Miksowanie muzyki jazzowej stanowi wyjątkowe wyzwanie, przenosząc nas z powrotem do korzeni jednego z najtrwalszych gatunków w historii muzyki. W przeciwieństwie do wielu współczesnych stylów, które nieustannie ewoluują wraz z postępem technologicznym, jazz wyjątkowo zachował swoje autentyczne brzmienie przez ostatnie dziesięciolecia.

Prawdziwy znak wykwalifikowanego inżyniera przejawia się w jego podejściu do miksowania nagrań jazzowych, gdzie esencja występu na żywo panuje swobodnie, a subtelna dynamika musi zostać zachowana, a nie wymyślona na nowo. Jeśli jesteś kimś, kto jest przyzwyczajony do miksowania popu, rocka, hip-hopu lub muzyki elektronicznej, może być trudno odejść od tego, co obecnie rozumiesz jako inżynier miksu.

Miksowanie jazzu wymaga bardziej zniuansowanego podejścia, od uchwycenia spontanicznej interakcji między instrumentami po poszanowanie przestrzeni akustycznej, która definiuje jego brzmienie. Dzisiaj poznamy 13 sprawdzonych wskazówek i technik miksowania jazzu i dowiemy się, jak przyjęcie tych unikalnych podejść może uczynić cię lepszym inżynierem dźwięku!

1. Zachowaj naturalność

Muzyka jazzowa od dawna jest głęboko zakorzeniona w klubach i na scenie speakeasy. Nawet do dziś niesie ze sobą esencję naturalnych przestrzeni akustycznych, w których po raz pierwszy rozbrzmiała.

Ten związek z otoczeniem jest nie tylko historyczny, ale stanowi istotny aspekt brzmienia i atrakcyjności gatunku. Żywe, spontaniczne i interaktywne występy, które są typowe dla jazzu, rozwijają się w tych akustycznych ustawieniach! Chcemy usłyszeć niuanse pogłosu pomieszczenia i interakcji między muzykami w zespole, nawet jeśli nie jest to technicznie "idealne".

Zgodnie z tradycją, większość instrumentów jazzowych jest odtwarzana w czystej, niewzmocnionej formie, niezależnie od tego, czy jest to kontrabas, saksofon czy fortepian. Wyzwaniem dla inżyniera miksu pracującego z jazzem jest zachowanie tej naturalnej autentyczności. Jeśli jesteś odpowiedzialny za sesję nagraniową, oznacza to również staranne rozważenie rozmieszczenia mikrofonów w pomieszczeniu.

O ile artysta nie każe ci eksperymentować, twoim głównym celem powinno być odtworzenie wrażenia przebywania w pokoju z muzykami.

2. Spokojnie z kompresją

Emocje w jazzie tkwią w dynamice, więc delikatność w kompresji jest kluczowa.

Nieodłączny zakres dynamiki jazzu - od najdelikatniejszego uderzenia pędzla w werbel do pełnego wybuchu bombastycznej sekcji dętej - opowiada historię. Napięcie i uwolnienie jest wszystkim, dlatego jednym z największych błędów popełnianych przez inżynierów miksu jest nadmierna kompresja.

Ostatnią rzeczą, jaką chcesz zrobić, jest pozbawienie muzyki jej życiodajnej krwi i wyrwanie z niej przypływu i odpływu.

Używając kompresji w jazzie, należy mieć jasny i wyraźny cel. Na przykład, możesz użyć kompresora na kontrabasie, aby wyrównać poziomy między nutami pizzicato i pasażami smyczkowymi, tak aby oba były dobrze osadzone w miksie.

W przypadku fortepianu, kompresja może być zastosowana w celu delikatnego okiełznania szczytów bardziej agresywnych pasaży staccato, przy jednoczesnym zachowaniu ekspresyjnych zmian głośności łagodniejszych, bardziej lirycznych sekcji.

3. Użyj nasycenia taśmy

Niektóre z najlepszych płyt jazzowych zostały nagrane na taśmę, więc niezależnie od tego, czy o tym wiesz, czy nie, dźwięk i nasycenie, które z niej uzyskujesz, to coś, do czego jesteś przyzwyczajony.

Nasycenie taśmowe jest jednym z moich ulubionych rodzajów nasycenia w miksie, zwłaszcza gdy chcesz uzyskać ciepło, charakter i spójność. Nawet przy subtelnym stosowaniu, może być ono dość efektowne. Oprócz harmonicznych, które uzyskuje się dzięki nasyceniu, uzyskuje się również lekką kompresję, której często brakuje w nagraniach cyfrowych.

Używając nasycenia taśmy na masterze, należy podejść do tego z lekką ręką. Celem jest nadanie całemu miksowi spójnego ciepła i pełni bez uszczerbku dla jego klarowności i zakresu dynamiki. Niektórzy mogą to nazwać "klejem".

