Piękno nauki miksowania muzyki polega na tym, że możesz wymyślić własną, unikalną formułę: sygnaturę dźwiękową, która zidentyfikuje cię jako artystę lub inżyniera dźwięku i pomoże ci stworzyć paletę dźwięków, która cię wyróżni. Ale zanim to wszystko nastąpi, istnieją pewne zasady miksowania dźwięku, które, choć nie są ustalone w kamieniu, z pewnością pomogą ci osiągnąć bardziej profesjonalne brzmienie.

Niektóre wskazówki mają na celu usprawnienie przepływu pracy, a inne zapewnienie doskonałego brzmienia muzyki we wszystkich systemach odtwarzania. Wspólną cechą wszystkich tych zaleceń jest to, że działają one jako sprawdzian rzeczywistości podczas miksowania, prowadząc cię podczas dokonywania korekt i pomagając ci podejmować świadome decyzje, niezależnie od tego, czy pracujesz nad własną muzyką, czy nad utworami innych artystów.

Każdy inżynier dźwięku ma swoje własne teorie na temat tego, co jest kluczowe, a co nie podczas miksowania dźwięku, ale poniżej znajdziesz zasady, których moim zdaniem należy przestrzegać, chcąc stworzyć profesjonalny miks, niezależnie od stylu, gatunku i doświadczenia.

Zrozumienie gatunku

Jeśli miksujesz własną muzykę, zakładam, że jesteś zaznajomiony z gatunkiem muzycznym, który produkujesz. Jednak sytuacja może wyglądać inaczej, jeśli jesteś inżynierem dźwięku pracującym z wieloma artystami z różnych gatunków.

Metal, hip-hop, pop, muzyka klasyczna: każdy gatunek ma swoje własne zasady i oczekiwane brzmienie. Możesz nie podążać za nimi ślepo, ale powinieneś być przynajmniej ich świadomy. Solówka gitarowa będzie brzmiała zupełnie inaczej, niezależnie od tego, czy jest częścią utworu pop, soul, disco czy heavy metal; to samo dotyczy każdego innego elementu utworu, od perkusji po wokal i syntezatory.

W rocku i metalu równoważenie poziomów w zakresie średnich tonów może być długim i wymagającym zadaniem; w muzyce pop wokal prowadzący jest zwykle najważniejszym elementem; w hip-hopie i techno bęben basowy powinien być główną siłą napędową rytmu. Moglibyśmy w nieskończoność dyskutować o tym, jak każdy gatunek ma swoje własne charakterystyczne cechy, ale to od ciebie zależy, czy zrozumiesz i zidentyfikujesz, co jest kluczowe w twoim miksie i odpowiednio to wzmocnisz.

Ostatecznym celem jest zawsze stworzenie spójnego brzmienia, które jest zgodne z tym, co wyobraża sobie publiczność, a ostateczny miks, który wyślesz do inżyniera masteringu, powinien już zawierać cechy charakterystyczne dla gatunku, nad którym pracujesz.

Organizacja mieszana

Zorganizowanie przepływu pracy podczas miksowania oznacza, że będziesz w stanie zaoszczędzić czas, osiągnąć spójne wyniki i stworzyć rozpoznawalne brzmienie, które możesz dostosować do wielu projektów bez konieczności rozpoczynania od zera za każdym razem.

Istnieje kilka sposobów na przygotowanie sesji, a niektóre z najpopularniejszych obejmują grupowanie, kodowanie kolorami, nazywanie ścieżek, korzystanie z folderów ścieżek i korzystanie z autobusów.

Jeśli pogrupujesz podobne ścieżki, takie jak sekcje smyczkowe i perkusyjne, łatwiej będzie dostosować poziomy i efekty tych ścieżek. Jest to również świetny sposób na wizualizację projektu i postrzeganie oddzielnych ścieżek jako części unikalnego elementu.

