Stwierdzenie, że syntezatory ukształtowały historię muzyki ostatnich 50 lat nie jest niedopowiedzeniem. Ten instrument muzyczny XX wieku rzeczywiście wzmocnił pokolenia pionierów muzyki elektronicznej, ale także otworzył wszechświat dźwięków dla artystów na wszystkich poziomach.

Mniej więcej 100 lat po wynalezieniu Theremina i Ondes Martenot, instrumenty elektroniczne nadal są chlebem powszednim niezliczonych artystów, pracujących w dziedzinach EDM, hip-hopu, popu, rocka, muzyki eksperymentalnej i nie tylko. W ciągu tego stulecia przeszliśmy od monofonicznych do polifonicznych modeli syntezatorów, od analogowych do cyfrowych i od syntezatorów modułowych wielkości pokoju do instrumentów wirtualnych: ekosystem nowych dźwięków w rękach wizjonerskich twórców!

Syntezatory pozwalają artystom eksperymentować z dźwiękami niespotykanymi na innych tradycyjnych instrumentach, co czyni je tak popularnymi do dziś. Zrozumienie działania syntezatorów jest kluczowym krokiem, jeśli chcesz stworzyć unikalną sygnaturę dźwiękową, więc dzisiejszy artykuł poświęcony jest syntezatorom: czym są, jak ewoluowały, jak działają i jak tworzyć unikalne dźwięki za ich pomocą.

Definicja syntezatorów i syntezy

Powinno być oczywiste, że syntezatory nie są instrumentami akustycznymi.

Tradycyjne instrumenty wytwarzają dźwięk poprzez wibracje, z których każdy ma swój własny, unikalny wzór fali i barwę. W przypadku syntezatorów ruch powietrza zastępowany jest sztucznie generowanymi sygnałami.

W przeciwieństwie do instrumentów akustycznych, syntezatory wykorzystują sygnały elektryczne do tworzenia dźwięków i robią to przy użyciu różnych rodzajów cyfrowych procesów syntezy dźwięku. Ta forma cyfrowego przetwarzania ożywia sztuczny sygnał dźwiękowy, który może naśladować instrumenty akustyczne lub być całkowicie unikalnym instrumentem.

Cyfrowa synteza dźwięku polega na generowaniu fal dźwiękowych za pomocą sygnałów elektronicznych, które są następnie przekształcane w słyszalne fale dźwiękowe za pośrednictwem instrumentów, słuchawek lub głośników.

Jak można sobie wyobrazić, muzycy pracujący z syntezatorami szybko zdali sobie sprawę, że mają elastyczność w manipulowaniu i kształtowaniu dźwięku w sposób, który nie był możliwy w przypadku instrumentów akustycznych. Ten poziom kontroli nad dźwiękiem otworzył szeroki wachlarz kreatywnych możliwości dla muzyków i producentów różnych gatunków, którzy zaczęli odkrywać nowe dźwiękowe krajobrazy.

Krótka historia syntezatorów

Historia syntezatorów to święto ambitnych kompozytorów i inżynierów, którzy począwszy od końca XIX wieku dostrzegli potencjał wykorzystania energii elektrycznej do tworzenia nowej muzyki. W szczególności Telharmonium Cahilla (1897) i imiennik Léona Theremina (1928) są uważane za wczesnych prekursorów współczesnych syntezatorów.

W 1956 roku RCA Mark II stał się pierwszym programowalnym instrumentem elektronicznym, z sekwencerem muzycznym, oscylatorami tonowymi i czterodźwiękową zmienną polifonią do generowania dźwięku. Jednak był on również dość ogromny w porównaniu do bardziej przenośnych urządzeń, do których jesteśmy przyzwyczajeni w dzisiejszych czasach (trzy tony, 7 stóp wysokości i 20 stóp szerokości).

Prawdziwa zmiana nastąpiła w latach 60. wraz z syntezatorami Moog. Konstrukcja Mooga wykorzystywała kontrolę napięcia do regulacji parametrów, takich jak wysokość i barwa dźwięku, dzięki czemu była bardziej wszechstronna i łatwiejsza w użyciu niż poprzednie modele. Minimoog, wydany w 1970 roku, jeszcze bardziej spopularyzował syntezatory dzięki przystępnej cenie, wyjątkowej przenośności i unikalnemu brzmieniu. Niewielki syntezator Moog stał się natychmiastowym klasykiem we wszystkich gatunkach muzycznych, od funku po prog rock, krautrock i disco.

