Hvis du akkurat har begynt å prøve deg på elektronisk musikk, har du en enorm verden å utforske. Med utallige plugins, synther og et stadig voksende utvalg av produksjonsstiler er mulighetene med elektronisk musikk nesten uendelige.

Den store mengden av ressurser som gjør elektronisk musikk så variert, kan selvfølgelig også gjøre det litt skremmende for nybegynnere å sette seg inn i det. Hvor skal man begynne når det finnes et univers av YouTube-videoer, artikler og nettkurs om emnet?

Det er nettopp derfor vi er her. I denne guiden skal vi gå gjennom det viktigste ved å lage elektronisk musikk, fra det grunnleggende om syntese til labyrinten av produksjonsprogramvare og -maskinvare. Enten du er ute etter å produsere dansegulvsklar techno, ambiente lydlandskap eller noe midt imellom, har jeg en rekke innsikter og tips som forhåpentligvis vil inspirere deg til å finpusse ferdighetene dine!

Hva er elektronisk musikk?

Elektronisk musikk, i sin bredeste forstand, går langt utover omfanget av en typisk sjanger. Det er virkelig en metode som har endret måten vi skaper og konsumerer musikk på.

I motsetning til organisk musikk, som baserer seg på naturlige lyder fra akustiske instrumenter som gitarer, strykere, pianoer, trommer og perkusjon, er elektronisk musikk ofte sammensatt av syntetiske lyder og teksturer.

Kjernen er analoge synthesizere og andre elektroniske instrumenter, som elektriske orgler og trommemaskiner, som har økt i popularitet gjennom flere tiår.

Elektronisk musikk i dag har selvsagt utviklet seg fra å bruke taktile knotter og elektroniske systemer med ledninger og kretser som man fant i gammel analog maskinvare, til de elegante grensesnittene til datamaskiner og digitale programvareinstrumenter.

De fleste produsenter av elektronisk musikk lener seg tungt på datamaskiner, og utnytter DAW-er og deres uendelige palett av lyder og effekter. Jeg liker å se på dette skiftet som en demokratisering av musikkproduksjonen, ettersom det gjorde den tilgjengelig for alle med en datamaskin og et kreativt sinnelag.

Selv om elektronisk musikk opprinnelig var en undergrunnsbevegelse (tenk bare på house-musikkens fødsel i Chicago på slutten av 70-tallet eller introduksjonen av Krautrock i Tyskland på slutten av 60-tallet, som var en undersjanger av eksperimentell rock som involverte synther, sequencere og båndløkker), har den nå gjennomsyret mainstreamkulturen og påvirket alt fra pop til hip-hop.

Det er ganske fascinerende å se hvor mange moderne produsenter av elektronisk musikk som vever inn akustiske elementer i låtene sine nå, som Bonobo, Tycho og Four Tet. Det er en slags nyere fusjon som skaper et rikt, strukturert lydbilde som hyller fortiden, samtidig som den utfordrer grensene for innovasjon.

Elektronisk musikkproduksjon er en så stor paraply at det er vanskelig å koke ned til én definisjon (jeg måtte ha skrevet en hel bok om jeg ikke skulle ha utelatt noen av de viktigste detaljene). Likevel, hvis du er en som ønsker å bli produsent av elektronisk musikk, føler jeg at det finnes noen gode steder å starte for å få oversikt.

Programvare og verktøy du må ha

Når du begir deg ut på veien mot å lage elektronisk musikk, er det noen få verktøy du bør skaffe deg underveis. Hvert stykke utstyr på denne listen spiller en unik rolle i produksjonsprosessen, fra DAW-en, som er hjertet i det digitale studioet ditt, til maskinvaresynther og trommemaskiner, som gir lyden din et unikt fingeravtrykk.

La oss ta et lite dypdykk i hvordan hvert av disse verktøyene kan løfte din elektroniske musikkproduksjon.

Digital lydarbeidsstasjon (DAW)

Kjernen i enhver elektronisk musikkprodusents oppsett er Digital Audio Workstation (DAW).

DAW-en din kommer til å være ditt viktigste verktøy. Det er det sentrale knutepunktet der alle de kreative ideene dine blir til liv. Med en DAW kan du spille inn, redigere, mikse og mastere musikken din. Du har i bunn og grunn et omfattende miljø for å lage elektronisk musikk slik du vil.

Selv om alle produsenter har sin egen favoritt-DAW, har jeg kommet til at det finnes noen som rett og slett er bedre til å lage elektronisk musikk enn andre, blant annet

• Ableton Live: Jeg har vært en stor fan av Ableton Live i et tiår nå, spesielt på grunn av den intuitive øktvisningen. Det er også en favoritt blant mange produsenter av elektronisk musikk på grunn av liveopptredener og MIDI-sekvenseringsfunksjonene.
• FL Studio: Med sitt brukervennlige grensesnitt og kraftige mønsterbaserte sekvensering er FL Studio en annen tungvekter for produsenter av elektronisk musikk som ønsker å starte med et stort utvalg av innebygde synther og effekter.
• Logic Pro: Apples Logic Pro er en annen av de mest omfattende produksjonssuitene, og som de fleste Apple-produkter er den elegant og enkel å bruke. I tillegg får du et omfattende bibliotek med lyder og looper for å komme i gang.
• Propellerhead Reason: Med sitt virtuelle kvalitetsstativ av synther, samplere og effekter som kan kobles sammen på uendelig mange måter, tilbyr Reason kanskje den mest unike og eksperimentelle tilnærmingen til musikkproduksjon.

