Net als Nickelback krijgt minimal music soms een slechte naam. Het is makkelijk te maken. Het is goedkoop. Het gaat nergens heen. Minimalistische componisten zijn lui.

Je begrijpt wat ik bedoel.

Hoewel minimalistische muziek (net als elke andere vorm van muziek) het potentieel heeft om minder dan uitstekend te zijn, is de realiteit dat het verdomd cool kan zijn, of je het nu maakt of ernaar luistert.

Het begon, zoals alle coole dingen, als een reactie tegen de gangbare conventies in de westerse muziek. Sinds de begindagen in New York City heeft het genre vele genres beïnvloed en componisten over de hele wereld geïnspireerd.

Als deze muziekstijl nieuw voor je is, ben je hier aan het juiste adres. In dit artikel kijken we naar een korte geschiedenis en de groei van minimal music, wie de prominente minimalistische componisten zijn, de belangrijkste kenmerken van de stijl en hoe je kunt beginnen met het maken van je eigen minimalistische muziek.

Comfortabel zitten? Laten we beginnen....

Historische context: De geboorte van minimalistische muziek

Vroege invloeden

Minimal music is ontstaan uit de onstuimige smeltkroes van New York City in de jaren 1960, maar als je iets verder teruggaat in de klassieke muziekgeschiedenis vind je experimentele componisten die de weg vrijmaakten voor de ontwikkeling van de stijl.

Tussen het einde van de 19e eeuw en het begin van de 20e eeuw doorbrak Erik Satie de klassieke wereld met zijn benadering van componeren. Zijn vroege werken voor piano solo brachten een prachtige eenvoud over, terwijl andere componisten op volle toeren draaiden.

De eerste drie stukken in Satie's Gnossiennes voor piano solo zijn bijvoorbeeld in vrije tijd; ze hebben geen maatstrepen of maatsoorten. Dit lijkt misschien niet zo belangrijk als je een fan bent van Brian Eno, maar in die tijd was dit een behoorlijk radicale benadering van compositie.

Als we vooruitgaan in de tijd, zet het werk van John Cage mensen aan het denken over wat muziek is. Zijn beroemde 4'33'' werd voor het eerst uitgevoerd in 1952 en leidde al snel tot controverse omdat geen van de uitvoerenden ook maar één noot speelde. Het ging allemaal om 'de afwezigheid van bedoelde geluiden'.

Invloeden van niet-westerse muziektradities dateren ook van voor de geboorte van de minimal music. Afrikaanse ritmes, Hindoestaanse klassieke muziek en 'etnische' instrumenten zoals de gamelan bestonden al lang voordat de Amerikaanse minimal music zijn intrede deed.

De opkomst van minimal music

Het is niet duidelijk waar de term minimal music vandaan komt, maar de muziekstijl zoals we die nu kennen, begon eind jaren 1950 voor het eerst op te duiken als onderdeel van de Avant Garde muziekscene aan de westkust. Later breidde het zich uit naar New York, waar het een geestverwant vond in de New York Hypnotic School - een vorm van experimentele muziek in die tijd.

Niet alleen muziek werd geïnspireerd door het concept van minimalisme. Bijna elke kunstvorm reageerde op het idee van minder is meer, met eindeloze ondergrondse activiteiten in de literatuur, schilderkunst, beeldhouwkunst en film om minimale kunst te creëren. Veel van de vroege uitvoeringen van minimal music vonden plaats in kunstgalerieën en lofts in plaats van traditionele concertzalen.

De pioniers: Vroege minimalistische componisten

Bij de minimalistische muziekbeweging waren oorspronkelijk tientallen naamloze componisten betrokken. Uit de melée kwamen vier sleutelfiguren naar voren als de meest prominente minimalistische componisten van die tijd. Alle vier Amerikaanse componisten werden binnen een paar jaar na elkaar geboren en studeerden traditionele westerse klassieke muziek.

En, zoals typisch is voor de muziekgeschiedenis, zijn al deze componisten ook blank en mannelijk. Zucht.

La Monte Jong

La Monte Young is waarschijnlijk de minst bekende van deze groep. Hij wordt door Brian Eno 'the daddy of us all' genoemd en staat vooral bekend om zijn gebruik van lange aanhoudende tonen in zijn werk.

Toen hij als afgestudeerd student aan Berkeley studeerde, weigerde zijn compositieleraar om zijn compositie Trio for Strings een cijfer te geven omdat het uit slechts drie, erg lange noten bestond. Ze wisten niet dat deze voorliefde voor drones later baanbrekend werk zou worden.

