W dzisiejszych czasach EDM jest wszędzie.

Można go usłyszeć na największych festiwalach muzycznych, takich jak Electric Daisy Carnival czy Tomorrowland, w ulubionym lokalnym barze, na imprezach domowych i w większości stacji radiowych. Prawie jedna czwarta muzyki na Spotify jest oznaczona jako EDM, a słucha jej 23% słuchaczy w wieku od 16 do 19 lat.

Zabawne jest to, że EDM nie jest nawet gatunkiem! Jest to termin parasolowy, który obejmuje różnorodne style tak różne od siebie, że niektóre z nich prawie nie mają ze sobą nic wspólnego.

Niemniej jednak, począwszy od początku 2010 roku, rewolucja EDM na dobre zmieniła kulturę taneczną i muzykę pop, wprowadzając starą, dobrą muzykę elektroniczną do głównego nurtu i rzucając światło na tętniący życiem ekosystem DJ-ów i klubów przesuwających granice tego nowego ruchu.

Dzisiaj przeanalizujemy, czym jest EDM, jak się zaczęło i dokąd zmierza, a także zdefiniujemy jego najpopularniejsze podgatunki. Artykuł zakończymy sekcją o tym, jak można tworzyć EDM za pomocą DAW (cyfrowej stacji roboczej audio), więc jeśli tego właśnie szukasz, możesz od razu przejść do sekcji Pierwsze kroki z produkcją EDM.

Definicja EDM

EDM to skrót od Electronic Dance Music, co w zasadzie wyjaśnia, do czego odnosi się ten ogólny termin: jest to muzyka tworzona za pomocą elektronicznie syntetyzowanych instrumentów, które mają na celu skłonienie ludzi do tańca poprzez chwytliwe rytmy i melodie.

Instrumenty elektroniczne mogą być zarówno analogowe, jak i cyfrowe, podobnie jak procesy próbkowania i edycji dźwięku. Ważne jest, aby pamiętać, że termin "EDM" obejmuje wszystko, co jest stworzone do tańca.

Muzyka elektroniczna, jeszcze szerszy termin parasolowy, obejmuje gatunki muzyczne, takie jak muzyka elektroakustyczna, drone i ambient, które nie są gatunkami tanecznymi, ale nadal są tworzone za pomocą środków elektronicznych lub kombinacji elementów analogowych i elektronicznych.

Wracając do EDM. Biorąc pod uwagę różnorodność gatunków, które należą do tej kategorii, trudno jest znaleźć wspólne elementy między nimi wszystkimi, ale oto kilka z nich:

• Wszystkie mają rytmiczny puls, w tempie, które może wynosić od 60 BPM (Dub) do 180 lub więcej (Drum and Bass).
• Piosenki są zazwyczaj łatwe do słuchania i zapadające w pamięć, z chwytliwymi melodiami i energetyzującą atmosferą.
• Do wszystkich instrumentów i głosów zastosowano wiele efektów i procesów przetwarzania.
• Częste korzystanie z próbek i wcześniej nagranych materiałów.
• To muzyka stworzona, by pobudzać słuchaczy na festiwalach i imprezach.

Wszystko inne jest opcjonalne, a każdy gatunek ma swoją własną sygnaturę dźwiękową, która odróżnia go od innych, co sprawia, że EDM jest tak żywym i kreatywnym ekosystemem dla producentów.

Oś czasu EDM

Wierzcie lub nie, ale EDM ma swoje korzenie w Musique Concrète, formie komponowania muzyki, która rozpoczęła się w latach dwudziestych XX wieku i opiera się na miksowaniu i modyfikowaniu wcześniej nagranych dźwięków.

Był to czas, w którym kompozytorzy po raz pierwszy próbowali tworzyć muzykę, wykorzystując wielowarstwowe dźwięki i łącząc je w celu stworzenia spójnego krajobrazu dźwiękowego. Doskonałym przykładem tej formy sztuki jest twórczość Johna Cage'a.

Wraz z rozwojem technologii nastąpił rozwój eksperymentów elektronicznych. Potężniejsze generatory elektroniczne doprowadziły do narodzin Elektronische Musik w Niemczech w latach 50-tych, czysto elektronicznego ruchu muzycznego prowadzonego przez wielkiego Karlheinza Stockhausena.

