Композиция часто связана с расширением границ. Но когда границы полностью покидают окно, чем становится композиция? Другими словами: могут ли произведения композиторов перестать считаться... музыкой?

Потому что Оксфордский словарь определяет оперу как " форму музыкальной драмы, в которой чисто мелодические ритмические силы переплетаются с элементами повествования". Это, кажется, не относится, например, к "Лунному Пьеро" Шенберга. Хорошо; тогда мы можем продолжать называть это "мелодрамой"? :)

Предисловие

Сочинение - это глубоко личный и творческий процесс для любого художника. У каждого художника есть свой уникальный стиль, который отражает его индивидуальность и художественное видение.

Приступая к творческому процессу, художник тщательно продумывает, как сочетать различные элементы, чтобы создать единое целое. Через свой стиль композиции художник передает зрителям свою эстетику и взгляды.

Композиционный стиль художника может меняться с течением времени, отражая его личностный рост и меняющиеся влияния. Вернее, именно слияние стиля и композиции рождает произведения искусства. И каждое произведение несет в себе частичку души художника и уникальное послание миру для интерпретации.

Хорошие композиторы всегда обладали уникальной способностью воплощать свои мысли и переживания в музыкальные шедевры. Сегодня современные композиторы продолжают расширять границы музыкального выражения.

Западная музыка в определенном смысле определялась тональным центром. В атональности композиторы освобождают себя от ограничений, связанных с работой в определенном ключе и связанными с ним ожиданиями.

Они могут одинаково использовать все двенадцать нот хроматической гаммы, не обращая внимания на иерархию традиционной тональной гармонии.

Отсутствие определенного ключа в атональности открыло путь к созданию уникальных и новаторских композиций.

Классическая музыка

Классическая западная музыка имеет определенную тональность (или тональные центры, если/когда происходят модуляции).

Сильный тональный центр можно найти практически в любом классическом произведении. Например, в сверхпопулярной Симфонии № 9 Бетховена ключ ре-минор служит "якорем".

Этот пример иллюстрирует, как композиторы используют концепцию тонального центра для создания музыкального единства и чувства разрешения. Это не значит, что хроматическая гамма не является фундаментальным элементом классической музыки. На самом деле, все совсем наоборот!

В классической композиции использование хроматической гаммы открывает богатую и выразительную палитру музыкальных красок. Она расширяет диапазон возможностей, позволяя создавать замысловатые гармонии и напряженные пассажи в классических произведениях.

Функциональные аккорды

Как отмечалось в нашей статье о диатонической гамме, представление о том, что такое аккорд, менялось на протяжении веков. Тональная музыка определяет его более строго и структурно.

Понятие функциональности аккордов тесно связано со взаимными отношениями аккордов, определяемыми через прогрессии и гармонические каденции.

Однако и один аккорд может быть функциональным и создавать структуру, лежащую в основе мелодии. Так что все зависит от мастерства и намерений композитора.

Умелые авторы могут создавать самые разные настроения с помощью одного аккорда, используя различные музыкальные контексты. Научиться выражать себя через аккорд - это действительно важный шаг на пути к музыкальному мастерству!

За гранью классицизма

В начале XX века Александр Скрябин и Игорь Стравинский начали описывать музыку с отходом от традиционной диатонической гаммы.

В своих экспрессионистских работах они придерживались экспрессивного хроматизма, используя гармонии, гаммы и аккорды, которые практически полностью отказались от традиционной тональности.

Когда вы слышите их композиции, вы можете оценить, насколько мастерски они играли. Их заряженные аккордовые прогрессии и мелодии бросали вызов ожиданиям слушателя.

Начало

По мере дальнейшего развития инновационные идеи бросали вызов последним оставшимся ограничениям функциональной гармонии.

Этот отход от традиционного подхода привел к тому, что последовательные аккорды оказались диссонирующими и несвязными, если смотреть с точки зрения обычной аккордовой структуры.

Арнольд Шенберг ввел атональность и множество других экспериментальных техник, еще больше раздвинув границы. В то время "стиль Шенберга" был настолько авангардным, что некоторые даже не считали его музыкой, что делает его усилия примером архетипической смены парадигм.

Его свободная атональность требовала полного отказа от традиционных гармонических концепций, но не была строгой в отношении того, что именно они собой представляют. В связи с этим возникает вопрос: фокусируется ли атональный композитор на том, чтобы просто нарушить все традиционные правила?

Эстетика атональности

Вопреки распространенному мнению, атональность - это не "антитональность". Это набор независимых принципов. Хотя гармонические каденции "запрещены", атональные композиторы не основывают свою эстетику на том , насколько нетональным является музыкальное произведение.

Отсутствие традиционного тонального центра действительно является определяющей чертой атонального произведения. И да: в атональном произведении композитор намеренно избегает установления основного тона, что приводит к динамичному проявлению различных аккордовых структур.

