Jeśli zagłębiłeś się w otchłań forów poświęconych produkcji i miksowaniu muzyki lub filmów na YouTube, prawdopodobnie natknąłeś się na wyrażenie "ścieżka referencyjna".

Niezależnie od tego, czy już włączyłeś ścieżki referencyjne do swojego procesu tworzenia muzyki, czy też jest to coś, z czym nigdy jeszcze nie eksperymentowałeś, mogę śmiało powiedzieć, że korzystanie z nich może znacznie poprawić jakość twojej muzyki.

Ponadto, w przeciwieństwie do tego, co wielu uważa, korzystanie ze ścieżek referencyjnych nie oznacza ograniczenia kreatywności.

Odpowiednio wykorzystana ścieżka referencyjna może zapobiec nieoryginalnemu brzmieniu muzyki i utrzymać ją zgodnie z profesjonalnymi standardami. Zasadniczo, ścieżki referencyjne pozycjonują oryginalną muzykę w szeregu innych artystów, których kochasz, zapewniając, że twoje miksy są na równi, dostarczając unikalnych pomysłów dotyczących aranżacji i pomagając wyrzeźbić kreatywną ścieżkę, gdy zaczynasz od pustej płyty.

W tym przewodniku chciałbym przedstawić wszystkie powody, dla których warto użyć ścieżki referencyjnej w następnej produkcji lub miksie.

Co to jest ścieżka referencyjna?

Utwór referencyjny to dowolny ukończony utwór innego artysty, który można wykorzystać jako model dla pożądanego brzmienia własnej muzyki.

Kiedy korzystasz z odniesienia, celem jest porównanie swojego utworu z utworem innego artysty, aby wymyślić pomysły na aranżację, produkcję, miks lub ogólny klimat.

Często lubię pozwalać utworom referencyjnym wpływać na moje wybory w trakcie procesu tworzenia muzyki:

• Dopasowanie głośności: Upewnienie się, że głośność mojego miksu jest zgodna z głośnością ścieżki referencyjnej. Jest to bardziej powszechne w fazie masteringu.
• Aranżacja: Dopasowanie aranżacji mojego utworu do aranżacji utworu referencyjnego.
• Miksowanie: Sprawdzenie, czy mój miks jest zgodny z jakością odniesienia, w tym balansu głośności, dynamiki, EQ i efektów.
• Kreatywna analiza porównawcza: Czerpanie inspiracji do rozwijania profesjonalnych pomysłów muzycznych i unikanie zaczynania od pustego płótna.

Jeśli przygotowujesz się do masteringu swojego utworu, upewnij się, że korzystasz z funkcji ścieżki referencyjnej eMastered.

Dlaczego powinienem używać ścieżki referencyjnej?

Jednym z głównych powodów, dla których używam ścieżki referencyjnej, jest znalezienie brzmienia utworu, nad którym zamierzam pracować. Nawet jeśli jesteś tego nieświadomy, każdy utwór, który tworzysz, jest produktem wpływu otoczenia.

Jeśli dopiero zaczynasz swoją karierę jako artysta lub producent i próbujesz znaleźć swoje brzmienie, polecam zapoznać się z artystami, których lubisz i sporządzić listę cech, które sprawiają, że są wyjątkowi. Następnie możesz wziąć te cechy i połączyć je ze sobą, aby stworzyć swoje unikalne brzmienie.

Ponadto ścieżki referencyjne zmniejszają presję tworzenia utworów z pustego płótna.

Kiedy masz źródła inspiracji, zasadniczo masz paletę, której możesz użyć jako punktu wyjścia. I nie, to nie jest kradzież. To bazowanie na istniejących technikach i kreatywnych pomysłach, tak jak robili to artyści od zarania dziejów.

Pomyśl o tym w ten sposób - każdy styl muzyczny ma wypróbowane i prawdziwe wspólne aranżacje.

