Stejně jako Nickelback, i minimalová hudba má někdy špatnou pověst. Je snadné ji vytvořit. Je levná. Nikam nevede. Minimalističtí skladatelé jsou líní.

Chápete mě.

Minimalistická hudba (stejně jako jakákoli jiná hudba) má sice potenciál být méně než hvězdná, ale ve skutečnosti může být zatraceně skvělá, ať už ji tvoříte, nebo posloucháte.

Začalo to, jako všechny cool věci, jako reakce na mainstreamové konvence v západní hudbě. Od svých počátků v New Yorku tento žánr ovlivnil mnoho žánrů a inspiroval skladatele po celém světě.

Pokud se s tímto hudebním stylem teprve seznamujete, jste na správném místě. V tomto článku se podíváme na stručnou historii a vývoj minimalistické hudby, na to, kdo jsou významní minimalističtí skladatelé, na klíčové charakteristiky tohoto stylu a na to, jak začít tvořit vlastní minimalistickou hudbu.

Sedíte pohodlně? Začněme....

Historické souvislosti: Zrod minimalistické hudby

Rané vlivy

Minimální hudba vznikla v opojném tavicím kotli New Yorku 60. let 20. století, ale když se podíváte trochu dál do historie klasické hudby, zjistíte, že cestu k vývoji tohoto stylu připravili experimentální skladatelé.

V období od konce 19. století do začátku 20. století Erik Satie svým přístupem ke kompozici prolomil hranice klasického světa. Jeho raná díla pro sólový klavír vyjadřovala krásnou jednoduchost, zatímco ostatní skladatelé jeli na plné obrátky.

Například první tři skladby Satieho Gnossiennes pro sólový klavír jsou ve volném čase; nemají taktové čáry ani časové údaje. Pokud jste fanoušky Briana Ena, nemusí vám to připadat jako velký problém, ale v té době to byl dost radikální přístup ke kompozici.

Přeskočíme-li v čase, dílo Johna Cage přimělo lidi dvakrát se zamyslet nad tím, co je to hudba. Jeho slavná skladba 4'33'' byla poprvé uvedena v roce 1952 a rychle vyvolala kontroverzi, protože žádný z interpretů nezahrál ani notu. Šlo o "absenci zamýšlených zvuků".

Vlivy nezápadních hudebních tradic také předcházely vzniku minimal music. Africké rytmy, hindustánská klasická hudba a "etnické" nástroje jako gamelan existovaly již dlouho předtím, než se na scéně objevil americký minimal.

Vzestup minimální hudby

Není jasné, odkud pochází termín minimal music, ale hudební styl, jak ho chápeme dnes, se poprvé objevil jako součást avantgardní hudební scény na západním pobřeží koncem 50. let. Později se rozšířil do New Yorku, kde našel spřízněnou duši v Newyorské hypnotické škole - tehdejší formě experimentální hudby.

Konceptem minimalismu se inspirovala nejen hudba. Na myšlenku "méně je více" reagovaly téměř všechny formy umění, v literatuře, malířství, sochařství a filmu probíhaly nekonečné undergroundové aktivity zaměřené na tvorbu minimálního umění. Ve skutečnosti se mnoho raných představení minimalistické hudby konalo spíše v uměleckých galeriích a loftech než v tradičních koncertních prostorách.

Průkopníci: Pionýři: raní minimalističtí skladatelé

Do minimalistického hudebního hnutí se původně zapojily desítky nejmenovaných skladatelů. Z melancholie se vyklubali čtyři klíčoví lidé jako nejvýznamnější minimalističtí skladatelé té doby. Všichni čtyři američtí skladatelé se narodili v rozmezí několika let a všichni studovali tradiční západní klasickou hudbu.

A jak je pro dějiny hudby obecně typické, všichni tito skladatelé jsou běloši a muži. Povzdech.

La Monte Young

La Monte Young je z této skupiny pravděpodobně nejméně známý. Brian Eno o něm mluví jako o "otci nás všech" a je nejznámější pro své používání dlouhých tónů ve své tvorbě.

Když studoval na Berkeley jako postgraduální student, jeho učitel skladby odmítl hodnotit jeho skladbu Trio pro smyčce, protože se skládala pouze ze tří velmi dlouhých not. Netušil, že tato záliba v drones se později stane průkopnickým dílem.

