Kiedy po raz pierwszy zaczynasz produkować muzykę, może się to wydawać całkiem proste. Kładziesz kilka bębnów, dodajesz kilka akordów, wrzucasz melodię i możesz ruszać na wyścigi. Ale gdy zaczniesz wkraczać na bardziej profesjonalne terytorium, sprawy mogą stać się nieco bardziej skomplikowane. Istnieją pewne techniki i procesy, które mogą podnieść poziom dźwięku , jeśli wiesz, jak sobie z nimi poradzić.

Jedną z tych kluczowych technik jest warstwowanie. Warstwowanie jest wszechobecne w profesjonalnych produkcjach, od perkusji po wokale i nie tylko. Ale robienie tego dobrze oznacza coś więcej niż wrzucanie większej ilości dźwięków razem i liczenie na najlepsze. Wiąże się to z pewną strategią.

W tym artykule zamierzam wyjaśnić, czym jest warstwowanie, dlaczego ma znaczenie i kilka praktycznych wskazówek, jak skutecznie wykorzystać je we własnej muzyce.

Czym jest warstwowanie w produkcji muzycznej?

Czym dokładnie jest nakładanie warstw dźwięku? Mówiąc najprościej, jest to proces układania wielu dźwięków jeden na drugim w celu stworzenia jednego, pełniejszego i bogatszego brzmienia.

Może to brzmieć trochę jak miksowanie, i tak, trochę się pokrywają. Ale podczas gdy miksowanie polega bardziej na równoważeniu wielu elementów ścieżki (dostosowywanie poziomów, panoramowanie itp.), warstwowanie polega bardziej na kreatywnej decyzji o układaniu dźwięków w celu wzmocnienia lub zagęszczenia niektórych części w celu stworzenia większych, spójnych elementów.

Na przykład, możesz nakładać warstwy syntezatorów w wielu oktawach, aby stworzyć pełniejszy pad lub układać różne bębny basowe, aby nadać niskim tonom zarówno uderzenie, jak i boom.

Załóżmy na przykład, że pracujesz nad linią syntezatora prowadzącego. Sama w sobie może brzmieć cienko lub jednowymiarowo. Ale jeśli nałożysz na nią subtelniejszy dźwięk, może coś z nieco większą obecnością niskich i średnich tonów, natychmiast dodasz trochę ciepła.

Celem jest tutaj dodanie głębi, ciepła lub tekstury w dobrze wykonanej warstwie, bez możliwości wskazania przez słuchacza, co się dzieje. Po prostu wie, że brzmi to lepiej.

Dlaczego nakładamy warstwy dźwięków

Istnieje wiele powodów, dla których nakładanie warstw dźwięków jest techniką stosowaną przez producentów na wszystkich poziomach zaawansowania.

Chociaż na początku może się to wydawać nieco skomplikowane, im szybciej zaczniesz z tym eksperymentować, tym szybciej twoja muzyka zacznie brzmieć bardziej trójwymiarowo. Layering nie musi być "zaawansowaną" techniką. Jest to coś, z czym możesz zacząć grać już teraz, nawet jeśli zajmie to trochę czasu, zanim poczujesz się jak druga natura.

Oto niektóre z kluczowych zalet warstw:

• Tworzenie nowych tekstur: Łącząc dźwięki, można stworzyć coś zupełnie innego niż to, od czego się zaczęło lub niż to, czego używano wcześniej. Na przykład połączenie organicznego dźwięku, takiego jak fortepian, z miękkim syntezatorem może stworzyć hybrydową teksturę, idealną do organicznej muzyki elektronicznej.
• Dodawanie głębi: Niektóre dźwięki same w sobie mogą wydawać się płaskie, ale układanie warstw pomaga stworzyć więcej ciała i wymiaru. Można na przykład nałożyć warstwę głębokiego subbasu z mocnym średnim basem lub połączyć różne ujęcia wokalu w jedno większe ujęcie.
• Zwiększanie złożoności: Warstwowanie pozwala na dodanie subtelnej lub niezbyt subtelnej złożoności. Pomyśl o dodaniu różnych elementów perkusyjnych, aby nadać rytmowi więcej ruchu lub o połączeniu kilku linii syntezatora, aby stworzyć stale ewoluującą falę dźwięku.
• Kształtowanie obwiedni dźwięku: Każdy dźwięk ma swój własny atak, zanik, podtrzymanie i zwolnienie (ADSR). Nakładając na siebie dźwięki o różnych charakterystykach, na przykład jeden z ostrym atakiem, a drugi z powolnym zwolnieniem, można zmienić ogólny charakter dźwięku.
• Wzmacnianie kluczowych elementów: Czasami nakładanie warstw polega po prostu na wzmocnieniu tego, co już tam jest. Podwojenie wokalu, dodanie dodatkowych kopnięć do sekcji basowej lub połączenie smyczków z padami może sprawić, że podstawowe elementy będą się bardziej wyróżniać.