Jak to mówią, nie ma powodu, by naprawiać to, co nie jest zepsute. Możesz raczej czerpać inspirację z utworów, które lubisz, wykorzystując pomysły, które działają i dodając własne unikalne elementy, aby je wyróżnić.

Powiedzmy, że pracujesz nad utworem Motown w stylu lat 60. Możesz zdecydować się na użycie perkusji mono, elektrycznego basu P, Fendera Stratocastera, klawiatury Rhodes i wokalu.

Załóżmy jednak, że kochasz również muzykę country i grasz na banjo. Twoim unikalnym elementem może być banjo w utworze. Zdziwiłbyś się, jak coś tak prostego jak kolejny dodany element może całkowicie zmienić klimat utworu.

Sposoby korzystania ze ścieżek referencyjnych

Przyjrzyjmy się kilku podstawowym sposobom wykorzystania ścieżek referencyjnych w celu uzyskania wysokiej jakości dźwięku w muzyce.

Mapa rozmieszczenia

Jedną z pierwszych rzeczy, do których używam ścieżek referencyjnych w moim miksie, jest aranżacja. Uważam, że kradnąc aranżację utworu, łatwiej jest uwolnić się od standardowego układu zwrotka-chorus-wers-chorus-mostek-chorus.

Na przykład, utwór, który lubisz, może wyglądać następująco:

• Wprowadzenie
• Werset
• Chór
• Interludium
• Werset
• Podział
• Chór
• Solo
• Most
• Chór
• B Hak

Powyższą aranżację można zaimplementować do standardowego utworu pop, aby nadać mu więcej zainteresowania.

Oczywiście, jeśli celem jest uzyskanie aranżacji zgodnej ze stylem, gatunkiem lub nastrojem nowego utworu, zalecałbym znalezienie utworu, który ma stylistyczną aranżację.

Kiedy wybieram utwór do aranżacji, zaczynam od zidentyfikowania piosenki, która moim zdaniem ma wyjątkową strukturę. Utwór powinien być wciągający lub energetyzujący. Następnie importuję utwór do mojego DAW.

Następnie analizuję aranżację, zwracając uwagę na sekcje takie jak intro, zwrotka, refren, bridge i outro, a także na to, kiedy instrumenty pojawiają się, znikają, zmieniają się dynamicznie itp.

Następnie tworzę podstawowy zarys lub mapę struktury ścieżki referencyjnej.

Może to być pisemna lista różnych sekcji na kartce papieru lub tworzenie znaczników ścieżek w programie DAW. Jeśli utwór, którego używasz jako odniesienia, ma takie samo BPM jak utwór, który tworzysz, możesz dosłownie ustawić go w linii w programie DAW i umieścić znaczniki odniesienia na początku każdej sekcji.

W miarę kontynuowania pracy nad utworem może okazać się, że konieczne będzie dopracowanie aranżacji w oparciu o sposób, w jaki utwór ewoluuje, więc nie bój się wprowadzać poprawek, jeśli wydaje się to właściwe.

Progresja akordów

Mimo że studiowałem muzykę i kompozycję na wysokim poziomie, często mam problem z ustaleniem, jakiej progresji akordów chcę użyć w utworze, nad którym pracuję. Oczywiście, istnieją "standardowe" progresje, których ludzie używają w niektórych gatunkach, takie jak I-V-vi-IV w muzyce pop lub I-IV-V7 w bluesie. Miło jest jednak wyłamać się z tych oczekiwań i zaskoczyć słuchaczy.

Lubię zacząć od wybrania utworu referencyjnego z tego samego lub podobnego gatunku, co mój projekt. Oczywiście powinien on mieć silną progresję akordów, którą lubię i melodię, która rezonuje ze mną.

Dla celów nauczania, powiedzmy, że lubisz popularną progresję popową I-V-vi-IV. Możesz wtedy poeksperymentować z dostosowaniem jej do własnej aranżacji utworu. To, że pracujesz z prostą progresją akordów, nie oznacza, że nie możesz jej dostosować do własnych upodobań.