Korzystanie z kodowania kolorami może zmienić zasady gry podczas pracy nad dużymi projektami: można go użyć do rozróżnienia elementów w miksie i może pomóc w łatwym zlokalizowaniu ścieżek. Na przykład, można użyć jednego koloru dla syntezatora, innego dla gitary, a jeszcze innego dla wokalu. Po raz kolejny da ci to wizualną reprezentację tego, co się dzieje na pierwszy rzut oka, co jest kluczowe, jeśli jesteś inżynierem dźwięku pracującym nad wieloma projektami.

W niektórych programach DAW można tworzyć foldery ścieżek, co jest sposobem na grupowanie ścieżek w hierarchiczny sposób, co może pomóc w utrzymaniu porządku i uporządkowaniu elementów miksu.

Wreszcie, nie należy zapominać o znaczeniu szyn miksujących, czyli wirtualnych kanałów, które umożliwiają grupowanie wielu ścieżek i zbiorcze stosowanie do nich efektów. Korzystanie z nich nie tylko pozwoli zaoszczędzić ogromną ilość czasu, ale także pozytywnie wpłynie na spójność miksu.

Ścieżki referencyjne

Jest to prawdopodobnie najważniejszy aspekt, jeśli chcesz stworzyć dobrej jakości miks. Wybór ścieżki referencyjnej, która jest nie tylko zgodna z gatunkiem, nad którym pracujesz, ale także z życzeniami klienta, twoim gustem i narzędziami, którymi dysponujesz, nie jest zadaniem trywialnym, ale koniecznym.

Podczas pracy z klientem nad miksem muzycznym zawsze dobrze jest poprosić go o poprzednie utwory jako punkt odniesienia, co da ci jaśniejsze wyobrażenie o rodzaju równowagi, jakiej szukają w swoim miksie. Wiedząc dokładnie, czego oczekują klienci, można stworzyć miks zgodny z ich oczekiwaniami.

Poświęć trochę czasu na zapoznanie się z odpowiednim gatunkiem, artystami i muzyką, aby zaoszczędzić czas w procesie miksowania. Nie musisz sprawić, by twój miks brzmiał jak każdy inny, ale dobrą praktyką jest poznanie tego, do czego przyzwyczajona jest publiczność przed rozpoczęciem procesu miksowania.

Od czego zacząć

Gdy nadchodzi czas rozpoczęcia miksowania, możesz zastanawiać się, którym instrumentem muzycznym powinieneś zająć się w pierwszej kolejności. Po raz kolejny nie ma jednoznacznej odpowiedzi na to pytanie, ale z reguły polecam zacząć od basu i perkusji.

Jest to solidny fundament utworu, a jego zrównoważenie pomoże ci podejmować świadome decyzje dotyczące tego, gdzie powinny znajdować się główne elementy miksu (gitary, syntezatory, wokale).

Ponadto bębny obejmują całe spektrum częstotliwości, co może dać "podgląd" tego, jak częstotliwości zachowują się w miksie.

Jeśli zaczynasz od perkusji, najlepszą opcją jest skupienie się najpierw na werblu i bębnie basowym. Werbel powinien być jednym z najgłośniejszych elementów miksu: jest kręgosłupem utworu i definiuje jego groove: każdy inny element perkusji powinien obracać się wokół niego.

Bęben basowy jest prawie tak samo ważny. Powinien być głośny, ale nie za bardzo, ponieważ może przyćmić transjenty werbla lub instrumentów wiodących.

Wszystko inne (tomy, talerze, perkusja) pojawi się po werblu i kicku. Powinieneś dać im odpowiednią przestrzeń w miksie, upewniając się, że są wyraźnie słyszalne bez przyćmiewania tego, co prowadzi groove w miksie.

Gdy przejdziesz do innych elementów miksu, skup się na tym, jak możesz poprawić głębię miksu i dostroić wszystkie zaangażowane instrumenty muzyczne. Im więcej elementów dodasz do miksu, tym bardziej proces równoważenia będzie wymagał drobnych korekt, aby brzmiał dobrze. Na początku może się to wydawać przytłaczające, ale z czasem stanie się to zabawnym i wciągającym procesem, a ty zaczniesz dostrzegać swój unikalny podpis dźwiękowy w każdym miksowanym utworze.