Warstwowanie perkusji i instrumentów perkusyjnych

Wiem, że kiedy myślę o warstwach w produkcji muzycznej, perkusja jest często pierwszą rzeczą, która przychodzi mi na myśl, szczególnie w gatunkach takich jak pop, hip-hop i muzyka elektroniczna. Jedną z rzeczy, których nauczyłem się od moich mentorów na wczesnym etapie, jest to, że nakładanie warstw perkusji może przekształcić podstawowy beat w coś znacznie bardziej ekscytującego i złożonego. Niezależnie od tego, czy szukasz uderzenia, tekstury, czy dodatkowej odrobiny "oomph", warstwowanie jest twoim najlepszym przyjacielem.

Weźmy na przykład werbel. Pojedyncza próbka werbla może nie wystarczyć. Można jednak zacząć od ostrego, chrapliwego werbla, aby coś przebiło się przez miks. Następnie nakładasz głębszy, bardziej rezonujący werbel pod nim, aby uzyskać ciało, a może nawet klaskanie lub biały szum na górze, aby uzyskać dodatkową teksturę. Łącząc te różne dźwięki, stworzyłeś pojedynczy werbel, który wydaje się grubszy i bardziej dynamiczny niż każda z poszczególnych warstw osobno.

Oczywiście nakładanie warstw na perkusję to nie tylko łączenie dźwięków i liczenie na to, że zabrzmią dobrze. Trzeba zwracać uwagę na to , jak te warstwy ze sobą współgrają. Jedną z ważnych wskazówek jest prawidłowe wyrównanie przebiegów. Jeśli warstwowe dźwięki werbla nie są zsynchronizowane, powiedzmy, że transjent jednego z nich uderza nieco przed lub po innych, może to sprawić, że całość zabrzmi źle. Nie bój się przesuwać rzeczy, a nawet dostosowywać kształtu fali, jeśli jest to konieczne, aby uzyskać właściwy dźwięk.

Innym sposobem na utrzymanie dynamiki jest zmiana prędkości. Działa to szczególnie dobrze w przypadku hi-hatów. Powiedzmy, że masz dwie lub trzy warstwy hi-hatu. Zamiast programować je wszystkie z tą samą prędkością, możesz nieznacznie dostosować siłę uderzenia dla każdej warstwy.

Główna czapka może mocno uderzać w dół, aby nadać mocniejszy rytm, podczas gdy inne są łagodniejsze, dodając subtelny ruch i nuty duchów, aby groove nie brzmiał zbyt robotycznie.

Jeśli nakładasz kicksy na siebie, kluczowe jest zrównoważenie niskich i średnich tonów.

Sub-heavy kick zapewni głęboki, dudniący low-end, ale sam w sobie może nie mieć zbyt dużego uderzenia. Nakładając kopnięcie z większą obecnością średnich tonów, można połączyć to, co najlepsze z obu światów.

Upewnij się tylko, że układane elementy nie kolidują ze sobą.

Dwa kicki, które dominują w niskich tonach, spowodują zamulenie miksu i problemy z fazą, o których więcej powiemy za chwilę, więc ważne jest, aby wybrać uzupełniające się warstwy, które będą ze sobą współpracować lub EQ low-end z jednej z próbek.

Nakładanie warstw elementów melodycznych

Warstwowanie elementów melodycznych to jeden z najprostszych sposobów na dodanie głębi do utworów. Żadna ilość przetwarzania nie doprowadzi cię do tego samego miejsca, co strategiczne nakładanie warstw.

