Jos vasta alat tutustua elektroniseen musiikkiin, sinulla on valtava maailma tutkittavana. Elektronisen musiikin mahdollisuudet ovat lähes rajattomat lukemattomien pluginien, syntetisaattoreiden ja jatkuvasti kehittyvien tuotantotyylien ansiosta.

Elektronisen musiikin monipuolisuus ja resurssien runsaus voi tietysti tehdä siitä myös hieman pelottavan aloittelijoille. Mistä edes aloittaa, kun aiheeseen liittyy valtava määrä YouTube-videoita, artikkeleita ja verkkokursseja?

Juuri siksi olemme täällä. Tässä oppaassa selvitämme elektronisen musiikin tekemisen perusasiat synteesin perusteista tuotanto-ohjelmistojen ja -laitteistojen sokkeloihin. Halusitpa sitten tuottaa tanssilattiakelpoista teknoa, ambient-äänimaisemia tai mitä tahansa siltä väliltä, minulla on joukko oivalluksia ja vinkkejä, jotka toivottavasti innostavat sinua hiomaan taitojasi!

Mitä on elektroninen musiikki?

Elektroninen musiikki on laajimmillaan paljon laajempaa kuin tyypillinen genre. Se on todella menetelmä, joka on muuttanut täysin tapamme luoda ja kuluttaa musiikkia.

Toisin kuin orgaaninen musiikki, joka perustuu akustisten soittimien, kuten kitaroiden, jousien, pianojen ja elävien rumpujen ja lyömäsoittimien luonnollisiin ääniin, elektroninen musiikki koostuu usein syntetisoiduista äänistä ja tekstuureista.

Sen ytimessä ovat analogiset syntetisaattorit ja muut elektroniset instrumentit, kuten sähköurut ja rumpukoneet, joiden suosio on kasvanut vuosikymmenten aikana.

Tietenkin elektroninen musiikki on nykyään kehittynyt vanhojen analogisten laitteiden tuntuvista nupeista ja elektronisista johdoista ja virtapiireistä tietokoneiden ja digitaalisten ohjelmistoinstrumenttien tyylikkäisiin käyttöliittymiin.

Useimmat elektronisen musiikin tuottajat tukeutuvat vahvasti tietokoneisiin ja käyttävät DAW-ohjelmia ja niiden loputonta ääni- ja efektipalettia. Haluan ajatella tätä muutosta musiikintuotannon demokratisoitumisena, sillä se teki siitä kaikkien ulottuvilla olevan, joilla on tietokone ja luovuutta.

Vaikka elektroninen musiikki oli alun perin maanalainen liike (muistele house-musiikin syntyä Chicagossa 70-luvun lopulla tai krautrockin esittelyä Saksassa 60-luvun lopulla, joka oli kokeellisen rockin alalaji, jossa käytettiin syntetisaattoreita, sekvenssereitä ja nauhasilmukoita), se on nyt läpäissyt valtavirtakulttuurin ja vaikuttanut kaikkeen poppiin ja hiphopiin.

On aika kiehtovaa nähdä, kuinka monet nykyajan elektronisen musiikin tuottajat, kuten Bonobo, Tycho ja Four Tet, kutovat akustisia elementtejä takaisin kappaleisiinsa. Se on jonkinlainen uudempi fuusio, joka luo rikkaan, kuvioidun äänen, jolla kunnioitetaan menneisyyttä ja samalla työnnetään innovaation rajoja.

Elektronisen musiikin tuotanto on niin laaja sateenvarjo, että sitä on vaikea määritellä yhdellä ainoalla tavalla (minun pitäisi kirjoittaa kokonainen kirja, jos haluaisin, etten jättäisi pois joitakin tärkeimpiä yksityiskohtia). Jos kuitenkin haluat ryhtyä elektronisen musiikin tuottajaksi, minusta tuntuu, että on olemassa hyviä paikkoja, joista kannattaa aloittaa, jotta pääset alkuun.

Pakolliset ohjelmistot ja työkalut

Kun aloitat elektronisen musiikin tekemisen, on olemassa muutamia työkaluja, joita haluat hankkia matkan varrella. Jokaisella tässä luettelossa mainitulla laitteella on oma roolinsa tuotantoprosessissa, aina DAW:stä, joka on digitaalisen studiosi sydän, laitteistosyntetisaattoreihin ja rumpukoneisiin, jotka antavat soundillesi ainutlaatuisen sormenjäljen.

Tutustutaanpa hieman syvällisemmin siihen, miten kukin näistä työkaluista voi parantaa elektronisen musiikin tuotantoa.

Digitaalinen äänityöasema (DAW)

Jokaisen elektronisen musiikin tuottajan kokoonpanon ytimessä on DAW (Digital Audio Workstation).

DAW on ensisijainen työkalusi. Se on keskeinen keskus, jossa kaikki luovat ideasi heräävät henkiin. DAW:n avulla voit äänittää, muokata, miksata ja masteroida musiikkia. Käytännössä sinulla on kattava ympäristö, jossa voit tehdä elektronista musiikkia miten haluat.

Vaikka jokaisella tuottajalla on oma suosikki DAW:nsä, olen tullut siihen tulokseen, että jotkut niistä ovat yksinkertaisesti parempia elektronisen musiikin tekemiseen kuin toiset:

• Ableton Live: Erityisesti sen intuitiivisen sessionäkymän vuoksi. Se on myös monien elektronisen musiikin tuottajien suosikki live-esitysten ja MIDI-sekvensointiominaisuuksien vuoksi.
• FL Studio: FL Studio on käyttäjäystävällinen käyttöliittymä ja tehokas kuvioihin perustuva sekvensointi, ja se on toinen elektronisen musiikin tuottajien suursuosikki, joka haluaa aloittaa valtavan valikoiman sisäänrakennettuja syntetisaattoreita ja efektejä.
• Logic Pro: Kuten useimmat Applen tuotteet, myös Logic Pro on tyylikäs ja helppokäyttöinen. Lisäksi saat laajan ääni- ja loop-kirjaston, josta pääset alkuun.
• Propellerhead Reason: Reason tarjoaa ehkä ainutlaatuisimman ja kokeellisimman lähestymistavan musiikintuotantoon, sillä sen laadukkaat virtuaaliset syntetisaattorit, samplerit ja efektit voidaan liittää toisiinsa loputtomasti.