Hver DAW har noe unikt å by på, men når det gjelder hvilken som passer best til dine behov, er det helt subjektivt. Jeg anbefaler at du prøver dem alle for å se hvilken som passer best inn i arbeidsflyten din.

Lydbiblioteker og samplepakker

Deretter har vi lydbiblioteker og samplepakker, som er byggesteinene i elektronisk musikk. Enten du er ute etter sprø trommeloops, brennende synthleads eller en gammeldags R&B-vokal som du kan hakke opp og pitche på nytt, er det viktig å ha tilgang til disse ressursene.

I løpet av de siste årene har jeg blitt en stor fan av Splice (i likhet med mange andre som produserer elektronisk musikk). Med den abonnementsbaserte modellen får du kreditter som du kan bytte inn mot en enorm, sjangerovergripende samling av samples og looper.

Hvis du liker å laste ned komplette pakker, vil jeg anbefale å sjekke ut Loopmasters. De tilbyr også et bredt utvalg av pakker av høy kvalitet på tvers av ulike sjangre, fra vintage trommemaskin-samples til moderne synther.

Det ville være forsømmelig om jeg ikke også nevnte Native Instruments Komplete. Selv om Komplete ikke er en samplepakke i seg selv, tilbyr den et endeløst bibliotek med instrumenter, effekter og lyder, som er fantastiske for generell musikkproduksjon.

Hvis du vil bruke lydbibliotekene og samplingspakkene dine i DAW-en din, trenger du et verktøy som lar deg spille dem av eller manipulere dem på ulike måter (time-stretching, pitch-shifting osv.). Heldigvis har de fleste DAW-er innebygde samplere og trommemaskiner for nettopp dette formålet.

Ableton Lives Sampler og Drum Rack har for eksempel begge kraftige samplings- og beatskapingsfunksjoner, og begge har omfattende modulerings- og redigeringsmuligheter.

Hvis du bruker Logic Pro, kan du bruke Quick Sampler, som er perfekt for å importere og spille av en rekke samplingsformater. Den kommer også med ganske detaljert redigering og tilpasning.

Det finnes selvfølgelig også tredjepartsalternativer, for eksempel NIs Kontakt, som har en sampler som kan tilpasses i stor grad, i tillegg til et massivt lydbibliotek og tredjepartsutvidelser, eller Serato Sample, som gjør det enkelt å sample musikk fra en rekke kilder og bruke raske verktøy for chopping, time-stretching og pitch-shifting.

Plugins og virtuelle instrumenter

Nå kommer det morsomme.

Plugins og virtuelle instrumenter er nøkkelkomponenter i produksjonsprosessen for elektronisk musikk. Det er et svart hull som du kan bruke en evighet på å utforske, for det finnes tusenvis av forskjellige effektplugins og VST-er der ute. Det beste du kan gjøre akkurat nå, er å få tak i noen få i forskjellige kategorier og bli så godt kjent med dem som mulig.

Her er noen typer du bør se etter:

• Synth-plugins: Generer elektroniske lyder ved hjelp av syntese (som med en analog synt), noe som er perfekt for å lage unike leads, basser, pads osv.
• Effekttillegg: Forbedre eller endre lyder med effekter som EQ, kompresjon, romklang, forsinkelse, forvrengning, modulasjon og mer.
• Sampler-plugin-moduler: Spill av eller manipuler digitale opptak eller samplinger.
• Plugins for trommemaskiner: Emulerer trommemaskiner eller samplere, perfekt for å spille eller tegne beats og rytmer.
• Sequencer-plugins: Flott for arrangering og sekvensering av musikk. Disse kommer ofte med avanserte muligheter for å lage mønstre og looper.

Som sagt, du kan bruke flere tiår på å utforske plugins og virtuelle instrumenter fra forskjellige utviklere, og det som kan være et must for én produsent av elektronisk musikk, kan være en flopp for en annen. Det er opp til deg å gjøre research og finne de som passer deg best. Du kan til og med utforske nettsteder som Equipboard for å finne ut hva favorittartistene dine bruker.

