W najprostszej formie, celem sound designu jest kształtowanie dźwięku w taki sposób, aby osiągnąć konkretną kreatywną wizję. Niezależnie od tego, czy chodzi o wyczarowanie niesamowitej atmosfery nawiedzonego domu na potrzeby horroru, czy też stworzenie pulsującego podkładu syntezatorowego do dynamicznego utworu EDM, kanwa projektowania dźwięku rozciąga się na różne media, od muzyki, przez film, po gry wideo i nie tylko.

Projektanci dźwięku są jak dźwiękowi alchemicy, którzy biorą pomysł na to, jak coś może brzmieć i używają odpowiednich narzędzi, aby ożywić ten dźwięk.

Wyobraź sobie scenę w najnowszym filmie science-fiction, w której obca istota bierze pierwszy oddech. Prawdopodobnie byłby to nieziemski wydech, który wywołałby dreszcze w kinie. Ten nawiedzony, ale piękny dźwięk nie istniałby, gdyby nie projektant dźwięku, który tchnął w niego życie.

Dzisiaj przyjrzymy się bliżej zawiłościom projektowania dźwięku i zbadamy dziesięć profesjonalnych technik i wskazówek, które pomogą ci w pełni wykorzystać tworzone dźwięki.

Historia projektowania dźwięku

Ewolucja projektowania dźwięku jest ściśle związana z ewolucją mediów i technologii. Pierwsze przypadki sound designu pojawiły się jednak tysiące lat temu. Grecy i Rzymianie budowali unikalne urządzenia mechaniczne, aby włączyć efekty dźwiękowe do swoich występów scenicznych, takie jak maszyny wiatrowe, wykonane z obracających się kół owiniętych tkaniną, oraz maszyny grzmiące, które składały się z mosiężnych kul upuszczonych na rozciągnięte skóry bydlęce.

Jednak na początku XX wieku, kiedy inżynierowie w końcu mieli możliwość synchronizacji dźwięku w filmach i radiu, zaczęli tworzyć efekty dźwiękowe na żywo podczas pokazów filmowych i audycji radiowych przy użyciu różnych urządzeń mechanicznych.

"Śpiewak jazzowy" (1927), który był pierwszym filmem typu "talkie", odegrał znaczącą rolę w popularyzacji zsynchronizowanego dźwięku w kinie.

W latach 30. projektanci dźwięku zaczęli wykorzystywać nagrane dźwięki do konkretnych efektów w filmach i radiu, aby uczynić media bardziej wiarygodnymi. Jack Foley był pionierem wczesnych efektów dźwiękowych, rozwijając technikę tworzenia i synchronizacji efektów dźwiękowych w czasie rzeczywistym z akcją na ekranie.

Dało to początek terminowi "Foley", czyli procesowi dodawania niestandardowych efektów dźwiękowych w filmach.

Od lat 40. do 70. ubiegłego wieku technologia szybko ewoluowała, dając projektantom dźwięku większą kreatywną kontrolę. Taśma magnetyczna była jednym z rewolucyjnych elementów projektowania dźwięku, ponieważ pozwoliła ludziom edytować i manipulować nagranymi dźwiękami.

Ta forma sztuki została nazwana "Musique concrète".

Nie minęło wiele czasu, zanim syntezatory trafiły na rynek, dzięki pionierom takim jak Pierre Schaeffer i Robert Moog, pozwalając nam tworzyć filmowe i telewizyjne krajobrazy dźwiękowe, jak nigdy dotąd.

Oczywiście tym, co naprawdę zmieniło wszystko dla współczesnego producenta, było pojawienie się technologii cyfrowej w latach 80-tych. Dzięki połączeniu cyfrowych stacji roboczych audio, samplerów i syntezatorów, niebo stało się granicą integracji projektowania dźwięku.

Czym zajmuje się projektant dźwięku?

Projektanci dźwięku rzeźbią, edytują, tworzą i manipulują dźwiękiem dla różnych form mediów, w tym muzyki, filmu, telewizji, gier i aplikacji UX. W zależności od rodzaju projektu, nad którym pracują, zakres ich działań może się zmieniać. Przyjrzyjmy się kilku przykładom ról, jakie może pełnić projektant dźwięku.