(Niemcy stały się fenomenalnym tyglem elektronicznych eksperymentów, ożywiając unikalne gatunki elektroniczne przez dziesięciolecia, od Kosmische Musik po Electropop i Berlin Techno. Do dziś Berlin jest jednym z nieuniknionych miejsc muzycznych dla entuzjastów EDM).

Pod koniec lat 60. i w latach 70. wzrost popularności syntezatorów modularnych (pierwszy komercyjny syntezator Roberta Mooga został wydany w 1964 roku) i automatów perkusyjnych zaowocował szerszą eksploracją dźwięków elektronicznych.

Muzyka disco, ze swoimi beatami four-on-the-floor i uzależniającymi liniami basu, jest prekursorem nowoczesnego EDM i osiągnęła światowy sukces dzięki Giorgio Moroderowi i Donnie Summer. Electropop, którego najpopularniejszymi wykonawcami byli Kraftwerk i Yellow Magic Orchestra, również osiągnął światowy sukces w połowie lat 70-tych.

Ważne jest również, aby wspomnieć o wpływie muzyki dub i kultury sound systemowej, która powstała na Jamajce w tym czasie, co zapoczątkowało kulturę remiksu i zwiększyło wykorzystanie decków DJ-skich i mikserów jako kreatywnych instrumentów.

Na początku lat 80. wszystkie te elementy zbiegły się i połączyły w dwóch miastach, Chicago i Detroit, które dały początek odpowiednio muzyce House i Techno.

Muzyka Chicago House to disco w bardziej elektronicznej formie, z rytmami 4/4 tworzonymi przez automaty perkusyjne, przystępnymi melodiami, głębokimi liniami basowymi i wzmocnioną synkopą.

Muzyka Detroit Techno jest bardziej futurystyczna, z cięższymi bitami i bardziej abstrakcyjnym klimatem niż House. Ma również tendencję do bardziej złożonych rytmów perkusyjnych.

Od lat 90. na całym świecie zaczęły pojawiać się nowe konsekwencje w ekosystemie muzyki elektronicznej.

Przez lata muzyka trance stała się siłą napędową głównego nurtu muzyki elektronicznej, podczas gdy bardziej zorientowane na rave gatunki, takie jak jungle i Drum and Bass, stały się popularne w Wielkiej Brytanii i europejskiej kulturze klubowej. Francuski duet Daft Punk stworzył unikalną mieszankę muzyki elektronicznej, tanecznej i dyskotekowej, która uczyniła z nich globalny fenomen.

W XXI wieku popularyzacja programów DAW zrewolucjonizowała produkcję muzyki elektronicznej, umożliwiając niezliczonym artystom eksperymentowanie z produkcją muzyki nawet bez dostępu do wysokiej klasy sprzętu muzycznego lub studiów nagraniowych.

To prowadzi nas do kolejnego rozdziału: najpopularniejszych obecnie gatunków EDM.

Przegląd gatunków EDM

Istnieje nieskończona liczba gatunków i podgatunków należących do kategorii EDM, a analiza każdego z nich wykracza poza zakres tego artykułu. Ważne jest jednak, aby zrozumieć różnice między najpopularniejszymi stylami EDM i jak powinieneś podejść do produkcji w zależności od gatunku, na którym chcesz się skupić.

W tej sekcji znajdziesz listę najpopularniejszych gatunków elektronicznej muzyki tanecznej z przeszłości i teraźniejszości, w kolejności alfabetycznej. Aby zachować prostotę i porządek, dla każdego gatunku przedstawiłem główne cechy dźwiękowe, typowe tempo i najpopularniejszych artystów, którzy zdefiniowali dany gatunek.

Acid Techno

Od końca lat 80. i przez całe lata 90. Acid Techno było popularnym gatunkiem na rave'ach i w undergroundowych klubach. Zostało zainspirowane nieziemskimi dźwiękami syntezatora Roland TB-303 i charakteryzuje się powtarzalnymi bitami, minimalistycznymi teksturami i tempem około 140 BPM. Sprawdź Aphex Twin, Richie Hawtin i Chris Liberator, aby uzyskać pomysł.

Bas

Muzyka basowa to szeroki styl, który obejmuje gatunki takie jak Dubstep, Drum and Bass, Trap i w zasadzie wszystko, co ma potężny niski koniec. Muzyka basowa ma zwykle ciężkie linie basowe, które czerpią inspirację z brytyjskiego soundsystemu i kultury garażowej. Skream i Benga są pionierami tego gatunku.