Men siden du er her, skal jeg gi deg noen av mine favorittanbefalinger som jeg bruker i de fleste av sporene mine, og jeg begynner med effektplugins:

• FabFilter Pro-Q 3: Ikke en eneste miks uten denne utrolig allsidige og brukervennlige EQ-en fra FabFilter. Den er perfekt for kirurgisk og dynamisk EQing og har et flott grensesnitt som gir en oversikt over frekvensspekteret.
• Valhalla VintageVerb: Sannsynligvis min mest brukte etterklangsplugin, spesielt når jeg vil ha frodige, vintageinspirerte etterklanger for å gi dybde og rom til ethvert spor.
• Soundtoys EchoBoy: Jeg kan ikke tenke meg en mer allsidig delay-plugin. Du får en pakke med fyldige, analogt klingende delay-effekter som er varierte nok til å passe til alle sjangre innen elektronisk musikk.
• iZotope Ozone: Ozone inneholder alt du trenger for å oppnå en polert, profesjonell lyd, fra EQ og komprimering til stereobilde og begrensning.
• Xfer Records LFOTool: Hvis jeg har et spor som trenger bevegelse, ser jeg ofte til Xfer Records' LFO-verktøy, som gir en enkel måte å legge til tremolo, auto-pan, trance-gate, sidekjedekompressorsimulering og dubstep-lignende wobble-effekter med minimal innsats.
• FabFilter Saturn 2: Saturn 2 er en annen av mine favorittplugins fra FabFilter, og har et stort utvalg av forvrengnings-, metnings- og forsterkermodelleringseffekter, perfekt når sporene dine trenger varme eller grus.

Når det gjelder virtuelle instrumenter, er det noen jeg vil anbefale å se nærmere på, spesielt hvis du først og fremst ønsker allsidighet:

• Xfer Records Serum: Denne wavetable-synthesizeren er et av de beste programvareinstrumentene innen elektronisk musikkproduksjon, og tilbyr noe av den høyeste lydkvaliteten og de mest fleksible lyddesignmulighetene på markedet.
• Native Instruments Massive X: Massive ble en stift i elektronisk musikkproduksjon da dubstep kom på banen, og NI presset konvolutten enda lenger med Massive X. Det er en go-to når jeg trenger dype, kraftige basser og leads.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 er kanskje et av de mest allsidige programvareinstrumentene på markedet, med sitt enorme bibliotek av lyder og uendelig mange synteseformer. Keyscape er like banebrytende for modellerte pianoer og keyboards.
• Native Instruments Battery 4: Min viktigste tromme- og perkusjonssampler for tiden er Battery 4. Ikke bare har den et enormt bibliotek med sett og samples for alle slags elektroniske musikksjangre, men den tilbyr også dyp redigering og enkle avspillingsfunksjoner når du laster opp dine egne samples.
• Arturia V Collection: Nøyaktig modellerte vintage synthesizere og keyboards er navnet på spillet med Arturia. Hvis du ikke har tilgang til analog maskinvare, er denne samlingen perfekt for å legge til klassiske toner i låtene dine.
• Spitfire Audio LABS: Jeg har nylig begynt å utforske LABS, og jeg elsker hver eneste utgivelse de gir ut. Det er en stadig voksende serie med gratis instrumenter av høy kvalitet, alt fra strykere til vokal til eksperimentelle lyder, perfekt for å legge til unike teksturer i musikken din.

Etter hvert som du fortsetter å skape elektronisk musikk, vil du forelske deg i enkelte plugins og virtuelle instrumenter, men jeg vil oppfordre deg til å fortsette å utforske og holde deg oppdatert på nye utgivelser, for det er alltid noe spennende i horisonten.

MIDI-tastatur eller -kontroller

MIDI, som står for "Musical Instrument Digital Interface", er den elektroniske musikkens språk.

Det er en teknisk standard som gjør det mulig for elektroniske musikkinstrumenter, datamaskiner og annet utstyr å kommunisere, kontrollere og synkronisere med hverandre. Vi bruker den til å få ulike digitale musikkutstyr til å samhandle med hverandre. Sjekk ut MIDI-guiden vår for mer informasjon om hvordan det fungerer.

Selv om du kan tegne inn MIDI-noter i DAW-en din ved hjelp av musen eller tastaturet, gir et MIDI-keyboard eller en MIDI-kontroller en mye mer taktil og uttrykksfull opplevelse. Med et keyboard eller en kontroller kan du spille melodier, trommerytmer og styre synthesizere i DAW-en i sanntid, noe som gir deg umiddelbar tilbakemelding og en mer intuitiv måte å produsere elektronisk musikk på.

For meg er det å ha en maskinvare som jeg kan bruke til å skape musikk, noe som bringer det menneskelige preget tilbake i den digitale prosessen.

Her er noen MIDI-tastaturer og -kontrollere jeg vil anbefale å se nærmere på: som dekker ulike behov og budsjetter:

• Akai MPK Mini MkIII: Hvis du er ute etter en kompakt og rimelig kontroller, er denne perfekt. Prisen er lett å svelge for nybegynnere, og grensesnittet med 25 minitaster er perfekt for dem med begrenset studioplass. I tillegg får du tildelbare pads og knotter for enda mer allsidighet!
• Novation Launchkey-serien: Launchkey-serien er utviklet for Ableton Live, men kan brukes med alle DAW-er. Den har taster, pads, knotter og fadere i full størrelse for å kontrollere alle aspekter ved produksjon av elektronisk musikk.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential har en fin balanse mellom funksjoner og pris, og den er perfekt for integrasjon med Arturias samling av programvareinstrumenter. Tastaturet føles bra, og det er mange DAW-kontroller som gir en mer praktisk opplevelse.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Hvis du bruker Native Instruments' programvare ofte, finnes det ikke noe bedre valg for integrering. Tastaturene i S-serien har høykvalitets keybeds med aftertouch og et av de mest intuitive systemene for surfing og parameterkontroll på markedet.
• ROLI Seaboard Block: Dette keyboardet er det sorte fåret på MIDI-kontrollermarkedet, men hvis du ønsker å utforske mer enn tradisjonelt keyboardspill, fanger Seaboards uttrykksfulle spilleflate opp berøringens fem dimensjoner på en måte som ingen andre keyboard har klart å matche.

Igjen, dette er bare noen av mine favoritter, selv om det finnes mange andre MIDI-keyboards og -kontrollere som har noe unikt å by på, enten du prioriterer bærbarhet og rimelig pris eller allsidighet og dyp programvareintegrasjon.

Prøv om mulig forskjellige, og se hva som passer best til arbeidsflyten din.

Trommemaskiner og samplere

Selv om jeg ikke tror trommemaskiner og samplere er "must-haves" for å produsere elektronisk musikk i dag, er de viktige verktøy å kjenne til, ettersom de har vært ryggraden i elektronisk musikkproduksjon helt siden starten.

Disse instrumentene har en lang historie, og mange av de ikoniske modellene har formet lyden av hele sjangre. Roland TR-808, som kom ut på begynnelsen av 80-tallet, ble for eksempel synonymt med hiphop. Lytt til "Planet Rock" av Afrika Bambaataa, og du kan høre et av de første eksemplene på denne trommemaskinens vei til stjernestatus.

På samme måte revolusjonerte Akai MPC, som var en kombinasjon av sampler og sequencer, måten produsenter lagde beats på. J Dilla er et av de beste eksemplene på en legendarisk beatmaker som endret måten vi lager elektronisk musikk på ved hjelp av MPC-en.

Det fine med å bruke maskinvare trommemaskiner og samplere fremfor deres virtuelle motstykker er at du får den taktile opplevelsen og den analoge lyden. Jeg, og mange andre produsenter, synes den fysiske interaksjonen med knotter, pads og fadere er langt mer inspirerende.

I tillegg kan maskinvarens unike klanglige egenskaper og begrensninger anspore til kreativitet i øyeblikket. Det er selvfølgelig også et aspekt ved liveopptreden, og det er ingen tvil om at maskinvare gir et mer pålitelig og visuelt engasjerende sett.

Selv om du absolutt bør se på hva noen av favorittartistene og -produsentene dine bruker for å begynne å bygge opp samlingen din, er her noen av mine favoritt-trommemaskiner og samplere som jeg ofte anbefaler til andre:

• Roland TR-8S: Hvis du er som de fleste produsenter og ikke har tusenvis av kroner å bruke på en original TR-08, vil jeg anbefale å se på TR-8S. Denne relativt nye Roland-utgivelsen leverer klassiske trommelyder fra TR-serien med avspillingsmuligheter for samples, noe som gjør den til et allsidig verktøy for liveopptredener og studioarbeid.
• Elektron Digitakt: Denne kompakte trommemaskinen og sampleren er et av mine favorittvalg for produsenter som er på farten. Den har svært kraftige sekvenseringsfunksjoner og tonnevis av innebygde lyddesignverktøy.
• Akai MPC Live II: MPC Live II har en legendarisk MPC-arbeidsflyt og standalone-fleksibilitet, og takket være de innebygde høyttalerne og det oppladbare batteriet er MPC Live II perfekt for produksjon når du er på farten.
• Korg Volca Sample: Denne rimelige og kompakte sample-sequenceren er perfekt for nybegynnere, siden den gir massevis av leveransekraft og har mange funksjoner og tilkoblingsmuligheter for å lage groover i sanntid.
• Dave Smith Instruments Tempest: Selv om den har hatt sin del av kontroverser opp gjennom årene, er denne trommemaskinen fra Dave Smith og Roger Linn en av mine favorittalternativer for å få den kraftige analoge trommemaskinlyden.

Maskinvare er på vei tilbake, og derfor bør alle som skal lære seg elektronisk musikkproduksjon også utforske denne siden av verktøykassen. Selv om du ikke har et enormt budsjett, finnes det fortsatt mange alternativer der ute!

Lydgrensesnitt

Du kan helt sikkert komme unna med å lære deg elektronisk musikkproduksjon på bare den bærbare datamaskinen, men hvis du ønsker å gjøre alvor av det elektroniske musikkproduksjonsoppsettet ditt og bygge en bro mellom instrumentene, mikrofonene og datamaskinen, trenger du et lydgrensesnitt.