La Monte Young's droommuziek, zoals het oorspronkelijk werd genoemd, vormde de ruggengraat van het muziekcollectief Theatre of Eternal Music, en krijgt een knipoog van waardering in de toelichting van Lou Reed's album Metal Machine Music uit 1975.

Hoewel La Monte Young tijdens zijn leven niet veel materiaal heeft uitgebracht, is zijn invloed over de hele wereld voelbaar.

Terry Riley

Terry Riley is zowel een vriend als een medewerker van Young, maar verkent het minimalisme door middel van herhaling, met name door het gebruik van tapeloops en delay.

Riley's gebruik van herhaling was niet beperkt tot het elektronische domein; een van zijn bekendste werken, In C, gebruikt een soortgelijk proces voor live instrumenten. Eén performer zorgt voor een ritmische basis (op C, natuurlijk), terwijl de andere performers (waarvan er een willekeurig aantal kunnen zijn, op elk instrument) zich een weg banen door 53 melodische cellen, met slechts een paar basissuggesties als leidraad. Het resultaat is fascinerend en hypnotiserend.

Met zijn focus op modulaire compositie zou je kunnen zeggen dat Terry Riley de originele Ableton is. Of een muziekcriticus het daarmee eens is, is een andere zaak, maar hoe dan ook heeft Riley niet alleen experimentele muziek, maar ook rock en hedendaagse elektronische muziek sterk beïnvloed.

(Kanttekening: bekijk zijn Mescalin Mix voor een griezelig voorproefje van hoe Riley's vroege muziek klonk).

Steve Reich

Deze modulaire aanpak om muziek te creëren was ook een favoriet van Steve Reich. In het geval van Reich verkent hij een techniek die faseverschuiving wordt genoemd, waarbij hetzelfde materiaal wordt uitgevoerd maar elk deel op een iets ander tijdstip begint en in een subtiel ander tempo kan spelen.

Steve Reich begon zijn experimenten in de minimale muziek met behulp van tape; vroege composities zijn onder andere It's Gonna Rain (1965) en Come Out (1966). Beide werken zijn klassieke voorbeelden van faseverschuiving in actie en bieden een vroege glimp van de samplingtechnieken die later de elektronische muziek zouden definiëren.

Net als Riley paste Steve Reich zijn methodologie voor minimal music toe op akoestische instrumenten. Piano Phase (1967) recreëert het tape loop effect met behulp van twee piano's. Elke piano speelt dezelfde melodielijn in unisono, maar één piano versnelt geleidelijk. Elke piano speelt dezelfde melodische lijn in unisono, maar één piano versnelt geleidelijk. Omdat het allemaal live gebeurt, zijn geen twee uitvoeringen hetzelfde (hoewel je natuurlijk wel naar een opname kunt luisteren).

Later in zijn carrière raakte Reich meer geïnteresseerd in het gebruik van percussie-instrumenten in in elkaar grijpende ritmische patronen, vergelijkbaar met de polyritmiek van Afrikaanse trommels.

Philip Glass

Een van de bekendste Amerikaanse componisten van hedendaagse muziek is misschien wel Philip Glass.

Net als Young, Reich en Riley studeerde Philip Glass aan Juilliard in New York toen de vroege minimal music vorm kreeg. Pas in 1967, toen hij terugkeerde van een verblijf in Frankrijk en India, begon Glass aandacht te besteden aan en beïnvloed te worden door het werk van Steve Reich.

Net als Reich werd Glass al vroeg gesponsord door kunstgalerieën, waar zijn muziek samen met minimalisten uit de beeldende kunst werd gepresenteerd op onconventionele locaties.

Zijn ensembles bestaan uit orgels, piano's en blaasinstrumenten, met name saxofoons, maar ook uit meer eigenzinnige instrumenten, zoals versterkte tafelbladen. Glass' muziek is gemakkelijk herkenbaar, een mix van Indiase muziek, minimalisme en zijn eigen persoonlijke stijl, geboren uit het vele luisteren met zijn vader naar platen uit de muziekwinkel van de familie.

De muziek van Glass wordt niet alleen geassocieerd met het vroege minimalisme, maar is ook te horen geweest in films, operahuizen en op Broadway. Dit komt bovenop de talloze solo- en kamermuziekstukken en werken voor strijkkwartet en kleine instrumentale ensembles.

Nogal een productieve man, voor een minimalist.

Kenmerken van minimalistische muziek

We weten dus hoe minimalistische muziek is ontstaan en wie er voorop liep. Laten we eens kijken naar minimalistische trekjes in de muziek.