Projektowanie dźwięku w muzyce

W produkcji muzycznej rola projektantów dźwięku może być bardzo różna.

Często poruszają się po niezwykle złożonym świecie instrumentów (rzeczywistych lub wirtualnych), nagrań terenowych, procesorów efektów i DAW, aby komponować, tworzyć i manipulować dźwiękiem w swoich utworach.

Na przykład, projektant dźwięku może chcieć stworzyć unikalny dźwięk syntezatora w swoim DAW, aby działać jako główny element melodyczny w swoim najnowszym utworze deep house. Mogą użyć syntezatora takiego jak Serum firmy Xfer Records, aby stworzyć unikalny lead z kombinacją wavetables i efektów lub użyć kolekcji niestandardowo nagranych próbek uruchomionych przez silnik efektów ziarnistych, aby stworzyć coś bardziej organicznego.

Flying Lotus (Steve Ellison) jest doskonałym przykładem producenta, który wykorzystuje sound design w swojej gatunkowej muzyce.

"Cosmogramma" to jeden z moich ulubionych albumów elektronicznych XXI wieku, ponieważ łączy w sobie elementy jazzu, hip-hopu i muzyki elektronicznej. Podczas nagrywania albumu matka Ellisona ciężko zachorowała. Kiedy przebywała w szpitalu, Ellison zdecydował się przynieść do pokoju matki zestaw mikrofonów i sprzęt do nagrywania, aby nagrać próbki audio z monitorów parametrów życiowych i respiratorów, które następnie wykorzystał w ostatnim utworze albumu, "Galaxy in Janaki".

Choć z pewnością była to niekonwencjonalna (i potencjalnie dziwna) rzecz do zrobienia, zauważył, że "nie chciał zapomnieć o przestrzeni" podczas żałoby po śmierci matki. Dźwięki te stały się istotną częścią tego utworu.

Projektowanie dźwięku w produkcjach filmowych i telewizyjnych

W filmie i telewizji projektanci dźwięku odgrywają kluczową rolę we wzmacnianiu narracji wizualnej.

Niezależnie od tego, czy jest to skrzypienie drzwi, które zwiększa napięcie w horrorze, czy odległy huk grzmotu, który nadaje ton zbliżającej się burzy, profesjonalni projektanci dźwięku starannie tworzą i wybierają dźwięki, aby zsynchronizować je z wizualizacjami na ekranie.

Doskonałym tego przykładem jest hitowy film "Park Jurajski" z 1993 roku, w którym projektant dźwięku Gary Rydstrom ożywił te prehistoryczne stworzenia, tworząc realistyczne ryki dinozaurów. Według Rydstroma, kultowy ryk T-Rexa był kompozycją różnych odgłosów zwierząt, w tym warczenia tygrysa, pisku małego słonia i bulgotania aligatora.

Projektowanie dźwięku w grach wideo

W branży gier wideo projektanci dźwięku muszą budować całe światy od podstaw, aby zapewnić graczom wciągające wrażenia słuchowe.

Od echa kroków zbliżającego się do wybuchowego dudnienia XVIII-wiecznego działa okrętowego strzelającego w oddali, każdy dźwięk jest budulcem.

Weźmy pod uwagę postapokaliptyczną grę "The Last of Us", która wykorzystuje subtelne echa odległych dzikich zwierząt i nawiedzającą atmosferę opuszczonych miast, aby stworzyć przerażającą atmosferę. Oczywiście ci, którzy grali w tę grę wiedzą, że nawet te efekty dźwiękowe nie mogą się równać z mrożącym krew w żyłach gitarowym motywem Gustavo Santaolalli.

Sound Design w User Experience (UX)

Projektanci dźwięku współpracują również z twórcami produktów, aby tworzyć dźwięki dla UX i innych rzeczywistych aplikacji.

Ten mały szum, który słyszysz ze swojego smartfona, gdy wysyłasz wiadomość e-mail, jest dziełem projektanta dźwięku. To samo dotyczy środowisk fizycznych, takich jak windy, w których słyszysz mały dzwonek wskazujący, że dotarłeś na piętro lub że nadszedł czas, aby wejść nowych pasażerów.