Kort fortalt konverterer et lydgrensesnitt analoge signaler til digitale lyddata som DAW-en din kan behandle, og vice versa. I tillegg til konvertering kan et lydgrensesnitt også forbedre lydkvaliteten på opptakene dine betydelig sammenlignet med de innebygde lydinngangene og -utgangene på de fleste datamaskiner, samt tilby viktige funksjoner som mikrofonforforforsterkere, direkte overvåking for latency-fri innspilling og flere innganger og utganger for tilkobling av ulike lydkilder og ekstrautstyr.

Lydgrensesnitt finnes i alle former og størrelser, men hvis du er usikker på hvor du skal begynne, får du her noen alternativer for ulike budsjetter:

• Budsjettvennlig :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3. generasjon): En av de beste anbefalingene for nybegynnere som vil ha et grensesnitt med forforsterkere av høy kvalitet og en holdbar konstruksjon.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Et ekstremt rimelig alternativ som gir deg alt det grunnleggende du trenger for å komme i gang med hjemmeopptak.
• Mellomklasse :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Upåklagelig lydkvalitet og UAD-prosessering i sanntid, perfekt for deg som vil forbedre produksjonen din.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Tilbyr en god balanse mellom funksjoner og pris, med flere innganger/utganger og lav latenstid.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Kjent for sin pålitelighet, eksepsjonelle lydkvalitet og lave latenstid, egnet for små, profesjonelle studioer.
  • Apollo x4 fra Universal Audio: Med fire Unison-forforsterkere, UAD-2 Quad Core-prosessering og overlegen konvertering får du det beste av UAD-maskinvare.

Hvilket lydgrensesnitt som passer best for deg, avhenger av dine spesifikke behov.

Hvis du for eksempel skal ta opp flere mikrofoner samtidig, er det nødvendig å ha mange inn- og utganger. Hvis du er mye på farten, kan portabilitet imidlertid være det største salgsargumentet. Uansett er det et must å investere i et lydgrensesnitt hvis du vil heve kvaliteten på musikken din.

Hodetelefoner eller studiomonitorer

Når du begynner å lage din egen musikk, trenger du noe å lytte til den på.

Noe av det første du må ta stilling til, er om du skal investere i hodetelefoner eller studiomonitorer. Hver av dem tjener et unikt formål i musikkproduksjonsprosessen, og i virkeligheten er det beste alternativet å ha begge deler.

Studiomonitorer gir en mer nøyaktig gjengivelse av lyden i et rom, slik at du kan forstå hvordan musikken din vil høres ut i virkelige omgivelser. De gir også et romlig og dimensjonalt perspektiv på miksen din, slik at du kan ta velbegrunnede beslutninger om panorering, dybde og stereobilde.

Hodetelefoner gir derimot detaljer og isolasjon. De er ypperlige til å identifisere subtile nyanser i en miks som kan bli oversett med høyttalere, for eksempel lavt støynivå eller klikk og knall. Hodetelefoner er også nøkkelen til økter sent på kvelden eller hvis du jobber i ubehandlede rom der du ikke kan overvåke nøyaktig gjennom høyttalere.

Det er en stor fordel å ha begge verktøyene til rådighet, ettersom det kan hjelpe deg med å se hvordan miksen din høres ut i ulike lytteomgivelser, slik at du vet at musikken din høres bra ut på et bredt spekter av avspillingssystemer.

Her er noen av mine anbefalinger for hver av dem:

Anbefalinger for hodetelefoner:

• Budsjett: Audio-Technica ATH-M40x - Utmerket lydkvalitet og holdbarhet til en overkommelig pris.
• Mellomtoneområde: Beyerdynamic DT 770 PRO - Kjent for sin detaljerte, balanserte lyd og komfort. Jeg elsker å bruke disse til lange mikseøkter.
• High-End: Sennheiser HD 650 - førsteklasses studiohodetelefoner med åpen bakside for enestående naturlig lydgjengivelse og nøyaktig bassrespons.

Anbefalinger for studiomonitorer:

• Budsjett: Presonus Eris E3.5 - Superkompakt og rimelig, men leverer likevel en klar og nøyaktig lydprofil for små hjemmestudioer.
• Mellomtoneområde: Yamaha HS5 - Perfekt for en flat respons og utmerket lydgjengivelse, spesielt ved miksing i ubehandlede rom.
• High-End: Adam Audio A7X - Perfekt for profesjonelle musikkprodusenter og teknikere som ønsker presis bassrespons og detaljerte øvre frekvenser.

Da jeg begynte å produsere elektronisk musikk, jobbet jeg med hodetelefoner i omtrent ett år før jeg oppgraderte studiooppsettet mitt, så hvis studiomonitorer ikke er en del av lydproduksjonsbudsjettet ditt akkurat nå, ville jeg ikke bekymret meg for mye over det. Bare sørg for å ta hyppige pauser hvis du bare lytter med hodetelefoner, slik at du opprettholder perspektivet og ikke blir trøtt i ørene.

Hvordan lage elektronisk musikk

Elektronisk musikkproduksjon er et stort felt. Jeg kan ikke love deg at du vil mestre kunsten ved å lese denne artikkelen, men jeg kan forhåpentligvis gi deg et innblikk i min erfaring med å produsere elektronisk musikk gjennom det siste tiåret, og du kan bruke det som inspirasjon på din egen reise.