Pojedyncza linia melodyczna może być fajna, ale gdy zaczniesz układać różne dźwięki jeden na drugim, stworzysz coś, co wydaje się bardziej żywe i pełne. Nie bez powodu tak wiele keyboardów dostarczanych jest ze standardowymi patchami łączącymi fortepian i smyczki.

Piękne jest to, że pomysł ten nie ogranicza się tylko do jednego gatunku.

Na przykład w muzyce rockowej gitarzyści często nakładają na siebie gitary rytmiczne z różnymi tonami wzmacniacza lub łączą gitary akustyczne i elektryczne, aby zagęścić swoje brzmienie.

Z drugiej strony, w EDM często można usłyszeć duże syntezatory nałożone na pady i linie basowe, aby stworzyć epicki, gotowy na festiwal klimat. Nawet w muzyce klasycznej orkiestracja polega na nakładaniu warstw. Smyczki, instrumenty dęte blaszane i dęte drewniane odgrywają swoją rolę w tworzeniu tych masywnych, kinowych ścian dźwięku, które słyszymy w naszych ulubionych partyturach filmowych.

Bez względu na to, jaki gatunek muzyki tworzysz, nakładanie elementów melodycznych zaczyna się od znalezienia odpowiedniej kombinacji dźwięków, aby wypełnić spektrum. Możesz nałożyć warstwę jasnego, wysokiej klasy syntezatora z ciepłym, średniej klasy padem, aby nadać utworowi zarówno blasku, jak i ciała. A może podwoisz tę samą melodię za pomocą innego instrumentu, na przykład nakładając pianino na linię gitary prowadzącej w stylu Briana Maya. Świat jest twoją ostrygą!

Jak widmo częstotliwości i charakterystyka dźwięku wchodzą w grę?

Jeśli naprawdę chcesz być dobry w nakładaniu warstw, potrzebujesz podstawowej wiedzy na temat widma częstotliwości. Im więcej wiesz o tym, jak różne dźwięki zajmują różne części spektrum, tym lepiej będziesz w stanie nakładać warstwy bez bałaganu.

Spektrum częstotliwości powinno być mapą tego, gdzie każdy dźwięk będzie pasował w miksie. Jeśli przepełnisz jeden obszar, szybko stanie się on mulisty lub szorstki.

Przykładowo, bęben basowy powinien znajdować się głównie w niskich tonach, gdzieś pomiędzy 50-100 Hz, podczas gdy werbel i wokal będą znajdować się głównie w średnim zakresie częstotliwości. Tymczasem hi-haty lub niektóre wysoko brzmiące syntezatory będą znajdować się w wyższych częstotliwościach, około 8-12 kHz.

Jeśli spróbujesz nałożyć na siebie dwa dźwięki, które dominują w tym samym zakresie częstotliwości, nie robiąc sobie nawzajem miejsca, będą one walczyć o przestrzeń, co skończy się bałaganem. Jednakże, gdy nakładasz na siebie dźwięki, które uzupełniają się w różnych częściach spektrum, mogą one siedzieć razem bez wchodzenia sobie w drogę.

Im lepiej sobie z tym poradzisz, tym mniej korekcji i przetwarzania będziesz musiał wykonać później, aby coś naprawić.

Poza zawartością częstotliwościową, należy również pomyśleć o charakterystyce dźwięku, takiej jak barwa i obwiednia.

Barwa to ton lub tekstura dźwięku.

To właśnie sprawia, że trąbka brzmi jak trąbka, a nie jak skrzypce, na przykład. Jeśli nakładasz warstwę syntezatora z gitarą, ich barwy dodadzą unikalne tekstury do twojego utworu. Być może dźwięk syntezatora jest jasny i ostry, podczas gdy gitara ma cieplejsze, bardziej organiczne brzmienie. Razem te dźwięki będą dobrze współgrać, zapewniając różne charakterystyki.

Obwiednia dźwięku to sposób, w jaki zachowuje się jego atak, zanik, podtrzymanie i zwolnienie.

Załóżmy, że nakładasz na siebie dwa dźwięki basu. Możesz wybrać jeden z szybkim atakiem, aby nadać dźwiękowi mocną, perkusyjną krawędź, a drugi z wolniejszym atakiem i długim zwolnieniem, aby dodać sustain.

Anulowanie fazy podczas nakładania warstw

Anulowanie fazy to jedna z tych kwestii, których zrozumienie zajęło mi trochę czasu.