Projektowanie dźwięku w teatrze

Wreszcie, co nie mniej ważne, widzimy projektowanie dźwięku w przedstawieniach teatralnych na żywo. Jak wspomniałem wcześniej, sceniczne efekty dźwiękowe istnieją od tysięcy lat, choć dzięki lepszej technologii niż kiedykolwiek wcześniej, projektanci dźwięku na żywo mają znacznie większą elastyczność niż starożytni Grecy i Rzymianie.

Poza kultową ścieżką dźwiękową Eltona Johna i Tima Rice'a z broadwayowskiej produkcji "Króla Lwa", usłyszysz wciągające dźwięki afrykańskiej sawanny i odgłosy zwierząt, które razem tworzą świat, w który publiczność może wkroczyć.

Tworzenie pierwszego dźwięku

Świetny sound design wymaga skomplikowanego tańca pomiędzy różnymi elementami dźwiękowymi.

Aby stać się mistrzem w tworzeniu i manipulowaniu dźwiękiem, musisz zrozumieć, w jaki sposób te elementy współgrają ze sobą. Zapoznajmy się z kilkoma elementami składowymi projektowania dźwięku i różnymi narzędziami do projektowania dźwięku, których można użyć do tworzenia nowych dźwięków.

1. Wybór odpowiedniego narzędzia do projektowania dźwięku

Rozpoczynając swoją przygodę z projektowaniem dźwięku, pierwszą rzeczą, którą musisz zrobić, jest znalezienie narzędzia, które najbardziej Ci odpowiada.

Po ustaleniu, jaki rodzaj dźwięku chcesz uzyskać, możesz zadać sobie pytanie: "Jakiego źródła dźwięku mogę użyć do stworzenia tego dźwięku?".

Syntezatory

Syntezatory są niezbędne w świecie projektowania dźwięku.

Dzięki mocy przebiegów, oscylatorów i efektów możesz kształtować i przekształcać dźwięki do woli.

Istnieje również kilka stylów syntezy, z których każdy ma unikalną barwę najlepiej pasującą do różnych projektów.

Na przykład, z syntezatorów analogowych można uzyskać pewne ciepło, które trudno jest odtworzyć gdzie indziej. Dźwięki z Minimooga lub Juno-60 pięknie oddają istotę minionej epoki, idealne, gdy chcesz nadać "vintage" brzmienie swoim niestandardowym dźwiękom.

Sprawdź przełomowy album Kraftwerk "Autobahn" z 1974 roku, w którym zespół wykorzystał mieszankę analogowych syntezatorów, w tym słynne ARP Odyssey i Minimoog, aby stworzyć 22-minutowy utwór muzyczny, który symuluje doświadczenie jazdy po niemieckiej autostradzie.

Próbniki

Norweski artysta ambientowo-elektroniczny Geir Jenssen, lepiej znany pod pseudonimem Biosphere, włącza do swoich kompozycji surowe nagrania terenowe z otaczającego go świata przyrody.

Jego uznany album "Substrata" z 1997 roku łączy atmosferyczne pejzaże dźwiękowe z nagraniami świata przyrody, w tym wiatru, wody i śpiewu ptaków, tworząc wyjątkowo wciągające doświadczenie dźwiękowe.

Dla bardziej nowoczesnego przykładu, producent muzyczny Ableton Rob Late wykorzystuje samplowane nagrania elementów w swoim studiu wokół siebie, aby zbudować kompletne utwory.

Rejestratory terenowe

Wyjście poza ramy studia nie jest dla każdego, ale wykorzystanie niestandardowych nagrań terenowych w muzyce jest jednym z moich ulubionych sposobów na dodanie organicznej i autentycznej trójwymiarowej charakterystyki do muzyki i podkładu.

Brytyjski rejestrator dźwięku Chris Watson jest jednym z najbardziej wpływowych pionierów nagrań terenowych w historii, najbardziej znanym ze swoich wciągających nagrań świata przyrody. Był jednym z założycieli Cabaret Voltaire, eksperymentalnego projektu muzycznego z lat 70. i 80. ubiegłego wieku.

Obejrzyj powyższy film, aby zobaczyć, jak Watson podchodzi do przechwytywania dźwięków otoczenia i wykorzystywania ich w swojej pracy.

2. Popraw podstawowe elementy

Po znalezieniu pożądanego narzędzia do projektowania dźwięku, następnym krokiem w alchemicznej podróży jest dostosowanie tych dźwięków, aby osiągnąć swój cel.