Jokainen DAW tarjoaa jotain ainutlaatuista, mutta se, mikä niistä tukee tarpeitasi parhaiten, on täysin subjektiivista. Suosittelen kokeilemaan niitä kaikkia, jotta näet, mikä niistä integroituu luontevimmin työnkulkuusi.

Äänikirjastot ja Sample Packit

Seuraavaksi meillä on äänikirjastoja ja sample-paketteja, jotka ovat elektronisen musiikin rakennuspalikoita. Näiden resurssien saatavuus on tärkeää, etsitpä sitten raikkaita rumpusilmukoita, polttavia syntetisaattorijohtoja tai vanhan koulukunnan R&B-laulua, jonka voit pilkkoa ja soittaa uudelleen.

Viime vuosien aikana minusta on tullut Splicen suuri fani (kuten monista muistakin elektronista musiikkia tuottavista tahoista). Sen tilauspohjaisen mallin ansiosta saat krediittejä, jotka voit vaihtaa laajaan, genreittäin laajaan kokoelmaan sampleja ja looppeja.

Jos pidät kokonaisten pakettien lataamisesta, suosittelen tutustumaan Loopmastersiin. He tarjoavat myös laajan valikoiman korkealaatuisia paketteja eri genreistä, vintage-rumpukoneiden näytteistä nykyaikaisiin syntetisaattoreihin.

Olisin huolimaton, jos en mainitsisi myös Native Instruments Kompletea. Vaikka Komplete ei sinänsä ole sample pack, se tarjoaa loputtoman kirjaston instrumentteja, efektejä ja ääniä, jotka sopivat erinomaisesti yleiseen musiikkituotantoon.

Jos haluat käyttää äänikirjastojasi ja sample-pakettejasi DAW:ssäsi, tarvitset jonkinlaisen työkalun, jolla voit toistaa niitä tai käsitellä niitä eri tavoin (ajan venyttäminen, sävelkorkeuden siirtäminen jne.) Onneksi useimmissa DAW:issä on sisäänrakennetut samplerit ja rumpukoneet juuri tätä tarkoitusta varten.

Esimerkiksi Ableton Liven Sampler ja Drum Rack tarjoavat molemmat tehokkaat näytteenotto- ja biitinvalmistusmahdollisuudet, ja kummassakin on laajat modulaatio- ja muokkausmahdollisuudet.

Jos olet Logic Pro -ohjelmassa, voit käyttää Quick Sampler -ohjelmaa, joka on erinomainen erilaisten sample-muotojen tuomiseen ja toistamiseen. Siinä on myös melko yksityiskohtainen muokkaus ja mukautus.

Tietenkin on myös kolmannen osapuolen vaihtoehtoja, kuten NI:n Kontakt, jossa on syvästi muokattavissa oleva sampleri sekä massiivinen äänikirjasto ja kolmannen osapuolen laajennukset, tai Serato Sample, jonka avulla on helppo samplata musiikkia eri lähteistä ja käyttää nopeita pilkkomis-, ajan venyttämis- ja sävelkorkeuden siirtotyökaluja.

Liitännäiset ja virtuaaliset instrumentit

Nyt tulee hauskin osuus.

Pluginit ja virtuaaliset instrumentit ovat keskeisiä komponentteja elektronisen musiikin tuotantoprosessissa. Kyseessä on musta aukko, jonka tutkimiseen voi todella käyttää ikuisuuden, sillä erilaisia efektiplugineja ja VST:tä on tuhansia. Sanoisin, että parasta, mitä voit tehdä juuri nyt, on hankkia käsiisi muutama eri kategorioista ja tutustua niihin mahdollisimman hyvin.

Seuraavassa on muutamia tyyppejä, joita kannattaa varoa:

• Synth Plugins: Luo elektronisia ääniä synteesin avulla (kuten analogisella syntetisaattorilla), mikä sopii erinomaisesti ainutlaatuisten lyijyjen, bassojen, tyynyjen jne. luomiseen.
• Tehosteiden lisäosat: Paranna tai muuta ääniä efekteillä, kuten EQ:lla, kompressiolla, kaikulla, viiveellä, säröllä, modulaatiolla ja muilla.
• Sampler Plugins: Toista tai käsittele digitaalisia tallenteita tai näytteitä.
• Rumpukoneen lisälaitteet: Emuloi rumpukoneita tai näytteenottimia, jotka sopivat erinomaisesti lyöntien ja rytmien soittamiseen tai piirtämiseen.
• Sequencer Plugins: Musiikin järjestämiseen ja sekvensointiin. Näissä on usein kehittyneet kuvio- ja silmukkaluomisominaisuudet.

Kuten sanoin, voit viettää vuosikymmeniä tutustumalla eri kehittäjien plugineihin ja virtuaalisiin instrumentteihin, ja se, mikä saattaa olla yhdelle elektronisen musiikin tuottajalle välttämätön VST, saattaa olla toiselle floppi. On sinun tehtäväsi tehdä tutkimusta ja löytää ne, jotka sopivat sinulle parhaiten. Voit jopa tutkia Equipboardin kaltaisia sivustoja selvittääksesi, mitä suosikkiartistisi käyttävät.