Technologia cyfrowa po raz kolejny zrewolucjonizowała świat syntezy dźwięku w latach 80-tych, wraz z wprowadzeniem DSP, czyli cyfrowego przetwarzania sygnału. Kilka przykładów: Yamaha DX7 stał się najlepiej sprzedającym się syntezatorem z ponad 160.000 sprzedanych egzemplarzy, Fairlight CMI był de facto prekursorem cyfrowych stacji roboczych audio, a Roland Jupiter-8 stał się legendą dzięki swojej limitowanej wersji (wyprodukowano 2000 egzemplarzy) i popularności w przemyśle pop (Michael Jackson, Queen, Duran Duran, między innymi).

Od 2000 roku, wraz z ewolucją DAW i technologii cyfrowej, kultowe syntezatory zostały przekształcone w oprogramowanie i wtyczki, dzięki czemu stały się bardziej przystępne cenowo i przenośne niż kiedykolwiek.

Niemniej jednak, współcześni producenci wciąż poszukują wyjątkowego ciepła i charakteru syntezatorów analogowych, które w ostatnich latach ponownie zyskały na popularności, a legendarni producenci wypuścili zaktualizowane wersje swoich modeli, a nowi producenci stworzyli unikalne modele, które łączą analogowe dźwięki z nowoczesnym przepływem pracy.

Rodzaje syntezy

Istnieje sześć głównych typów syntezy, z którymi można się obecnie spotkać, a każdy z nich definiowany jest przez sposób, w jaki manipuluje dźwiękami.

Synteza dodatków

Synteza addytywna tworzy złożone dźwięki poprzez łączenie prostych przebiegów.

Dostosowując amplitudę i częstotliwość tych przebiegów, można tworzyć nieskończoną różnorodność tekstur dźwiękowych i zawartości harmonicznych w celu wzmocnienia częstotliwości podstawowej.

Metoda ta jest świetna, ponieważ daje pełną kontrolę nad charakterystyką dźwiękową tworzonego instrumentu i pozwala na tworzenie całkowicie unikalnej zawartości dźwiękowej w oparciu o kombinację podstawowych przebiegów.

Synteza subtraktywna

Synteza subtraktywna usuwa częstotliwości z harmonicznie złożonej fali dźwiękowej za pomocą filtrów, takich jak dolnoprzepustowy (usuwa wysokie częstotliwości), górnoprzepustowy (usuwa niskie częstotliwości), pasmowoprzepustowy (izoluje pasmo częstotliwości) i notch (usuwa pasmo częstotliwości).

Proces ten stał się popularny, ponieważ jest dość intuicyjny i może pomóc w tworzeniu szerokiej gamy dźwięków.

Synteza modułowa

Od syntezy modułowej wszystko się zaczęło. Proces ten polega na łączeniu różnych niezależnych modułów, z których każdy wykonuje określone zadanie, w celu tworzenia i manipulowania dźwiękiem.

Elementy konstrukcyjne syntezatora obejmują oscylatory, filtry, obwiednie, LFO, sekwencery i inne, a łączy się je za pomocą kabli krosowych. Obecnie syntezatory modularne są najczęściej wykorzystywane w muzyce eksperymentalnej i generatywnej, gdzie artyści mogą tworzyć złożone projekty dźwiękowe i trasy modulacji oraz tworzyć z nich muzykę.

Więcej o tym praktycznym podejściu do syntezy powiemy w następnej sekcji.

Synteza granularna

Synteza granularna dzieli dźwięk na małe segmenty o długości około 1-100 milisekund, które mogą być odtwarzane na różne sposoby - pojedynczo, warstwowo lub nakładane na siebie - w celu tworzenia nowych dźwięków.

Możesz zmieniać prędkość odtwarzania, wysokość, położenie i gęstość ziaren, aby uzyskać szeroki zakres tekstur, co może prowadzić do fantastycznych rezultatów podczas przekształcania próbek lub tworzenia ewoluujących pejzaży dźwiękowych.

Synteza falowa

Synteza Wavetable jest swego rodzaju kompromisem pomiędzy bogatą zawartością harmoniczną syntezy subtraktywnej i precyzją syntezy addytywnej.