Zrozumienie kształtów fal

W labiryncie projektowania dźwięku opartego na syntezatorach wybór właściwego punktu wyjścia ma kluczowe znaczenie.

Warto wybrać kształt fali o barwie podobnej do pożądanego efektu końcowego.

Niezależnie od tego, czy celujesz w miękkie uderzenie czystego bębna basowego, czy modulowany warkot pistoletu laserowego, posiadanie odpowiedniego fundamentalnego kształtu fali odpowiednio ustawi scenę.

Kiedyś miałem za zadanie stworzyć odległy, nieziemski ambientowy dźwięk do krótkometrażowego filmu science-fiction i postanowiłem zacząć budować na sinusoidzie. Fale sinusoidalne są znane ze swojej czystości, co czyni je doskonałym fundamentem dla innych warstw, zwłaszcza gdy chcesz uzyskać coś bardziej tajemniczego.

Oczywiście wszystkie podstawowe przebiegi - sinusoidalny, kwadratowy, piłokształtny i trójkątny - są różne.

Każdy z nich ma charakterystyczną sygnaturę dźwiękową, a jako projektant dźwięku ważne jest, aby nauczyć się rozpoznawać ich unikalne cechy.

Polecam poświęcić trochę czasu na zanurzenie się w czystych tonach każdego kształtu fali, abyś mógł zacząć je wybierać w dźwiękach, które słyszysz w swoich ulubionych utworach lub pejzażach dźwiękowych.

Fale trójkątne są znacznie łagodniejsze niż fale kwadratowe, choć nieco bogatsze niż fale sinusoidalne. Fale piłokształtne zapewniają przyjemny efekt pośredni i tak dalej. Pomyśl o tym procesie, jakbyś był malarzem uczącym się, jak różne kolory podstawowe łączą się ze sobą, tworząc bardziej wyrafinowane tekstury.

Dekonstrukcja złożonych dźwięków

Prawdziwe wyzwanie pojawia się, gdy masz do czynienia z inżynierią odwrotną złożonych dźwięków, takich jak dźwięk futurystycznego pistoletu laserowego.

Ilekroć otrzymuję zadanie stworzenia konkretnego dźwięku, lubię myśleć o nim jak o układance. Próbuję zidentyfikować i wyizolować kluczowe poszczególne warstwy odpowiedzialne za atak, podtrzymanie i zwolnienie dźwięku.

Przyjrzyjmy się na przykład, jak projektant dźwięku Ben Burtt stworzył kultowy dźwięk miecza świetlnego z Gwiezdnych Wojen.

Szum na biegu jałowym, który jest głównym odgłosem miecza świetlnego, pochodzi z dwóch zablokowanych silników projektora i szumu ze starej kineskopu telewizora. Jeśli chodzi o dźwięk zderzenia, gdy dwa miecze świetlne spotkały się w walce, Burt potrzebował ataku, podtrzymania i zwolnienia.

Do ataku użył dźwięku patyka wrzuconego do suchego lodu, a do podtrzymania i zwolnienia wykorzystał efektowy dźwięk odkurzacza.

3. Kształt koperty

Gdy masz już surowe materiały, możesz zacząć bawić się obwiedniami amplitudy.

Obwiednia amplitudy dźwięku to sposób, w jaki ewoluuje on w czasie, w tym atak, zanik, podtrzymanie i zwolnienie.

Podczas tworzenia nowego brzmienia będziesz musiał zadać sobie pytania takie jak:

Czy chcę, aby dźwięk uderzał mocno i natychmiastowo, czy też chcę, aby rozwijał się stopniowo?

Czy powinien zniknąć szybko czy delikatnie?

Sposób ustawienia obwiedni amplitudy określi odpowiedzi na te pytania.