Jeg liker å tenke på musikkskapingsprosessen i tre faser:

1. Ideer: I den første fasen skisserer du de første ideene dine, eksperimenterer med lyder og mønstre, og samler ideer eller inspirasjon fra andre artister du liker.
2. Arrangement: Når du har ideene dine på plass, kan du strukturere dem til en sammenhengende flyt og skape et spor som tar lytteren med på en reise fra start til slutt.
3. Finpussing: Dette er mikse- og mastringsfasen, der du finpusser sporet og sørger for at alle elementene sitter godt sammen.

Det er viktig å merke seg at hver produsent går sin egen unike vei gjennom disse stadiene.

Noen begynner kanskje med en fengende melodi og bygger rundt den, mens andre hakker sammen noen samples og lager en kul sekvens på en MPC. Andre igjen kan ta den tradisjonelle tilnærmingen og bruke den vanlige poparrangementstrukturen til å bygge opp en låt fra grunnen av, med trommer, bass, gitar og så videre.

Det fine med elektronisk musikkproduksjon er nettopp dette mangfoldet av tilnærmingsmåter.

Selv om jeg nå skal dele den metoden som fungerer best for meg, må du huske at det ikke finnes en prosess som passer for alle. Det handler om å finne den arbeidsflyten som setter fyr på kreativiteten din og lar ideene flyte fritt.

Finn din egen lyd

Når man først skal lære seg å lage elektronisk musikk, kan det vanskeligste være å finne sitt eget sound.

Det finnes så mange undersjangre under paraplybegrepet "elektronisk musikk", og hver av dem har sin unike palett av lyder, rytmer og strukturer. Her er noen av de mest populære undersjangrene, for å nevne noen:

• Hus
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligent Dance Music)
• EDM (elektronisk dansemusikk)
• Trance
• Trommer og bass
• Future Bass

Som ny produsent tror jeg nøkkelen til å finne sitt eget sound i dette mangfoldet er å utforske og eksperimentere.

Ta et dypdykk i ulike undersjangre, ikke bare som lytter, men også som elev. Lag korte stykker eller beats inspirert av ulike stiler for å se hva som gir gjenklang hos deg og får kreativiteten din til å flyte. Du kan også prøve å samarbeide med andre produsenter som kan gi deg nye perspektiver og inspirere til retninger du kanskje ikke hadde tenkt på alene.

Denne tilnærmingen krever aktiv lytting. Det er et av de mest effektive verktøyene for å forstå nyansene i hver undersjanger. Når du lytter til et spor, kan du prøve å dissekere det: Identifiser kjerneelementene som definerer lyden, fra tempo og trommemønstre til synthvalgene og strukturen i arrangementet. Legg merke til hvordan spenning og forløsning er skapt, hvordan låten utvikler seg over tid, og hvilke følelser eller stemninger som fremkalles.

Den dag i dag er en analytisk tilnærming til lytting en av mine favorittmåter å lære mer om en låt på.

Få den grunnleggende rytmen

I hjertet av elektronisk musikk ligger groovet, som vi ofte får fra trommer og perkusjon.

BPM (Beats Per Minute) spiller en avgjørende rolle i å definere subsjangeren, og selv om man alltid kan eksperimentere, har de fleste lyttere forventninger når de hører på visse typer elektronisk musikk.

For eksempel ligger techno vanligvis mellom 120 og 135 BPM, og har et fire-på-gulvet-trommemønster, mens tradisjonell housemusikk ofte er mer sjelfull og oppløftende, og ligger mellom 120 og 130 BPM, med et litt mer funky og groovy trommemønster.

Dubstep, som er kjent for sin tunge bass og synkoperte grooves, ligger vanligvis på rundt 140 BPM, noe som skaper litt plass til de ikoniske, tunge halvtidstrommemønstrene.

Drum and bass tar dette enda lenger, med opp mot 160-180 BPM, og bruker oppjagede breakbeat-rytmer som gir en mer intens og kaotisk energi.

Vi har selvfølgelig også ambient elektronisk musikk som unngår tradisjonelle trommerytmer til fordel for en mer flytende, foranderlig tekstur. Noen ganger er det ikke trommer i det hele tatt. I stedet fokuserer den på å skape et mer atmosfærisk landskap.

Hvis du kjenner til de typiske tempoene og trommemønstrene i disse undersjangrene, kan det hjelpe deg med å tilpasse låtene dine til sjangerkonvensjonene. Men som sagt, ikke vær redd for å eksperimentere med tempo og rytme for å finne ditt eget unike sound!

Utarbeidelse av rytmen din

Jeg har alltid ment at det å starte med trommene er en solid strategi for elektronisk musikkproduksjon.

Rytmeseksjonen kan legge grunnlaget for tempoet og energien i et spor og etablere et groove som resten av elementene kan låse seg fast i. Tenk på det som å legge ryggraden i låten først.