Generuje dźwięk za pomocą serii wstępnie nagranych przebiegów przechowywanych w tabelach, z których każda zawiera wiele przebiegów, które można regulować, umożliwiając tworzenie stale ewoluujących barw.

Skanowanie wavetable z różnymi prędkościami i kierunkami może stworzyć szeroką gamę dźwięków syntezatora, od statycznych tonów po tekstury artykulacyjne.

Synteza FM

Synteza z modulacją częstotliwości generuje dźwięk poprzez modulację częstotliwości jednego kształtu fali (nośnika) za pomocą innego kształtu fali (modulatora) z częstotliwością audio.

Ta mieszanka kształtów fal wytwarza złożoną zawartość harmoniczną i nieharmoniczną, trudną do osiągnięcia za pomocą innych metod syntezy. Wytwarza również jasne i metaliczne dźwięki, dzięki czemu doskonale nadaje się do emulacji niektórych instrumentów akustycznych (zwłaszcza dętych blaszanych).

Stał się powszechnie popularny wraz z wydaniem Yamaha DX7 w 1983 roku.

Syntezatory analogowe, cyfrowe i programowe: Jak wyglądają?

Ewolucja syntezatorów od czasów wczesnych syntezatorów sprzętowych była nieustanna, do tego stopnia, że obecnie masz mnóstwo opcji do wyboru, gdy wkraczasz w świat syntezy dźwięku.

Pierwszą rzeczą do rozważenia jest rodzaj technologii, której chcesz użyć do produkcji: możesz przejść w pełni analogowo z syntezatorami modułowymi, uzyskać bardziej intuicyjny syntezator cyfrowy lub rozszerzyć swoją paletę dźwięków o bardziej przystępny cenowo syntezator wirtualny.

Przyjrzyjmy się poszczególnym technologiom.

Manipulacja analogowa (modułowa)

W ten sposób powstawały wczesne syntezatory i nadal jest to jeden z najlepszych sposobów na stworzenie unikalnej sygnatury dźwiękowej. Syntezatory modularne są dostarczane z oddzielnymi modułami, które można łączyć na nieskończenie wiele sposobów, aby stworzyć jedyny w swoim rodzaju instrument.

Każdy moduł wykonuje określone zadanie, niezależnie od tego, czy generuje oscylacje (oscylatory), kształtuje fale dźwiękowe (filtry), czy kontroluje amplitudę (wzmacniacze). Możesz stworzyć nowy dźwięk, łącząc kable między nimi, stąd termin "analogowa manipulacja".

Fakt, że można mieszać i dopasowywać komponenty, a także fizyczność związana z tworzeniem muzyki, sprawiają, że syntezatory analogowe są do dziś bardzo popularne, szczególnie wśród producentów eksperymentalnych i tych, którzy szukają ciepłego, analogowego brzmienia.

Manipulacja cyfrowa

Cyfrowe syntezatory były kolejnym krokiem w ewolucji tych instrumentów i zostały wyposażone w funkcje, które znacznie rozszerzyły ich potencjał.

Cyfrowa manipulacja jest możliwa dzięki cyfrowym procesorom i algorytmom komputerowym, które mogą generować i edytować dźwięki. W przeciwieństwie do swoich analogowych odpowiedników, syntezatory cyfrowe wykorzystują wartości liczbowe do reprezentowania fal dźwiękowych.

Kiedy stały się popularne w latach 80-tych, syntezatory cyfrowe wprowadziły nowe funkcje, takie jak polifonia i banki pamięci. Ponadto, cyfrowy interfejs syntezatora cyfrowego oferował większą kontrolę nad dźwiękami, dzięki czemu były one łatwiejsze w użyciu zarówno w studiach nagraniowych, jak i na żywo niż syntezatory modułowe.

Manipulacja oprogramowaniem (syntezatory VST)

Syntezatory VST są jednym z wielu efektów nowoczesnej cyfrowej produkcji muzycznej. Syntezatory VST działają na komputerze, zarówno jako samodzielne oprogramowanie, jak i wtyczka w programie DAW, i można nimi sterować za pomocą dedykowanego kontrolera MIDI.

Te wirtualne syntezatory mogą być emulacjami starego sprzętu lub zupełnie nowymi instrumentami muzycznymi. Są one wyposażone w te same moduły, które można znaleźć w ich fizycznych odpowiednikach.