Wkrótce jednak zdałem sobie sprawę, że to właśnie ta rzecz podstępnie rujnowała niektóre z warstw, które uważałem za sprytne, nawet nie zdając sobie z tego sprawy.

Gdy dwa dźwięki nie są w fazie, ich przebiegi mogą kolidować ze sobą i wzajemnie się znosić, zwłaszcza w zakresie niskich częstotliwości. Jeśli zauważysz, że twój bas lub kick nagle traci uderzenie lub głębię podczas nakładania warstw dźwięków, prawdopodobnie winowajcą jest anulowanie fazy.

Jednym z najprostszych rozwiązań jest próba odwrócenia fazy jednej z warstw.

Wiele programów DAW lub wtyczek ma w tym celu przycisk "odwrócenia fazy". Czasami samo odwrócenie fazy może przywrócić niskie tony, które w tajemniczy sposób zniknęły.

Pomocne mogą być również wtyczki wyrównujące fazę.

Zostały one zaprojektowane, aby pomóc w wyrównaniu kształtów fal warstw, tak aby działały razem, a nie przeciwko sobie.

Unikalne strategie nakładania warstw

Dodaj warstwę rozstrojoną

Jednym z trików nakładania warstw w syntezie jest dodanie warstwy przestrajanej. Wiele dużych, bujnych syntezatorów, które można usłyszeć w muzyce elektronicznej, często ma warstwę detuned, aby podziękować za ich szerokie, chóralne brzmienie. Jest to bardzo powszechne.

Weź dźwięk, który już masz i zduplikuj go. Następnie nieznacznie przestrój kopię o kilka centów (zwykle między 5-20). Tworzy to subtelną (lub nie tak subtelną) różnicę w wysokości dźwięku między dwiema warstwami.

Dodaj wyższe lub niższe warstwy oktawy

Inną ciekawą strategią warstwowania jest wybranie pojedynczej nuty z akordu i nałożenie jej o oktawę wyżej. Jest to szczególnie przydatne, gdy chcesz zwrócić uwagę na określoną część aranżacji bez dodawania zupełnie nowego elementu.

Sztuczka polega na wybraniu ważnej nuty z akordu, takiej jak korzeń lub kwinta, która naturalnie uzupełnia to, co już się dzieje i spróbuj dopasować ustawienia obwiedni.

Możesz także zrobić to samo z łatką basową i obniżyć ją o około 1-3 oktawy, aby wypełnić więcej ciała lub dodać wiele warstw oktaw na całej planszy, aby uzyskać głębszą ścianę dźwięku.

Warstwa do celów czasowych

Czy kiedykolwiek miałeś dźwięk, który naprawdę ci się podobał, ale po prostu nie uderzał wystarczająco mocno?

Może masz linię syntezatora basowego, która ma świetne brzmienie, ale brakuje jej mocnego ataku. Zawsze możesz nałożyć na nią warstwę czegoś z większym uderzeniem, aby nadać jej dodatkowego charakteru. Na przykład, jeśli bas wydaje się zbyt gładki, spróbuj połączyć go z krótkim, perkusyjnym kliknięciem lub nawet próbką werbla, która uderza na samym początku. Może to nadać mu natychmiastowego uderzenia, pomagając mu przebić się przez miks bez poświęcania oryginalnego klimatu dźwięku.

Ta sama koncepcja działa w przypadku podtrzymania lub zwolnienia.

Powiedzmy, że masz pad, który brzmi ładnie, ale zbyt szybko gaśnie i sprawia, że utwór wydaje się pusty. Możesz nałożyć na niego warstwę z czymś o dłuższym czasie wybrzmiewania, np. innym syntezatorem lub pogłosem, aby zwiększyć jego obecność w miksie.

Istnieją wtyczki, które mogą ułatwić ten proces. Jeśli chcesz kształtować atak lub sustain, możesz użyć wtyczek transient shaper, takich jak SPL Transient Designer lub Ableton's Drum Buss.

Jeśli jednak jesteś kreatywny, możesz również bezpośrednio manipulować kształtami fal. Skróć atak próbki, aby utworzyć perkusyjne kliknięcie, lub wydłuż zwolnienie, aby dźwięk trwał dłużej.

