Powtarzalność w muzyce jest podstawą produkcji muzycznej i często jest siłą napędową chwytliwych piosenek, które pozostają w naszych głowach na zawsze. To fascynujące zjawisko, które łączy wszystkich ludzi: atawistyczne przyciąganie do struktur melodycznych i rytmicznych, które w jakiś sposób łączą nas wszystkich od zarania dziejów.

Jest to możliwe dzięki wzorcom. Niezależnie od tego, czy są melodyczne, czy rytmiczne, wzory w muzyce to sekwencje dźwiękowe, które mogą wywołać hipnotyzujący efekt u słuchacza, zanurzając go w krajobrazie dźwiękowym zdefiniowanym przez powtórzenia i ewolucję.

Ale czym dokładnie są muzyczne wzory, groove'y i rytmy? Chociaż wszystkie te pojęcia można uznać za oczywiste (wszyscy stukamy nogami, gdy słyszymy przyjemny rytm lub nucimy melodię, którą kochamy), istnieje wyraźna struktura stojąca za nieodpartą chęcią tańczenia do piosenki i właśnie o tym dzisiaj porozmawiamy.

Ten artykuł ma na celu wyjaśnienie prawdziwej natury wzorców muzycznych i tego, jak można je wykorzystać do ulepszenia produkcji muzycznej. Niezależnie od tego, czy dopiero zaczynasz swoją przygodę z komponowaniem muzyki, czy po prostu chcesz lepiej zrozumieć teorię muzyki, tutaj omówimy to wszystko.

Definicje wzorców rytmicznych i melodycznych

Prawdopodobnie słyszałeś poniższe definicje wiele razy w swojej szkolnej karierze, ale warto odświeżyć te pomysły, zanim zagłębimy się w to, jak możemy wykorzystać wzorce do przekształcenia naszego procesu tworzenia muzyki.

Wzorce rytmu

Krótko mówiąc, rytm to powtarzająca się sekwencja dźwięków lub ruchów, z ciszą pomiędzy dźwiękami tworzącymi rytm. Cisza jest tak samo istotna jak dźwięki tworzące rytm, ponieważ nadaje sekwencji dźwięków poczucie ruchu.

Wzorce rytmiczne mogą ewoluować, zmieniać się, zatrzymywać i wznawiać; rezultatem jest złożony ruch rytmu, który popycha utwór do przodu. Mogą być proste lub złożone, długie lub krótkie, ale wszystkie służą jednemu celowi: być fundamentem utworu, za którym słuchacze mogą podążać, a muzycy mogą go rozwijać.

Wzór melodyczny

Wzorce melodyczne lub tonalne to sekwencje nut ułożone w rytm, który jest chwytliwy i powtarzalny w czasie. Są one śpiewalnym aspektem utworu, "haczykiem", który słuchacze mogą zapamiętać. Są one istotną częścią muzyki popularnej.

Wzory te mogą się nieznacznie różnić za każdym razem, gdy są odtwarzane, aby zaangażować słuchacza i urozmaicić utwór. Są one kluczowym aspektem przy tworzeniu motywu, krótkiego rytmicznego lub melodycznego fragmentu powtarzanego i rozwijanego w całym utworze, stając się fundamentem lub najważniejszą częścią kompozycji muzycznej.

Co sprawia, że muzyczne wzory są... wzorami?

Jak więc te wszystkie nuty oddziałują na siebie i łączą się ze sobą? Skąd mam wiedzieć, czy dana sekcja rytmiczna jest spójna i porywająca? Podobnie jak w przypadku większości rzeczy w teorii muzyki, nie ma jasnych granic co do tego, co można, a czego nie można zrobić z nutami. Jeśli chodzi o wzory, chodzi o zdefiniowanie struktury naszej kompozycji, a następnie budowanie na niej.

Podsumowując, wzorce rytmiczne są tworzone poprzez kombinację nut o różnym czasie trwania i emfazy, tworząc unikalny groove lub vibe. Wzorce melodyczne, z drugiej strony, to sekwencje nut, które są powtarzane na tych samych lub różnych wysokościach, tworząc motywy lub tematy w kompozycji.

