forma como a caixa interage com o resto da mistura. Se começar a distorcer ou parecer que está a competir por espaço, afaste-a um pouco. Também pode verificar os medidores para se certificar de que não está a fazer demasiados picos.

É claro que ainda não soará perfeito, uma vez que provavelmente terá de o equalizar, comprimir e saturar, mas isto deve dar-lhe uma boa base para construir.

Use o equalizador para ajustar a sua caixa na mistura

O equalizador é onde você pode realmente fazer com que a sua faixa de caixa comece a se encaixar com o resto da sua mixagem Se a sua caixa não estiver bem posicionada na mixagem, nenhuma quantidade de compressão ou reverb irá consertá-la. A chave está no EQ, e fazer alguns ajustes simples pode fazer com que a sua caixa deixe de soar plana e passe a soar forte e excitante.

Um dos primeiros movimentos que gosto de fazer é aumentar os sons agudos para dar um pouco de emoção e entusiasmo. Normalmente, eu aumento em torno de 8kHz com uma prateleira alta para adicionar um pouco de ar e brilho. Isso dá ao snare aquele top end nítido e estaladiço que corta a mixagem sem torná-la áspera.

Pode experimentar entre 7kHz e 10kHz, dependendo da caixa e do som que pretende, e normalmente prefiro uma prateleira aqui em vez de um sino porque soa mais suave, especialmente com o sangramento das outras baterias.

De seguida, adiciono um pouco de corpo à caixa. Se a caixa for demasiado fina, costumo escolher cerca de 180Hz a 200Hz com um filtro de sino. Isto acrescenta um toque e uma plenitude satisfatórios à caixa, sem a tornar demasiado boom. Se tiver uma caixa que seja naturalmente profunda, pode querer aumentar mais abaixo, digamos por volta dos 120Hz ou 150Hz, mas para a maioria das faixas pop ou alternativas, a gama de 180Hz funciona muito bem.

O próximo passo é marcar um pouco os médios superiores. Não se deve exagerar, mas adicionar alguma presença em torno de 2,5kHz a 4kHz pode realmente realçar o ataque da caixa. Comece com um filtro de sino e encontre o ponto ideal onde a caixa realmente se destaca.

Por último, se a sua caixa estiver a soar um pouco "honky" ou "boxy", pode retirar alguns médios, normalmente algures entre 400Hz e 1kHz. Se estiver a ouvir algo que soa como um anel desagradável ou demasiado "batido", este é o local para o resolver. Cortar um pouco nesta faixa limpa a confusão e ajuda a caixa a encaixar-se melhor na mistura.

Quando terminar, deverá ter uma caixa com um bom estalido no topo, um pouco de batida no corpo, um estalo nos médios e nenhum ruído indesejado. Experimente ignorar e ativar as definições de EQ para ouvir a diferença e certifique-se de que se encaixa bem na mistura completa. Na maioria das vezes, esses movimentos de EQ me levam a 90% do caminho, e a partir daí, eu faço o ajuste fino dependendo da caixa e da faixa.

Compressão para controlo e carácter

A compressão é uma das melhores formas de adicionar controlo e carácter à sua caixa. É claro que não se pode simplesmente colocar um compressor na sua caixa e rezar para que soe bem. As definições e a abordagem que utiliza terão um grande impacto na forma como a sua caixa se enquadra na mistura.

Para baterias de caixa, a chave para uma boa compressão é um ataque lento e uma libertação rápida.

Eis como o pode fazer:

1. Defina seu ataque como lento: Esta é a parte mais importante da compressão. Com um ataque lento, está a deixar brilhar a batida inicial da caixa, o que lhe dá o crack e a energia que deseja. Se o ataque for demasiado rápido, o compressor agarra o transiente demasiado cedo e esmaga-lhe a vida. A caixa perderá a sua força e pode começar a soar pouco natural.
2. Liberação rápida: Uma liberação rápida permite que o compressor saia rapidamente do caminho depois de reduzir o volume, permitindo que a caixa sustente e toque corretamente. Se a liberação for muito lenta, o compressor pode ainda estar trabalhando na caixa quando a próxima batida vier, o que pode reduzir a força da batida seguinte da caixa e bagunçar o ritmo.
3. Escolha um rácio razoável: Comece com uma relação de cerca de 3:1 ou 4:1. Isto é suficientemente forte para controlar a dinâmica, mas não tão agressivo que mate o carácter da caixa. Se achar que a caixa começa a perder demasiado corpo ou carácter, pode reduzir um pouco a relação.
4. Ganho de maqu ilhagem: Depois de comprimir, é provável que tenha de voltar a subir o nível com ganho de maquilhagem, para que o volume seja o mesmo na mistura, mas agora com o ataque melhorado da compressão.

Quando a caixa é comprimida, a diferença pode ser noite e dia. Ouvirá o ataque inicial estalar mais e a caixa ficará mais natural na mistura. É tudo uma questão de encontrar o equilíbrio entre controlo e carácter!