Zalety syntezatorów programowych są liczne. Dzięki technologii MIDI (Musical Instrument Digital Interface) możesz manipulować dźwiękiem nawet po nagraniu ścieżki audio: możesz zmienić wszystkie ustawienia dźwięku, a nawet zastąpić wirtualny syntezator innym, a wszystko to bez utraty danych audio.

Syntezatory VST są zwykle dość przystępne cenowo, a nawet darmowe; to, a także fakt, że zajmują zero miejsca fizycznego, oznacza, że możesz stworzyć bibliotekę dźwięków z dziesiątkami syntezatorów do wyboru, bez końca rozszerzając swoją paletę dźwięków.

Jak korzystać z syntezatora

W następnej części przyjrzymy się działaniu syntezatorów. Wszystkie są różne, ale większość ma te same moduły, co oznacza, że mają podobne sposoby manipulowania przebiegami.

Oscylatory

Oscylatory są sercem każdego syntezatora, generując surowe fale dźwiękowe, które stanowią podstawę twoich patchy. Wytwarzają one różne kształty fal, z których każdy ma odrębny charakter dźwięku.

Najpopularniejsze kształty fali to fala sinusoidalna, fala prostokątna, fala piłokształtna i fala trójkątna.

Ogólnie rzecz biorąc, fale sinusoidalne są gładkie i czyste oraz zapewniają czyste brzmienie. Fale kwadratowe są puste i brzęczące, co sprawia, że świetnie nadają się do sekcji rytmicznych. Fale piłokształtne są jasne i bogate, więc świetnie nadają się do dźwięków smyczków i instrumentów dętych. Fale trójkątne są podobne do fal sinusoidalnych, ale zawierają nieco więcej harmonicznych, dzięki czemu są nieco jaśniejsze.

Dostosowując wysokość i rodzaj fali oscylatorów, można stworzyć podstawowe brzmienie ostatecznego dźwięku. Wiele syntezatorów umożliwia jednoczesne korzystanie z wielu oscylatorów, nieznacznie je od siebie odstrajając w celu uzyskania bogatszego brzmienia.

LFO

Oscylatory o niskiej częstotliwości (LFO) są używane do modulowania innych parametrów w syntezatorze, dodając ruch i złożoność do dźwięków. W przeciwieństwie do zwykłych oscylatorów, które działają w zakresie słyszalnym, LFO oscylują na znacznie niższych częstotliwościach, zwykle poniżej 20 Hz.

Sprawia to, że ich efekty są bardziej odczuwalne jako zmiany w modulacji niż jako ton. Oscylator niskiej częstotliwości może modulować różne parametry, takie jak wysokość (vibrato), amplituda (tremolo), odcięcie filtra (efekty wah-wah), a nawet inne LFO w celu uzyskania bardziej złożonych wzorów modulacji. Dostosowując kształt fali, szybkość i głębokość oscylatora niskiej częstotliwości, można tworzyć wszystko, od subtelnych efektów vibrato po rytmiczne modulacje.

Obwiednie ADSR

Obwiednie ADSR (Attack, Decay, Sustain i Release) definiują sposób, w jaki dźwięk syntezatora zmienia się w czasie od momentu naciśnięcia klawisza do jego zwolnienia. Każdy etap obwiedni wpływa na inny aspekt dźwięku:

• Atak: Czas potrzebny, aby dźwięk osiągnął maksymalny poziom po naciśnięciu klawisza. Krótki atak oznacza natychmiastowy dźwięk, podczas gdy długi atak powoduje stopniowe zanikanie.
• Zanik: Czas potrzebny, aby dźwięk spadł z maksymalnego poziomu do poziomu podtrzymania po początkowym ataku.
• Podtrzymanie: Poziom, na którym dźwięk utrzymuje się po naciśnięciu przycisku.
• Zwolnienie: Czas wygaszania dźwięku po zwolnieniu przycisku.

Filtry

Filtry kształtują zawartość harmoniczną dźwięku poprzez tłumienie określonych częstotliwości. Najpopularniejszym typem jest filtr dolnoprzepustowy, który przepuszcza częstotliwości poniżej określonego punktu odcięcia, jednocześnie zmniejszając amplitudę częstotliwości powyżej tego punktu.