Wzór jest kombinacją kilku czynników, które czynią go wyjątkowym, a każdy element odgrywa rolę w jego definiowaniu: niewielka zmiana jednego lub drugiego elementu może ożywić cały nastrój lub atmosferę.

W najszerszym znaczeniu wzorzec wymaga następujących elementów:

Powtórzenie

Najbardziej podstawowym aspektem patternu jest powtarzalność. Może to być seria nut, rytmów, akordów, a nawet progresja, która powtarza się w całym utworze. Ważne jest to, że jest on rozpoznawalny i zapamiętywany przez słuchacza.

Przewidywalność

Wzorce nadają utworowi poczucie przewidywalności, co ma fundamentalne znaczenie, jeśli chcesz, aby słuchacze go polubili. Słuchacze zazwyczaj oczekują, że wzorzec będzie kontynuowany lub powróci po jego ustaleniu, ale można również zmienić oryginalny wzorzec, aby stworzyć napięcie, ulgę lub zaskoczenie.

Spójność

W schemacie rytmicznym spójność może dotyczyć czasu trwania nut i pauz; w schemacie melodycznym może ona dotyczyć interwałów między nutami. Jeśli wzór jest podstawą utworu, jego spójność pomoże ci rozwinąć utwór i urozmaicić go, zachowując solidną podstawę.

Uznanie

Kiedy melodia lub rytm są chwytliwe? Kiedy wyróżnia się na tle reszty utworu na tyle, że jest postrzegana jako punkt kulminacyjny, coś wokół czego utwór grawituje lub na czym się opiera.

Cechy te mają fundamentalne znaczenie zarówno dla patternów tonalnych, jak i rytmicznych: im bardziej pattern jest rozpoznawalny i spójny, tym bardziej wciągający staje się utwór dla słuchaczy. Różnica między udanym wzorem a takim, który nie rezonuje ze słuchaczami, polega na jego zdolności do bycia prostym, a jednocześnie wyjątkowym. W żadnym wypadku nie jest łatwo stworzyć taki niezapomniany wzór, ale w następnej sekcji dowiemy się więcej o tym, jak samemu go stworzyć.

Jak używać wzorców do tworzenia muzyki

Teraz, gdy już wiesz, co definiuje pattern, nadszedł czas, aby pobrudzić sobie ręce i zrozumieć, jak stworzyć solidny muzyczny pattern. Aby tworzyć muzykę za pomocą patternów, musisz użyć sekwencji rytmicznych, melodycznych i harmonicznych, aby stworzyć solidną strukturę utworu.

Korzystanie z wzorców rytmicznych

Wzór rytmiczny jest kręgosłupem utworu. Jest duszą groove'u, więc powinien zapewniać spójny rytm, za którym mogą podążać inni muzycy.

W skrócie, rytm jest definiowany przez tempo, takt, metrum, akcentowanie, podział, synkopę i pauzy:

Tempo to prędkość, z jaką porusza się muzyka.

Beat jest podstawową jednostką czasu.

Meter łączy bity w regularne zestawy.

Akcentowanie podkreśla określone uderzenia lub nuty.

Podział dzieli bity na mniejsze jednostki.

Synkopa przesuwa akcenty, tworząc niespodziankę.

Odpoczynki poprawiają kształt i wyczucie rytmu.

Jeśli znaczenie tych elementów jest dla ciebie jasne, jesteś gotowy, aby użyć ich do tworzenia różnych groove'ów. Niewielka wariacja na temat każdej z tych cech definiujących może ożywić zupełnie inny rytm, więc weź je po kolei i zobacz, jak mogą zrewolucjonizować twój rytm. Niezależnie od tego, czy jesteś perkusistą, czy producentem beatów, po opanowaniu czynników definiujących rytm będziesz w stanie przekształcić typowe wzorce rytmiczne w unikalne groove'y i przenieść swoje rzemiosło na wyższy poziom.

