Komponowanie często polega na poszerzaniu granic. Czym jednak staje się komponowanie, gdy ograniczenia całkowicie znikną? Innymi słowy: czy dzieła kompozytorów mogą kiedykolwiek przestać być uważane za... muzykę?

Słownik oksfordzki definiuje operę jako " formę dramatu muzycznego, w której czysto melodyczne siły rytmiczne przeplatają się z elementami narracyjnymi". Nie wydaje się to dotyczyć na przykład "Pierrot Lunaire" Schoenberga. OK; czy możemy zatem nadal nazywać go "melodramatem"? :)

Przedmowa

Komponowanie to głęboko osobisty i twórczy proces dla każdego artysty. Każdy artysta ma swój unikalny styl, który odzwierciedla jego indywidualność i wizję artystyczną.

Rozpoczynając proces twórczy, artysta starannie rozważa, jak połączyć różne elementy, aby stworzyć spójną całość. Poprzez swój styl kompozycji artysta przekazuje publiczności swoją estetykę i perspektywy.

Styl kompozycji artysty może ewoluować w czasie, odzwierciedlając jego osobisty rozwój i zmieniające się wpływy. A raczej; jest to fuzja stylu i kompozycji, która przynosi dzieła sztuki. A każda praca niesie ze sobą kawałek duszy artysty i unikalne przesłanie dla świata do interpretacji.

Dobrzy kompozytorzy muzyki zawsze mieli wyjątkową zdolność do przekształcania swoich myśli i doświadczeń w muzyczne arcydzieła. Współcześni kompozytorzy nadal przesuwają granice muzycznej ekspresji.

Muzyka zachodnia była w pewnym sensie zdefiniowana przez centrum tonalne. W atonalności kompozytorzy uwalniają się od ograniczeń związanych z pracą w określonej tonacji i związanych z nią oczekiwań.

Mogą używać wszystkich dwunastu nut skali chromatycznej w równym stopniu, pomijając hierarchie tradycyjnej harmonii tonalnej.

Ten brak zdefiniowanego klucza w atonalności utorował drogę dla unikalnych i innowacyjnych kompozycji.

Muzyka klasyczna

Klasyczna muzyka zachodnia ma określoną tonalność (lub centra tonalne, jeśli występują modulacje).

Silne centrum tonalne można znaleźć w praktycznie każdej klasycznej kompozycji. Na przykład w niezwykle popularnej IX Symfonii Beethovena tonacja d-moll pełni rolę "kotwicy".

Ten przykład ilustruje, w jaki sposób kompozytorzy wykorzystują koncepcję centrum tonalnego do tworzenia spójności muzycznej i poczucia rozdzielczości. Nie oznacza to, że skala chromatyczna nie jest fundamentalnym elementem muzyki klasycznej. W rzeczywistości jest wręcz przeciwnie!

W klasycznej kompozycji użycie skali chromatycznej wprowadza bogatą i ekspresyjną paletę kolorów muzycznych. Pogłębia pulę opcji, umożliwiając tworzenie skomplikowanych harmonii i naładowanych fragmentów w utworach klasycznych.

Akordy funkcyjne

Jak wspomniano w naszym artykule na temat skali diatonicznej, pojęcie akordu ewoluowało na przestrzeni wieków. Muzyka tonalna definiuje go bardziej ściśle i strukturalnie.

Pojęcie funkcjonalności akordów jest ściśle związane z ich wzajemnymi relacjami, zdefiniowanymi poprzez progresje i kadencje harmoniczne.

Jednak pojedynczy akord może być również funkcjonalny i zapewniać strukturę, która stanowi podstawę melodii. Wszystko zależy więc od umiejętności i intencji kompozytora.

Wykwalifikowani twórcy mogą tworzyć szeroką gamę nastrojów za pomocą jednego akordu, zakładając różne konteksty muzyczne. Nauka wyrażania siebie poprzez akord jest kluczowym krokiem w kierunku muzycznego artyzmu!

Poza klasycyzmem

Na początku XX wieku tacy twórcy jak Aleksander Skriabin i Igor Strawiński zaczęli opisywać muzykę z odejściem od tradycyjnej skali diatonicznej.