Dom z dużym pokojem

Uosobienie brzmienia przyjaznego festiwalom, Big Room House jest obecnie największym gatunkiem EDM na scenie klubowej. Stał się popularny na początku 2010 roku, a Martin Garrix, Hardwell, Nicky Romero i Afrojack szybko stali się czołowymi przedstawicielami tego gatunku. Jako styl jest bardzo łatwy do zidentyfikowania: masywne dropy, proste melodie i tempo około 128 BPM.

Bitpop

Łącząc elementy chiptune z muzyką pop, Bitpop to gatunek muzyki elektronicznej, który wykorzystuje układy dźwiękowe starszych (8-bitowych lub 16-bitowych) komputerów i łączy je z nowoczesnym sprzętem i wokalami. Ma nostalgiczny klimat, a tempo waha się od 100 do 140 BPM. Posłuchaj Anamanaguchi i Slagsmålsklubben.

Breakbeat Hardcore

Breakbeat Hardcore łączy breakbeatowe rytmy z galwanizującym klimatem muzyki rave. Pojawił się w latach 90-tych w Wielkiej Brytanii i zwykle charakteryzuje się szybkim tempem około 145-155 BPM lub wyższym, ciężkim basem i samplowanymi wokalami. The Prodigy, zwłaszcza ich wczesne albumy, są najlepszymi przykładami tego stylu.

Deep House

Deep House ma wciągający klimat z chwytliwymi liniami basu, elementami perkusyjnymi, jazzującymi akordami i tempem około 120-125 BPM. Duke Dumont, Robin Schulz i Maya Jane Coles to świetni artyści, których powinieneś sprawdzić, jeśli interesujesz się tym gatunkiem.

Deep Techno

W przeciwieństwie do Deep House, Deep Techno ma bogatsze tekstury i bardziej hipnotyczny flow. Ma stałe tempo około 120-125 BPM i często zawiera ambientowe pejzaże dźwiękowe. Donato Dozzy i Deepchord są moim zdaniem najlepsi w tej grze.

Downtempo

Downtempo łączy elementy ambientu i muzyki chillout, tworząc relaksującą atmosferę. Zwykle ma wolne tempo 60-90 BPM, aby wzmocnić kojącą, introspektywną atmosferę, którą przekazuje ten gatunek. Sprawdź Bonobo, aby uzyskać pomysł.

Drum and Bass

Drum and Bass powstał w Wielkiej Brytanii na początku lat 90. i obecnie przeżywa wielki powrót. Ma tempo około 160-180 BPM, zawiera szybkie breakbeaty, przepastne linie basu i skomplikowane rytmy inspirowane jazzową perkusją na sterydach. Polecam posłuchać Chase & Status, Pendulum, Sub Focus, Goldie i Noisia.

Dub Techno

Dub Techno ma głębokie brzmienie, które zachęca do introspekcji i wciągający dubowy klimat, który sprawia, że jest podstawą w podziemnych klubach na całym świecie. Jego tempo waha się od 110 do 120 BPM. Artyści tacy jak Basic Channel i Deepchord są pionierami tego gatunku.

Dubstep

Dubstep był gatunkiem połowy 2000 roku, z jego ciężkimi basowymi dropami i synkopowanymi rytmami, które wpłynęły na każdy inny gatunek głównego nurtu, od heavy metalu po pop. Charakteryzuje się tempem około 140 BPM i mroczną, ponurą atmosferą. Gatunek ten może być dość zróżnicowany, ale nie ma wątpliwości, że Burial stworzył sygnaturę dźwiękową, która zdefiniowała ten gatunek, więc sprawdź jego dyskografię, jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o tym stylu.

Electro House

Electro House stał się popularny na początku XXI wieku, z mieszanką muzyki house i dźwięków inspirowanych electro, ciężkimi liniami basowymi i tempem w zakresie od 125 do 135 BPM. Deadmau5 i David Guetta sprawili, że gatunek ten stał się głównym nurtem w tamtych czasach.

Electro Swing

Electro Swing to interesujące połączenie vintage'owej muzyki swingowej i nowoczesnych bitów elektronicznych, oferujące dość unikalne podejście do nowoczesnego EDM, z rytmami up-tempo około 110-130 BPM i intensywnym wykorzystaniem sampli mosiężnych. Sprawdź Parov Stelar i jego niesamowitą produkcję, aby doświadczyć gatunku w najlepszym wydaniu.