Snová hudba La Monte Younga, jak se původně nazývala, tvořila páteř hudebního kolektivu Theatre of Eternal Music a v poznámkách k albu Metal Machine Music Lou Reeda z roku 1975 je jí věnována uznalá pozornost.

Dá se říci, že ačkoli La Monte Young za svůj život nevydal mnoho nahrávek, jeho vliv byl cítit po celém světě.

Terry Riley

Terry Riley je Youngovým přítelem a spolupracovníkem, ale minimalismus zkoumá prostřednictvím opakování, zejména pomocí páskových smyček a delayů.

Rileyho používání opakování se neomezovalo pouze na elektronickou oblast; jedno z jeho nejznámějších děl, In C, používá podobný postup pro živé nástroje. Jeden interpret poskytuje rytmický základ (přirozeně na C), zatímco ostatní interpreti (kterých může být libovolný počet, na libovolný nástroj) předvádějí 53 melodických buněk, přičemž mají k dispozici pouze několik základních podnětů, které je vedou. Výsledek je fascinující a hypnotický.

Vzhledem k jeho zaměření na modulární kompozici by se dalo říci, že Terry Riley je původním Abletonem. Zda by s tím hudební kritik souhlasil, je jiná věc, ale v každém případě Riley silně ovlivnil nejen experimentální hudbu, ale také rock a současnou elektronickou hudbu.

(Poznámka na okraj: podívejte se na jeho Mescalin Mix, kde si můžete udělat děsivou představu o tom, jak zněla Rileyho raná hudba.)

Steve Reich

Tento modulární přístup k tvorbě hudby si oblíbil i Steve Reich. V Reichově případě zkoumá techniku zvanou phase shifting, kdy se hraje stejný materiál, ale každá část začíná v trochu jiném čase a může se hrát v jemně odlišném tempu.

Steve Reich začal experimentovat s minimalistickou hudbou pomocí magnetofonového pásku; mezi jeho rané skladby patří It's Gonna Rain (1965) a Come Out (1966). Obě díla jsou klasickými příklady fázového posunu v akci a nabízejí raný pohled na samplovací techniky, které později definovaly elektronickou hudbu.

Stejně jako Riley i Steve Reich aplikoval svou metodologii minimalistické hudby na akustické nástroje. Piano Phase (1967) obnovuje efekt magnetofonové smyčky pomocí dvou klavírů. Každý klavír hraje stejnou melodickou linku unisono, ale jeden klavír postupně zrychluje. Protože je vše živé, žádná dvě provedení nejsou stejná (i když si samozřejmě můžete poslechnout nahrávku).

V pozdějším období své kariéry se Reich začal více zajímat o používání bicích nástrojů ve vzájemně propojených rytmických vzorcích, podobných polyrytmům afrického bubnování.

Philip Glass

Jedním z nejznámějších amerických skladatelů soudobé hudby je pravděpodobně Philip Glass.

Stejně jako Young, Reich a Riley byl Philip Glass v New Yorku v době, kdy se formovala raná minimalistická hudba, a studoval na Juilliardu. Teprve v roce 1967, když se vrátil ze stáží ve Francii a Indii, začal Glass věnovat pozornost tvorbě Steva Reicha a nechal se jí ovlivnit.

Stejně jako Reich, i Glass čerpal v počátcích sponzorské dary z uměleckých galerií, kde byla jeho hudba prezentována společně s minimalisty výtvarného umění na netradičních místech.

Jeho ansámbly zahrnují varhany, klavíry a dechové nástroje, zejména saxofony, ale i svéráznější nástroje, jako je například amplifikovaná stolní hudba. Glassova hudba je snadno rozpoznatelná, mísí se v ní indiánská hudba, minimalismus a jeho vlastní styl, který se zrodil z dlouhých hodin poslechu desek z rodinného hudebního obchodu, jež poslouchal se svým otcem.

Kromě toho, že je Glassova hudba spojována s raným minimalismem, zaznívá ve filmech, operních domech a na broadwayských scénách. To je vedle četných sólových a komorních skladeb i díla pro smyčcové kvarteto a malé instrumentální soubory.

Na minimalistu je to docela plodný člověk.

Vlastnosti minimalistické hudby

Víme tedy, jak minimalistická hudba vznikla a kdo stál v jejím čele. Pojďme se podívat na minimalistické rysy v hudbě.