Poza samą progresją, możesz także zwrócić uwagę na to, jak twoje odniesienie przechodzi pomiędzy różnymi progresjami akordów.

Załóżmy na przykład, że pracujesz z utworem referencyjnym, który płynnie przechodzi z progresji molowej do progresji durowej w refrenie, takim jak "Mr. Jones" Counting Crows. Wersy w utworze "Mr. Jones" utrzymane są w tonacji a-moll, ale gdy dochodzi do refrenu, utwór przechodzi do względnej tonacji C-dur przy użyciu progresji I-IV-V.

Możesz spróbować zaimplementować tę samą relatywną relację dur-moll w swoim utworze.

Melodia

Oprócz progresji akordów, możesz także przeanalizować melodię utworu referencyjnego i zwrócić uwagę na to, jak uzupełnia ona progresję akordów, zarówno pod względem melodycznym, jak i rytmicznym.

Zobacz, jakiego rodzaju są to techniki frazowania. Czy melodie są stopniowe, czy przeskakują z nuty na nutę? Czy melodia refrenu wznosi się ponad melodię zwrotki, czy jest łagodniejsza i bardziej stonowana? Czy melodie rozpoczynają się na taktach niskich, wysokich lub nieparzystych?

Kluczem jest jednak wykorzystanie ścieżki referencyjnej jako inspiracji. Nie kopiuj go bezpośrednio, ponieważ możesz mieć kłopoty.

Jednym z najlepszych przykładów jest pozew między The Hollies, Radiohead i Laną Del Rey. Niezależnie od tego, czy ukradli sobie nawzajem świadomie, czy podświadomie, prawie niemożliwe jest nie usłyszeć podobieństw między tymi piosenkami, a zarówno Radiohead, jak i Lana Del Rey musieli za to oddać kilka kawałków tortu.

Projektowanie dźwięku i pomysły muzyczne

Jak wspomniałem wcześniej, nie ma powodu, by wymyślać koło na nowo podczas tworzenia własnych piosenek. Istnieje wiele gatunków muzycznych, które wykorzystują te same pomysły. Pomyślmy na przykład o przeciętnej piosence rockowej. Prawdopodobnie znajdziesz w nim perkusję, bas i gitarę elektryczną.

Jeśli istnieje kombinacja instrumentów, którą naprawdę kochasz, wykorzystaj ją w swoich produkcjach!

Zacznij od wybrania utworu referencyjnego, który jest w tym samym stylu, co utwór, nad którym pracujesz, ponieważ prawdopodobnie będzie zawierał instrumentację i elementy projektu dźwiękowego, które chcesz.

Słuchaj uważnie utworu referencyjnego (najlepiej z dobrą parą słuchawek) i zanotuj instrumenty, które słyszysz. Na przykład, gdybym słuchał utworu EDM, mógłbym zanotować:

• Mocne kopnięcie
• Werbel elektroniczny
• Hi-haty
• Klaskanie
• Perkusja na żywo
• Synth bassline
• Subbas
• Akordy syntezatora
• Syntezatorowe arpeggia
• Podnoszenie, zamiatanie, uderzenia, ogólne FX
• Przeboje orkiestrowe
• Szczęśliwe gitary

Gdy mam już określoną paletę instrumentów, mogę wybrać, w jaki sposób chcę zaimplementować te dźwięki w mojej aranżacji. Nie chcę, aby wszystkie te dźwięki były odtwarzane w każdej sekcji utworu. Zamiast tego chcę, aby wchodziły i wychodziły, aby utwór był bardziej dynamiczny.

Aktywne słuchanie miksu pozwala usłyszeć, w jaki sposób utwory są nakładane warstwami, aby uzyskać bogatszy, pełniejszy dźwięk.