Koska olet kuitenkin täällä, annan sinulle muutamia suosikkisuosituksiani, joita käytän useimmissa kappaleissani, alkaen efektiplugineista:

• FabFilter Pro-Q 3: Yksikään miksaus ei mene ohi ilman tätä FabFilterin uskomattoman monipuolista ja käyttäjäystävällistä EQ:ta. Se sopii loistavasti kirurgiseen ja dynaamiseen EQ:n muokkaukseen, ja siinä on kaunis käyttöliittymä, joka antaa yleiskuvan taajuusspektristä.
• Valhalla VintageVerb: Luultavasti useimmin käyttämäni kaikuliitännäinen, varsinkin kun haluan reheviä, vintage-henkisiä kaikuja, jotka lisäävät syvyyttä ja tilaa mihin tahansa kappaleeseen.
• Soundtoys EchoBoy: En voi kuvitella monipuolisempaa delay-lisäosaa. Saat valikoiman rikkaita, analogisilta kuulostavia delay-efektejä, jotka ovat tarpeeksi monipuolisia palvelemaan kaikkia elektronisen musiikin tyylilajeja.
• iZotope Ozone: Ozone sisältää kaiken, mitä tarvitset viimeistellyn, ammattimaisen lopputuloksen aikaansaamiseksi, aina EQ:sta ja kompressiosta stereokuvantamiseen ja rajoittamiseen.
• Xfer Records LFOTool: Se tarjoaa helpon tavan lisätä tremolo-, auto-pan-, trance-gate-, side-chain-kompressorisimulaatio- ja dubstep-tyyppisiä wobble-efektejä pienellä vaivalla.
• FabFilter Saturn 2: Toinen suosikkini FabFilter plugins, Saturn 2 on valtava valikoima särö-, kyllästys- ja vahvistinmallinnustehosteita, jotka ovat loistavia, kun raitasi tarvitsevat lämpöä tai soraa.

Mitä tulee virtuaalisiin instrumentteihin, tässä on muutama, joita suosittelen, varsinkin jos haluat monipuolisuutta ennen kaikkea:

• Xfer Records Serum: Tämä elektronisen musiikin tuottamisen huippuohjelmistoinstrumentteihin lukeutuva wavetable-syntetisaattori tarjoaa markkinoiden korkealaatuisimman äänen ja joustavimmat äänisuunnittelumahdollisuudet.
• Native Instruments Massive X: Massivesta tuli elektronisen musiikin tuotannon peruspilari, kun dubstep tuli markkinoille, ja NI puski rajoja entisestään Massive X:llä. Se on suosikkini, kun tarvitsen syviä, voimakkaita bassoja ja lead-ääniä.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 saattaa olla yksi markkinoiden monipuolisimmista ohjelmistoinstrumenteista massiivisen äänikirjastonsa ja loputtomien synteesityylien ansiosta. Keyscape on yhtä lailla peliä muuttava mallinnettuihin pianoihin ja koskettimiin.
• Native Instruments Battery 4: Tärkein rumpu- ja lyömäsoittimien samplerini on nykyään Battery 4. Sen lisäksi, että siinä on valtava kirjasto kittejä ja sampleja kaikenlaisiin elektronisen musiikin genreihin, se tarjoaa myös syvällisen muokkauksen ja helpon toiston, kun lataat omia samplejasi.
• Arturia V Collection: Tarkasti mallinnetut vintage-syntetisaattorit ja -näppäimistöt ovat Arturian pelin nimi. Jos sinulla ei ole käytössään analogista laitteistoa, tämä kokoelma sopii täydellisesti klassisten sävyjen lisäämiseen kappaleisiisi.
• Spitfire Audio LABS: Olen hiljattain alkanut tutustua LABSiin ja rakastan jokaista heidän julkaisuaan. Se on jatkuvasti kasvava sarja laadukkaita, ilmaisia instrumentteja jousista lauluun ja kokeellisiin ääniin, jotka sopivat täydellisesti ainutlaatuisten tekstuurien lisäämiseen musiikkiin.

Kun jatkat elektronisen musiikin luomista, tulet rakastumaan tiettyihin plugineihin ja virtuaalisiin instrumentteihin, mutta kehotan sinua jatkamaan tutkimista ja pysymään ajan tasalla uusista julkaisuista, sillä horisontissa on aina jotain jännittävää.

MIDI-näppäimistö tai -ohjain

MIDI, joka on lyhenne sanoista "Musical Instrument Digital Interface", on elektronisen musiikin kieli.

Se on tekninen standardi, jonka avulla elektroniset soittimet, tietokoneet ja muut laitteet voivat kommunikoida, ohjata ja synkronoida keskenään. Käytämme sitä, jotta digitaalisen musiikin eri laitteet voivat olla vuorovaikutuksessa toistensa kanssa. Katso MIDI-oppaastamme lisätietoja sen toiminnasta.

Vaikka voit piirtää MIDI-nuotteja DAW:ssä hiiren tai tietokoneen näppäimistön avulla, MIDI-näppäimistö tai -ohjain tekee soittamisesta paljon tuntuvampaa ja ilmaisuvoimaisempaa. Näppäimistön tai ohjaimen avulla voit soittaa melodioita, rumpurytmejä ja ohjata syntetisaattoreita DAW:ssä reaaliaikaisesti, jolloin saat välitöntä palautetta ja intuitiivisemman tavan tuottaa elektronista musiikkia.

Minulle laitteisto, jota voin käyttää musiikin luomiseen, tuo inhimillisen kosketuksen takaisin digitaaliseen prosessiin.

Seuraavassa on muutamia MIDI-näppäimistöjä ja -ohjaimia, joita suosittelen tarkastelemaan: ne sopivat erilaisiin tarpeisiin ja budjetteihin:

• Akai MPK Mini MkIII: Jos etsit kompakti ja edullinen, tämä ohjain on täydellinen. Hinta on helppo nielaista aloittelijoille, ja 25 mininäppäimen käyttöliittymä on loistava niille, joilla on rajallinen studiotila. Lisäksi saat osoitettavat padit ja säätimet, jotka lisäävät monipuolisuutta!
• Novation Launchkey Series: Vaikka Launchkey-sarja on suunniteltu Ableton Livea varten, se voi toimia missä tahansa DAW:ssä. Se tarjoaa täysikokoisia näppäimiä, padeja, säätimiä ja fadereita, joilla voit hallita kaikkia elektronisen musiikin tuottamisen osa-alueita.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential on tasapainossa ominaisuuksien ja edullisuuden välillä, ja se sopii täydellisesti integroitavaksi Arturian ohjelmistoinstrumenttikokoelmaan. Näppäimistö tuntuu hyvältä, ja DAW:n säätimiä on runsaasti, mikä lisää käytännön kokemusta.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Jos käytät Native Instrumentsin ohjelmistoja usein, ei ole parempaa vaihtoehtoa integrointiin. S-sarjan näppäimistöt tarjoavat laadukkaat näppäinpohjat aftertouchilla sekä yhden markkinoiden intuitiivisimmista selaus- ja parametrien hallintajärjestelmistä.
• ROLI Seaboard Block: Tämä näppäimistö on MIDI-ohjainmarkkinoiden musta lammas, mutta jos haluat tutustua perinteistä koskettimistosoittoa laajempaan soittoon, Seaboardin ilmaisuvoimainen soittopinta vangitsee kosketuksen viisi ulottuvuutta tavalla, jota mikään muu näppäimistö ei ole saavuttanut.

Nämä ovat vain joitakin suosikkejani, vaikka on paljon muitakin MIDI-näppäimistöjä ja -ohjaimia, jotka tuovat jotain ainutlaatuista pöytään, riippumatta siitä, asetatko etusijalle kannettavuuden ja kohtuuhintaisuuden vai monipuolisuuden ja syvällisen ohjelmistointegraation.

Kokeile eri vaihtoehtoja, jos mahdollista, ja katso, mikä sopii parhaiten työnkulkuusi.

Rumpukoneet ja samplerit

Vaikka en usko, että rumpukoneet ja samplerit ovat nykyään välttämättömiä välineitä elektronisen musiikin tuottamiseen, ne ovat tärkeitä työkaluja, sillä ne ovat olleet elektronisen musiikin tuotannon selkäranka alusta lähtien.

Näiden soittimien historia on pitkä, ja monet ikonisista malleista ovat muovanneet kokonaisten genrejen soundia. Esimerkiksi 80-luvun alussa markkinoille tulleesta Roland TR-808 -mallista tuli hiphopin synonyymi. Kuuntele Afrika Bambaataan "Planet Rock", niin kuulet yhden ensimmäisistä tapauksista, joissa tämä rumpukone nousi tähteyteen.

Samoin Akai MPC, joka oli samplerin ja sekvensserin yhdistelmä, mullisti tuottajien tavan tehdä biittejä. J Dilla on yksi parhaista esimerkeistä legendaarisesta beatmakerista, joka muutti tapaa tehdä elektronista musiikkia MPC:n avulla.

Hardware-rumpukoneiden ja -näytteenottimien käyttämisen kauneus virtuaalisiin vastineisiin verrattuna on siinä, että saat tuntuman ja analogisen äänen. Kuten monet muutkin tuottajat, minusta fyysinen vuorovaikutus nuppien, padejen ja fadereiden kanssa on paljon inspiroivampaa.

Lisäksi laitteiston ainutlaatuiset äänelliset ominaisuudet ja rajoitukset voivat kannustaa luovuuteen, Tietenkin on myös live-esityksen näkökulma, eikä ole epäilystäkään siitä, että laitteisto tekee laitteistosta luotettavamman ja visuaalisesti kiinnostavamman setin.

Vaikka sinun pitäisi ehdottomasti katsoa, mitä suosikkiartistit ja -tuottajat käyttävät kokoelmasi rakentamisen aloittamiseksi, tässä on muutamia suosikkirumpukoneita ja näytteenottimia, joita suosittelen usein muille:

• Roland TR-8S: Jos olet kuten useimmat tuottajat, eikä sinulla ole tuhansia dollareita käyttää alkuperäiseen TR-08:aan, suosittelen TR-8S:ää. Tämä suhteellisen tuore Roland-julkaisu tarjoaa klassiset TR-sarjan rumpusoundit sample-toisto-ominaisuuksilla, mikä tekee siitä monipuolisen työkalun live-esityksiin ja studiotyöskentelyyn.
• Elektron Digitakt: Tämä kompaktin kokoinen rumpukone ja sampler on yksi suosikkivalinnoistani liikkeellä oleville tuottajille. Siinä on hurjan tehokkaat sekvensointiominaisuudet ja paljon äänisuunnittelutyökaluja.
• Akai MPC Live II: Legendaarinen MPC-työnkulku ja joustavuus itsenäisesti, sisäänrakennettujen kaiuttimien ja ladattavan akun ansiosta MPC Live II on loistava väline tuotantoon tien päällä.
• Korg Volca Sample: Tämä edullinen ja kompakti sample-sekvensseri on täydellinen aloittelijoille, sillä se tarjoaa runsaasti maksimisuorituskykyä ja siinä on runsaasti ominaisuuksia ja liitäntämahdollisuuksia reaaliaikaiseen groove-rakenteluun.
• Dave Smith Instruments Tempest: Vaikka se on ollut vuosien varrella melkoisen kiistelty, tämä Dave Smithin ja Roger Linnin yhteistyössä tekemä rumpukone on yksi suosikkivaihtoehdoistani tehokkaan analogisen rumpukonesoundin saamiseksi.

Laitteisto on tekemässä suurta paluuta, minkä vuoksi kaikkien elektronisen musiikin tuotantoa opettelevien tulisi tutustua myös tähän työkalupakkiin. Vaikka sinulla ei olisikaan valtavaa budjettia, vaihtoehtoja on silti paljon!

Ääniliitäntä

Voit toki oppia elektronisen musiikin tuottamista pelkällä kannettavalla tietokoneellasi, mutta jos haluat ottaa vakavasti elektronisen musiikin tuotantoasennuksen ja rakentaa sillan soittimien, mikrofonien ja tietokoneen välille, tarvitset ääniliitännän.

Lyhyesti sanottuna audioliitäntä muuntaa analogiset signaalit digitaalisiksi audiodataksi, jota DAW voi käsitellä, ja päinvastoin. Muuntamisen lisäksi audioliitäntä voi myös parantaa äänitysten äänenlaatua merkittävästi verrattuna useimpien tietokoneiden sisäänrakennettuihin audiotuloihin ja -lähtöihin sekä tarjota tärkeitä ominaisuuksia, kuten mikrofonin esivahvistimet, suoran monitoroinnin viiveetöntä äänitystä varten sekä useita tuloja ja lähtöjä eri audiolähteiden ja ulkoisten laitteiden liittämistä varten.