Ich ekspresjonistyczne prace obejmowały ekspresyjny chromatyzm, wykorzystując harmonie, skale i akordy, które prawie całkowicie porzuciły konwencjonalną tonalność.

Kiedy słyszy się ich kompozycje, można docenić ich mistrzostwo. Ich naładowane akordami progresje i melodie stanowiły wyzwanie dla oczekiwań słuchacza.

Początek

Wraz z dalszym rozwojem sytuacji, innowacyjne pomysły rzuciły wyzwanie ostatnim pozostałym ograniczeniom funkcjonalnej harmonii.

To odejście od tradycyjnego podejścia spowodowało, że kolejne akordy były dysonansowe i odłączone, co można zaobserwować z perspektywy konwencjonalnej struktury akordów.

Arnold Schoenberg wprowadził atonalność i wiele innych eksperymentalnych technik, przesuwając granice jeszcze dalej. "Styl Schoenberga" był wówczas tak awangardowy, że niektórzy nawet nie uważali go za muzykę, czyniąc jego wysiłki przykładem archetypowej zmiany paradygmatu.

Jego swobodna atonalność nalegała na całkowite porzucenie tradycyjnych koncepcji harmonicznych, bez ścisłego określania, co dokładnie je stanowi. To rodzi pytanie: czy kompozytor atonalny skupia się na łamaniu wszystkich tradycyjnych zasad?

Estetyka atonalności

Wbrew powszechnemu przekonaniu, atonalność nie jest "anty-tonalnością". To zestaw niezależnych zasad. Podczas gdy kadencje harmoniczne są "zabronione", kompozytorzy atonalni nie opierają swojej estetyki na tym , jak nietonalny jest utwór muzyczny.

Brak tradycyjnego centrum tonalnego jest rzeczywiście cechą definiującą utwór atonalny. I tak: w utworze atonalnym kompozytor celowo unika ustalania tonacji, co prowadzi do dynamicznej manifestacji różnych struktur akordowych.

Zasady te dały początek temu, co później nazwano Drugą Szkołą Wiedeńską. Arnold Schoenberg napisał Pierrot Lunaire, aby zademonstrować swoje estetyczne punkty wcześniej, a jego uczniowie Alban Berg i Anton Webern poszli w jego ślady, zaczynając pisać utwory fortepianowe, a nawet suity.

W szczególności ich utwory fortepianowe pokazały, że muzyczne skupienie było zupełnie inne. Prawa ręka nie "latała" podczas grania melodii lub głównych kadencji. Utwory dotyczyły raczej klas wysokości i struktury, ponieważ wysyłały główne klawisze na emeryturę.

Tak, w muzyce atonalnej wirtuozeria (a raczej: zręczność) staje się mniej ważna. Webern i Berg bazowali na tym, co przekazał im ich nauczyciel, co doprowadziło do dalszego rozwoju stylistycznego.

Apex Years

Muzyka serialna pojawiła się jako znaczące odejście od swobodnej muzyki atonalnej jako takiej. Opiera się na technice dwunastotonowej lub rzędzie tonów, który określa sekwencję melodyczną i kolejne akordy w całej kompozycji.

Odpowiednia technika kompozytorska, nazwana wówczas "Serializmem", zyskała na znaczeniu dzięki dziełom Drugiej Szkoły Wiedeńskiej. Nacisk kompozytorów doprowadził do powstania przełomowych dzieł atonalnych.

Ulubieni uczniowie Schoenberga (wspomniani Alban Berg i Anton Webern) byli w czołówce ruchu serializmu.

Zaczęli stosować rygorystyczne struktury matematyczne do organizowania swoich kompozycji. Ich atonalne dzieła często wykorzystywały wspomniane wcześniej dwunastotonowe rzędy, aby osiągnąć swój cel.

System ten wymagał użycia wszystkich 12 tonów ze skali chromatycznej, ale nie z jednej oktawy i ściśle bez żadnego podobieństwa do melodii tonalnej (jak tradycyjnie zdefiniowano). Aby dodać wyzwanie, "rząd" musi być rozwijany bez powtórzeń tonów.