Future Bass

Future Bass ma cieplejszy klimat i bardziej podnoszący na duchu dźwięk niż gatunki, którymi się inspiruje, głównie dubstep i trap. Stał się popularny w połowie lat 2010, z tempem w zakresie od 130 do 175 BPM. Flume i Illenium spopularyzowali ten gatunek w ciągu ostatniej dekady, chociaż wydaje się, że Future Bass stracił impet w latach 2020.

Usterka

Muzyka glitch wykorzystuje cyfrowe zniekształcenia, usterki i nieoczekiwane dźwięki, aby stworzyć eksperymentalny krajobraz dźwiękowy, któremu zwykle towarzyszy inspirowany elektroniką beat. Artyści tacy jak Autechre, Apparat i Tim Hecker są świetnymi przedstawicielami tego gatunku.

Hardstyle

Hardstyle, bardzo popularny w Holandii, Belgii i Włoszech, to mocny, bezpośredni gatunek z przesterowanymi kopnięciami i porywającymi melodiami. Tempo zazwyczaj oscyluje wokół 140-150 BPM. Headhunterz i Showtek grali ten gatunek na najbardziej znanych festiwalach na całym świecie.

Przemysłowy

Muzyka industrialna może być niezwykle różnorodna, od ambientu po metal i wszystko pomiędzy, ale zawsze można znaleźć dystopijny klimat, który w jakiś sposób łączy ten gatunek we wszystkich jego odmianach. Nine Inch Nails i Front 242 to jedni z najbardziej znanych przedstawicieli tego gatunku.

Lo-Fi

Niska jakość dźwięku, miękkie bity, szum otoczenia i spokojne tempo około 60-90 BPM to udana formuła lo-fi, gatunku, który stał się niezwykle popularny w ciągu ostatniej dekady, zwłaszcza dlatego, że jest idealny do nauki i relaksu. Artyści tacy jak Nujabes i Jinsang byli pionierami tego gatunku dzięki swoim kojącym, nostalgicznym utworom.

Minimal Techno

Minimal Techno to okrojona wersja Techno, z powtarzalnymi bitami, minimalistycznymi elementami i tempem między 120 a 130 BPM, która stała się popularna na początku lat 90-tych. Richie Hawtin, Robert Hood, Ricardo Villalobos i Mika Vainio to jedni z największych producentów, którzy eksplorowali ten hipnotyczny gatunek.

Progressive House

Progressive House to inspirowany trance'em styl muzyki House z melodyjnymi strukturami, euforycznymi dropami i tempem zwykle około 125-130 BPM. Charakteryzuje się jednak bardziej złożoną strukturą w porównaniu do uplifting trance, z zawiłymi warstwami rytmicznymi lub wzorami melodycznymi. Sprawdź Eric Prydz, deadmau5, Swedish House Mafia i Lane 8.

Trance

Muzyka trance to czysta euforia przełożona na dźwięki. Dzięki wciągającym melodiom i wciągającemu tempu (do 150 BPM) z ekscytującym narastaniem i zwolnieniami, gatunek ten stał się popularny w latach 90. i od tego czasu nigdy nie opuścił parkietu. Polecam zacząć odkrywanie gatunku od mistrzów: Armin van Buuren, Paul van Dyk i Tiesto.

UK Garage

UK Garage powstał w latach 90. w Wielkiej Brytanii jako połączenie synkopowanych rytmów 2-step z elementami dance i R&B. W dużej mierze inspirowany ruchem jungle, ale bardziej dostępny dla zwykłych słuchaczy, gatunek szybko zyskał popularność na całym świecie, rozgałęziając się na wiele podgatunków, od bassline, future garage, grime i dubstep. El-b i Groove Chronicles są jednymi z najlepszych artystów eksplorujących ten gatunek.

Vaporwave

Vaporwave to fascynujący mikrogatunek, który łączy estetykę retro z surrealistycznym klimatem. Zwykle zawiera spowolnione sample o tempie około 60-90 BPM, przypominające popkulturę lat 80. i 90., a także muzykę do reklam i wind z minionych epok. Przez lata gatunek ten był wykorzystywany jako narzędzie do eksponowania (i krytykowania) współczesnej kultury techno. Jeśli jesteś zainteresowany tym ukrytym zakątkiem EDM, koniecznie sprawdź Telepath i Saint Pepsi.