Najpierw objętości, potem efekty (miksy statyczne)

Miks statyczny powinien być pierwszym krokiem w procesie miksowania. Prawidłowo wykonany miks statyczny pozwala uzyskać zgrubny miks, który znacznie ułatwia uzyskanie efektu sklejenia miksu za pomocą efektów postprodukcyjnych.

Spróbuj uzyskać zrównoważony miks, używając tylko suwaków głośności i elementów sterujących panoramą bez pomocy dynamicznego przetwarzania, efektów lub automatyzacji. Ten podstawowy balans pomoże ci stworzyć równowagę i szorstki obraz stereo w ścieżce, który możesz później poprawić za pomocą efektów.

Zacznij od ustawienia wszystkich poziomów głośności na zero, a następnie powoli wprowadzaj każdą ścieżkę do miksu jeden po drugim. Dostosuj suwaki głośności, aby upewnić się, że każdy element jest dobrze osadzony w miksie, koncentrując się na ich wzajemnej interakcji. Użyj panoramowania, aby umieścić elementy w polu stereo, nadając każdemu z nich własną przestrzeń, unikając jednocześnie maskowania częstotliwości.

Ostateczny miks statyczny powinien brzmieć jak surowa wersja albumu, który zostanie wydany: wszystkie głośności powinny być idealnie zrównoważone, a każdy instrument powinien mieć własną przestrzeń na scenie dźwiękowej.

Możliwe, że będziesz musiał wprowadzić poprawki, gdy zaczniesz stosować korektory, suwaki i kompresję. Niemniej jednak, ten podstawowy miks będzie kluczowym punktem wyjścia do rozpoczęcia rzeźbienia dźwięku za pomocą efektów.

Zapomnij o przycisku "Solo"

Miksowanie polega na osiągnięciu równowagi i harmonii między wszystkimi elementami utworu, więc nie powinno dziwić, że holistyczne spojrzenie podczas pracy nad utworem przyniesie najlepsze rezultaty.

Regulacja częstotliwości w trybie solo może sprawić, że miks straci na wyrazistości: Wprowadzone w ten sposób poprawki korektora mogą spowodować, że ścieżka "zaatakuje" przestrzeń częstotliwości innej ścieżki, a ustawienia kompresji, które wydawały się idealne, mogą zagrozić dynamice miksu.

Po raz kolejny zalecam stosowanie regulacji głośności i panoramowania jako głównych narzędzi do rozwiązywania problemów z miksem i poprawiania równowagi dynamicznej. Usuwanie szumów lub drobne korekty EQ mogą wymagać solowania, ale należy je traktować jako wyjątki, a nie regułę.

Opuszczanie przestrzeni nad głową

Headroom to przestrzeń pomiędzy szczytowymi poziomami sygnału audio a maksymalnym limitem systemu cyfrowego.

Przestrzeń ta chroni przed przycięciami, ale także definiuje jakość i teksturę dźwięku, zwłaszcza podczas korzystania z wtyczek. Wynika to z faktu, że wtyczki cyfrowe reagują inaczej w zależności od poziomów wejściowych: niższe poziomy wejściowe zwykle skutkują bardziej responsywną dynamiczną interakcją w ramach wtyczki oraz bardziej przejrzystym i skutecznym zastosowaniem efektu.

Wreszcie, mając wystarczającą ilość headroomu, zapobiegniesz przycięciom i niepożądanym artefaktom zniekształceń cyfrowych oraz zwiększysz dynamikę ścieżki. Zasadniczo podczas miksowania należy pozostawić od 3 do 6 dB headroomu.

Ciche słuchanie

Kiedy słuchamy muzyki przy niskim poziomie głośności, nasze uszy są mniej wrażliwe na ekstremalne niskie i wysokie częstotliwości. Wraz ze wzrostem głośności odtwarzania, zaczynamy słyszeć wysokie i niskie częstotliwości równomiernie. Spróbuj posłuchać piosenki pop przy bardzo niskim poziomie głośności: czy zauważyłeś, że nadal wyraźnie słyszysz wokal, ale linia basu jest ledwo słyszalna?