Korzystanie z wzorców melodycznych

Wzorce melodyczne to rozpoznawalne i zapadające w pamięć sekwencje nut w utworze. Te elementy muzyczne można powtarzać i zmieniać w całym utworze: można zmienić tonację, rytm, a nawet harmonię, o ile podstawowy wzór pozostaje identyfikowalny.

Wzory melodyczne mogą przybierać różne formy i mogą być wykorzystywane na wiele sposobów:

Progresje harmoniczne: Sekwencja akordów powtarzanych w całej sekcji muzycznej, jak popularne I-IV-V-I w bluesie. Rytm harmoniczny może pomóc ci ożywić potężne i łatwo rozpoznawalne progresje.

Wariacje: Zmiana rytmu, melodii lub harmonii w celu zaangażowania słuchacza. Zwykle jest to technika używana, gdy wzór został już ustalony i jest rozpoznawalny przez słuchacza.

Struktura: Na przykład struktura zwrotka-refren wielu piosenek pop opiera się na powtarzających się wzorcach zarówno tekstu, jak i muzyki. Wzorce te pomagają słuchaczom zrozumieć i zapamiętać piosenkę.

Improwizacja: Wzór może być podstawą muzyki improwizowanej, czymś, na czym muzycy mogą polegać i na czym mogą budować.

Kompozycja: Wzory mogą być narzędziem do strukturyzowania pomysłów. Nowe utwory mogą zaczynać się od prostego wzoru, a następnie ewoluować, dodając warstwy innych wzorów do pierwotnego.

Teoria muzyki stojąca za wzorcami rytmicznymi i melodycznymi

Niezależnie od tego, czy pracujesz nad wzorcem rytmicznym, czy muzycznym, zrozumienie systemu notacji muzycznej ma fundamentalne znaczenie i może pomóc w znacznym poszerzeniu umiejętności. Składa się on z szeregu symboli, które reprezentują różne czasy trwania nut i odpoczynków, zorganizowanych w ramach sygnatury czasowej, "struktury", która określa, ile uderzeń jest w takcie i jaka wartość nutowa odpowiada jednemu uderzeniu.

Ta struktura pozwala muzykom zrozumieć czas i tempo muzyki, nawet jeśli sami nie skomponowali utworu, zapewniając im wszystkie niezbędne informacje do odtworzenia kreatywnej wizji oryginalnego kompozytora.

Metrum, czyli sposób grupowania uderzeń, może być proste lub złożone i może dodawać warstwy rytmicznej tekstury do utworu. Uderzenia mogą być również podzielone na mniejsze części, co może być przydatne, zwłaszcza w gatunkach, w których synkopy lub nietypowe wzory rytmiczne są powszechne, jak tak zwane gatunki progresywne, a nawet w muzyce klasycznej.

Z drugiej strony, wzorce melodyczne są w większości definiowane przez wysokości dźwięków (określane przez ich pozycję na pięciolinii), sygnaturę tonacji i używany klucz wiolinowy.

Nuty są zorganizowane w skale, a relacje między tymi nutami (interwały) określają ruch melodii, niezależnie od tego, czy przechodzi ona od jednej sąsiedniej nuty do drugiej, czy przeskakuje przez kilka. Ta relacja definiuje tonalność muzyki.

Jak ćwiczyć tworzenie wzorców melodycznych i rytmicznych?

Praktyka czyni mistrza, prawda? Omówmy więc, w jaki sposób muzyk może doskonalić rzemiosło tworzenia wzorców melodycznych i rytmicznych.

Tworzenie zapadających w pamięć wzorów rytmicznych wymaga rozwinięcia solidnego wyczucia czasu i zrozumienia różnych wartości nut i reszt. W tym zadaniu metronom powinien stać się twoim nieocenionym towarzyszem, a jeśli grasz na "prawdziwych" instrumentach, twoja codzienna praktyka powinna zdecydowanie obejmować ćwiczenia oparte na metronomie.

Z czasem zacznij eksperymentować z różnymi sygnaturami czasowymi i naucz się wyczuwać charakterystyczny groove każdego z nich. Da ci to dostęp do bardziej złożonych wzorów, w tym synkop, nieparzystych sygnatur czasowych i rytmów krzyżowych; wszystkie elementy, które mogą sprawić, że twoje piosenki będą wyjątkowe i niezapomniane.