Wielu producentów muzyki elektronicznej nakłada na siebie wiele dźwięków, aby uzyskać gęste instrumentarium. Na przykład, można użyć fali piłokształtnej jako głównego syntezatora i wesprzeć ją falą prostokątną, ciepłym, pogłosowym padem i wysoką, lekko przestrojoną warstwą harmoniczną w innej oktawie.

Myślenie o barwie i dynamice

Nie musisz koniecznie używać w swoim utworze dokładnie tych samych instrumentów, które słyszysz w referencji. Zamiast tego możesz użyć instrumentów o tej samej barwie. Powiedzmy, że hak utworu EDM, do którego się odwołujesz, ma ciepły, trwały pad i jasny, staccato syntezator.

Możesz znaleźć instrumenty o tej samej różnorodności brzmieniowej, aby stworzyć taki sam skład częstotliwościowy, jak w przypadku instrumentów referencyjnych, które lubisz. Na przykład, możesz użyć klawiatury Rhodes zamiast ciepłego, trwałego pada i mocnej gitary elektrycznej zamiast syntezatora staccato.

W ten sam sposób możesz obserwować, jak dynamika zmienia się w trakcie odniesienia i spróbować włączyć podobne kontrasty dynamiczne do własnej aranżacji.

"A Day in the Life" zespołu The Beatles to zabójczy przykład utworu z dramatycznymi zmianami dynamiki. Refreny są spokojne i refleksyjne, a następnie kulminują w totalnym chaosie.

Projektowanie dźwięku i efekty

Lubię zwracać szczególną uwagę na unikalne elementy projektu dźwiękowego lub efekty, które są używane w mojej ścieżce referencyjnej.

Na początek, będę uważnie słuchał, jak efekty przestrzenne, takie jak pogłos i opóźnienie, są używane w ścieżce referencyjnej. Podczas słuchania można zadać sobie kilka pytań:

• Czy na ścieżce jest pogłos i jakiego rodzaju? (plate, hall, room, spring itp.).
• A co z opóźnieniem (slap, ping-pong, ćwierćnuta itp.)?
• Jak dominujące są te efekty w miksie w porównaniu do instrumentów, na których są używane?
• Czy są one rozłożone w całym spektrum stereo, czy w mono?
• Czy istnieje wiele instancji efektów na niektórych elementach? Na przykład wiele popowych wokali będzie miało kombinację pogłosu pomieszczenia, pogłosu płyty, opóźnienia uderzenia i opóźnienia stereo.
• Jak przetwarzane są te efekty? Czy zostały one poddane korekcji, kompresji lub zniekształceniu?

Lubię też pytać, jak elementy w miksie są rozłożone.

Większość współczesnych miksów rockowych, na przykład, ma podobne techniki panoramowania - wokal prowadzący, bas, kick i werbel w centrum, overhead, gitary elektryczne i akustyczne mocno przesunięte w lewo i prawo, a klawisze, perkusja, hi-haty, tomy i inne elementy miksu przesunięte gdzieś w lewo lub w prawo w ich własnej przestrzeni.

Oczywiście nie ma powodu, dla którego nie można być kreatywnym z panoramowaniem, a niektóre utwory mogą być świetnymi referencjami, jak to zrobić.

Weźmy pod uwagę "Altered Beast III" King Gizzard and the Lizard Wizard. Jeśli słuchasz go w słuchawkach, możesz usłyszeć dwa nagrane zestawy perkusyjne przesunięte mocno w lewo i mocno w prawo, co jest bardzo nietypowym wyborem, który nadaje temu utworowi wyjątkowe brzmienie.

Na koniec posłuchaj technik projektowania dźwięku, które możesz zastosować.

Weźmy na przykład Flume'a. Kiedy pojawił się na scenie muzyki elektronicznej w 2012 roku, stał się początkiem sceny Future Bass.

