Techno to swego rodzaju termin parasolowy, którego często używamy do opisania szerokiego zakresu muzyki elektronicznej. Tworzenie przewodnika "jak tworzyć techno" nie miałoby sensu, ponieważ istnieje niemal nieskończona liczba gatunków, podgatunków i dźwięków do wyboru.

Nie oznacza to jednak, że nie możemy przyjrzeć się niektórym podstawowym zasadom, które występują w prawie każdej formie muzyki techno. Tak więc, bez dalszych ceregieli, zanurzmy się i poznajmy podstawy, abyś mógł zacząć produkować muzykę techno w domu.

Czym jest muzyka techno?

Muzyka techno ma dość bogatą historię, choć większość współczesnych miłośników tego gatunku kojarzy go z producentami takimi jak Adam Beyer czy Maceo Plex. Jednakże, kiedy muzyka ta zapuściła swoje korzenie w Detroit w latach 80-tych, duży wpływ na nią miały dźwięki takich grup jak Kraftwerk.

Producenci używali automatów perkusyjnych, sekwencerów i syntezowanych dźwięków w czasie rzeczywistym do tworzenia własnych utworów techno.

Mając to na uwadze, uważam, że sensowne jest przyjęcie tego samego podejścia do nowoczesnego procesu produkcji w celu stworzenia samouczka krok po kroku.

1. Zbierz próbki perkusyjne

Pierwszą rzeczą, od której będziemy chcieli zacząć w naszym utworze, jest bęben basowy 909, ponieważ automat perkusyjny 909 odegrał znaczącą rolę w początkach muzyki techno. W rzeczywistości Juan Atkins, jeden z pierwszych pionierów muzyki techno, otrzymał swój pierwszy automat perkusyjny 909 od legendarnego chicagowskiego DJ-a Frankiego Knucklesa.

Chociaż można użyć werbla 909, aby uzyskać bardziej klasyczne brzmienie techno, w tym przypadku zdecydowałem się na werbel 808. Użyłem również zamkniętego hi-hatu, niskiego i średniego tomu z paczki sampli 808.

Jeśli chodzi o tworzenie podstawowego rytmu techno, jest to prawie wszystko, czego potrzebujesz.

Ableton Live ma mnóstwo świetnych sampli startowych, z którymi możesz pracować, ale jeśli chcesz zrobić krok naprzód, polecam pobranie czegoś takiego jak Native Instruments Battery 4 lub zainwestowanie w subskrypcję Splice.

2. Tworzenie pierwszego rowka

Jednym z największych nieporozumień związanych z muzyką techno jest to, że wszystkie cztery bębny znajdują się na podłodze. Istnieje jednak wiele utworów techno, które opierają się bardziej na breakach i eksperymentalnych groove'ach niż na standardowym rozmieszczeniu kick drumów.

Bardziej preferuję breakbeatowy styl muzyki techno i z tego powodu chcę bardziej oprzeć się na tym groove.

Teraz, podczas gdy większość producentów lubi zaczynać od umieszczenia bębna basowego jako pierwszego, ja często lubię zacząć od puszczenia metronomu w okolicach 125-140 uderzeń na minutę i zagrania groove'u z czymś takim jak tomy (które umieściłem w moim racku na początku), aby uzyskać groove, wokół którego mogę budować.

Takie podejście ma dwa cele:

1. Pomaga humanizować ścieżkę techno, utrzymując wszystko nieco poza siecią
2. Nadaje to twojemu groove'owi perkusyjnemu unikalny charakter.

Myślę, że najlepszym podejściem jest improwizowanie z metronomem i zobaczenie, co wymyślisz. Oto groove, który wymyśliłem poniżej:

Jeśli twój groove jest zbyt nietypowy, zawsze możesz przeprowadzić kwantyzację w programie DAW.

Groove techno nie powinien być przytłaczająco swobodny. Aspekt robotyczny jest częścią brzmienia, więc jeśli kwantyzacja aż do siatki faktycznie działa na twoje brzmienie, zrób to.