Beperkte of minimale materialen

Minimale muziek kan per definitie alles omvatten dat gemaakt is voor zeer beperkte instrumenten. Dit kan één elektronisch basisgerommel zijn onder een looping saxofoongeluid, of een groep eclectische 'gevonden geluiden'-instrumenten, zoals een steelpan en een autogordel.

Stukken waarin slechts een paar woorden tekst worden gebruikt (zoals Steve Reich's eerder genoemde It's Gonna Rain) zijn ook minimalistisch, net als stukken waarin slechts een paar noten in het hele stuk worden gebruikt (niet jij Nickelback).

Herhaling en cycli

Muziek met korte muzikale patronen of cellen die gedurende langere perioden herhaald worden, kan beschouwd worden als minimalistisch. Terry Riley en Steve Reich omarmden beiden het idee van herhaling in hun werk, en Philip Glass staat bekend om zijn gebruik van repetitieve structuren terwijl zijn muziek zich in eindeloze cirkels beweegt.

Geleidelijke evolutie

Het simpelweg steeds herhalen van een frase wordt snel oud, dus het idee om na verloop van tijd subtiele variaties of toevoegingen te introduceren is een van de prominente kenmerken van het minimalisme. Steve Reich was hier een meester in met zijn faseverschuivingstechniek.

Pulsgedreven ritmes

Eenvoudige, pulserende ritmes die een hypnotiserend effect hebben, zijn ook kenmerkend voor minimal music. Philip Glass staat bekend om de ritmische kwaliteiten in zijn muziek, een kwaliteit die van invloed is geweest op hedendaagse muziekstijlen als rock en EDM.

Publieksperceptie

Het is altijd lastig om een bepaalde muziekstijl of -genre te definiëren. Niets past zomaar in een hokje van 'minimalistisch' of 'popmuziek'. Ook hoeven niet alle bovenstaande kenmerken aanwezig te zijn om van minimalistische muziek te kunnen spreken, en evenmin maakt het hebben van deze kenmerken in meer of mindere mate een muziekstuk minimalistisch.

Misschien is het belangrijkste aspect van minimal music wel hoe het het publiek toestaat (of dwingt, afhankelijk van hoe je het bekijkt) om zich te concentreren op wat er in de muziek gebeurt.

In tegenstelling tot muzikaal entertainment dat gepresenteerd wordt als een verhaal of een reis, houdt de ervaring van het luisteren naar minimal music in dat je aandacht moet schenken aan wat er in de muziek zelf gebeurt.

Een muziekstuk dat bestaat uit slechts twee of drie noten die gedurende bijvoorbeeld een kwartier worden gespeeld, dwingt de luisteraar om zich echt te concentreren op de uitvoering en laat het luisteren een actieve rol spelen in de muziek.

Ik zou zeggen dat dit is wat muziek minimalistisch maakt.

Hoe maak je minimalistische muziek?

Als je de volgende Philip Glass of John Adams wilt worden, moet je beginnen met het schrijven van minimal music! Hier zijn wat ideeën om je op weg te helpen.

Kies je focus

Bepaal het basiselement van je stuk. Dit kan zijn:

• een ritme
• een harmonie, zoals een open kwint of een grote terts
• een melodie
• een stukje toespraak (zorg ervoor dat je de rechten hebt om dit te doen als je van plan bent je werk vrij te geven!)

Minimalistische componisten bouwen hun hele compositie vaak op vanuit één idee, dus kies één basiselement als hoeksteen voor je stuk.

Wat je ook kiest, zorg ervoor dat het kort is. Als je de La Monte Young-route van lange aanhoudende noten volgt, is dat prima - het oorspronkelijke idee zal nog steeds kort zijn!

Maak een repeterend patroon

Als je eenmaal je basis hebt gekozen, gebruik deze dan om een repeterend patroon te maken.

Als je een ritme gebruikt, programmeer het dan of neem het op met ongestemde percussie-instrumenten - je kunt later altijd meer gestemde instrumenten toevoegen.

Als het een melodie is, neem die dan op en maak er een lus van.

Als het een harmonie is, gebruik dan een aangehouden geluid zoals een synthesizerpad om de harmonie te programmeren, waarbij je het een tijdje aanhoudt. (Pro tip: Bounce dit als audio in plaats van MIDI te gebruiken, zodat je het geluid hoort waar je ook begint met afspelen).

Het hypnotiserende effect van minimalisme komt van constante herhaling, waardoor een meditatief gevoel ontstaat.

Beperk je palet

Nu je de basis in kaart hebt gebracht, is het tijd om na te denken over hoe dingen in de loop van de tijd zullen evolueren. Om te beginnen moet je je geluidspalet opbouwen.