Dodaj biały szum

Biały szum to jedna z tych tajnych broni w warstwowaniu, która może naprawdę pomóc wypełnić ścieżkę, zwłaszcza gdy czujesz, że czegoś brakuje w wysokich tonach. Świetnie nadaje się do dodawania odrobiny "powietrza" lub migotania do dźwięków, które w przeciwnym razie mogłyby wydawać się zbyt płaskie. Bez względu na to, z jakim instrumentem pracujesz, subtelna warstwa białego szumu może zdziałać cuda.

Ponadto, piękno białego szumu polega na tym, że nie trzeba się martwić o jego dostrojenie, ponieważ nie jest to element tonalny.

Dodaj nagranie organiczne

Jednym z najfajniejszych sposobów na nadanie utworowi unikalnego smaku jest nagrywanie własnych organicznych dźwięków i nakładanie ich na miks.

Możesz na przykład nagrać dźwięk stukania w biurko lub pstrykania palcami i nałożyć go na perkusję, aby uzyskać subtelny element perkusyjny. Możesz też chwycić za telefon i nagrać dźwięk wiatru, kroków lub skrzypienia drzwi.

Może nie jesteś świetnym gitarzystą, ale masz gitarę, ale nie używasz jej w utworze? Strumień kilka wyciszonych akordów lub pocieraj struny, aby stworzyć fajną rytmiczną teksturę.

Piękno organicznych nagrań polega na tym, że dodają one nieprzewidywalności, której same syntezatory lub sample nie zawsze są w stanie uchwycić.

Duplikuj i moduluj

Powielanie i modulowanie to jeden z najłatwiejszych sposobów nakładania warstw i dodawania głębi. Możesz po prostu skopiować dźwięk, który już masz, a następnie wprowadzić niewielkie zmiany w kopii, aby stworzyć coś nowego bez rozpoczynania od zera.

Zacznij od powielenia ścieżki lub dźwięku, który chcesz nałożyć na warstwę. Teraz, gdy masz już duplikat, możesz dostosować wysokość dźwięku, lekko go dostroić lub zmienić taktowanie za pomocą opóźnienia. Następnie wkomponuj go z powrotem w miks.

Prawdopodobnie będziesz chciał dostosować głośność, przesunąć go w inne miejsce w polu stereo, a nawet EQ, aby nie kolidował z oryginalnym dźwiękiem.

Proces w grupach

Jednym z najlepszych sposobów na sprawienie, by warstwy brzmiały tak, jakby do siebie pasowały, jest przetwarzanie ich jako grupy. Po ułożeniu w stos kilku dźwięków, pojedynczo mogą one być świetne, ale czasami mogą wydawać się nieco odłączone. Wysłanie ich do grupy lub magistrali i zastosowanie przetwarzania grupowego może pomóc "skleić" wszystko razem, sprawiając, że będzie brzmiało bardziej spójnie.

Zacznij od wysłania warstwowych dźwięków do magistrali i zastosowania subtelnej kompresji (pomyśl o redukcji wzmocnienia o 1-3 dB). Możesz także dodać nieco nasycenia, aby nadać całości nieco ciepła i charakteru. Odrobina zniekształceń harmonicznych może pomóc w bardziej naturalnym połączeniu warstw, dodając dodatkowego kleju. Świetnymi wtyczkami do tego celu są Soundtoys Decapitator i FabFilter Saturn 2.

Czasami wrzucam również wszystkie moje warstwowe dźwięki do podobnego pogłosu w pomieszczeniu, aby nadać im takie samo poczucie przestrzeni i sprawić, że wszystkie warstwy żyją w tym samym środowisku.

Końcowe przemyślenia na temat warstw

Podczas nakładania warstw dźwięków, głównym celem jest zazwyczaj dodanie głębi, stworzenie bardziej interesujących tekstur lub nadanie utworowi dodatkowej mocy. Istnieje wiele sposobów nakładania warstw dźwięków w produkcji muzycznej i to od CIEBIE zależy, jak do tego podejdziesz. Nie pozwól, aby jakiś koleś na Reddicie powiedział ci, co jest dobre, a co złe, z ich osobistymi przemyśleniami na temat warstwowania dźwięków.

Baw się dobrze i zobacz, jak wykorzystanie wielu warstw w produkcji muzycznej może zapewnić bogate brzmienie, którego szukasz!