Czy kiedykolwiek słyszałeś wyrażenie "nie chodzi o to, co mówisz, ale jak to mówisz"? Możemy zastosować tę zasadę do ekspresji instrumentów muzycznych: nie chodzi o to, co grasz, ale jak to grasz. To i celowy dobór dźwięków są podstawowymi zasadami stojącymi za koncepcją instrumentacji.

Instrumentacja w muzyce wnosi życie i emocje do napisanej kompozycji, co czyni ją istotną częścią bycia muzykiem, niezależnie od tego, czy jesteś piosenkarzem, producentem czy instrumentalistą. Poniżej wyjaśniamy, jak działa instrumentacja i dzielimy się tym, jak można wykorzystać te klasyczne techniki, aby nadać swojej sztuce większą ekspresję i zaangażować słuchaczy.

Definiowanie instrumentacji w muzyce

Instrumentacja odnosi się do szczególnej kombinacji tekstur dźwiękowych i instrumentów w utworze muzycznym, zaprojektowanej w celu wsparcia głównej idei utworu. W swojej najprostszej formie instrumentacja odnosi się do konkretnego wyboru instrumentów przez producenta lub kompozytora.

Oprócz wyboru dźwięku i instrumentów, instrumentacja może również odnosić się do sposobu wyrażania różnych elementów: Na przykład gitara elektryczna grana z vibrato tworzy zupełnie inne wrażenie niż gitara grana czysto. Różne instrumenty mieszczą się również w różnych zakresach częstotliwości, więc instrumentacja zależy w dużej mierze od równowagi spektralnej dźwięku w wielu elementach dźwiękowych.

Zasadniczo instrumentacja polega na wyborze instrumentów i dyktowaniu intensywności, z jaką są one wyrażane, w celu uzyskania zrównoważonego, spójnego miksu, który wspiera melodię utworu:

‍

Dlaczego oprzyrządowanie jest ważne?

Kiedy myślisz o instrumentacji, twój umysł może natychmiast przeskoczyć do muzyki orkiestrowej. Czy możesz sobie wyobrazić, że kompozytor napisał utwór, w którym głos basowy był 5 razy silniejszy niż melodia grana na pierwszych skrzypcach? Prawdopodobnie zgadłbyś, że taki utwór byłby niezrównoważony, utrudniając podążanie za główną melodią muzyki.

Zasady stojące za instrumentacją dają nam ramy do budowania zrównoważonej, spójnej muzyki, która honoruje główną ideę utworu. Większość piosenek można sprowadzić do perkusji, linii basu i melodii, która wszystko spaja. Jeśli myślimy o instrumentacji jako o wyborach mających na celu wspieranie melodii, a nie jej przytłaczanie, jesteśmy w świetnej formie.

Składniki oprzyrządowania

Jak więc tworzy się świetne instrumentarium? Oto główne elementy instrumentacji, które każdy muzyk powinien wziąć pod uwagę:

Wybór dźwięku

Największym elementem instrumentacji jest wybór dźwięku. Nie chodzi tylko o wybieranie poszczególnych komponentów, które lubisz; wybór dźwięku sprowadza się do posiadania wstępnej wiedzy o tym, gdzie niektóre instrumenty znajdują się w spektrum częstotliwości (nie martw się, omówimy to poniżej) i wykorzystania tej wiedzy do informowania o tym, co wprowadzasz do swojej kompozycji.

Być może będziesz musiał pójść na pewne kompromisy, ponieważ tylko dlatego, że coś brzmi dobrze samo w sobie, nie oznacza, że będzie brzmiało świetnie z resztą muzyki. Jeśli nie wspiera idei melodii, musi zniknąć.

Tekstura

Tekstura odnosi się do tego, jak gładki, szorstki, chropowaty lub ciągły może być dźwięk. Chociaż są to bardziej subiektywne terminy, kluczem jest rozważenie, w jaki sposób różne tekstury różnych instrumentów będą ze sobą współdziałać podczas wykonywania kompozycji.

Dynamika

Dynamika odnosi się do tego, jak głośne lub ciche jest coś, szczególnie w odniesieniu do tego, jak głośność i miękkość zmieniają się w czasie w utworze.

Artykulacja

Artykulacja odnosi się do sposobu, w jaki wyrażane są partie instrumentalne lub wokalne. Na przykład, wokal może być śpiewany z twardymi spółgłoskami lub miękkimi, to tylko kwestia wybranej artykulacji.

Timbre

Barwa opisuje ton, w jakim wyrażane są partie instrumentalne.

Zasięg

Zasięg odnosi się do odległości między najniższymi i najwyższymi elementami spektrum częstotliwości. Instrumentacja będzie miała wpływ na zasięg utworu, a tym samym na wrażenia słuchowe fanów.

Mieszanka

Blend lub balans odnosi się do proporcji między jednym dźwiękiem a drugim w kompozycji. Świetna instrumentacja zapewnia spójne połączenie różnych elementów utworu.