Ääniliitäntöjä on monenlaisia, mutta jos et ole varma, mistä aloittaa, tässä on muutamia vaihtoehtoja eri budjeteille:

• Budjettiystävällinen :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3rd Gen): Yksi parhaista suosituksista aloittelijoille, jotka haluavat käyttöliittymän, jossa on laadukkaat esivahvistimet ja kestävä rakenne.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Erittäin edullinen vaihtoehto, joka tarjoaa kaikki perusasiat, joita tarvitset kotitallennuksen aloittamiseen.
• Mid-Range :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Moitteeton äänenlaatu ja reaaliaikainen UAD-prosessointi, täydellinen, jos haluat parantaa tuotantopeliäsi.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Tarjoaa hyvän tasapainon ominaisuuksien ja hinnan välillä, useita sisääntuloja/ulostuloja ja alhaisen latenssin.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Tunnettu luotettavuudestaan, poikkeuksellisesta äänenlaadustaan ja alhaisesta viiveestä, sopii pieniin ammattilaisstudioihin.
  • Apollo x4 by Universal Audio: Neljä Unison-esivahvistinta, UAD-2 Quad Core -prosessointi ja ylivoimainen muuntaminen takaavat UAD-laitteiston parhaat ominaisuudet.

Oikea ääniliitäntä riippuu erityistarpeistasi.

Jos esimerkiksi äänität useita mikrofoneja kerralla, tarvitaan useita tuloja ja lähtöjä. Jos kuitenkin olet paljon liikkeellä, kannettavuus saattaa olla suurin myyntivaltti. Siitä huolimatta audioliitäntään on ehdottomasti investoitava, jos haluat parantaa musiikin laatua.

Kuulokkeet tai studiomonitorit

Kun alat tehdä omaa musiikkia, tarvitset jotain, josta voit kuunnella sitä.

Yksi ensimmäisistä asioista, jotka sinun on päätettävä, on se, investoitko kuulokkeisiin vai studiomonitoreihin. Kummallakin on oma tarkoituksensa musiikin tuotantoprosessissa, ja todellisuudessa molempien hankkiminen on paras vaihtoehto.

Studiomonitorit antavat tarkemman kuvan äänestä huoneessa, joten voit ymmärtää, miten musiikkisi toimii todellisessa ympäristössä. Ne tarjoavat myös tila- ja ulottuvuusnäkökulman miksaukseesi, mikä auttaa sinua tekemään tietoon perustuvia päätöksiä panoroinnista, syvyydestä ja stereokuvauksesta.

Kuulokkeet taas tarjoavat yksityiskohtaisuutta ja eristystä. Ne sopivat erinomaisesti miksauksen hienovaraisten vivahteiden tunnistamiseen, jotka saattaisivat jäädä huomaamatta kaiuttimista, kuten matalan tason kohinat tai naksahdukset ja poksahdukset. Kuulokkeet ovat myös avainasemassa myöhäisillan sessioissa tai jos työskentelet käsittelemättömissä tiloissa, joissa et voi tarkkailla tarkasti kaiuttimien kautta.

Molempien työkalujen käyttö on erittäin hyödyllistä, sillä niiden avulla näet, miltä miksauksesi kuulostaa erilaisissa kuunteluympäristöissä, jotta tiedät, että musiikkisi kuulostaa hyvältä monissa eri toistolaitteissa.

Tässä on muutamia suosituksiani kustakin:

Kuulokesuositukset:

• Talousarvio: Audio-Technica ATH-M40x - Erinomainen äänenlaatu ja kestävyys edulliseen hintaan.
• Keskitaso: Beyerdynamic DT 770 PRO - Tunnettu yksityiskohtaisesta, tasapainoisesta äänestä ja mukavuudesta. Käytän näitä mielelläni pitkissä miksaussessioissa.
• High-End: Sennheiser HD 650 - Huippuluokan avoimet studiokuulokkeet, jotka takaavat erinomaisen luonnollisen äänentoiston ja tarkan bassotoiston.

Studiomonitorisuositukset:

• Talousarvio: Presonus Eris E3.5 - Erittäin kompakti ja edullinen, mutta tarjoaa silti selkeän ja tarkan ääniprofiilin pieniin kotistudioihin.
• Keskitaso: Yamaha HS5 - Täydellinen tasainen vaste ja erinomainen äänentoisto, erityisesti kun miksaat käsittelemättömissä tiloissa.
• High-End: Adam Audio A7X - Sopii erinomaisesti ammattimaisille musiikkituottajille ja insinööreille, jotka haluavat tarkan bassotoiston ja yksityiskohtaiset ylätaajuudet.

Kun aloitin elektronisen musiikin tuottamisen, työskentelin kuulokkeilla noin vuoden ajan ennen kuin päivitin studioasennukseni, joten jos studiomonitorit eivät kuulu audiotuotantobudjettiisi juuri nyt, en hermostuisi siitä liikaa. Varmista vain, että pidät usein taukoja, jos kuuntelet vain kuulokkeilla, jotta perspektiivi säilyy ja korvat eivät väsy.

Kuinka tehdä elektronista musiikkia

Elektronisen musiikin tuotanto on laaja. En todellakaan voi luvata, että lukemalla tämän artikkelin hallitset taiteen, mutta toivottavasti voin antaa sinulle jonkinlaisen käsityksen kokemuksistani elektronisen musiikin tuottamisesta viimeisen vuosikymmenen aikana, ja voit käyttää sitä inspiraationa omalla matkallasi.