Przyjrzyjmy się pokrótce tym głównym cechom kopert:

• Atak - czas ataku to czas, jaki dźwięk potrzebuje, aby osiągnąć maksymalną amplitudę. Atak kogoś uderzającego w werbel i smyczek skrzypiec jest bardzo różny. Jeśli chcesz odtworzyć zderzenie dwóch mieczy, możesz rozważyć dźwięk z ostrym, metalicznym atakiem.
• Zanikanie - Faza zanikania rozpoczyna się bezpośrednio po tym, jak dźwięk osiągnie maksymalną amplitudę i dyktuje, ile czasu zajmie mu zejście z powrotem do poziomu podtrzymania. Lubię myśleć tutaj o rezonansie. Na przykład, gdybym zagrał nutę na małym pianinie w stylu salonowym, a następnie zagrał tę samą nutę na dużym fortepianie, uzyskałbym większe wybrzmienie z fortepianu, dzięki dodatkowemu rezonansowi korpusu.
• Podtrzymanie - ta część dźwięku koncentruje się na poziomie głośności, który utrzymuje się po przytrzymaniu. Wracając do przykładu ze zderzeniem mieczy, podtrzymanie byłoby dość szybkie, chyba że wystąpiłby długi "ping" spowodowany wibracjami dwóch metali uderzających o siebie.
• Zwolnienie - Zwolnienie to czas potrzebny na zanikanie nuty od poziomu podtrzymania do całkowitej ciszy. Czy chcesz, aby dźwięk utrzymywał się lub przebijał perkusyjnie?

Zrozumienie ADSR jest kluczowe podczas tworzenia efektów dźwiękowych i tekstur dźwiękowych, choć nie jest to ostatni krok.

4. Dodaj modulację

W żywym świecie dźwięk nie jest statyczny. Porusza się i moduluje. To samo powinno dotyczyć tworzonej muzyki i efektów dźwiękowych.

Najlepszym sposobem na wykorzystanie statycznych dźwięków i uczynienie ich bardziej interesującymi jest dodanie modulacji.

Zasadniczo chcesz zmieniać jedną lub więcej właściwości danego dźwięku lub kształtu fali w czasie, niezależnie od tego, czy chodzi o subtelne zmiany wysokości, czy ewoluującą zawartość częstotliwości.

Podczas słuchania dźwięków, które chcesz odtworzyć, musisz rozpoznać, które elementy tego dźwięku zmieniają się w czasie.

Czy słyszysz zmiany wysokości dźwięku?

Czy głośność zmienia się z chwili na chwilę?

Czy istnieją filtry lub generatory harmonicznych wprowadzające nowe częstotliwości?

Proces modulacji również nie musi być rażąco oczywisty. Możesz subtelnie wprowadzać zmiany wysokości i częstotliwości poprzez regulację pokręteł lub suwaków na syntezatorze lub procesorach efektów. Można to zrobić ręcznie lub za pomocą oscylatorów o niskiej częstotliwości (LFO), które oferują bardziej rytmiczny i przewidywalny styl modulacji.

Jako projektant dźwięku możesz użyć parametrów takich jak szybkość, intensywność lub typ fali, aby zmienić sposób, w jaki dźwięk ewoluuje w czasie.

Aby wprowadzić tę strategię w życie, zalecam eksperymentowanie z automatyzacją w programie DAW. Możesz wziąć dźwięk i narysować niestandardowe obwiednie modulacji, aby nadać mu ruch i energię.

5. Zastosuj efekty

Ostatnią i często najbardziej ekscytującą częścią procesu projektowania dźwięku jest dodawanie efektów. To tutaj całkowicie przekształcasz dźwięk, z którym pracujesz, aby stworzyć coś naprawdę wyjątkowego.

Większość projektantów dźwięku posiada ogromny arsenał efektów, zarówno w formie sprzętowej, jak i programowej, a wielu z nich zbudowało unikalne łańcuchy sygnałowe, aby zapewnić różne style głębi, przestrzeni i tekstury.

Dzięki starannie dobranej sekwencji efektów można przekształcić pojedynczy sygnał audio w pełnowartościowe doświadczenie.

Głównym celem efektów dźwiękowych jest odtworzenie zjawisk psychoakustycznych. Pomyśl o miejscu lub doświadczeniu i pomyśl o wszystkich elementach, które współpracują ze sobą, aby stworzyć w nich dźwięki.

Ogrom dźwięku, który słyszymy w kanionie, ma związek z odległością między twardymi powierzchniami i liczbą powtórzeń echa, które słyszymy, podczas gdy dźwięk głosu rozmawiającego z tobą po drugiej stronie telefonu ma związek z rezonansem filtra pasmowo-przepustowego i niewielką ilością nasycenia.