Wykorzystał unikalną mieszankę syntezy granularnej do tworzenia tekstur, rozciągniętych w czasie i modulowanych efektów wokalnych oraz modulacji stereo opóźnień i pogłosów, aby stworzyć wciągające wrażenia słuchowe. Rezultat był po prostu fenomenalny i do dziś te techniki projektowania dźwięku pozostają kluczową częścią jego brzmienia.

Mieszanie

Po zakończeniu procesu produkcji muzyki wybieram ścieżki referencyjne do procesu miksowania. Uważam, że zawsze pomocne jest korzystanie z profesjonalnie zmiksowanych ścieżek referencyjnych do miksowania, ponieważ zapewnia to ramy odniesienia dla tego, jak powinien brzmieć miks.

Różne środowiska odsłuchowe mają swoje własne dziwactwa. Na przykład, jeśli miksujesz w słabo przygotowanym studiu w sypialni, łatwo jest dodać zbyt dużo lub zbyt mało niskich tonów. Niektóre pomieszczenia mają również tryby w zakresie niskich i średnich tonów, co może powodować przekonanie, że trzeba zebrać garść "błota" ze wszystkich elementów.

Jednak po przeniesieniu miksu do samochodu może się okazać, że decyzje dotyczące miksu zostały wypaczone przez dźwięk pomieszczenia, w którym pracowałeś. Korzystając ze ścieżek referencyjnych, zyskujesz większą pewność co do balansu tonalnego na etapie miksowania, zapewniając, że Twoja ścieżka brzmi tak, jak powinna na różnych systemach odtwarzania.

Wybierając punkt odniesienia dla etapu miksowania, należy znaleźć taki, który pasuje do gatunku i stylu własnego utworu. Może to być ten sam utwór, którego używałeś jako odniesienia do produkcji, jeśli ma to sens dźwiękowy.

Ważne jest, aby upewnić się, że utwór, do którego się odwołujesz, jest dobrze zmiksowany i zmasterowany.

Mam kilka wybranych utworów referencyjnych w różnych gatunkach, które zbierałem przez lata, z których każdy ma cechy dźwiękowe, które lubię. Polecam zrobić to samo!

Gdy masz już referencję, załaduj ją do DAW na oddzielnej ścieżce od reszty miksu, aby nie była poddawana żadnemu przetwarzaniu, zwłaszcza przetwarzaniu magistrali.

Równowaga głośności

Kluczem do odniesienia się do miksu jest upewnienie się, że odniesienie pasuje do postrzeganej głośności miksu. Utwór, do którego się odwołujesz, prawdopodobnie został zmasterowany. Nie chcesz jednak miksować do tej samej głośności, co zmasterowana ścieżka, ponieważ nie pozostawisz żadnego miejsca na mastering.

Zazwyczaj lubię obniżyć głośność moich ścieżek referencyjnych o około -6 dB i od tego zacząć regulację głośności elementów miksu, ponieważ uważam, że zazwyczaj daje mi to wystarczający zapas.

Chociaż proces ten zmienia się w zależności od utworu, dobrym pomysłem jest rozpoczęcie od głównych elementów utworu, w tym wokalu, kopa, werbla i basu. Zwróć uwagę na to, jak znajdują się one w miksie i spróbuj dopasować głośność i charakterystykę tonalną tych elementów w swoim utworze. Następnie dodaj resztę instrumentacji wokół niego i przetestuj A / B odniesienie do równowagi w miarę postępów.

Ocena balansu tonalnego, zakresu dynamiki i obrazowania stereo

Kolejną częścią procesu jest upewnienie się, że balans częstotliwości miksu jest podobny do referencyjnego. Czy są obszary, w których brakuje miksu? Konieczne może być wprowadzenie poprawek.

Zacznij od odsłuchania obu ścieżek jako całości i porównaj różne ogólne zakresy częstotliwości swojego miksu z miksem referencyjnym.

Czy masz za dużo lub za mało niskich tonów? A co z wysokimi tonami? Średnich? Niskie-średnie?

Po wybraniu przyzwoitego balansu częstotliwości, który brzmi dla ciebie dobrze, możesz zacząć szlifować różne instrumenty.