Ajattelen musiikin luomisprosessia mielelläni kolmessa vaiheessa:

1. Ideat: Ensimmäinen vaihe: Ensimmäisessä vaiheessa hahmotat ensimmäiset ideasi, kokeilet ääniä ja kuvioita ja keräät ideoita tai inspiraatiota muilta taiteilijoilta, joista pidät.
2. Järjestelyt: Kun olet saanut ideasi ylös, voit jäsentää ne yhtenäiseksi kokonaisuudeksi ja luoda kappaleen, joka vie kuulijan matkalle alusta loppuun.
3. Jalostus: Tämä on miksaus- ja masterointivaihe, jossa hiotaan raitaa ja varmistetaan, että kaikki elementit sopivat hyvin yhteen.

On tärkeää huomata, että jokainen tuottaja kulkee omaa ainutlaatuista polkuaan näiden vaiheiden läpi.

Jotkut saattavat aloittaa tarttuvasta melodiasta ja rakentaa sen ympärille, kun taas toiset pilkkovat muutaman näytteen ja paukuttavat hienon sekvenssin MPC:llä. Toiset taas saattavat käyttää perinteistä lähestymistapaa ja rakentaa kappaleen alusta alkaen popin tavanomaisen sovitusrakenteen mukaan, aloittaen rummuista, sitten bassosta, sitten kitarasta ja niin edelleen.

Elektronisen musiikin tuottamisen kauneus piilee tässä lähestymistapojen moninaisuudessa.

Vaikka aionkin kertoa menetelmästä, joka toimii minulle parhaiten, muista, että ei ole olemassa mitään yhtä ja samaa prosessia, joka sopii kaikille. Tärkeintä on löytää sellainen työnkulku, joka sytyttää luovuutesi ja antaa ideoiden virrata vapaasti.

Soundin löytäminen

Kun opettelet ensimmäistä kertaa tekemään elektronista musiikkia, vaikeinta voi olla oman soundin löytäminen.

Elektronisen musiikin käsitteen alla on niin monia alalajeja, ja jokaisella niistä on oma ainutlaatuinen palettinsa ääniä, rytmejä ja rakenteita. Seuraavassa on muutamia suosittuja alalajeja, vain muutamia mainitakseni:

• Talo
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligent Dance Music)
• EDM (Electronic Dance Music)
• Trance
• Rumpu ja basso
• Tulevaisuuden basso

Uutena tuottajana uskon, että avain oman soundin löytämiseen tämän monimuotoisuuden keskellä on tutkiminen ja kokeileminen.

Sukella syvälle eri alalajeihin, ei vain kuuntelijana vaan myös opiskelijana. Luo lyhyitä kappaleita tai biittejä eri tyyleistä inspiroituneena, jotta näet, mikä resonoi sinuun ja saa luovuutesi virtaamaan. Voit myös kokeilla yhteistyötä muiden tuottajien kanssa, jotka voivat tarjota uusia näkökulmia ja inspiroida suuntauksia, joita et ehkä olisi harkinnut yksin.

Tämä lähestymistapa edellyttää aktiivista kuuntelua. Se on yksi tehokkaimmista välineistä kunkin alalajin vivahteiden ymmärtämiseksi. Kun kuuntelet kappaletta, yritä analysoida se: tunnista sen soundia määrittävät keskeiset elementit temposta ja rumpukuvioista syntetisaattorivalintoihin ja sovituksen rakenteeseen. Kiinnitä huomiota siihen, miten jännitys ja vapautuminen on luotu, miten kappale kehittyy ajan myötä ja mitä tunteita tai tunnelmia se herättää.

Analyyttinen lähestymistapa kuunteluun on edelleen yksi suosikkitavoistani oppia lisää kappaleesta.

Perustavanlaatuisen grooven saaminen

Elektronisen musiikin ytimessä on groove, jonka saamme usein rummuista ja lyömäsoittimista.

BPM (Beats Per Minute) on ratkaisevassa asemassa alalajin määrittelyssä, ja vaikka aina voi kokeilla, useimmilla kuuntelijoilla on odotuksia, kun he kuuntelevat tietynlaista elektronista musiikkia.

Esimerkiksi tekno vaihtelee tyypillisesti 120-135 BPM, ja siinä on neljä lattialla olevaa potkurumpukuviota, kun taas perinteinen house-musiikki on usein sielukkaampaa ja nostattavampaa, 120-130 BPM, ja siinä on hieman funkkisempi ja groovempi rumpukuvio.

Dubstep, joka on tunnettu raskaasta bassosta ja synkopoiduista grooveista, liikkuu tyypillisesti 140 BPM:n tuntumassa, mikä luo hieman tilaa niille ikonisille, painaville puoliaikaisille rumpukuvioille.

Drum and bass menee vielä pidemmälle lähes 160-180 BPM: n tahtiin käyttäen nopeutettuja breakbeat-rytmejä, jotka tuottavat intensiivisempää ja kaoottisempaa energiaa.

Tietenkin meillä on myös ambient-elektronista musiikkia, jossa perinteiset rumpuiskut vältetään ja käytetään sujuvampaa, kehittyvää tekstuuria. Joskus rumpuja ei ole lainkaan. Pikemminkin siinä keskitytään luomaan tunnelmallisempaa maisemaa.

Näiden alalajien tyypillisten tempojen ja rumpukuvioiden tunteminen voi auttaa sinua sovittamaan kappaleesi genren konventioiden mukaisiksi. Kuten sanoin, älä tietenkään pelkää kokeilla tempoa ja rytmiä löytääksesi oman soundisi!

Beatisi laatiminen

Mielestäni rummuista aloittaminen on aina hyvä strategia elektronisen musiikin tuotannossa.

Rytmiryhmä voi luoda perustan kappaleen tempolle ja energialle ja luoda grooven, johon muut elementit voivat lukittua. Ajattele, että rytmirytmi luo ensin kappaleen selkärangan.

Vaikka elektroniset kappaleet voivat muuttua melkoisesti toisistaan, useimpien rumpurytmien keskeiset osat ovat potku, snare tai clap, hi-hatit ja ylimääräiset lyömäsoittimet, jotka voivat lisätä makua ja tekstuuria.