Compressão paralela

A compressão paralela é uma das melhores ferramentas para fazer a sua caixa (e bumbo) soar mais forte e mais excitante sem sacrificar a dinâmica natural da performance! A ideia básica é pegar na sua caixa, enviá-la para um compressor separado (muitas vezes com definições de compressão pesadas) e depois misturá-la de novo com o som original da caixa.

Desta forma, obtém o melhor dos dois mundos: o som comprimido acrescenta força e sustentação, enquanto o sinal original mantém a dinâmica natural intacta.

Para processamento paralelo:

1. Crie uma faixa paralela: Comece por duplicar a sua faixa de caixa ou criar um envio auxiliar que encaminha o sinal da caixa para uma nova faixa dedicada ao processamento paralelo. Esta faixa paralela receberá a compressão pesada, enquanto a faixa original da caixa permanece intocada.
2. Aplicar uma compressão agressiva: On the parallel track, you’ll want to compress the snare aggressively to bring out the punchy qualities. Here's how to set it up:
   1. Rácio: Defina a relação entre 4:1 e 10:1. Uma relação mais elevada proporciona uma compressão mais agressiva.
   2. Ataque: Escolha um tempo de ataque lento (cerca de 30-50 ms) para permitir que o transiente inicial da caixa passe antes de o compressor entrar em ação.
   3. Release: Um release rápido (50-100 ms) irá rapidamente soltar a compressão após cada batida, permitindo que a caixa soe e respire naturalmente.
   4. Threshold: Ajuste o limiar para que o compressor seja ativado durante as batidas de caixa, com uma redução substancial do ganho (normalmente 10 dB ou mais). A ideia é comprimir o transiente mas deixar o sustain intacto.
3. Misture os Sinais: Quando a faixa paralela estiver fortemente comprimida, misture-a gradualmente com o sinal original da caixa. Comece com o fader paralelo em 0 e aumente-o lentamente até que a caixa comece a parecer mais presente, forte e dinâmica. Pretende que a faixa comprimida aumente a energia da caixa sem ofuscar o som original.

Limitação

Saber quando e quando não utilizar um limitador na sua caixa é crucial, uma vez que a utilização incorrecta é a forma mais rápida de sugar a força de uma mistura de bateria.

Poderá considerar colocar um limitador na sua caixa se estiver a tentar controlar os picos absolutos e evitar que ultrapassem o limiar, especialmente se as suas batidas de caixa estiverem a atingir picos demasiado altos e a causar distorção ou cortes indesejados.

Um limitador pode manter tudo sob controlo sem afetar o resto do som da caixa. Isto é particularmente útil se já tiver regulado a compressão da sua caixa, mas ainda precisa de um pouco mais de controlo.

Dito isto, um limitador nem sempre é a melhor ferramenta para o controlo da caixa. Se o seu objetivo é preservar o ataque e a força naturais da caixa, um limitador pode não ser a sua melhor opção. Quando usado incorretamente, pode esmagar os transientes da caixa.

Em vez disso, se estiver à procura de domar os picos, mantendo intactas a força e a energia da caixa, um clipper pode ser uma opção melhor do que um limitador. Ao contrário de um limitador, que suaviza os picos reduzindo o ganho geral, um clipper corta suavemente o sinal quando este atinge um determinado limiar. Isto pode resultar numa distorção mais musical que acrescenta carácter e calor.

Ultimamente, tenho sido um grande fã do Ash da Acustica Audio.

Modelagem de transientes para ataque e sustentação

Se você tem usado a compressão para moldar o ataque e o sustain da sua caixa, mas ainda sente que não está atingindo o objetivo, talvez seja hora de usar um shaper transiente. Um shaper de transientes é uma ferramenta fantástica para ajustar o ataque e o sustain da caixa de uma forma que a compressão por si só não consegue fazer.

Não é necessário um shaper de transientes complicado e com vários botões para fazer o trabalho (embora eu seja um grande fã do Smack Attack da Waves ). De facto, um simples serve perfeitamente, como o Transient Shaper da Native Instruments. É simples, mas super eficaz e amigo do CPU, permitindo-lhe moldar facilmente o som da sua caixa com apenas alguns controlos.

Se a sua caixa parecer fraca ou não tiver força, por exemplo, pode utilizar o modelador de transientes para aumentar o ataque, aumentando a definição de "ataque" ou "transiente". Se quiser suavizar uma caixa que já tem muitos transientes, pode fazer o oposto.

Se a sua caixa precisa de mais comprimento ou corpo, aumente o controlo de "sustain". Isto irá esticar a cauda da caixa, dando-lhe mais presença e permitindo que a caixa "permaneça" um pouco mais na mistura. Também gosto de reduzir este controlo se notar qualquer anel ou ressonância indesejados na minha caixa.

Adicionar molho com saturação

Na maioria das vezes, quando estou a misturar uma caixa, gosto de lhe dar um pouco mais de carácter com alguma saturação.

A saturação pode realmente dar vida a uma caixa, adicionando calor, complexidade harmónica e um pouco de força, especialmente se soar estéril.