Być może wokal w miksie referencyjnym ma ładne, chrupiące wysokie tony, których nie ma twój wokal. Aby temu zaradzić, można podbić wysokie tony o 10 kHz. Być może kopnięcie i bas brzmią dudniąco i nieokreślenie w porównaniu z dźwiękiem referencyjnym. W takim przypadku, można spróbować dopasować je za pomocą EQ, tak aby dobrze ze sobą współgrały.

Gdy balans częstotliwości brzmi już prawidłowo, lubię posłuchać zakresu dynamiki i kompresji użytej w moim materiale referencyjnym. Jako amatorski inżynier miksu, kompresja jest jedną z najtrudniejszych rzeczy do uzyskania, ponieważ może być jedną z najtrudniejszych do usłyszenia. Jednak dzięki praktyce będziesz w stanie określić wiele na temat stylu kompresji, którego musisz użyć, aby sprostać profesjonalnie zmiksowanym utworom.

Na przykład, nie jest niczym niezwykłym użycie 10-20 dB kompresji na wokalu w popowym miksie, aby go zablokować. Przeanalizuj dowolny utwór popowy z top-40 w radiu w dzisiejszych czasach, a gwarantuję, że będziesz w stanie usłyszeć, jak skompresowany jest wokal.

Na koniec wykonaj ostatnie przejście, słuchając szerokości stereo odniesienia. Sprawdź, jak wypada Twój miks. Czy elementy są odpowiednio rozmieszczone w polu stereo? Być może odniesienie jest wąskie w zwrotkach i otwiera się szeroko w refrenach. Może pogłos wokalny jest w mono, aby zrobić miejsce dla gęstej aranżacji stereo. Może niektóre instrumenty mają automatyczne panoramowanie, aby nadać im więcej zainteresowania.

Słuchając, jak każdy element jest panoramowany, można podejmować pewniejsze decyzje w miksie stereo.

Mastering

Zwykle podchodzę do ścieżek referencyjnych podczas masteringu w taki sam sposób, w jaki podchodzę do nich podczas miksowania.

Wybierz dobrze zmasterowany utwór referencyjny, który jest w tym samym stylu co twój utwór.

Załaduj go do sesji masteringowej na osobnej ścieżce, wolnej od dodatkowego przetwarzania i przeanalizuj, jak Twoja ścieżka radzi sobie z nim pod względem głośności, balansu częstotliwości, szerokości stereo, dynamiki i charakterystyki tonalnej.

Zwykle lubię używać analizatora widma, aby porównać balans częstotliwości mojego mastera z różnicą, ponieważ pomaga mi to zobaczyć, gdzie występują różnice w zakresach niskich, średnich i wysokich częstotliwości.

Podobnie, możesz użyć narzędzi takich jak REFERENCE, o których pisałem powyżej, aby uzyskać informacje na temat wszystkich trzech kluczowych cech dźwięku - balansu częstotliwości, dynamiki i szerokości stereo.

W eMastered mamy również funkcję referencyjną w naszym algorytmie masteringu AI, umożliwiającą przesłanie własnej referencji i uzyskanie wyraźnego, czystego masteringu, który pasuje do utworów, które lubisz.
Wypróbuj za darmo!

Przemyślenia końcowe - korzystanie ze ścieżek referencyjnych w celu uzyskania profesjonalnego brzmienia muzyki

Niezależnie od tego, czy chodzi o aranżacje, progresje akordów, produkcję muzyczną, miksowanie, mastering czy kombinację wszystkich powyższych, nie ma powodu, aby nie używać ścieżek referencyjnych do oryginalnej muzyki.

Wybierając ścieżki referencyjne, szukaj tych, które należą do tego samego gatunku, co utwór, nad którym pracujesz. Będzie to ogromna różnica w kreatywnym przepływie pracy i zoptymalizuje wydajność miksowania i masteringu.