Kun alat tehdä omia rumpubiittejäsi, voit käyttää useita eri lähestymistapoja:

• Rumpusamplereiden käyttö: Voit ladata omia rumpunäytteitäsi ja luoda MIDI-grooveja alusta alkaen.
• Breikkien, silmukoiden ja näytteiden kääntäminen: Breakbeattien ja looppien pilkkominen on vanhan koulukunnan lähestymistapa, mutta se on edelleen keskeinen osa elektronisen musiikin tekemistä ja uusien ideoiden inspiroimista.
• Referenssikappaleiden kuuntelu: Suosittelen, että käytät aikaa analysoidaksesi rumpujen uria kappaleissa, joista pidät, ja yrittäessäsi jäljitellä niitä. Kiinnitä huomiota eri kerroksiin, swingiin tai suoraviivaiseen ajoitukseen ja siihen, miten rytmi täydentää kappaleen kokonaistunnelmaa.

Katsotaanpa, miten voit luoda yksinkertaisen house-biitin:

1. Aloita potkurummulla: Etsi ihanteellinen house-tyylinen potku ja sijoita se tahdin jokaiseen lyöntiin (1, 2, 3, 4), jotta saat ikonisen four-on-the-floor-rytmin.
2. Lisää Clap tai Snare: Lisää 2. ja 4. lyönnillä clap tai snare ja aloita grooven rakentaminen.
3. Hi-Hattien käyttöönotto: Lisää suljettuja hi-hatteja jokaisen potku- ja snare-iskun väliin, jotta saat tasaisen, ajavan rytmin. Jos haluat sujuvamman tunnelman, voit käyttää kahdeksasosanuotteja.
4. Sisällytä lyömäsoittimia: Voit piristää grooveja lisäämällä lyömäsoittimia, kuten shakereita tai tamburiinia.
5. Kokeile silmukoilla: Jos haluan grooveihini lisää tekstuuria, asetan usein päälle silmukoidun lyömäsoittimen tai yläsilmukan täyttääkseni sen.

Biitin luominen on yhtä lailla kokeilua kuin kaavan noudattamista, joten leikittele kaikilla edellä mainituilla elementeillä ja säädä niitä omien mieltymystesi mukaan.

Bassolinjan asettaminen

Bassolinjan asettaminen on se hetki, jolloin kappaleesi alkaa todella saada vauhtia. Basson pitäisi täydentää rumpurytmiäsi, mutta sen pitäisi myös yhdistää musiikin rytmiset ja harmoniset elementit, joista kerromme lisää hieman myöhemmin.

Tässä on yksinkertaistettu lähestymistapa mielenkiintoisen bassolinjan luomiseen:

1. Valitse soundi: Aloita valitsemalla bassosoundi, joka sopii genreesi. Syntetisaattoribassot ovat monipuolisia ja niitä voi muokata laajasti, kun taas samplatut bassot voivat lisätä kappaleeseesi todellisen tekstuurin. A
2. Grooven luominen: Aloita rumpurytmiä noudattavasta peruskuviosta ja kokeile sitten synkopointia tai lisänuotteja rytmin ja kiinnostavuuden luomiseksi. Suosittelen kuuntelemaan bassolinjoja muissa elektronisissa kappaleissa, joista pidät, ja katsomaan, millaisia tekniikoita he käyttävät.
3. Vaihtele muistiinpanojasi: Älä pelkää poiketa perusnuotista. Voit tutkia asteikossa erilaisia nuotti vaihtoehtoja. Etkö ole varma, miten toteuttaa asteikkoja musiikkiteorian pohjalta? Tutustu aiheeseen liittyviin blogeihimme.
4. Subbasson kerrostaminen: Jos bassosi tarvitsee hieman enemmän "pöhinää" matalissa äänissä, voit lisätä sen alle puhtaan, siniaaltopohjaisen subbasson. Varmista vain, että se on viritetty ja rytmisesti linjassa pääbassosi kanssa.

Olipa lähestymistapasi mikä tahansa, muista, että bassolinja on jokaisen elektronisen musiikkikappaleen peruselementti, joten sen hiomiseen kannattaa käyttää aikaa, äläkä pelkää tehdä muutoksia, kunnes löydät täydellisen grooven.

Sointujen järjestäminen

Seuraavaksi haluat alkaa kehittää kappaleen sointukulkua. Soinnut luovat emotionaalisen pohjan, jonka päälle rakennat melodian ja muut tekstuurit. Niillä on voima herättää tiettyjä tunnelmia, rakentaa jännitystä ja vapauttaa ja ohjata kuulijaa tarinan läpi.

Tapa, jolla lähestymme sointuja, voi tietysti muuttua merkittävästi eri tyylilajeissa. Esimerkiksi ambient-elektronisessa musiikissa rehevät, pitkät sointukulkusoinnut voivat olla hyviä syvyyden tunteen luomiseksi, kun taas house- tai teknomusiikissa yksinkertaisemmat sointukulkusoinnut ilman suurempaa harmonista liikettä voivat olla parempi valinta.

Vaikka sinun ei tarvitse olla musiikin teorian asiantuntija, teorian hyvä tuntemus voi auttaa sinua tekemään tietoon perustuvia päätöksiä sointukäytännöistä ja etenemisestä. Musiikin teorian kauneus on siinä, että kyse on sääntöjen tuntemisesta, jotta voit rikkoa niitä. Lisäksi se antaa sinulle voimaa välittää tiettyjä tunteita ja ajatuksia musiikillasi,

Jos haluat oppia lisää musiikin teoriasta, tutustu oppaaseemme sointukulkujen luomiseen .

Melodian kirjoittaminen

Mikä on melodia?

Yksinkertaisimmillaan se on nuottien sarja, joka toimii musiikkikappaleen pääteemana tai keskipisteenä.

Se on kappaleen osa, jonka kuulijat muistavat parhaiten, joten hyvän melodian on oltava mieleenpainuva. Musiikkiteorian näkökulmasta sen pitäisi myös sopia kappaleen harmoniseen kontekstiin.

Yksi tärkeimmistä asioista, jotka on otettava huomioon luotaessa mieleenpainuvaa melodiaa, on toiston voima.