Pierwsze kroki w produkcji EDM

Twój pierwszy utwór może nie zabrzmieć jak światowy hit, ale stawianie pierwszych kroków w świecie produkcji muzyki EDM nie jest takie trudne. Istnieją pewne programy i wtyczki, których potrzebujesz, ale potem wszystko, co musisz zrobić, to ćwiczyć, ćwiczyć i ćwiczyć!

Poniżej znajdziesz to, co moim zdaniem jest najlepszym podejściem podczas tworzenia muzyki EDM. Każdy gatunek jest inny, ale o ile mi wiadomo, jest to struktura, która działa dobrze we wszystkich stylach należących do kategorii elektronicznej muzyki tanecznej.

Wybierz swój DAW

Moglibyśmy spędzić wiele dni rozmawiając o tym, który DAW wybrać, ale postarajmy się zachować prostotę.

Większość, jeśli nie wszystkie, profesjonalne programy DAW spełnią twoje potrzeby jako producenta EDM, zwłaszcza jeśli jesteś początkującym. Jeśli GarageBand to wszystko, co masz lub na co cię stać (jest darmowy), to skorzystaj z niego. Jeśli nie korzystasz z produktów Apple, wybierz Cakewalk (ponownie, darmowy, ale dla Windows).

Jeśli możesz zainwestować nieco więcej i chcesz nauczyć się profesjonalnie produkować utwory, są dwa wyjątkowe DAW dla producentów EDM, które polecam: Ableton Live i FL Studio.

Ableton Live to najpopularniejszy DAW, który jest fenomenalny, jeśli chodzi o produkcję EDM, dzięki kultowemu systemowi zapętlania. FL Studio to kolejna świetna opcja dla producentów muzyki elektronicznej, z profesjonalną biblioteką dźwięków i super intuicyjnym automatem perkusyjnym i klawiaturą MIDI.

To powiedziawszy, jakikolwiek DAW masz dostępny, powinien mieć wystarczającą ilość narzędzi i dźwięków, aby stworzyć podstawowy utwór EDM. Jak zobaczysz poniżej, nie używam ani Ableton Live, ani FL Studio, ale nadal mogę stworzyć utwór EDM od podstaw. Nie skupiaj się więc zbytnio na narzędziu, ale raczej na tym, jak możesz stworzyć idealny przepływ pracy przy produkcji EDM w wybranym przez siebie DAW.

Po raz kolejny, każdy DAW może być dobry, pod warunkiem, że jesteś zaznajomiony z jego działaniem. Poświęć trochę czasu na przetestowanie kilku różnych stacji roboczych (większość z nich jest dostępna w bezpłatnych wersjach próbnych) i zobacz, która z nich najlepiej pasuje do twojego przepływu pracy.

Zanim zaczniemy, chciałbym wyjaśnić, że nie ma złotej reguły w produkcji muzyki elektronicznej. Co więcej, przepływ pracy między producentami hip-hopu i techno może być diametralnie różny.

To znaczy, że mam nadzieję, że znajdziesz wartość w przedstawionym poniżej przepływie pracy, ale możesz mieć zupełnie inne podejście do produkcji muzyki i nadal wydawać wyjątkową muzykę.

Tempo i rytm perkusji

Bicie perkusji to rzecz, od której chcesz zacząć, a cztery na podłodze to najlepszy sposób.

Wybierz tempo utworu w zależności od gatunku, nad którym pracujesz. Jeśli tworzysz klasyczny utwór taneczny lub tech-house, wybierz coś pomiędzy 126 a 132 BPM.

W tym przewodniku użyję Studio One jako DAW:

Ustawienie odpowiedniego tempa projektu przed rozpoczęciem pracy jest ważne z wielu powodów, ale przede wszystkim dlatego, że chcesz usłyszeć, jak brzmią twoje sample w tempie, w jakim utwór zostanie ukończony. Może się zdarzyć, że próbka wokalu brzmi świetnie przy 126 BPM, ale niezwykle sztucznie przy 132 BPM, więc mądrze wybierz tempo i upewnij się, że wybierasz odpowiednie próbki do swojego utworu.