Tak więc, jeśli miks może osiągnąć poczucie pełni i klarowności przy niskich poziomach głośności, to jest dobrze zbalansowany. Z drugiej strony, jeśli miks brzmi na zrównoważony przy wyższych poziomach głośności, ale traci klarowność i spójność po zmniejszeniu głośności, oznacza to, że coś jest nie tak z interakcją elementów w miksie.

Wreszcie, słuchanie przy niskim poziomie głośności jest również ważne, gdy chcesz stworzyć świetny miks, który działa dobrze we wszystkich systemach zwrotu, zachowując swój zakres dynamiki i ekspresję.

Znaczenie mono

Miks, który zachowuje klarowność i równowagę w mono, gdzie wszystkie elementy są sumowane do jednego kanału, to taki, który nie wymaga dalszych regulacji poziomu. Moim zaleceniem jest zawsze sprawdzanie, jak miks brzmi w mono, ponieważ jest to najlepszy sposób na identyfikację i radzenie sobie z problemami częstotliwości.

W miksie stereo różne elementy mogą być przesuwane i rozłożone w polu stereo, aby stworzyć separację i przestrzeń. Jednakże, gdy elementy te są łączone w mono, wszelkie problemy z anulowaniem fazy mogą stać się znacznie bardziej widoczne. W ten sam sposób, kwestie maskowania częstotliwości można łatwiej zidentyfikować podczas słuchania w mono.

Wreszcie, miks, który dobrze wypada w mono, będzie prawdopodobnie bardziej spójny w szerokim zakresie systemów odtwarzania, od wysokiej klasy systemów audiofilskich po urządzenia jednogłośnikowe, co jest dokładnie tym, czego szukasz podczas miksowania muzyki.

Poznaj najlepsze narzędzia, ale pracuj z tym, co masz

Z doświadczenia wiem, że łatwo jest wpaść w pułapkę myślenia, że drogie wtyczki i sprzęt są niezbędne do uzyskania profesjonalnego dźwięku. W dzisiejszych czasach już tak nie jest.

Większość cyfrowych stacji roboczych audio jest wyposażona w szereg wbudowanych wtyczek, które mogą zapewnić profesjonalne rezultaty; możesz zacząć od nauki opanowania tych narzędzi, co jest rozsądniejszym rozwiązaniem niż zakup dużej liczby wtyczek innych firm, których prawdopodobnie nigdy nie użyjesz.

Nie twierdzę, że nie powinieneś być świadomy lub kupować wysokiej jakości wtyczek i sprzętu do swoich projektów, ale obsesja na ich punkcie odwróci uwagę od ważniejszych aspektów miksowania, jakimi są doskonalenie umiejętności, zaufanie swoim uszom i wykorzystanie dostępnych zasobów do stworzenia najlepszego możliwego miksu.

Przemyślenia końcowe

W produkcji audio nic nie jest ustalone. I to właśnie sprawia, że jest to tak wciągające i kreatywne doświadczenie.

Niemniej jednak, staranne wyważenie głośności jest tym, co może ostatecznie przekształcić twój miks w udany hit: poświęć czas na zrozumienie każdego instrumentu występującego w twoim utworze i jego idealnej pozycji na scenie dźwiękowej. Nie skupiaj się na pojedynczych elementach, ale raczej na całościowym doświadczeniu dźwiękowym, z którym słuchacz może się połączyć i poczuć jego emocjonalny wpływ.

Nie mogę wystarczająco podkreślić, jak ważne jest testowanie miksu na różnych systemach odtwarzania, aby upewnić się, że będzie on odtwarzany zgodnie z oczekiwaniami na wszystkich urządzeniach. Utwór może brzmieć świetnie w środowisku studyjnym, a fatalnie w samochodowym systemie audio, a tego przecież nie chcemy. Używaj profesjonalnych słuchawek i monitorów studyjnych, ale sprawdzaj też swoje miksy na tanich słuchawkach dousznych: powinny one brzmieć dobrze niezależnie od tego, jak ich doświadczasz.

Powodzenia i bądź kreatywny!