Może to sprawić, że dźwięk będzie ciemniejszy lub bardziej wyciszony. Filtry górnoprzepustowe działają odwrotnie, usuwając niskie częstotliwości i przepuszczając wyższe, co może sprawić, że dźwięk będzie cieńszy lub bardziej tnący. Filtry pasmowo-przepustowe przepuszczają częstotliwości w określonym zakresie, co jest przydatne do tworzenia rezonansowych, skupionych dźwięków.

Filtry często mają kontrolę rezonansu, która wzmacnia częstotliwości wokół punktu odcięcia, dodając charakterystyczny szczyt, który może stworzyć bardziej wyraźny, szeleszczący dźwięk. Automatyzując parametry odcięcia i rezonansu filtra, można uzyskać dynamiczne i ewoluujące barwy.

Zastosuj to wszystko w praktyce: Jak tworzyć muzykę za pomocą syntezatorów

Po całej tej teorii jesteś prawdopodobnie tak przytłoczony, że sam pomysł dotknięcia syntezatora może wydawać ci się odpychający. Jeśli tak jest, nie martw się: to dużo do przyswojenia. Ostatnia sekcja tego artykułu zagłębia się więc w praktyczną stronę, mając nadzieję, że doradzi ci, jak stworzyć swoje pierwsze dźwięki i melodie za pomocą syntezatora.

Ponownie, proces ten zmienia się drastycznie w zależności od tego, czy używasz syntezatora modularnego, cyfrowego czy wirtualnego, więc potraktuj te sugestie jedynie jako sposób na rozpoczęcie przygody ze światem syntezy. Tworzenie nowych dźwięków syntezatora wymaga dogłębnego zrozumienia wybranego instrumentu, więc gdy już go wybierzesz, upewnij się, że przeprowadziłeś badania i ćwiczysz bezustannie.

Wybór odpowiedniego syntezatora

Jak wybrać syntezator, biorąc pod uwagę mnogość dostępnych obecnie syntezatorów sprzętowych i programowych? Biorąc pod uwagę takie czynniki jak: budżet, ulubione gatunki muzyczne, przestrzeń dostępną w domu/studiu nagraniowym i stopień zaawansowania technicznego.

Podsumowując, istnieją dwie główne ścieżki: syntezatory sprzętowe lub wirtualne, a obie opcje mają zalety i wady.

Syntezatory analogowe i cyfrowe oferują bardziej praktyczne podejście do projektowania dźwięku, lepiej wyglądają na scenie i brzmią ponadczasowo. Z drugiej strony, są trudniejsze do nagrywania w domu (wysoki poziom szumów, trudności z utrzymaniem właściwego tempa bez kwantyzacji itp.), a także są delikatne i drogie.

Wtyczki VST są tańsze i łatwiejsze w użyciu. Możesz mieć ich tyle, ile chcesz, ponieważ nie zajmują fizycznego miejsca i możesz kontrolować je wszystkie za pomocą klawiatury MIDI. Wadą jest to, że proces twórczy może wydawać się zimniejszy i bardziej w rękach oprogramowania niż w twoich.

Jeśli dopiero zaczynasz swoją przygodę z syntezatorami, sugeruję najpierw zapoznać się z syntezatorami wirtualnymi, chyba że możesz zdobyć świetny syntezator analogowy bez wydawania fortuny. Wtyczki VST mogą pomóc ci stworzyć własną sygnaturę dźwiękową, zrozumieć, czego potrzebujesz od syntezatora i przygotować cię w końcu na analogową aktualizację, gdy tylko będziesz gotowy.

Zapoznanie się z interfejsem

Po wybraniu syntezatora nadszedł czas, aby dowiedzieć się o nim wszystkiego. Mam na myśli wszystko.

Potencjał większości syntezatorów jest niewiarygodny, a najlepsi producenci to ci, którzy potrafią w pełni wykorzystać swój instrument, niezależnie od tego, jaki on jest.

Powyższe zdjęcie przedstawia instrukcję obsługi mojego syntezatora PG-200. Przeszedłem przez instrukcję w ciągu dwóch tygodni, kiedy po raz pierwszy otrzymałem syntezator i nadal regularnie ją sprawdzam. Nie musisz być tak oldschoolowy jak ja: na YouTube dostępne są samouczki dla praktycznie wszystkich syntezatorów analogowych i VST.