Niektóre z moich ulubionych wtyczek nasycenia taśmy obejmują Universal Audio Ampex ATR-102, która zapewnia skrupulatnie wymodelowane odwzorowanie klasycznej maszyny taśmowej, oraz Waves J37, która została zainspirowana maszyną używaną do nagrywania wielu najlepszych albumów w latach 60-tych.

4. Znajdź przestrzeń na wczesnym etapie

Znalezienie przestrzeni we wstępnym miksie na wczesnym etapie ma kluczowe znaczenie, zwłaszcza w muzyce jazzowej. Zanim sięgniesz po korektor, rozważ panoramowanie i poziomy jako główne narzędzia do tworzenia przestrzeni i głębi. Chodzi o to, aby każdy element naturalnie wpasował się w pole stereo, tak aby nie trzeba było używać korektora graficznego.

Przesuń i dostosuj poziomy, aby ustawić scenę tak, aby każdy instrument świecił w swojej własnej przestrzeni. Na przykład, sekcja rytmiczna może być przesunięta nieco poza środek, aby odzwierciedlić ich fizyczne rozmieszczenie na żywo, z kontrabasem nieco po lewej stronie i fortepianem po prawej. Perkusję można przesuwać zgodnie z perspektywą słuchacza, umieszczając hi-hat nieco z boku, a tomy rozłożone w całym polu stereo, aby uzyskać bardziej realistyczne odwzorowanie.

5. Niech bębny zdecydują

Jedną z moich głównych zasad podczas miksowania jazzu jest "pozwól perkusji decydować". W moich oczach charakterystyka dźwiękowa i dynamika bębnów nadaje ton reszcie miksu.

Rozważmy dwa wyraźnie kontrastujące podejścia do miksowania perkusji w jazzie.

W jednym scenariuszu perkusja może mieć miękki, szczotkowany werbel i stonowany, łagodny kick drum, aby uzupełnić klasyczny, wyluzowany, zadymiony klimat lounge. Taka konfiguracja wymaga, aby bas, fortepian i rogi były miksowane w sposób odzwierciedlający tę subtelność.

Z drugiej strony, miks skoncentrowany na wysokoenergetycznym utworze bebopowym może zawierać werbel z ostrym, wyraźnym trzaskiem i bęben kopiący, który jest zarówno ciasny, jak i wyraźny. Taki dźwięk bębna wymagałby również znacznie bardziej agresywnego i dynamicznego podejścia do miksowania pozostałych instrumentów.

Weźmy na przykład zniuansowane brzmienie perkusji Paula Motiana w "Sunday at the Village Vanguard" Billa Evansa, gdzie jego praca pędzlem nie tylko tworzy kontemplacyjny nastrój, ale także dyktuje miks, w którym każdy instrument oddycha i wchodzi w interakcje. Po drugiej stronie spektrum mamy wybuchową energię Arta Blakeya w utworze "Moanin", który pokazuje, jak potężna, pierwszoplanowa perkusja może zmusić innych muzyków do zwiększenia tempa.

6. Przygotuj się na dziwactwa związane z miksowaniem zespołu na żywo

Jednym z najbardziej unikalnych wyzwań związanych z miksowaniem jazzu jest umiejętność miksowania zespołu na żywo, co jest innym sposobem myślenia niż to, co zwykle stosuje się do miksowania muzyki pop.

Wiele nagrań jazzowych oddaje magię sesji na żywo. Umieszczasz grupę muzyków jazzowych w pokoju, otaczasz ich konstelacją mikrofonów i nagrywasz. Chociaż nadal może to być najlepszy sposób na uchwycenie spontanicznej interakcji i energii występu na żywo, wprowadza również złożoności, takie jak bleed i kwestie fazowe.

Bleed to dźwięk z jednego instrumentu, który jest wychwytywany przez mikrofon innego instrumentu. Jednak w muzyce jazzowej, zamiast postrzegać bleed jako problem, można potraktować go jako okazję do dodania głębi i realizmu do miksu.

Nieocenione w tym kontekście są na przykład mikrofony pokojowe. Inżynier nagrań użyje ich do uchwycenia zbiorowego dźwięku zespołu w tym samym pomieszczeniu, co daje miksowi poczucie jedności, które trudno jest odtworzyć za pomocą izolowanych ścieżek. Kluczem jest tutaj uważanie na problemy fazowe między tymi mikrofonowanymi źródłami.

Zwróć uwagę na relacje fazowe między mikrofonami, zwłaszcza tymi znajdującymi się blisko siebie lub rejestrującymi to samo źródło dźwięku. Odwrócenie fazy mikrofonu może często rozwiązać anulowanie fazy i wzmocnić cienki dźwięk. Możesz także strategicznie podejść do bramkowania i automatyzacji głośności, aby zminimalizować wpływ wycieku w krytycznych momentach.