Istnieją cztery główne rodzaje efektów, których używamy w projektowaniu dźwięku, z których każdy oferuje różne możliwości.

• Efekty czasowe: Pogłos i opóźnienie kształtują wymiar czasowy, dając słuchaczom złudzenie przestrzeni i głębi.
• Efekty modulacji: Efekty chorus, phaser, flanger, tremolo i auto-pan dodają dźwiękom ruchu i charakteru.
• Filtry: Filtry dolno-, górno- i pasmowoprzepustowe pozwalają nam kształtować spektrum częstotliwości dźwięków.
• Efekty dynamiczne: Kompresja i nasycenie pozwalają nam kontrolować dynamiczną intensywność dźwięków, dodając jednocześnie unikalną charakterystykę barwy.

Powiedzmy, że chcemy stworzyć kosmiczny, klimatyczny dźwięk w stylu science-fiction.

Zacząłbym od podstawowego pada syntezatora i zastosował dużą ilość pogłosu. Ponieważ jesteśmy w kosmosie, ogon pogłosu musiałby być dość długi (wiem, że w kosmosie nie ma dźwięku, więc proszę o wyrozumiałość i nie bądź wojownikiem klawiatury). Możesz nawet poeksperymentować z parametrem dyfuzji, aby nieco bardziej połączyć odbicia i pogrubić pogłos.

Następnie można dodać efekt opóźnienia, aby jeszcze bardziej zwiększyć poczucie przestrzeni. Im dłuższy czas opóźnienia, tym bardziej ekspansywny dźwięk.

Aby dźwięk brzmiał bardziej nieziemsko, można umieścić efekt modulacji, taki jak chorus lub phaser, po opóźnieniu i pogłosie w łańcuchu, aby nadać mu trochę ruchu.

Oczywiście nie zawahałbym się również zmienić kolejności łańcucha sygnałowego, aby zobaczyć, jakie inne wyniki uzyskam lub zautomatyzować parametry w każdym efekcie, aby dodać jeszcze więcej ruchu.

10 dodatkowych wskazówek, jak urozmaicić projekt dźwięku

Teraz, gdy masz już dość solidne pojęcie o wszystkich różnych strategiach i efektach, których projektant dźwięku użyłby do zaprojektowania nowego dźwięku lub krajobrazu dźwiękowego dla piosenki, filmu, gry lub produktu, przyjrzyjmy się kilku wskazówkom i technikom, które mogą posunąć twoją grę w projektowanie dźwięku dalej.

1. Tekstury stosu i dźwięki warstw

Łączenie tekstur i nakładanie warstw dźwięków to świetny sposób na dodanie głębi do dźwięków. Łącząc różne elementy, można tworzyć złożone dźwięki, które są czymś więcej niż sumą ich części.

Dźwięk szorstkiej, zniekształconej i oktawowej gitary na szczycie subtelnego, ale szerokiego ambientowego podkładu syntezatorowego może sprawić, że oba dźwięki będą bardziej interesujące.

2. Wykorzystanie efektu Haasa

Efekt Haas to subtelny, ale potężny sposób na nadanie percepcji szerokości dźwięku. Lekkie opóźnienie jednego kanału w sygnale stereo sprawia, że brzmi on szerzej. Jest to wspaniałe narzędzie do przenoszenia wyśrodkowanych dźwięków i rozprzestrzeniania ich "poza głośniki".

3. Nie dodawaj elementów, jeśli mieszanka nie działa.

Dążąc do perfekcji, producenci muzyczni i kompozytorzy często dodają nowe elementy, jeśli stwierdzą, że ich miks nie działa.

Zachęcam do rozpoznania, kiedy masz taką skłonność i oparcia się pokusie zakopania miksu w śmieciach. Zamiast tego skup się na udoskonalaniu i optymalizacji tego, co już masz. Jakość ponad ilość jest mantrą, dlatego tak ważne jest, aby starannie dobierać elementy.

4. Cisza jest twoim przyjacielem

Często nie doceniamy siły ciszy w projektowaniu dźwięku, co jest ironiczne, ponieważ istnieje ona w naszym codziennym języku.

Kiedy stawiamy kropkę na końcu zdania, daje to czytelnikowi lub słuchaczowi chwilę na oddech i zastanowienie się nad tym, co właśnie usłyszeli. To samo powinno dotyczyć muzyki i dźwięku.