Jaka jest różnica między instrumentacją a orkiestracją?

Instrumentacja i muzyka orkiestrowa są bardzo podobne, oba odnoszą się do konkretnego brzmienia i wyboru instrumentów w kontekście kompozycji. Jednak orkiestracja jest nieco bardziej specyficznym terminem, mówiącym o wyborze dźwięku podczas tworzenia muzyki orkiestrowej, zazwyczaj w otoczeniu na żywo.

Z kolei instrumentacja to szerszy termin, który obejmuje szerszy zakres metod produkcji i kompozycji.

Na przykład, można powiedzieć, że wybieranie określonych syntezatorów i partii perkusyjnych w cyfrowej stacji roboczej audio jest rodzajem instrumentacji. Z kolei w przypadku orkiestracji również mamy do czynienia z pracą z wieloma instrumentami, ale w warunkach na żywo, np. przy ustalaniu balansu dźwięku dla kwartetu smyczkowego.

Gdzie w spektrum częstotliwości mieszczą się różne dźwięki?

Aby stworzyć zrównoważony utwór muzyczny, trzeba mieć podstawową wiedzę na temat tego, gdzie instrumenty i dźwięki generalnie znajdują się w spektrum częstotliwości.

Dlaczego?

W przeciwnym razie łatwo jest przesadzić w niektórych sekcjach, co skutkuje słabym oprzyrządowaniem. Oto, gdzie można spodziewać się instrumentów w całym spektrum częstotliwości:

Perkusja

Bębny są zaskakująco wszechstronne pod względem pokrycia spektrum częstotliwości. Bębny Kick są najniższe, z uderzeniem spoczywającym gdzieś przy 60-80 Hz. Werble i tomy spoczywają głównie w środku spektrum częstotliwości, a blask hi-hatów i talerzy rozciąga się do górnego końca spektrum częstotliwości, przy 5 kHz+.

Struny

Instrumenty smyczkowe pokrywają środkowy zakres spektrum częstotliwości, ale niektóre instrumenty smyczkowe mają elementy, które rozciągają się niżej lub wyżej. Gitary basowe i kontrabasy pokrywają część dudnienia dolnego końca spektrum częstotliwości, podczas gdy skrzypce i mandoliny rozszerzają się na górny zakres częstotliwości, pokrywając niektóre częstotliwości między górnym środkowym zakresem 2,5 kHz - 5 kHz.

Elektryczny bas może przejąć część niższych częstotliwości, jednocześnie zajmując znaczną przestrzeń w średnim zakresie widma.

Wokal

Poszczególne zakresy wokalu będą się różnić, ale można oczekiwać, że ogólnie będą one wynosić od 200 Hz do 15 Hz, w zależności od tego, czy wokalista jest mężczyzną czy kobietą. Męskie głosy mogą pokrywać zakres częstotliwości od 100 Hz do 8 kHz. Głosy żeńskie mogą obejmować znacznie wyższy zakres, choć zaczynają się bliżej środka spektrum częstotliwości, od 350 Hz do 17 kHz.

Fortepian, instrumenty klawiszowe i syntezatory

Wszystkie te instrumenty są niezwykle wszechstronne pod względem zakresu, co pozwala im pokryć większość spektrum częstotliwości. Nie pokryją one jednak wszystkich ultra-niskich podczęstotliwości lub bardzo wysokich częstotliwości zaczynających się w okolicach 5 kHz.

Oryginalny zakres dźwięków fortepianu jest jednak bardziej ograniczony niż w przypadku instrumentów elektronicznych, takich jak keyboardy czy syntezatory. Należy jednak pamiętać, że dźwięki te mają szeroki zakres i dlatego należy ich używać ostrożnie.

Gdzie w spektrum częstotliwości znajdują się instrumenty orkiestrowe?

Jeśli marzysz o byciu dyrygentem, orkiestracja zaczyna się od zrozumienia, gdzie poszczególne instrumenty mieszczą się w spektrum częstotliwości. Zapoznaj się z poniższymi instrumentami, aby stworzyć doskonałą równowagę w muzyce na żywo:

Kontrabas

Kontrabas to miejsce, w którym uzyskuje się dudnienie i bogate subczęstotliwości w orkiestrze. Od 40 do 300 Hz, instrumenty te stanowią podstawę dla niskich tonów.

Wiolonczela

Wiolonczela spoczywa nad kontrabasem, dodając niskie i niskie średnie częstotliwości do 1 kHz. Może wspierać melodię, podkreślając tony toniczne różnych akordów.

Flet

Flet, znany ze swojego jasnego, czasem przenikliwego dźwięku, spoczywa w średnim zakresie, ale może rozciągać się na wyższe średnie do około 4 kHz.