Niezależnie od wybranej metody, nie spiesz się z opanowaniem nowego instrumentu muzycznego. Ma on moc przeniesienia produkcji muzycznej na zupełnie nowy poziom, o ile poznasz wszystkie jego tajniki.

Ustawienia wstępne i szablony

Wiele cyfrowych i wirtualnych syntezatorów posiada szeroką gamę ustawień wstępnych i szablonów, które mogą być niezwykle przydatne, zwłaszcza jeśli dopiero zaczynasz.

Te ustawienia wstępne i szablony to dźwięki już zaprojektowane i gotowe do użycia, które stanowią wprowadzenie do nowego syntezatora, a także pomagają znaleźć inspirację do tworzenia kompozycji. Zwłaszcza w przypadku VST, jeśli zajrzysz do biblioteki ustawień wstępnych, możesz odkryć dziesiątki brzmień i tekstur, które możesz wykorzystać i dostosować do własnych upodobań.

W większości programów DAW szablony oferują wstępnie skonfigurowane ustawienia dostosowane do określonych gatunków lub stylów muzycznych, co pozwala zaoszczędzić mnóstwo czasu i stresu podczas tworzenia nowego utworu.

Zalecam korzystanie z gotowych ustawień i szablonów, aby rozpocząć i poznać swój instrument. Gdy poczujesz się gotowy, zacznij w pełni wykorzystywać opcje dostosowywania instrumentów, aby stworzyć sygnaturę dźwiękową, która jest unikalna dla Ciebie, a nie starannie stworzona, aby zaspokoić potrzeby wszystkich.

Unikalność dzięki efektom

Szybko zdasz sobie sprawę, że dźwięki generowane przez syntezatory są zwykle zimne i sztuczne w porównaniu do instrumentów akustycznych. Świetni producenci muzyczni to ci, którzy potrafią płynnie łączyć analogowe i wirtualne za pomocą projektowania efektów, aby scena dźwiękowa była spójna i przyjemna.

Podczas tworzenia dźwięku można zastosować różne efekty, takie jak pogłos, opóźnienie i chorus, aby dodać głębi, ruchu i cech przestrzennych do swoich dźwięków.

Baw się różnymi ustawieniami i parametrami, aby tworzyć unikalne efekty i poprawiać charakterystykę swojego syntezatora. Oprócz wbudowanych efektów, możesz także korzystać z zewnętrznych procesorów efektów i wtyczek, aby dalej kształtować i manipulować dźwiękami syntezatora.

Przekonasz się, że może to zapewnić nieskończony zakres kreatywnych możliwości i pozwolić na stworzenie naprawdę oryginalnych tekstur dźwiękowych.

Potęga MIDI

Jeśli korzystasz z wirtualnego syntezatora, mapowanie MIDI i sekwencjonowanie to sposób sterowania instrumentem, więc musisz upewnić się, że wszystkie klawisze i pokrętła są prawidłowo zmapowane, a opóźnienie jest tak niskie, jak to tylko możliwe. Nawet jeśli korzystasz z syntezatora analogowego lub cyfrowego, sekwencjonowanie MIDI może się przydać. Za jego pomocą można kontrolować ewolucję efektów w czasie, co dodatkowo poszerza paletę brzmień.

Podsumowując, MIDI może dać ci więcej dźwięków i efektów do pracy, oferując więcej sposobów na kreatywne wykorzystanie nowego instrumentu, a także znacznie upraszczając przepływ pracy.

Dźwięki warstw

Stworzenie imponującego krajobrazu dźwiękowego nie jest trywialnym zadaniem, podobnie jak stworzenie chwytliwej melodii syntezatora, która nie brzmi jak tuzin innych. Podczas komponowania za pomocą syntezatora, wielowarstwowość może pomóc w tworzeniu bogatszych utworów i dźwięków, które nie brzmią jak nic innego.

Podczas pracy z DAW i wtyczką VST, nakładanie warstw dźwięków jest jak zupa z kaczki. Wiele cyfrowych syntezatorów oferuje opcję nadpisywania melodii i dodawania warstw dźwięków. Alternatywnie, prosty pedał loopera może znacznie przyspieszyć i usprawnić proces komponowania.

Ucz się od innych

Pokolenia pionierów elektroniki były przed tobą, więc dlaczego nie uczyć się (i kopiować) od nich, o ile wykorzystujesz tę wiedzę do tworzenia własnego brzmienia?