Następnie skup się na kick'u, który jest podstawą twojego utworu EDM. W programie DAW dodaj nową ścieżkę mono, wybierz dźwięk bębna basowego ze swojej biblioteki (większość programów DAW ma wbudowaną bibliotekę, a jeśli nie, w Internecie dostępnych jest wiele bezpłatnych bibliotek).

Następnie skopiuj/wklej dźwięk kick drum na nową ścieżkę i dodaj kick do każdego taktu pierwszej miary. Następnie po prostu zaznacz całą sekcję i powiel ją tak długo, jak chcesz.

Jeśli zrobisz to poprawnie, twój utwór EDM powinien teraz wyglądać tak:

Programy DAW, takie jak wspomniane wcześniej Ableton Live i FL Studio, są wyposażone w intuicyjne systemy zapętlania i rolki pianina, które sprawiają, że tworzenie beatów jest spacerkiem po parku. Ale ogólnie rzecz biorąc, jeśli odpowiednio ustawisz tempo i dodasz bęben kopiący do wszystkich bitów, powinieneś usłyszeć znajomy, pompujący dźwięk taneczny.

Skupmy się teraz na werblu, który napędza utwór.

Werble EDM zazwyczaj grają razem z bębnem basowym na ćwierćnutach lub grają szybsze rytmy, gdy prowadzą do sekcji drop. Oto przykład tego, jak wygląda podstawowy beat perkusji / werbla:

Utwory EDM mają wiele kształtów i form, a nie każda muzyka klubowa to cztery na podłodze. Jest to jednak świetny punkt wyjścia, jeśli tworzysz swój pierwszy utwór EDM.

Jeśli używasz sampli, upewnij się, że bity są idealnie zsynchronizowane i sprawdź poziomy głośności, gdy kick i werbel grają jednocześnie. Łatwo jest uzyskać zniekształcony dźwięk, ponieważ większość dźwięków EDM jest zaprojektowana tak, aby były jak najgłośniejsze.

Linia basu

Nawet jeśli masz już w głowie melodię, zawsze dobrą praktyką jest rozpoczęcie od linii basu, ponieważ będzie ona pomostem między akordami i rytmami, które zdefiniują twój utwór.

Na początku radziłbym zachować prostotę. Zawsze możesz uczynić go bardziej wyrazistym na późniejszym etapie procesu, ale na razie stwórz coś, co jest groovy i chwytliwe.

Jeśli chodzi o bas, ważne jest, aby znaleźć idealną równowagę między groove'em a subtelnością. W niektórych gatunkach, takich jak minimal techno, bas może być głównym elementem utworu, ale ogólnie powinien być spoiwem między rytmem a melodią, dodając głębi obu, nie przyćmiewając ich.

Talerze Hi Hat i Crash

Kultowy inżynier dźwięku Steve Albini nazwał hi-hat "prawdziwie szatańskim instrumentem", ponieważ wydaje się, że zawsze jest w drodze podczas nagrywania perkusji. Może tak być w muzyce indie rockowej, ale jeśli chodzi o EDM, starannie dopracowana sekcja hi-hat jest często tym, co sprawia, że utwór jest galwanizujący.

Użyj kombinacji zamkniętych i otwartych dźwięków hi-hatu, które wypełnią sekcję rytmiczną wysokimi tonami, upewniając się, że hi-hat uzupełnia istniejący rytm i wzmacnia groove.

Niektóre utwory działają dobrze z minimalnym hi-hatem, podczas gdy inne wydają się bardziej kompletne, gdy hi-hat jest stale obecny. W przeciwieństwie do kopa i werbla, z hi-hatem można być nieskończenie kreatywnym.

Nie ma jednego uniwersalnego rozwiązania, jeśli chodzi o hi-hat. Jedyną rzeczą, o której należy pamiętać, jest to, że powinien on podążać za rytmem wszystkich innych elementów utworu i urozmaicać perkusję poprzez akcenty i efekty groovy.

W tym przykładzie użyłem pętli perkusyjnej, którą stworzyłem dla poprzedniego utworu, ale powinieneś zrozumieć ideę:

Melodia i progresja akordów

Teraz, gdy fundamenty twojego utworu EDM są już gotowe, nadszedł czas, aby wzbogacić go o akordy i melodie.