Toistuva motiivi tai fraasi on hyvä tapa ankkuroida kappaleesi ja antaa kuulijalle tunne yhtenäisyydestä, mutta sinun on myös vältettävä liikaa toistoa, sillä melodia voi kuulostaa monotoniselta.

Suosittelen kuuntelemaan aktiivisesti musiikkia, jossa on vahvoja melodioita, jotta saat inspiraatiota.

Analysoi, miten nämä melodiat rakentuvat, huomaa, miten ne ovat vuorovaikutuksessa sointujen ja rytmin kanssa, ja miten niissä käytetään toistoa ja variaatiota liikkeen ja tunteiden luomiseksi. Näistä kappaleista voi ammentaa inspiraatiota myös ilman suoranaista plagiointia, aivan kuten taiteilijat ovat tehneet aikojen alusta lähtien. Kaikki rakentuu jostain aiemmasta.

Kaiken sitominen yhteen

Seuraavaksi haluat alkaa etsiä keinoja, joilla kaikki kappaleen elementit voidaan yhdistää toisiinsa.

Vaikka elektronisen musiikin rakenne voi vaihdella, useimmat pop-tyyliset elektroniset kappaleet noudattavat vakiorakennetta, jossa on nousuja ja laskuja alusta loppuun.

Johdannosta voit siirtyä säkeistöön, jossa tarina alkaa avautua. Se voi johtaa esirehuun tai kertosäkeeseen, joka lisää jännitystä kertosäkeeseen, koukkuun tai pudotukseen, joka toimii kappaleen huipentumana.

Tämän jälkeen voit lisätä soolo-osuuden, jossa esitellään tiettyä syntetisaattoria tai laululinjaa, tai siltaosuuden, joka antaa kontrastia tai pohdintaa ennen lopullista kertosäettä, pudotusta tai outroa.

Miksaus ja masterointi

Lopuksi siirrytään miksaus- ja masterointiprosessiin, jotka ovat jälkituotantoprosessin kriittisiä vaiheita. Tässä vaiheessa on keskityttävä siihen, että yksittäisistä raidoista muodostuu yhtenäinen, viimeistelty musiikkikappale, joka voidaan julkaista.

Miksauksessa tavoitteena on tasapainottaa tasot, panoroida eri instrumentit stereokentässä, käyttää EQ:ta taajuusristiriitojen poistamiseksi, kompressoida dynamiikan tasoittamiseksi ja käyttää efektejä, kuten kaikuja ja viiveitä, kolmiulotteisen syvyyden luomiseksi.

Mastering on viimeinen vaihe, jossa miksattu raita viimeistellään ja valmistellaan jakelua varten. Tässä vaiheessa hienosäädät kokonaisääntä, varmistat, että kappaleet ovat yhdenmukaisia koko albumin tai EP:n ajan, jos olet luomassa projektia, ja tarkistat, että musiikki kuulostaa parhaalta eri toistolaitteilla.

Molemmat näistä prosesseista edellyttävät tarkkaa korvaa ja syvällistä ymmärrystä siitä, miten ääni käyttäytyy, ja vaikka voit varmasti kehittää taitojasi tarpeeksi miksaamaan ja masteroimaan omia kappaleitasi, on yleensä hyödyllistä antaa jonkun muun hoitaa nämä tehtävät, kun olet vasta aloittamassa, koska on hyvä, että jollakulla on tuoreet korvat ja erikoislaitteet.

Parhaat resurssit elektronisen musiikin tekemisen oppimiseen

Tämän artikkelin lisäksi elektronisen musiikin tekeminen on jatkuva oppimisprosessi, jossa kokeillaan ja erehdytään ja kokeillaan paljon. Onneksi saatavilla on lukemattomia resursseja, jotka palvelevat kaikentasoisia tuottajia, kuten esim:

Tässä on luettelo eri resursseista ja siitä, miksi niistä on hyötyä tietojesi ja taitojesi laajentamisessa:

• Verkko-opetusohjelmat ja -kurssit: Skillsharen, Udemyn ja Courseran kaltaiset alustat tarjoavat alan ammattilaisten opettamia elektronisen musiikin kursseja, jotka voivat vaihdella alkeista edistyneisiin.
• YouTube-videot: Kanavat, kuten Point Blank Music School ja ADSR Music Production Tutorials, tarjoavat loputtomasti ilmaisia opetusohjelmia, vinkkejä ja tekniikoita musiikin tekemisen eri osa-alueista, jotka sopivat erinomaisesti visuaalisille oppijoille.
• Foorumit ja verkkoyhteisöt: Yhteisöt, kuten Gearslutz, Redditin r/edmproduction ja KVR Audio, ovat loistavia yhteisöjä, joissa voit luoda yhteyksiä muihin tuottajiin, jakaa musiikkia, saada palautetta ja keskustella tuotantotekniikoista.
• DAW-kohtaiset resurssit: Useimmilla DAW-ohjelmilla on viralliset foorumit, opetusohjelmat ja dokumentaatio. Olen suuri fani Abletonin Learning Music -sivustolle, jossa on loputtomasti DAW-kohtaisia vinkkejä, temppuja ja oppaita.

Blogimme on myös täynnä hyödyllisiä resursseja elektronisen musiikin tekemiseen, olipa kyse sitten musiikin teorian oppimisesta, musiikkiteollisuuden toiminnasta tai kappaleiden sovittamisesta.

Lopulliset ajatukset

Elektronisen musiikin tekemisen oppiminen ei onnistu hetkessä.

Lopulta perimmäinen tavoite on luoda kappale, joka saa sinut tuntemaan jotain - kappale, josta voit olla ylpeä. Musiikki kehittyy jatkuvasti, joten ei ole mitään syytä sitoa itseään tiettyihin sääntöihin. Yllä olevien työkalujen ja niiden käytön ymmärtäminen voi kuitenkin auttaa sinua luomaan jotain, joka on sekä kaunista että ainutlaatuista elektronisen musiikin laajassa maailmassa.