Эти принципы положили начало тому, что позже было названо Второй венской школой. Арнольд Шенберг написал "Лунного Пьеро", чтобы продемонстрировать свои эстетические принципы, а его ученики Альбан Берг и Антон Веберн последовали за ним, начав писать фортепианные пьесы и даже сюиты.

Их фортепианные пьесы, в частности, показали, что музыкальный фокус был совершенно иным. Правая рука не "летала", играя мелодию или проходящие ноты мажорных каденций. Напротив, пьесы были больше посвящены питчевым классам и структуре, поскольку они отправляли мажорные клавиши в отставку.

Да, в атональной музыке виртуозность (или, скорее, ловкость) становится менее важной. Веберн и Берг продолжали развивать то, что дал им их учитель, что привело к дальнейшему стилистическому развитию.

Годы Апекса

Серийная музыка возникла как значительное отклонение от свободной атональной музыки как таковой. Она опирается на двенадцатитоновую технику или тональный ряд, который определяет мелодическую последовательность и сменяющие друг друга аккорды во всей композиции.

Соответствующая композиционная техника, получившая в то время название "сериализм", получила широкое распространение благодаря творчеству Второй венской школы. Под влиянием этих композиторов были созданы новаторские атональные произведения.

Любимые ученики Шенберга (вышеупомянутые Альбан Берг и Антон Веберн) были в авангарде движения сериализма.

Они начали использовать строгие математические структуры для организации своих композиций. Их атональные произведения часто использовали вышеупомянутые двенадцатитоновые ряды для достижения своей цели.

Эта система требовала использования всех 12 тонов хроматической гаммы, но не из одной октавы и строго без какого-либо сходства с тональной мелодией (в традиционном понимании). Дополнительную сложность представляет то, что "ряд" должен быть разработан без тональных повторений.

Как следствие, атональная музыка стала очень сложной и для исполнителя, особенно атональные произведения с вокальной партией. Из-за отсутствия функциональных гармонических ориентиров неопытным вокалистам часто приходилось делать специальные упражнения и даже учить свою партию наизусть.

Влияние сериализма оставило неизгладимый след в мире современной классической музыки. Атональные произведения проложили путь к дальнейшим экспериментам в композиции.

Невенцы

Было бы ошибкой делать вывод, что атональная музыка связана с Веной - или вообще с Западом, если уж на то пошло.

Сергей Прокофьев самостоятельно исследовал эти концепции, создавая произведения, которые особенно бросали вызов традиционной оперной структуре. Он продолжал развивать основы, заложенные Скрябиным и Стравинским.

В его композициях, как и в опере Альбана Берга " Воццек ", наблюдался распад основного структурного элемента, по мере того как мелодии и ритмы обретали все большую независимость и сложность.

По иронии судьбы, свободную атональность можно считать и началом, и концом, просто потому, что до и после сериалистов атональность была менее строгой.

Можно не согласиться, но некоторые аспекты или фрагменты музыки Прокофьева, Шостаковича или даже Рахманинова в некотором роде "свободно атональны".

Джаз

По крайней мере, со времен Чарли Паркера и уж точно после него, буквально каждый джазовый музыкант был одержим идеей расширения тональных центров, "переопределения клавиш", если хотите. Это породило холодный джаз и модальный джаз в частности.

Несколько позже Херби Хэнкок исследовал слияние современной классической музыки и джазовых жанров - неизбежное следствие его новаторского духа. Он рассматривал ритм как неотъемлемого партнера мелодии, создавая новаторские композиции.

Эти эксперименты с мелодико-ритмическими напряжениями стали одним из основных факторов, определяющих развитие новой музыки в XX веке.

Послесловие

Атональная музыка не положила конец тональной музыке или функциональной гармонии. Скорее, она переосмыслила понятия, аккорды и то, что определяет тональный центр, что представляет собой аккорд и т. д.

Тональная музыка сегодня

Современная функциональная гармония звучит... ну... обогащенно (мягко говоря). Эстетика допускает как питчевые классы атональной музыки, так и тональный центр.

В современной тональной музыке может присутствовать - и присутствует - и атональная музыка. Или, возможно, "подобия" атональной музыки, или, может быть, проблески и влияния атональной музыки. И это естественно, ведь музыка есть музыка, а ключ - в идеях композиторов.

Атональная музыка современности?

Точно так же: атональная музыка - это атональная музыка. И современная атональная музыка существует, хотя вы не найдете ее под таким названием (как "современная атональная музыка" ).

Арнольд Шенберг и все предшествующие ему школы сильно отличаются от современных. "Лунный Пьеро" не сравним с сегодняшней атональной музыкой. Но с другой стороны: она не сравнима и с "Тренодией жертвам Хиросимы" Пендерецкого, а она появилась всего через десятилетие после смерти Шенберга...

Важно то, что атональная музыка Шенберга привнесла в музыкальный мир новые идеи. Ключевые идеи, особенно полезные в музыке для кино или театральной сфере. И да: сегодня все согласны с тем, что произведения Шенберга были - и всегда будут - музыкой!