3. Dodawanie Hi-Hat

Teraz, gdy masz już podstawowy groove i czujesz się dobrze, możesz użyć go jako głównego odniesienia dla reszty elementów perkusyjnych.

Jednym z największych błędów popełnianych przez wielu nowych producentów techno jest posiadanie wielu elementów, które robią swoje własne rzeczy. W rzeczywistości każdy element perkusyjny powinien wnosić swój wkład i współpracować z innymi elementami perkusyjnymi, aby ostatecznie stworzyć pojedynczy groove.

Powiedziawszy to, przejdźmy do hi-hatu, używając tego samego podejścia, co w przypadku tomów.

Podczas gry na tomach zagrałem rytm hi-hatu, który wydawał mi się odpowiedni, a następnie skwantowałem go, aby nadrobić moje słabe umiejętności gry na bębnach palcami.

Jedną rzeczą, którą możesz zauważyć, jest to, że jeśli spojrzysz na groove MIDI zarówno tomów, jak i kapelusza obok siebie, zobaczysz, że niektóre z głównych punktów nacisku pasują do siebie, co miałem na myśli wcześniej, mając na myśli, że oba elementy grają od siebie nawzajem.

Używam tutaj również synkopy, wrzucając kilka momentów offbeatu między tomami, aby groove tańczył.

4. Dodawanie kopnięcia

Przyjmiemy to samo podejście do bębna basowego, grając na tomach i hi-hacie, nagrywając i wyczuwając unikalny rytm. W tym momencie usunąłem również niektóre uderzenia tomów, ponieważ zaczynało być tłoczno.

Oto, na czym skończyłem:

Uwaga dodatkowa: Za każdym razem, gdy piszę groove do muzyki elektronicznej, niezależnie od tego, czy jest to utwór techno, utwór house, utwór hip-hopowy itp. W ten sposób mogę uzyskać pętlę, która brzmi w większości jednolicie przez cały czas z kilkoma niewielkimi zmianami, które często kończą się pod koniec drugiego i czwartego taktu.

5. Dodawanie pogłosu do kopnięcia

Choć może się to wydawać sprzeczne z intuicją, wiele stylów muzyki techno wykorzystuje pogłos na bębnie basowym. Nie warto jednak zanurzać bębna w pogłosie, choć nadanie mu nieco przestrzeni jest doskonałym sposobem na wypełnienie pola stereo i dodanie odrobiny ogona na końcu.

Jeśli stawiasz na oldschoolowy styl techno, możesz także ustawić pogłos w trybie mono, tak aby był na samym środku.

Aby to zrobić, utworzymy ścieżkę wysyłania z wybraną wtyczką pogłosu, dzięki czemu można przetwarzać pogłos równolegle.

W przypadku tego pogłosu zależy nam na stosunkowo niskim czasie wybrzmiewania. Długi czas zaniku, zwłaszcza w przypadku elementu groove, może zacząć zacierać linie rytmiczne między uderzeniami. Nasze mózgi mają interesujący sposób interpretowania długości każdego uderzenia jako czasu potrzebnego, aby ogon pogłosu osiągnął zero.

Często lubię używać najkrótszego możliwego ogona, aby prawie poczuć się, jakby kopnięcie było w małym pomieszczeniu.

Następnie użyję wtyczki EQ po moim pogłosie, aby pozbyć się niektórych wysokich tonów za pomocą filtra dolnoprzepustowego. Efektem końcowym powinno być głębokie, ciemne, industrialne brzmienie.

Piękno naszego pogłosu jako send polega na tym, że możemy go cofnąć i powoli miksować, aby był zawsze subtelnie za naszym suchym kopnięciem. Kiedy słuchasz w kontekście reszty bębnów, pogłos nie powinien być oczywisty. Chcemy tylko, aby był wystarczająco głośny, aby wypełnić martwą przestrzeń między uderzeniami kopa i tomów.