Ponownie, nic nie jest ustalone, ale moim zaleceniem jest skupienie się na następujących aspektach, w kolejności opisanej poniżej:

1) Linia basu, którą już omówiliśmy

2) Akordy

3) Melodia

4) Wokal (jeśli występuje)

W ten sposób stworzysz krajobraz dźwiękowy swojego utworu od podstaw i prawdopodobnie łatwiej będzie stworzyć spójną melodię.

Nie trzeba dodawać, że podstawowe zrozumienie progresji akordów i skal muzycznych bardzo ci pomoże. Utwory EDM zazwyczaj nie są skomplikowane pod względem kompozycji, ale nadal muszą mieć pewną muzykalność, aby brzmiały przyzwoicie.

Możesz ożywić kultową melodię, grając losowo na klawiaturze MIDI, ale zrozumienie relacji między różnymi klawiszami może pomóc ci urozmaicić i pogłębić twoje kompozycje, a także sprawić, że będą brzmiały bardziej jak światowe hity, które próbujesz naśladować.

Do mojego utworu dodałem kilka syntezatorowych melodii, aby wzbogacić brzmienie:

Struktura utworu

Być może zauważyłeś, że wiele utworów EDM ma podobny schemat, jeśli chodzi o strukturę utworu.

Częściowo wynika to z faktu, że producenci chcą od razu przyciągnąć uwagę słuchacza znanym układem, ale jest jeszcze jeden kluczowy czynnik, który należy wziąć pod uwagę, jeśli chcesz, aby Twój utwór był odtwarzany w klubach: musisz sprawić, by był "przyjazny dla DJ-ów".

Podczas miksowania dwóch utworów DJ potrzebuje czasu, aby połączyć utwory, zanim przejdzie do następnego utworu, co oznacza, że utwory muszą zaczynać się powoli, nawet tylko od rytmu, i stopniowo wprowadzać resztę tekstury dźwięku.

To samo dotyczy zakończenia utworu. Zasadniczo dobrą praktyką jest jedna minuta na zbudowanie utworu na początku i kolejna minuta na usunięcie wszystkiego, aż pozostanie tylko rytm.

Zawsze możesz opublikować dwie wersje utworów, tak jak robi to wielu producentów. To właśnie do tego służą terminy "Radio Edit" lub "Extended Version", gdy widzisz je w tytule utworu.

Nie ma złotych zasad co do tego, co powinno znajdować się między intro i outro, ale nie ma wątpliwości, że narastanie i opadanie odgrywają kluczową rolę we wszystkich gatunkach EDM.

Narastanie to crescendo: moment piosenki, w którym budujesz rozpęd i przygotowujesz publiczność na to, co ma nadejść, czyli drop. Zazwyczaj build-up zawiera partię perkusji bez kick'a i kilka melodyjnych fragmentów, i emanuje uczuciem oczekiwania wspólnym dla wszystkich gatunków EDM.

Spadek to najbardziej energetyczna część utworu, w której następuje nagła zmiana melodii, linii basu lub rytmu, a elementy perkusyjne i dźwięki low-end galwanizują publiczność.

Aby uczynić utwór bardziej dynamicznym, należy przeplatać momenty o wysokiej energii ze spokojniejszymi częściami, znanymi również jako "przerwy" lub "breakbeaty". Są to momenty utworu, w których dzieje się mniej, albo tylko melodia, albo sekcja rytmiczna, aby dodać poczucie ruchu do utworu i zaangażować słuchacza.

Warstwy

Widziałeś, jak stworzyłem podstawową strukturę utworu w poprzednich sekcjach. Ten utwór brzmi na daleki od ukończenia, mimo że ma beat, linię basu, podstawową melodię i tak dalej. Dlaczego?

Po naszkicowaniu utworu nadszedł czas, aby go dopracować, dodając więcej elementów perkusyjnych i melodycznych, miksując wszystkie elementy razem, dodając głębię i teksturę do każdego używanego dźwięku.

To właśnie w tym tkwi wyjątkowość producenta: w zdolności do stworzenia unikalnej sygnatury dźwiękowej, łączącej różne elementy w sposób, w jaki nie robi tego żaden inny producent muzyczny.

Dopracowanie utworów przed publikacją ma fundamentalne znaczenie i bez wątpienia podniesie jakość utworów, sprawiając, że będziesz brzmiał bardziej profesjonalnie i kreatywnie.