W konsekwencji muzyka atonalna stała się również bardzo trudna dla wykonawców, zwłaszcza utwory atonalne zawierające partię wokalną. Ze względu na brak funkcjonalnego odniesienia harmonicznego, mniej doświadczeni wokaliści często musieli wykonywać specjalne ćwiczenia, a nawet uczyć się swojej partii na pamięć.

Wpływ serializmu wywarł trwały wpływ na świat współczesnej muzyki klasycznej. Atonalne utwory utorowały drogę do dalszych eksperymentów kompozytorskich.

Nie-Wiedeńczycy

Błędem byłoby dojście do wniosku, że muzyka atonalna jest związana z Wiedniem - lub ogólnie z Zachodem.

Siergiej Prokofiew eksplorował te koncepcje niezależnie, tworząc dzieła, które szczególnie kwestionowały konwencjonalną strukturę opery. Kontynuował budowanie na fundamentach ustanowionych przez Skriabina i Strawińskiego.

W jego kompozycjach, podobnie jak w operze Wozzeck Albana Berga, nastąpił rozpad głównego elementu strukturalnego, ponieważ melodie i rytmy zyskały większą niezależność i złożoność.

Jak na ironię, swobodną atonalność można uznać zarówno za początek, jak i koniec, po prostu dlatego, że atonalność była mniej rygorystyczna przed i po serialistach.

Można się spierać, ale niektóre aspekty lub fragmenty muzyki Prokofiewa, Szostakowicza czy nawet Rachmaninowa są w pewnym sensie "swobodnie atonalne".

Jazz

Co najmniej od czasów Charliego Parkera, a na pewno po nim, dosłownie każdy muzyk jazzowy miał obsesję na punkcie tego, jak rozszerzyć centra tonalne; jak "przedefiniować klawisze". W ten sposób narodził się cool jazz, a w szczególności jazz modalny.

Nieco później Herbie Hancock eksplorował fuzję współczesnej muzyki klasycznej i gatunków jazzowych - co było nieuniknioną konsekwencją jego innowacyjnego ducha. Traktował rytm jako nieodłącznego partnera melodii, tworząc przełomowe kompozycje.

Te eksperymenty z melodycznymi napięciami rytmicznymi stały się jednym z głównych wyznaczników rozwoju nowej muzyki w XX wieku.

Następstwa

Muzyka atonalna nie położyła kresu muzyce tonalnej ani harmonii funkcjonalnej. Raczej przedefiniowała koncepcje, akordy i to, co definiuje centrum tonalne, co stanowi akord itp.

Muzyka tonalna dzisiaj

Współczesna harmonia funkcjonalna brzmi... cóż... wzbogacona (delikatnie mówiąc). Estetyka pozwala zarówno na klasy wysokościowe muzyki atonalnej, jak i na centrum tonalne.

Dzisiejsza muzyka tonalna może zawierać - i zawiera - również muzykę atonalną. A może "podobieństwa" do muzyki atonalnej, a może przebłyski i wpływy muzyki atonalnej. To naturalne, bo muzyka to muzyka, a klucz tkwi w pomysłach kompozytorów.

Dzisiejsza muzyka atonalna?

Analogicznie: muzyka atonalna jest muzyką atonalną. A współczesna muzyka atonalna istnieje, choć nie znajdziesz jej nazwanej w ten sposób (jako "współczesna muzyka atonalna" ).

Arnold Schoenberg i każda wcześniejsza szkoła znacznie różnią się od dzisiejszych szkół. "Pierrot Lunaire" nie jest porównywalny z dzisiejszą muzyką atonalną. Ale z drugiej strony: nie można go też porównać do "Trenu ofiarom Hiroszimy" Pendereckiego, który powstał zaledwie dekadę po śmierci Schoenberga...

Liczy się to, że atonalna muzyka Schoenberga wniosła do świata muzyki nowe idee. Kluczowe idee, szczególnie przydatne w muzyce filmowej czy teatralnej. I tak: dziś wszyscy zgadzają się, że dzieła Schoenberga były - i zawsze będą - muzyką!