Poprzez strategiczne włączenie ciszy do naszego procesu tworzenia, możemy stworzyć momenty napięcia, dzięki czemu główne dźwięki wydają się bardziej wpływowe.

5. Zawsze eksperymentuj z cofaniem

Chociaż efektu odwrócenia łatwo jest nadużywać, czasami jest to właśnie to, czego potrzebujesz, aby dźwięk był bardziej interesujący.

Niezależnie od tego, czy jest to odwrócone uderzenie talerza, które reprezentuje dźwięk zamykających się drzwi śluzy powietrznej, czy też odwrócony pogłos wokalu za suchym wokalem, aby nadać mu upiorną jakość, istnieje nieskończenie wiele sposobów, w jakie eksperymentowanie z odwracaniem dźwięku może otworzyć wyjątkowe możliwości.

6. Nagrywaj dźwięki tak często, jak to możliwe

Jednym z najlepszych sposobów, aby uczynić swój projekt dźwiękowy bardziej autentycznym , jest nagrywanie dźwięków, gdy tylko jest to możliwe. Przez cały czas masz przy sobie małe urządzenie nagrywające (smartfon). Dlaczego nie skorzystać z niego, rejestrując organiczne dźwięki otaczającego świata i manipulując nimi później w programie DAW?

W jednej z moich ostatnich piosenek, "Under the Sun", włączyłem nagranie ptaków mojego sąsiada i oblałem dźwięk dużą dawką pogłosu, aby wyglądały, jakby leciały przez kanion.

7. Wykorzystaj hałas

Chociaż często myślimy o szumie jako o czymś, czego nie chcemy w naszych miksach, może on być niezwykle potężnym sprzymierzeńcem w projektowaniu dźwięku.

Eksperymentuj z różnymi rodzajami szumu - białym, różowym, a nawet ziarnistym - aby dodać teksturę, charakter i złożoność do swoich dźwięków.

8. Korzystanie z pełnego pola stereo

Jeśli nie maksymalizujesz pola stereo od prawej do lewej, tracisz wiele możliwości.

Stworzenie trójwymiarowej przestrzeni wymaga staranności, ponieważ wiąże się z rozmieszczeniem elementów w sposób, który wzajemnie się uzupełnia, a nie maskuje.

Wymaga również kontrastu. Aby dźwięk dawał wrażenie szerokości, potrzebujemy dźwięku, który jest wąski, aby go skontrastować. Eksperymentuj z przesuwaniem dźwięków w trójwymiarowym polu i korzystaj z efektów, takich jak automatyczne panoramowanie, aby stworzyć losowość.

9. Kontrast jest kluczem

Poza polem stereo, kontrast jest równie ważny we wszystkich aspektach projektowania dźwięku.

Bez miękkości nie ma głośności, a bez delikatności nie ma szorstkości.

Używając różnych smaków w procesie, można stworzyć bardziej dynamiczną recepturę.

10. Bądź zorganizowany

Ta ostatnia wskazówka nie jest kreatywna, ale bardziej praktyczna.

Proces projektowania dźwięku może być chaotyczny, a najlepszym sposobem na utrzymanie poczucia porządku jest pozostanie zorganizowanym.

Upewnij się, że twoje ścieżki i elementy są odpowiednio oznaczone, uporządkuj dźwięki i efekty w łatwo dostępnych folderach oraz używaj szablonów i gotowych łańcuchów efektów w swoim DAW, abyś mógł od razu zanurzyć się w natchnieniu, zamiast marnować siłę umysłu na szukanie tego jednego zniekształconego pliku audio werbla, który mógłbyś przysiąc, że masz w swoim arsenale.

Przemyślenia końcowe

Bycie świetnym projektantem dźwięku wymaga lat praktyki, jednak znajomość unikalnych technik miksowania i eksperymentalnego nagrywania, z których korzystają projektanci dźwięku, czy to w produkcji muzycznej, filmowej, telewizyjnej czy w grach wideo, może dać ci przewagę w tworzeniu własnych oryginalnych dźwięków.

Istnieje nieskończony krajobraz dźwiękowy, który tylko czeka, aby go zmiksować, zmanipulować, zmiksować i zmasterować. Uchwyć go.