Skupmy się teraz na ćwiczeniach melodycznych. Zacznijmy od skal i arpeggiów, które są podstawą każdej melodii. Ćwicz w różnych tonacjach i naucz się "czuć" swój instrument. Zajmie to trochę czasu, ale na dłuższą metę jest to niezwykle satysfakcjonujący proces.

Zrozumienie, w jaki sposób melodie są budowane na ich podstawie, jest pierwszym krokiem do profesjonalnego komponowania muzyki: interwały i unikalne właściwości, jakie każdy interwał wnosi do melodii, nie są czymś, co można po prostu wymyślić; są one oparte na solidnej strukturze muzycznej, której musisz się nauczyć, aby rozwinąć lub rozszerzyć swoją paletę dźwięków.

Po zrozumieniu tych podstawowych elementów, nadszedł czas na tworzenie własnej muzyki.

Rytm i melodia powinny współgrać ze sobą w taki sposób, aby wzajemnie się uzupełniały. Możesz eksperymentować z zastosowaniem różnych wzorców rytmicznych do określonej melodii i zobaczyć, jak ten proces zmienia charakter utworu. Można też zrobić to na odwrót: zmiana melodii przy jednoczesnym utrzymaniu stałego rytmu może pokazać, jak melodia wpływa na emocjonalny klimat utworu.

W tym momencie improwizacja często staje się podstawowym aspektem procesu tworzenia muzyki. Jednak improwizacja powinna teraz opierać się na jasnych zasadach kompozycji muzycznej, których użyjesz do stworzenia własnego charakterystycznego brzmienia.

Nigdy nie zapominaj o nagrywaniu siebie podczas improwizacji. Nie masz pojęcia, ile razy ja i moi koledzy z zespołu zrobiliśmy niesamowitą 15-minutową jam session, tylko po to, by dowiedzieć się, że zapomnieliśmy włączyć dyktafon. Nietrwałość jest częścią każdej formy sztuki, więc upewnij się, że uwieczniasz swoje kreatywne chwile w jakikolwiek sposób.

Odsłuchiwanie swojego występu pomoże ci docenić spójność twoich wzorców i da wgląd w obszary, które wymagają dopracowania. Co więcej, zachęca do krytycznego słuchania: słuchanie siebie improwizującego może być trudne, ale kluczowe jest, aby ocenić swój poziom i jak daleko jesteś od swoich kreatywnych celów.

Ostatecznie tworzenie wzorów nie jest procesem mechanicznym, ale raczej artystycznym: najbardziej przekonujące wzory nie są najbardziej skomplikowane, ale te, które przekazują emocje i łączą się ze słuchaczami na głębszym poziomie. Naucz się podstaw, a następnie wykorzystaj tę wiedzę, aby ożywić swoją kreatywną wizję, nie myśląc o tym, jak bardzo jesteś wykwalifikowany lub techniczny.

Przemyślenia końcowe

Mam nadzieję, że ten przewodnik pomoże ci przenieść twoje umiejętności produkcji muzyki na wyższy poziom!

Moim ostatnim zaleceniem jest, aby nie skupiać się zbytnio na teorii muzyki, ale raczej spróbować opanować podstawowe elementy wzorów muzycznych, a następnie wykorzystać je do ożywienia swojej artystycznej wizji. W miarę doskonalenia swoich umiejętności poczujesz potrzebę lepszego zrozumienia teorii muzyki i tworzenia niezapomnianych wzorów: kiedy nadejdzie ten czas, będziesz w stanie zdefiniować wiedzę potrzebną do doskonalenia swojego rzemiosła i uproszczenia procesu tworzenia muzyki.

Następnym razem, gdy posłuchasz piosenki, poświęć trochę czasu na zrozumienie wzorców rytmicznych i melodycznych i sprawdź, czy możesz je odtworzyć za pomocą dostępnych narzędzi i wiedzy. W ten sposób poszerzysz swoją paletę dźwięków i docenisz piękno i złożoność muzyki, którą kochasz.

Miłej zabawy!