7. Przetwarzanie równoległe

Przetwarzanie równoległe to jedna z moich ulubionych technik w ogóle, choć w przypadku miksowania jazzu jest ona kluczowa.

Łącząc efekty takie jak kompresja, pogłos lub opóźnienie na równoległych kanałach, można połączyć przetworzony sygnał z oryginalnymi, nieprzetworzonymi ścieżkami i wzmocnić pewne aspekty dźwiękowe bez przytłaczania ogólnego naturalnego brzmienia miksu.

W miksie jazzowym często używam kompresji równoległej na perkusji, wysyłając ścieżki perkusji do magistrali z silną kompresją, a następnie miksując ją z oryginalną, nieprzetworzoną perkusją. Ostatecznie uzyskuje się znacznie mocniejszy i bardziej spójny dźwięk perkusji, który nadal zachowuje subtelność i dynamikę niezbędną w jazzie.

W ten sam sposób świetnie sprawdza się pogłos równoległy. Na przykład, mogę wysłać ścieżkę saksofonu lub trąbki do magistrali dedykowanej pogłosowi, aby stworzyć poczucie otaczającej przestrzeni bez sprawiania, że brzmi ona odlegle lub wyprana. Oczywiście, o ile muzyk o to nie poprosi, najlepiej jest stosować subtelne efekty przestrzenne, takie jak pogłos i opóźnienie.

8. Skorzystaj z automatyzacji wolumenów

Automatyzacja głośności ma pierwszeństwo przed kompresją podczas miksowania muzyki jazzowej. Zamiast słyszeć kilka szczytów i sięgać po kompresor, aby je kontrolować, możesz użyć automatyzacji głośności, aby je zmniejszyć, aby uzyskać bardziej precyzyjną, naturalną kontrolę.

Kompresja, nawet gdy jest stosowana stosunkowo lekko, może zdusić życie ze spontanicznego momentu solowego. Z drugiej strony, automatyzacja głośności pozwala na wzmocnienie lub stłumienie niektórych części występu w zależności od potrzeb, dając ci kontrolę, aby upewnić się, że każdy niuans jest słyszany dokładnie tak, jak zamierzano.

9. Bądź subtelny z efektami

Sposób wykorzystania efektów na albumie jazzowym może wpłynąć na jego "ponadczasowe" brzmienie.

Niektóre nagrania, takie jak te z ery jazz fusion z lat 70-tych z ich charakterystycznym basem obciążonym fazerem, lub nagrania rockowe z lat 80-tych charakteryzujące się intensywnym wykorzystaniem bramkowanych pogłosów, mogą brzmieć wyraźnie przestarzale ze względu na dominujące efekty w ich czasach.

Jasne, producenci i inżynierowie prawdopodobnie myśleli, że są innowacyjni w tamtym czasie i chociaż tak było, to również zakotwicza te płyty w określonym okresie, co może ograniczyć ich atrakcyjność dla przyszłych słuchaczy.

Kluczem do uniknięcia przestarzałego brzmienia płyty jest przede wszystkim służenie potrzebom muzyki. Niech samo nagranie dyktuje, czy efekty powinny być używane. Na przykład, nagranie jazzowe, które ma na celu uchwycenie żywego, akustycznego klimatu albumu Blue Note z lat 60-tych, skorzystałoby z minimalnej ilości efektów.

Z drugiej strony, nowoczesny projekt jazz fusion, taki jak Electric Masada lub James Blood Ulmer, może z radością włączyć ezoteryczne efekty, takie jak opóźnienia i fazery, aby wyjść poza normy gatunku. Różnica polega na tym, że efekty te byłyby częścią brzmienia, tworząc artystyczną deklarację, a nie tanim efektem.

10. Znajdź odpowiedni pogłos

Zamiast polegać na ciężkich efektach czasowych podczas miksowania jazzu, często zalecam bardziej skłaniać się ku ustawieniom pogłosu otoczenia lub pomieszczenia. Tego typu pogłosy są zaprojektowane tak, aby naśladować naturalną akustykę przestrzeni, zapewniając poczucie powietrza i wymiaru, które wzmacniają wrażenie nagrywania na żywo bez uszczerbku dla muzykalności.

Celem jest sprawienie, aby zespół czuł się tak, jakby występował razem w tej samej przestrzeni, nawet jeśli ścieżki zostały nagrane oddzielnie. Pogłosy otoczenia i pomieszczenia mogą subtelnie wypełnić luki między instrumentami, łącząc je w spójną scenę dźwiękową, która odzwierciedla wrażenia na żywo w klubie jazzowym lub sali koncertowej.