Omezené nebo minimální množství materiálů

Minimální hudba může podle své definice zahrnovat cokoli, co je vytvořeno pro velmi omezený počet nástrojů. Může to být jedno základní elektronické dunění pod smyčcovým zvukem saxofonu nebo skupina eklektických "nalezených zvuků", jako je hrnec a bezpečnostní pás.

Minimalistické jsou i skladby, které používají jen několik slov textu (například již zmíněná skladba It's Gonna Rain Steva Reicha), stejně jako skladby, které v celé skladbě používají jen několik tónů (ne vy, Nickelback).

Opakování a cykly

Za minimalistickou lze považovat hudbu, která obsahuje krátké hudební vzorce nebo buňky opakující se po delší dobu. Terry Riley a Steve Reich ve své tvorbě přijali myšlenku opakování a Philip Glass je známý tím, že používá repetitivní struktury a jeho hudba se pohybuje v nekonečných kruzích.

Postupný vývoj

Pouhé opakování fráze se rychle omrzí, proto je jedním z výrazných rysů minimalismu myšlenka postupného zavádění jemných obměn nebo doplňků. Steve Reich byl se svou technikou fázových posunů mistrem v tomto oboru.

Rytmy řízené pulsem

Pro minimal music jsou také charakteristické jednoduché, pulzující rytmy, které působí hypnoticky. Philip Glass je známý rytmickými kvalitami své hudby, které ovlivnily současné hudební styly, jako je rock a EDM.

Vnímání publika

Snaha o určení konkrétního hudebního stylu nebo žánru je vždy ošemetná. Nic se nedá pohodlně zařadit do škatulky "minimalistická" nebo "popová hudba". Stejně tak nemusí být přítomny všechny výše uvedené znaky, aby hudba byla minimalistická, a ani to, zda jsou tyto znaky přítomny ve větší či menší míře, neznamená, že je hudba minimalistická.

Snad nejdůležitějším aspektem minimalistické hudby je to, že umožňuje posluchačům (nebo je nutí, záleží na tom, jak se na to díváte) soustředit se na to, co se v hudbě děje.

Na rozdíl od hudební zábavy prezentované jako příběh nebo cesta vyžaduje zážitek z poslechu minimalistické hudby věnovat pozornost tomu, co se děje v hudbě samotné.

Hudební dílo, které se skládá pouze ze dvou nebo tří tónů hraných například po dobu patnácti minut, nutí posluchače, aby se na výkon skutečně soustředil a aby poslech hrál v hudbě aktivní roli.

Řekl bych, že právě to dělá hudbu minimalistickou.

Jak vytvořit minimalistickou hudbu

Pokud se chcete stát dalším Philipem Glassem nebo Johnem Adamsem, musíte začít psát minimalistickou hudbu! Zde je několik nápadů, které vám pomohou začít.

Vyberte si své zaměření

Rozhodněte se pro základní prvek svého díla. Může to být:

• rytmus
• harmonie, jako je otevřená kvinta nebo durová tercie.
• melodie
• úryvek řeči (pokud plánujete své dílo zveřejnit, ujistěte se, že na to máte práva!)

Minimalističtí skladatelé často staví celé skladby na jediné myšlence, proto si vyberte jeden základní prvek, který bude základem vaší skladby.

Ať už si vyberete cokoli, ujistěte se, že je to krátké. Pokud se vydáte cestou La Monte Younga, tedy dlouhých táhlých tónů, je to v pořádku - počáteční myšlenka bude stále krátká!

Vytvoření opakujícího se vzoru

Jakmile si vyberete základ, vytvořte z něj opakující se vzor.

Pokud používáte rytmus, naprogramujte jej nebo nahrajte s použitím neladěných bicích nástrojů - později můžete vždy přidat další laděné nástroje.

Pokud je to melodie, nahrajte ji a zacyklte.

Pokud se jedná o harmonii, použijte k jejímu naprogramování trvalý zvuk, například syntezátorový pad, a udržujte ho po určitou dobu. (Tip profesionála: Odražte to jako zvuk, místo abyste použili MIDI, takže zvuk uslyšíte, ať už začnete přehrávat odkudkoli).

Hypnotický účinek minimalismu vychází z neustálého opakování, které vytváří meditativní pocit.