Skrzypce

Skrzypce często utrzymują melodię i wyróżniają się w miksie dzięki swojej przeszywającej, wyraźnej teksturze. Ich pasmo przenoszenia może wynosić od 200 Hz do 10 kHz lub więcej dla tych wspaniałych, wysokich tonów.

Fortepian

Podobnie jak w przypadku nowoczesnej produkcji opisanej powyżej, fortepian jest wyjątkowy, ponieważ może obejmować prawie całe spektrum częstotliwości.

Klarnet

Te ciepłe drewniane instrumenty utrzymują swoje miejsce w średnim zakresie częstotliwości, zajmując około 100 Hz - 2 kHz.

Obój

Obój jest znany ze swojego nosowego brzmienia, zapewniając interesującą teksturę w orkiestrze. Pasmo przenoszenia oboju wynosi około 250 Hz - 4 kHz, głównie w średnim zakresie częstotliwości.

Rogi

Rogi mają zwykle dość duży zakres, choć najsilniej zajmują górny środek spektrum częstotliwości. Rogi są dość ekspresyjne i mogą łatwo przytłoczyć równowagę, gdy gra się zbyt gwałtownie, więc należy postępować ostrożnie.

Perkusja

Podobnie jak w przypadku perkusji w DAW, orkiestrowe elementy perkusyjne zajmują pełne spektrum, gdy są odtwarzane razem, przy czym niektóre elementy zajmują wyższe lub niższe zakresy niż inne. Te same zakresy odnoszą się do kopa, werbla i talerzy, jak opisano powyżej. Kotły mają tendencję do znajdowania się w dolnych i średnich częstotliwościach około 50-400 Hz.

Jak używać nowoczesnych instrumentów w swoich utworach?

Nawet jeśli nie wyobrażasz sobie dyrygowania muzyką klasyczną lub korzystania z tradycyjnych instrumentów, nadal możemy przenieść lekcje instrumentacji do współczesnego krajobrazu tworzenia muzyki. Oto jak można wprowadzić zasady instrumentacji do cyfrowej stacji roboczej audio:

Wybór i projektowanie dźwięku

Podobnie jak w przypadku muzyki orkiestrowej lub żywych instrumentów muzycznych, wybrane pliki VST, instrumenty, a nawet sample mają ogromny wpływ na ostateczną kompozycję. Nadaj priorytet dźwiękowi, który najlepiej reprezentuje twój pomysł melodyczny, a następnie buduj wokół niego. Wszelkie dźwięki spoza głównego pomysłu powinny być wybierane w celu podkreślenia, a nie wyprzedzenia tego początkowego dźwięku.

Warstwowanie dźwięku

Możesz eksperymentować z układaniem tego samego dźwięku lub graniem różnymi dźwiękami, grając podobne partie w kilku oktawach. Układanie warstw może pomóc poszczególnym partiom poczuć się szerzej i mocniej, a także sprawić, że miks będzie bardziej spójny. Uważaj tylko, aby nie przesadzić: melodia powinna zawsze pozostać gwiazdą występu.

Automatyzacja

Automatyzacja buduje bardziej dynamiczne wrażenia dla słuchacza, tworząc doświadczenie, które jest bardziej zbliżone do tego, jak można doświadczyć instrumentu muzycznego na żywo. Eksperymentuj z automatyzacją parametrów, takich jak głośność, filtr i poszczególne elementy instrumentu w czasie, aby zaprogramować bardziej realistyczną ekspresję wykonania w swoich utworach.

Prędkość i inne parametry ekspresji

Wyzwaniem związanym z produkcją muzyki za pomocą oprogramowania, a nie jej wykonywaniem i przechwytywaniem, jest to, że można utracić niektóre niedoskonałe aspekty wykonania, które sprawiają, że coś brzmi "ludzko".

Jednym z przykładów może być zmiana prędkości lub intensywności, z jaką wyrażane są nuty. Kiedy instrumentalista wykonuje partię w piosence, zazwyczaj nie gra każdej nuty równomiernie, mimo że często jest to domyślnie zapisane w partiach MIDI. Poświęć trochę czasu na randomizację i dostosowanie parametrów ekspresji, aby stworzyć mniej robotyczne wrażenie.

Instrumentacja ożywia muzykę

Instrumentacja sprowadza się do zrozumienia charakteru dźwiękowego poszczególnych komponentów kompozycji i odpowiedniego ich doboru, z końcowym celem stworzenia zrównoważonego utworu, w którym jeden głos nie dominuje całkowicie nad innym. Ekspresja zawarta w wybranych dźwiękach może z pewnością zmienić ogólne emocje utworu, czyniąc instrumentację potężnym, dynamicznym narzędziem.

Mamy nadzieję, że ten przewodnik ułatwił ci opanowanie sztuki instrumentacji. Ciesz się tworzeniem zrównoważonych, dobrze wyrażonych kompozycji z instrumentami, niezależnie od tego, czy jesteś kompozytorem, producentem czy instrumentalistą.