Wybierając pogłos do miksu jazzowego, należy rozważyć ustawienia, które oferują realistyczne poczucie przestrzeni przy stosunkowo krótkim czasie zaniku.

11. Strzeż się wojen o głośność

Jestem pewien, że w tym momencie wszyscy mamy już dość słuchania o "wojnach głośności". Nie oznacza to jednak, że nadal nie mamy do czynienia z trendem w kierunku coraz bardziej agresywnych praktyk masteringowych mających na celu uczynienie muzyki tak głośną, jak to tylko możliwe.

Rzecz w tym, że dążenie do maksymalnej głośności nie jest zgodne z etosem jazzu. Miksy jazzowe rozwijają się dzięki przypływom i odpływom intensywności, ciche momenty są równie ekspresyjne, co głośne.

Przygotowując miks jazzowy do masteringu i ewentualnej transmisji strumieniowej lub nadawania, należy zachować szczególną ostrożność, aby zachować integralność dynamiczną. Zbyt mocne wciśnięcie miksu jazzowego do limitera lub kodeka może wprowadzić niepożądane zniekształcenia lub artefakty. Cymbały często cierpią z powodu takiego agresywnego traktowania.

Jako jeden z najważniejszych elementów muzyki jazzowej, talerze znacząco wpływają na klimat i atmosferę utworu. Jednak gdy są one zbyt ograniczone, otrzymujemy miks, który wydaje się ograniczony i sztuczny. Jest to prawdopodobnie jeden z powodów, dla których nie słyszymy zbyt wielu ciężkich talerzy w muzyce pop. Nie zgadzają się one z ciężkim masteringiem.

Zamiast naciskać na maksymalną głośność, aby pomóc miksowi konkurować z innymi na platformach streamingowych, lepiej jest wykorzystać zakres dynamiczny, zamiast zmuszać algorytmy streamingowe do obniżenia poziomu masteringu jako kary za głośność.

12. Używanie korektorów sprzętowych

Korektor może znacząco wpłynąć na ostateczne brzmienie miksu.

Wybór bardziej konserwatywnych, klasycznych korektorów sprzętowych lub ich emulacji wtyczkowych może dodać tę słodką warstwę analogowego bogactwa i subtelności, która pięknie sprawdza się w jazzie. Nie są one tak precyzyjne, choć o to właśnie chodzi. Chcemy, aby nasze wybory EQ były muzyczne, a nie chirurgiczne.

Pultec EQP-1A jest jednym z moich absolutnych faworytów do miksowania nagrań jazzowych. Posiada unikalną zdolność do jednoczesnego cięcia i podbijania tej samej częstotliwości, co może dodać zarówno głębi, jak i obecności, na przykład, do kontrabasu.

Emulacje Neve 1073 są również świetne, gdy chcesz osłodzić wokal, zachowując organiczny charakter.

13. Odniesienie do innych miksów

Odniesienia są nieocenioną praktyką dla każdego inżyniera miksu, niezależnie od gatunku, nad którym pracujesz. Na szczęście w przypadku jazzu mamy do dyspozycji dekady wzorców dźwiękowych, które prowadzą nas przez proces miksowania.

Wybierz profesjonalnie zmiksowany i zmasterowany utwór jazzowy, który jest podobny do Twojego i dokładnie go przeanalizuj, aby uzyskać wgląd w to, jak zrównoważyć instrumenty, zarządzać dynamiką i stosować efekty w sposób, który zwiększa emocjonalny wpływ muzyki i jej wyrazistość.

Po wielogodzinnym miksowaniu może być trudno zachować świeżą perspektywę. Dzięki referencjom masz właściwą perspektywę przed sobą, aby w każdej chwili dokładnie sprawdzić swoje decyzje i upewnić się, że jesteś na właściwej drodze.

Wynik końcowy

W porównaniu do innych gatunków muzycznych, muzyka jazzowa może być dość trudna do miksowania. Trudność sprawia miksowanie instrumentów akustycznych w nagraniach na żywo i niemożność ukrycia wad za efektami takimi jak kompresja i pogłos.

Właśnie dlatego tak ważne jest, aby wszystko było w porządku podczas procesu nagrywania. Każdy świetny mikser jazzowy powie ci, że legendarne nagrania jazzowe nie pochodzą z procesu miksowania, ale od graczy, kompozycji i nagrania. Gdy nagranie jest już w twoich rękach, twoim jedynym zadaniem jest podniesienie jakości odsłuchu.

Niech te wskazówki zainspirują Cię do miksowania z wrażliwością i płynnością, której wymaga jazz, tak aby każdy utwór, którego dotkniesz, huśtał się, groove'ował i rezonował dla przyszłych pokoleń!