É importante notar que a saturação vem em muitos sabores diferentes, e cada tipo tem a sua própria personalidade. A ideia principal da saturação é introduzir distorção harmónica no som, que pode ser subtil ou mais intensa, dependendo do tipo de saturação utilizado.

É possível obter qualquer coisa, desde o calor do estilo de fita até à distorção tipo fuzz.

Um dos meus favoritos de todos os tempos para as caixas é a saturação de fita. Ela é ótima para quando você quer uma caixa suave, com som quente e um pouco de compressão natural. Com ela, você pode realçar o caráter natural da caixa sem deixá-la com um som muito áspero. Além disso, a fita tende a adicionar um pouco de espessura, o que faz maravilhas para as baterias de caixa, dando-lhes um corpo sólido e aquela vibração vintage.

Para a saturação de fita, tenho usado o módulo Vintage Tape do Ozone e o Goodhertz Tupe. Ambos me dão aquele som autêntico de fita sem precisar de gravar em fita (graças a Deus, certo?).

No entanto, por vezes, quero um pouco mais de força. É nessa altura que recorro ao Soundtoys Decapitator ou ao Fabfilter Sat urn . Esses plugins oferecem uma forma mais intensa de saturação que adiciona uma tonalidade crocante e agressiva quando ajustada com força.

Camadas com amostras

Se a sua caixa não estiver a soar muito bem sozinha, pode tentar colocá-la em camadas com alguns samples de qualidade. Eu normalmente gosto de usar de 2 a 3 camadas de caixa quando sinto que a minha caixa acústica não está a soar bem.

Normalmente, eu quero um sample de caixa com um punch de baixo para lhe dar corpo e um sample de caixa 'pop' para lhe dar um toque mais alto. O objetivo aqui é encontrar um sample de caixa que complemente o que já tem.

Se eu precisar de um pouco mais de sustain da minha caixa acústica (ou se ela não foi gravada numa boa sala), eu gosto de usar uma amostra de caixa espaçosa e um shaper de transiente para cortar o transiente inicial para que eu possa colocar apenas a parte de decay e sustain do som.

Se eu quiser uma camada que seja um pouco mais percetível, uso uma camada de palmas ou percussão que esteja ligeiramente afastada do transiente inicial do meu som de caixa atual. A partir daí, pode usar o equalizador de peças de puzzle para fazer com que as camadas se encaixem melhor umas nas outras.

Reverberação

A última parte da minha cadeia de processamento de caixa é frequentemente o reverb. Existem infinitas formas de abordar a reverberação, e diferentes géneros exigem frequentemente diferentes estilos de reverberação.

Posso ter uma faixa retro dos anos 80 que requer um reverb de placa grande ou uma faixa de reggae vintage que soa bem com um reverb de mola mono.

O objetivo é descobrir o que se adequa a toda a sua mistura.

Os reverbs de sala pequenos e curtos podem criar uma sensação de realismo e proximidade, simulando o som de uma caixa num espaço de gravação apertado. Para rock e pop, os reverbs de placa podem adicionar uma cauda suave e brilhante. Se precisar de um som de caixa de tamanho de estádio para uma balada, pode optar por uma sala longa.

O tempo de decay ou o comprimento da cauda de reverberação deve complementar o género e o arranjo. Um decay curto (0,5-1 segundo) é perfeito para rock e pop, uma vez que se pretende que a caixa soe nítida e forte. Para música eletrónica, música ambiente ou outros géneros mais lentos, os decays mais longos (1,5-3 segundos) podem criar um som mais atmosférico.

Utilizar o pré-atraso

O pré-delay controla o tempo entre a batida da caixa e o início da reverberação. Pré-atrasos mais curtos (cerca de 10-30ms) funcionam bem para caixas apertadas, enquanto pré-atrasos mais longos (40ms ou mais) podem criar um eco mais distinto, o que é ótimo se quiser ouvir a profundidade do reverb mas manter a caixa seca à frente.

EQing Your Reverb

A última coisa que costumo fazer com o reverb de caixa é equalizá-lo para que não haja uma tonelada de frequências indesejadas a obstruir a mistura.

Com o seu reverb numa faixa auxiliar, utilize um filtro passa-alto para cortar abaixo dos 200 Hz para se livrar de quaisquer frequências baixas desnecessárias e um filtro passa-baixo até cerca de 6kHz para se livrar de quaisquer frequências mais altas.

Os números reais que usarão irão variar, embora isto vos deva dar um bom começo. O objetivo é limitar a gama de frequências do seu reverb para que complemente a caixa sem a engolir.

Considerações finais - Misturar a tarola como um profissional

À medida que avança na sua mistura, é provável que descubra que precisa de fazer alterações contínuas na sua caixa, quer seja a quantidade de reverberação que está a usar, o estilo de saturação ou o equalizador da caixa. Seja o que for que precise de fazer para lá chegar, lembre-se que o objetivo principal é garantir que a sua caixa está a servir a mistura na versão final.