Of je nu elektronische instrumenten gebruikt of akoestische opnames maakt, beperk het aantal instrumenten dat je in het stuk gebruikt tot een handvol. Dit helpt je om in de minimalistische mindset te komen en voorkomt dat het te rommelig wordt. Het dwingt je om dieper na te denken over hoe dingen in de loop van de tijd kunnen veranderen.

Zelfs als je van plan bent om een groeiende muur van geluid rond één harmonie te bouwen, is het een goed idee om meerdere versies van slechts een handvol verschillende instrumenten te gebruiken.

Kleine variaties introduceren

Kies één element en verander het geleidelijk.

Als je bent begonnen met één instrument dat een eenvoudige melodie ostinato speelt, probeer dan geleidelijk een tweede instrument erbij te betrekken, en daarna een derde.

Je kunt ook experimenteren met het toevoegen of verwijderen van een noot uit je patroon, of als je twee instrumenten hebt die hetzelfde motief spelen de timing van de ene aanpassen zodat deze uit fase verschuift.

Dynamiek is een andere goede manier om subtiele variaties te introduceren in een repetitief idee terwijl de kern van de muziek behouden blijft.

Experimenteer met lagen

Als je bent begonnen met één instrument dat een eenvoudige melodie ostinato speelt, voeg dan geleidelijk een tweede instrument toe en daarna een derde.

Combineer deze stap met de vorige door variaties aan te brengen in deze nieuwe lagen.

Technologie omarmen

Elektronische hulpmiddelen zoals DAW's, hardware sequencers en looper pedalen maken het maken van minimal music voor iedereen toegankelijk, dus maak er gebruik van. Er zijn genoeg gratis tools die je hierbij kunnen helpen!

Naast de mogelijkheden voor sampling en looping die bijna elke DAW biedt, kunnen digitale effecten worden gebruikt om een gevoel van ruimte te creëren. Ontdek hoe het veranderen van parameters op een delay of reverb plugin met behulp van automatisering wilde en prachtige minimal music kan genereren vanuit slechts één idee.

Daag jezelf uit

Stel jezelf bijvoorbeeld beperkingen voor elk project waaraan je werkt:

• neem op met alleen je stem
• 30 minuten muziek opnemen zonder montage
• gebruik slechts één geluid en meerdere effecten
• gebruik meerdere geluiden en slechts één effect
• verander de maatsoort in elke maat

Als je nog nooit hebt geprobeerd om in de minimalistische stijl te schrijven, zul je misschien verbaasd zijn hoe moeilijk het kan zijn om dingen terug te brengen. De sleutel tot minimalisme is eenvoud en het beperkte aantal instrumenten. Om experimentele muziek te maken moet je blijven experimenteren!

De erfenis van minimalistische muziek

Minimalistische muziek heeft een lange weg afgelegd vanaf verschillende naamloze componisten en niet-geïdentificeerde performancekunstwerken in het New York van de jaren 1960. Het minimalisme heeft een blijvende indruk gemaakt op klassieke muziek, EDM, rock en zelfs filmmuziek.

Componisten als Max Richter en Jóhann Jóhannsson vermengen minimalistische herhaling met weelderige orkestratie om emotioneel resonerende werken te creëren die een breed publiek hebben bereikt. Richters Sleep is een showcase van de expressieve vloeiendheid en meditatieve kwaliteiten van het minimalisme.

Elektronische muzikanten zijn ook diepgaand beïnvloed door het minimalisme. Jon Hopkins, Nihls Frahm en natuurlijk Brian Eno hebben allemaal minimalistische procestechnieken toegepast, zoals herhalingen, loopingpatronen en geleidelijke textuurverschuivingen om meeslepende soundscapes te bouwen.

Zelfs de huidige koning van de filmmuziek, Hans Zimmer, gebruikt minimalistische technieken. Bekijk zijn score voor Interstellar om langzame harmonische verschuivingen te horen die doen denken aan de faseringsexperimenten van Steve Reich.

De nadruk van het minimalisme op herhaling, eenvoud en geleidelijke transformatie blijft meer dan een paar componisten in vele genres inspireren, wat bewijst dat de impact ervan even duurzaam als expansief is.

Als je op zoek bent naar inspiratie om nieuwe muziek in de minimalistische stijl te schrijven, of als je je gewoon wilt verdiepen in het genre, dan raad ik je ten zeerste aan om deze uitstekende inleidende afspeellijst te beluisteren.

Ga nu en minimaliseer de muziek!