Syntezatory oferują nieskończoną paletę dźwięków i tekstur. Możesz tworzyć wszystko, od przepastnych linii basowych EDM po rozmarzone ambientowe pady, retro synthwave z nostalgicznymi arpeggiami przypominającymi przesiąknięte neonami krajobrazy z lat 80. lub kinowe pejzaże dźwiękowe, w których możliwości dźwiękowe są ograniczone tylko twoją wyobraźnią. Krótko mówiąc: zobacz, jak inni używali twojego syntezatora i wykorzystaj ich pracę jako podstawę swojego brzmienia.

Kolejną wskazówką jest sprawdzenie, jak tworzyć określone dźwięki, które sprawią, że utwór będzie brzmiał "zgodnie" z gatunkiem, nad którym pracujesz.

Starasz się uzyskać wyraźne wzloty i upadki EDM lub stworzyć urzekające ambientowe pejzaże dźwiękowe do medytacji i łagodzenia stresu? Istnieją niezliczone samouczki online, które zapewniają przewodniki krok po kroku i porady ekspertów, aby stworzyć coś, co będzie rezonować z publicznością. Nie tylko to: pozwoli ci to również tworzyć najlepszą możliwą muzykę, nawet jeśli wychodzisz poza swój preferowany gatunek.

Wreszcie, nigdy nie lekceważ znaczenia społeczności.

Udostępnianie swoich najnowszych utworów na Soundcloud lub TikTok, dołączanie do forów i społeczności internetowych lub zanurzanie się w warsztatach i seminariach dotyczących produkcji muzyki: każdy z tych procesów zachęca do angażowania się w podobnie myślących artystów i dzielenia się swoim kunsztem z ludźmi, którzy mogą być w stanie udzielić ci cennych informacji zwrotnych. Ponadto, środowiska współpracy mogą inspirować i pielęgnować kreatywność, więc gorąco polecam dołączenie do innych, którzy odkrywają głębię i piękno syntezy muzyki.

Nigdy się nie poddawaj

Ogólnie rzecz biorąc, instrumenty akustyczne wydają się bardziej "przystępne". Uderzasz akord lub naciskasz klawisz i w przybliżeniu wiesz, jaki dźwięk wydobędzie się z twojego instrumentu. Z drugiej strony, świat syntezy muzyki jest wypełniony nieprzewidywalnością i przypadkowymi, nieoczekiwanymi dźwiękami. Podczas gdy dla wielu jest to ekscytująca cecha oferowana przez te instrumenty elektroniczne, inni muzycy uważają, że ten niepewny czynnik sprawia, że komponowanie staje się bardziej problematyczne lub nagrywanie bardziej kłopotliwe.

Syntezatory nie są łatwe do opanowania. Wymagają poświęcenia i ciekawości, która wykracza poza miłość do muzyki: musisz także znać się na technologii i być gotowym zagłębić się w naukę stojącą za projektowaniem dźwięku, aby w pełni wykorzystać swój sprzęt.

To powiedziawszy, dodanie syntezatora do przepływu pracy muzycznej może zwiększyć głębię, różnorodność i piękno muzyki w przeciwieństwie do jakiegokolwiek innego instrumentu, ponieważ możesz kształtować i dostosowywać jego dźwięk na niezliczone sposoby, aby dopasować go do swoich kompozycji.

Mogą mieć bardziej stromą krzywą uczenia się niż większość instrumentów, ale syntezatory są przyjemne do grania, piękne do odkrywania we wszystkich ich funkcjach i oferują ogromną paletę dźwięków, aby podnieść jakość twoich utworów. Więc, nie poddawaj się!

Przemyślenia końcowe

I to wszystko, co wiem o syntezatorach! Mam nadzieję, że ten przewodnik pomoże ci zrobić pierwszy krok w fascynującym świecie syntezy. Jak widać, opanowanie syntezatora może podnieść twoje umiejętności produkcji muzyki i dodać jej wyjątkowego charakteru.

Niezależnie od tego, czy wybierzesz syntezator modułowy, cyfrowy czy VST, upewnij się, że zainwestujesz czas niezbędny do zbadania potencjału swojego instrumentu muzycznego. Ucz się od innych korzystających z tego samego syntezatora, ale także spróbuj znaleźć sygnaturę dźwiękową, która wyróżni Twoje utwory.

Powodzenia i bądź kreatywny!