WSKAZÓWKA PRO: Jeśli chcesz uzyskać fantazyjny efekt wysyłania pogłosu, możesz umieścić po nim wtyczkę nasycenia, taką jak FabFilter Saturn, aby nadać mu nieco więcej ziarnistości i charakteru.

5. Dodawanie werbla

Teraz przyjmiemy podejście "wybierz własną przygodę" dla werbla.

Możesz narysować go w naszej grze, tak jak zrobiliśmy to z powyższymi elementami perkusji.

Jednak powodem, dla którego zdecyduję się go przyciągnąć, jest to, że chcę, aby mój werbel był moim elementem kotwicy. Reszta groove'u nie jest tak konwencjonalna, jak można by się spodziewać po nowoczesnej muzyce techno, ale zamiast tego, że nasz kick mówi "tutaj ląduje beat", werbel przejmie tę rolę.

Zacznijmy od narysowania werbla na szesnastkach.

Stamtąd możemy dostosować prędkość niektórych uderzeń werbla, w których nasze kapelusze są podkreślone, aby stworzyć małą kieszeń, z której mogą wystawać, co tworzy wyjątkowy groove.

Następnie powielę to na cztery paski (jak wspomniałem wcześniej) i stworzę trochę różnorodności z kilkoma rolkami i tym podobnymi:

Powinienem również wspomnieć, że jednym z najważniejszych elementów tworzenia muzyki techno jest rzucanie podkręconych piłek. Im więcej i więcej razy powielasz czterotaktowy groove, taki jak na przykład ten powyżej, tym więcej zmian powinieneś wprowadzać, aby słuchacz myślał, że wie, czego się spodziewać, chociaż za każdym razem jest to coś zupełnie niezwykłego.

Nieprzewidywalność i losowość to dwie główne rzeczy, które humanizują muzykę techno, więc wdrożenie jak największej ilości tych dwóch elementów jest kluczowe.

6. Get Stabby

W tym momencie groove perkusyjny powinien brzmieć całkiem solidnie, więc teraz dodamy element melodyczny.

Dzisiaj mam ochotę na akord syntezatora. W tym przypadku użyję Serum, choć możesz użyć dowolnego VST.

Więc jaki akord gramy?

Cóż, większość słynnych utworów techno, które znasz, jest zbudowana na akordach molowych lub molowych 7, które są zwykłymi molowymi trójdźwiękami z dodanym siódmym stopniem. Jeśli nie jesteś pewien, o czym mówię, możesz sprawdzić naszą sekcję teorii muzyki na naszym blogu eMastered.

Zacznę od wybrania stosunkowo miękkiego dźwięku akordu z odrobiną pogłosu bezpośrednio na kanale, aby otworzyć go w polu stereo. Następnie, podczas odtwarzania pętli perkusyjnej, układam rytmiczną pętlę akordową, używając akordu f-moll7.

Stamtąd dokonam kwantyzacji i wszelkich niezbędnych edycji rzeczywistego dźwięku akordu podczas jego odtwarzania. Chcemy, aby ADSR był krótki przez cały czas.

WSKAZÓWKA PRO: Dodaj LFO do uderzenia akordu, ale nie synchronizuj go z rytmem. W ten sposób wykorzystasz losowość, na którą wielu producentów techno lubi sobie pozwalać podczas produkcji muzyki techno.

7. Utwórz linię basu

Sposób, w jaki podchodzisz do linii basu w swoich utworach techno, zależy od ciebie, chociaż zazwyczaj lubię opierać ją na tym, co dzieje się z melodią. Ponieważ używam akordu stab synth, uzupełniam go toczącym się subem.

Jeśli jednak używasz czegoś w rodzaju pada lub drona dla syntezatora, możesz zdecydować się na bardziej rytmiczny i melodyjny bas. Oczywiście wszystko zależy od podgatunku, do którego dążysz.

W przypadku tej linii basu zdecydowałem się na oldschoolową emulację Mooga od Arturii, która ma cały smak lub słynny monofoniczny syntezator basowy. Jest to jeden z moich ulubionych VST, gdy chcę uzyskać ciepłe, mocne brzmienie basu.