Omezte svou paletu

Nyní, když máte zmapované základy, je čas začít přemýšlet o tom, jak se budou věci vyvíjet v čase. Pro začátek budete muset vytvořit zvukovou paletu.

Ať už používáte elektronické nástroje nebo nahráváte akusticky, omezte počet nástrojů, které ve skladbě použijete, na několik. Pomůže vám to dostat se do minimalistického myšlení a zabrání to přílišné nepřehlednosti. Přinutí vás to hlouběji přemýšlet o tom, jak se věci mohou v průběhu času měnit.

I když plánujete vytvořit rostoucí zvukovou stěnu kolem jedné harmonie, je dobré použít více verzí pouze několika různých nástrojů.

Zavedení malých variací

Vyberte si jeden prvek a postupně ho změňte.

Pokud jste začali s jedním nástrojem, který hraje jednoduché melodické ostinato, zkuste postupně přidat druhý nástroj a pak třetí.

Případně můžete experimentovat s přidáním nebo odebráním noty ze vzoru, nebo pokud máte dva nástroje hrající stejný motiv, upravte časování jednoho z nich tak, aby se posunul z fáze.

Dynamika je dalším dobrým způsobem, jak vnést do opakující se myšlenky jemné variace a zároveň zachovat základní identitu hudby.

Experimentujte s vrstvením

Pokud jste začali s jedním nástrojem, který hraje jednoduché melodické ostinato, postupně přidejte druhý nástroj a pak třetí.

Tento krok zkombinujte s předchozím a do těchto nových vrstev vložte variace.

Přijměte technologii

Elektronické nástroje, jako jsou DAW, hardwarové sekvencery a looper pedály, zpřístupňují tvorbu minimalistické hudby všem, takže je využijte. Existuje spousta bezplatných nástrojů, které vám s tím pomohou!

Kromě možností samplování a smyčkování, které nabízí prakticky každý DAW, lze k vytvoření pocitu prostoru použít digitální efekty. Prozkoumejte, jak lze změnou parametrů zásuvného modulu delay nebo reverb pomocí automatizace vytvořit divokou a nádhernou minimalistickou hudbu z jediného nápadu.

Vyzvěte sami sebe

Stanovte si například omezení pro každý projekt, na kterém pracujete:

• nahrávat pouze hlasem
• nahrát 30 minut hudby bez úprav
• použít pouze jeden zvuk a více efektů
• použít více zvuků a pouze jeden efekt
• měnit časovou signaturu v každém taktu

Pokud jste nikdy předtím nezkoušeli psát minimalistickým stylem, možná vás překvapí, jak obtížné může být věci omezit. Klíčem k minimalismu je jednoduchost a snížený počet zapojených nástrojů. Chcete-li dělat experimentální hudbu, musíte neustále experimentovat!

Odkaz minimalistické hudby

Minimalistická hudba ušla dlouhou cestu od různých nejmenovaných skladatelů a neidentifikovaných uměleckých performancí v New Yorku 60. let. Minimalismus zanechal trvalý dojem v klasické hudbě, EDM, rocku, a dokonce i ve filmové hudbě.

Skladatelé jako Max Richter a Jóhann Jóhannsson spojují minimalistické opakování s bohatou orchestrací a vytvářejí tak emocionálně silná díla, která oslovují široké publikum. Richterova skladba Sleep je ukázkou expresivní plynulosti a meditativních kvalit minimalismu.

Minimalismus zásadně ovlivnil i elektronické hudebníky. Jon Hopkins, Nihls Frahm a samozřejmě Brian Eno si osvojili minimalistické postupy, jako je opakování, smyčkování a postupné texturní změny, aby vytvořili pohlcující zvukové krajiny.

Dokonce i současný král filmové hudby Hans Zimmer používá minimalistické postupy. Podívejte se na jeho hudbu k filmu Interstellar a uslyšíte pomalé harmonické změny připomínající experimenty Steva Reicha s fázováním.

Důraz minimalismu na opakování, jednoduchost a postupnou proměnu stále inspiruje nejednoho skladatele napříč žánry a dokazuje, že jeho vliv je stejně trvalý jako rozsáhlý.

Pokud hledáte inspiraci pro psaní nové hudby ve stylu minimal nebo se prostě chcete do tohoto žánru ponořit, vřele doporučuji poslechnout si tento vynikající úvodní playlist.

Nyní jděte vpřed a minimalizujte hudbu!