Regulacja głośności i panoramowanie odgrywają tutaj kluczową rolę. Każdy element utworu powinien być wyraźnie słyszalny i mieć określoną przestrzeń w scenie dźwiękowej. Zderzające się instrumenty spowodują tylko zamieszanie i sprawią, że utwór będzie nieprzyjemny.

Posłuchaj swojego utworu na różnych słuchawkach lub głośnikach, aby upewnić się, że będzie brzmiał świetnie na jak największej liczbie systemów odtwarzania. Proces ten pomoże również uprościć proces postprodukcji, o którym porozmawiamy za chwilę.

Wtyczki, efekty, biblioteki dźwięków

Większość programów DAW zawiera bibliotekę dźwięków i efektów, które można wykorzystać do rozpoczęcia pracy w świecie produkcji muzycznej. Upewnienie się, że masz odpowiednie dla swoich potrzeb, a także nauczenie się, jak korzystać z tych dźwięków i efektów w najlepszy możliwy sposób, będzie ważną częścią twojej podróży jako artysty.

Moim zaleceniem jest rozpoczęcie pracy z tym, co masz w swoim DAW. Nie wypełniaj swojej biblioteki wtyczkami i efektami, których nigdy nie użyjesz, ale raczej skup się na opanowaniu kilku narzędzi, które posiadasz, a następnie ulepszaj je tylko wtedy, gdy poczujesz taką potrzebę.

Kuszące może być pobranie wszystkich darmowych bibliotek, które można znaleźć w Internecie, ale zaufaj mi, będzie to miało negatywny wpływ na przepływ pracy. Jeśli masz setki bębnów basowych, skończysz na tym, że będziesz zastanawiać się nad każdą decyzją, którą podejmiesz podczas tworzenia rytmu.

Wielcy producenci muzyczni do początku XXI wieku mieli dostęp do ułamka tego, co jest dostępne dzisiaj pod względem efektów i dźwięków, a mimo to potrafili ożywić ponadczasowe utwory. Nie twierdzę, że powinieneś kupić taśmę szpulową i przejść na w pełni analogową produkcję muzyczną, ale zalecałbym ograniczenie biblioteki do minimum, aby zmaksymalizować kreatywny przepływ pracy.

Sfinalizuj ścieżkę

Miksowanie i mastering utworu EDM może być początkowo zniechęcające, ale jeśli zostaną wykonane prawidłowo, te dwa procesy postprodukcji podkreślą piękno utworu i pomogą połączyć się z publicznością w najlepszy możliwy sposób.

Nie będę zagłębiał się zbytnio w koncepcje miksowania i masteringu muzyki, ale wyjaśnię te procesy i czego powinieneś oczekiwać od każdego z nich.

Miksowanie oznacza łączenie ze sobą wszystkich elementów utworu, tak aby całość brzmiała spójnie i konsekwentnie, gdzie wszystkie instrumenty mają swoje miejsce na scenie dźwiękowej, a rezultatem jest przyjemne doznanie słuchowe.

Mastering pomaga osiągnąć standard branżowy pod względem głośności, jednocześnie poprawiając niektóre elementy utworu, aby był bardziej zgodny z gatunkiem muzycznym, do którego się odnosi. Jest to ostatni etap produkcji muzycznej, w którym dodaje się ostatnie szlify do utworu przed jego publikacją.

O ile nie produkujesz muzyki tylko dla zabawy, oba te procesy mają fundamentalne znaczenie, jeśli chcesz, aby Twoje utwory były doceniane i udostępniane publiczności. Chociaż możesz samodzielnie dokonać edycji i poradzić sobie z procesem postprodukcji, istnieją profesjonalni inżynierowie dźwięku, którzy mogą sprawić, że Twój utwór naprawdę zabłyśnie, więc rozważ zatrudnienie inżyniera miksowania lub masteringu, jeśli chcesz, aby Twój utwór odniósł sukces.

Przemyślenia końcowe

I to wszystko, co wiem o elektronicznej muzyce tanecznej.

Mam nadzieję, że ten przewodnik pomoże ci lepiej zrozumieć i zgłębić ten gatunek, a jeśli są to twoje pierwsze kroki w świecie produkcji muzyki EDM, życzę ci powodzenia i mam nadzieję, że usłyszymy twoje utwory na Ultra Music Festival!