Wybrałem ładny, głęboki subwoofer bez dużej zawartości harmonicznych w średnich tonach, aby nie przeszkadzał syntezatorowi. Podczas gdy można narysować nuty basowe na rolce pianina, uważam, że bardziej ekscytujące jest odtwarzanie ich za pomocą klawiatury MIDI i kwantyzacja z tego miejsca.

8. Dodawanie efektów specjalnych i dodatkowych warstw

Najważniejsze części twojego utworu techno są gotowe, choć możesz mieć wrażenie, że brzmi on nieco skąpo. W tym miejscu przydaje się dodanie kilku dodatkowych efektów i warstw. Z różnymi warstwami tu i tam, masz mnóstwo elementów do manipulowania i zabawy, co może dodać zainteresowania do twojego utworu.

Rozważ dodanie kilku pojedynczych elementów melodycznych, kilku wzlotów i upadków lub kilku dodatkowych pętli perkusyjnych. Na tym etapie możesz również wykazać się kreatywnością w projektowaniu dźwięku i tworzyć własne efekty FX. Posłuchaj swoich ulubionych beatów techno i zobacz, jakie dodatkowe warstwy są w grze.

Choć istnieją tu nieskończone możliwości, najważniejszą rzeczą, o której należy pamiętać, jest to, że warstwy te powinny wspierać główne elementy, a nie je przytłaczać.

9. Ułóż ścieżkę

Gdy masz już pętlę, z której jesteś zadowolony, możesz zacząć aranżować swój utwór techno tak, aby był dłuższy niż 16 taktów.

Istnieje nieskończenie wiele podejść do aranżacji, ale to, które często stosuję w muzyce techno, to traktowanie utworu tak, jakbym używał sprzętowego automatu perkusyjnego.

Zacznij od jednego elementu, na przykład tomów, które położyliśmy jako pierwsze. Po kilku taktach dodaj hi-hat, potem kick, a następnie werbel. A może w ogóle zrezygnować z rozpoczęcia od bębnów i dać słuchaczom staby na początek.

Najważniejsze jest stworzenie narracji. Nie chcesz, aby wszystkie warstwy grały przez cały czas.

Uważam, że pomocne jest słuchanie referencji i zobaczenie, jak inni producenci techno aranżują swoje utwory. Chociaż większość elektronicznej muzyki tanecznej nie ma tradycyjnej struktury utworu, nadal możemy myśleć o naszej aranżacji jako o oddzielnych sekcjach (tj. intro, narastanie, hook, interludium itp.).

W tej aranżacji zdecydowałem się zacząć od połączenia tomów i hi-hatu. W ciągu pierwszych 16 taktów powoli wprowadziłem kilka innych elementów, aby stworzyć poczucie, że buduję większą sekcję środkową lub chóralną.

Środkowa lub chóralna sekcja, która w tym przypadku ma 16 taktów, jest największą częścią utworu. Tutaj dodałem wszystkie główne elementy, aby ta część utworu miała najwięcej energii. Możesz poczekać z dodaniem basu do tej sekcji, aby poczuć, że niskie tony ożywają lub wstrzymać się z dodaniem kopa w pierwszych 16 taktach.

Stamtąd możemy dodać 16-taktową sekcję podziału, w której słuchacze mogą odetchnąć po wysokoenergetycznej części środkowej.

W tej części utworu możemy usunąć elementy perkusyjne i zachować elementy melodyczne, takie jak nasze staby syntezatorowe lub pompujący pad syntezatorowy. Ta sekcja powinna kontrastować z napędzającą sekcją środkową.

Gdybym tworzył pełną produkcję techno, prawdopodobnie wydłużyłbym te sekcje.

10. Dodaj automatyzację

Jedną z najważniejszych części produkcji muzyki techno (i ogólnie elektronicznej muzyki tanecznej) jest automatyzacja. Jest to sposób, w jaki producenci biorą utwór z kilkoma elementami i utrzymują go interesującym przez pięć lub więcej minut.