Selv om elektroniske låter kan endre seg ganske drastisk fra den ene til den andre, er de viktigste komponentene i de fleste trommegrooves kick, snare eller clap, hi-hats og ekstra perkusjon, som kan tilføre litt ekstra smak og tekstur.

Når du skal begynne å lage dine egne trommerytmer, er det flere tilnærminger du kan ta:

• Bruke trommesamplere: Jeg er en stor fan av Native Instruments' Battery 4, siden du kan laste inn dine egne trommesamples og lage MIDI-grooves fra grunnen av.
• Flipping av breaks, looper og samples: Å kunne skjære opp breakbeats og looper er en gammeldags tilnærming, men det er fortsatt en viktig del av det å lage elektronisk musikk og inspirere til nye ideer.
• Lytt til referanselåter: Jeg anbefaler at du bruker tid på å analysere trommesporene i låter du liker, og prøver å gjenskape dem. Vær oppmerksom på de ulike lagene, swing eller straight timing, og hvordan beatet utfyller sporets generelle følelse.

La oss ta en titt på hvordan du kan gå frem for å lage en enkel housebeat:

1. Start med en kick-tromme: Finn et ideelt kick i house-stil, og plasser det på hvert taktslag (1, 2, 3, 4) for å få den ikoniske fire-på-gulvet-rytmen.
2. Legg til en Clap eller Snare: Legg til en clap eller snare på 2. og 4. taktslag for å begynne å bygge groove.
3. Introduser hi-hats: Legg til lukkede hi-hats mellom hvert kick- og snare-slag for å få en stødig, drivende rytme. Hvis du vil ha en mer flytende følelse, kan du bruke åttendedelsnoter.
4. Inkluder perkusjon: For å krydre groovene dine kan du legge til noen perkusjonselementer, som shakere eller tamburiner.
5. Eksperimenter med looper: Hvis jeg vil ha ekstra tekstur i sporene mine, legger jeg ofte over en loopet perkusjon eller topploop for å fylle den ut.

Å lage en beat handler like mye om å eksperimentere som om å følge en formel, så lek deg med alle elementene ovenfor og tilpass dem til din egen smak.

Å legge en basslinje

Det er når du legger en basslinje at låten virkelig begynner å ta fart. Bassen skal utfylle trommesporet og bygge bro mellom de rytmiske og harmoniske elementene i musikken din, som vi skal komme nærmere inn på om litt.

Her er en forenklet tilnærming til å skape en interessant basslinje:

1. Velg lyd: Begynn med å velge en basslyd som passer til sjangeren din. Synth-basser er allsidige og kan formes i stor grad, mens samplede basser kan tilføre sporet ditt en ekte tekstur. A
2. Lag en groove: Begynn med et grunnmønster som følger trommegrooven din, og eksperimenter deretter med synkoper eller tilleggstoner for å skape rytme og interesse. Jeg anbefaler at du lytter til basslinjer i andre elektroniske låter du liker, og ser hva slags teknikker de bruker.
3. Varier notene dine: Ikke vær redd for å avvike fra grunntonen. Du kan utforske skalaen for ulike notealternativer. Er du usikker på hvordan du kan implementere skalaer basert på musikkteori? Ta en titt på noen av bloggene våre om emnet.
4. Legg til en subbass: Hvis bassen din trenger litt mer "oomph" i de lave tonene, kan du legge til en ren, sinusbølgebasert subbass under den. Bare sørg for at den er stemt og rytmisk på linje med hovedbassen.

Uansett hvordan du går frem, skal du vite at basslinjen er et grunnleggende element i enhver elektronisk låt, så bruk tid på å finpusse den og ikke vær redd for å gjøre endringer til du finner det perfekte groovet.

Arrangere akkordene dine

Deretter bør du begynne å utvikle en akkordprogresjon for låten din. Akkordene er der for å legge det emosjonelle grunnlaget som du bygger melodien og andre teksturer på. De kan fremkalle bestemte stemninger, bygge opp spenning og forløsning, og lede lytteren gjennom en fortelling.

Måten vi tilnærmer oss akkorder på, kan selvfølgelig endre seg betydelig fra sjanger til sjanger. I ambient elektronisk musikk kan for eksempel frodige, langstrakte akkordprogresjoner være bra for å skape en følelse av dybde, mens i house eller techno kan enklere akkordstikk uten mye harmonisk bevegelse være et bedre valg.

Selv om du ikke trenger å være ekspert på musikkteori, kan en solid forståelse av teorien hjelpe deg med å ta mer informerte avgjørelser om akkordstemminger og -progresjoner. Det fine med musikkteori er at det handler om å kjenne reglene slik at du kan bryte dem. I tillegg gir det deg muligheten til å kommunisere bestemte følelser og ideer gjennom musikken din,

Hvis du vil lære mer om musikkteori, kan du ta en titt på vår guide til å lage akkordprogresjoner.

Skrive en melodi

Så hva er en melodi?

På sitt mest grunnleggende er det en sekvens av toner som fungerer som hovedtema eller fokuspunkt i et musikkstykke.