Do tego procesu warto mieć klawiaturę MIDI lub kontroler podłączony do cyfrowej stacji roboczej audio. W ten sposób można mapować pokrętła do parametrów w samplerach lub VST i automatyzować zmiany w czasie.

Na przykład, możesz zmapować pokrętło do zwolnienia próbki hi-hatu, nacisnąć play i dostosować zwolnienie w trakcie utworu, tak aby ogon hi-hatu otwierał się, gdy zbliża się do środkowej sekcji. Możesz także zmapować pokrętło do filtra na stabach akordów syntezatora i wyłączyć wysokie tony podczas cichszych sekcji.

Nie bądź zbyt religijny, jeśli chodzi o podejście do automatyzacji. Przypadkowość jest mile widziana. Czasami fajnie jest po prostu zmapować określone pokrętła na klawiaturze MIDI do losowych parametrów na moim syntezatorze i nagrać automatyzację, po prostu ją wyczuwając.

Ważną rzeczą jest to, że poświęcasz na to czas, ponieważ zrobi to różnicę, aby Twój utwór brzmiał profesjonalnie.

11. Miksowanie ścieżki

Miksowanie muzyki techno to zupełnie inna bestia niż miksowanie, powiedzmy, utworu indie rockowego. Istnieją pewne elementy, które muszą wyróżniać się bardziej niż inne, a ogólne oczekiwania słuchaczy wobec utworu będą inne.

Na przykład, większość słuchaczy techno oczekuje, że perkusja będzie odgrywać pierwszoplanową rolę, a wszystkie inne elementy będą unosić się w tle. Oczekują również czystego, ciasnego, niskiego basu. Ponieważ nie jest to samouczek dotyczący miksowania techno, nie chcę zbytnio zagłębiać się w ten temat. Istnieje jednak kilka podstawowych podejść, które można zastosować, aby uzyskać przyzwoity miks:

• Odnoszenie się do innych utworów: Nieustannie porównuj swój miks z innymi profesjonalnie zmiksowanymi utworami techno, aby upewnić się, że balans jest odpowiedni. Jest to najlepszy sposób, aby dowiedzieć się, czy elementy w miksie są zbyt miękkie, zbyt głośne, zbyt dudniące, zbyt cienkie, zbyt dynamiczne itp.
• Dostrój dźwięki: Sprawdź, czy dźwięki nie kolidują ze sobą ze względu na sposób strojenia elementów miksu. Na przykład, jeśli masz kopnięcie dostrojone do 60 Hz przy fundamentalnym, a tomy dostrojone do 110 Hz fundamentalnego, możesz rozważyć dostrojenie ich nieco wyżej do 120 Hz, tak aby były o oktawę powyżej kopnięcia. W niektórych przypadkach może to sprawić, że utwór będzie bardziej spójny.
• Zapewnij instrumentom ich własną przestrzeń: Każdy element w miksie powinien mieć swoją własną przestrzeń w spektrum częstotliwości. Na przykład, możesz dodać filtr górnoprzepustowy do elementów melodycznych, aby usunąć je z drogi kopnięcia, lub odłożyć niektóre wyższe częstotliwości za pomocą filtra dolnoprzepustowego na basie, aby usunąć je z drogi elementów melodycznych.

Rozpocznij tworzenie muzyki techno

Miejmy nadzieję, że do tej pory opanowałeś już podstawy tworzenia muzyki techno.

Powtórzę jeszcze raz - istnieje nieskończona liczba podejść, które można przyjąć, a najlepszym sposobem na pójście naprzód jest eksperymentowanie z moim podejściem powyżej, a następnie znalezienie utworów, które ci się podobają i spróbowanie ich odtworzenia. Dzięki temu procesowi nauczysz się wielu technik i staniesz się lepszym analitycznym słuchaczem, co jest kluczową umiejętnością dla każdego świetnego producenta.

Miłej zabawy!