Det er den delen av låten som lytterne husker best, og en god melodi bør derfor være minneverdig. Fra et musikkteoretisk ståsted bør den også passe inn i den harmoniske konteksten i låten din.

En av de viktigste tingene å tenke på når du skal skape en minneverdig melodi, er repetisjonens kraft.

Et motiv eller en frase som gjentar seg, er en fin måte å forankre låten på og gi lytteren en følelse av sammenheng, men du må også passe på å ikke bruke for mange gjentakelser, for da kan melodien ende opp med å høres monoton ut.

Jeg vil anbefale å lytte aktivt til musikk med sterke melodier for å få inspirasjon.

Analyser hvordan melodiene er bygget opp, legg merke til hvordan de samspiller med akkordene og rytmen, og hvordan de bruker repetisjon og variasjon for å skape bevegelse og følelser. Du kan også hente inspirasjon fra disse sangene uten å plagiere dem, slik artister har gjort siden tidenes morgen. Alt er bygget på noe tidligere.

Binder det hele sammen

Deretter må du begynne å finne måter å knytte alle elementene i sporet ditt sammen på.

Selv om elektronisk musikk kan variere når det gjelder struktur, vil de fleste elektroniske låter i popstil følge en standardstruktur som har opp- og nedturer fra start til slutt.

Fra introen kan du gå over til verset, der historien begynner å utfolde seg. Det kan lede over i pre-chorus eller build-up for å øke spenningen frem til refrenget, hooket eller droppet, som fungerer som høydepunktet i låten.

Derfra kan du legge til en soloseksjon for å vise frem en bestemt synth eller vokallinje, eller en bro for et øyeblikk av kontrast eller refleksjon før det endelige refrenget, droppet eller outroen.

Miksing og mastering

Til slutt kommer vi til miksing og mastering, som er de kritiske fasene i postproduksjonsprosessen. På dette tidspunktet bør fokuset være å gjøre samlingen av individuelle spor om til et sammenhengende, polert stykke musikk for utgivelse.

Når du mikser, er målet å balansere nivåene, panorere de ulike instrumentene i stereofeltet, bruke EQ for å rydde opp i frekvenskollisjoner, komprimere for å jevne ut dynamikken og bruke effekter som romklang og delay for å skape tredimensjonal dybde.

Mastering er det siste trinnet, der det ferdig miksede sporet poleres og klargjøres for distribusjon. På dette stadiet finjusterer du den generelle lyden, sørger for at låtene er konsistente på tvers av albumet eller EP-en hvis du lager et prosjekt, og sjekker at musikken høres best mulig ut på en rekke ulike avspillingssystemer.

Begge disse prosessene krever et detaljert gehør og en dyp forståelse av hvordan lyd oppfører seg, og selv om du sikkert kan utvikle ferdighetene dine nok til å mikse og mastere dine egne spor, er det vanligvis en fordel å få noen andre til å utføre disse oppgavene i begynnelsen, siden det er godt å ha noen med et nytt sett med ører og spesialutstyr.

De beste ressursene for å lære å lage elektronisk musikk

Utover denne artikkelen er det å lage elektronisk musikk en kontinuerlig læringsprosess med mye prøving og feiling og eksperimentering. Heldigvis finnes det utallige ressurser tilgjengelig for produsenter på alle nivåer, inkludert:

Her er en liste over ulike ressurser og hvorfor de er nyttige for å utvide kunnskapen og ferdighetene dine:

• Online opplæring og kurs: Plattformer som Skillshare, Udemy og Coursera tilbyr kurs i elektronisk musikk som undervises av fagfolk i bransjen, og som kan variere fra nybegynner- til avansert nivå.
• YouTube-videoer: Kanaler som Point Blank Music School og ADSR Music Production Tutorials tilbyr endeløse gratisveiledninger, tips og teknikker om ulike aspekter av musikkproduksjonsprosessen, perfekt for visuelle elever.
• Fora og nettsamfunn: Nettgrupper som Gearslutz, Reddits r/edmproduction og KVR Audio er gode for å komme i kontakt med andre produsenter, dele musikk, få tilbakemeldinger og diskutere produksjonsteknikker.
• DAW-spesifikke ressurser: De fleste DAW-er har offisielle fora, veiledninger og dokumentasjon. Jeg er en stor fan av Abletons Learning Music-nettsted, som har endeløse mengder DAW-spesifikke tips, triks og veiledninger.

Bloggen vår er også full av nyttige ressurser for å lage elektronisk musikk, enten du vil lære deg musikkteori, hvordan musikkbransjen fungerer eller hvordan du skal gå frem for å arrangere en låt.

Avsluttende tanker

Å lære seg å lage elektronisk musikk er ikke noe man gjør over natten.

Til syvende og sist er målet å lage en låt som får deg til å føle noe - en låt du kan være stolt av. Musikk er i stadig utvikling, så det er ingen grunn til å binde seg til et sett med regler. Men hvis du forstår verktøyene ovenfor og hvordan du bruker dem, kan du skape noe som er både vakkert og unikt i den store verdenen av elektronisk musikk.