Se está apenas a começar a experimentar a música eletrónica, então tem um vasto mundo para explorar. Com inúmeros plugins, sintetizadores e uma gama de estilos de produção em constante evolução, as possibilidades da música eletrónica são quase infinitas.

É claro que a abundância de recursos que torna a música eletrónica tão variada pode também torná-la um pouco assustadora para os principiantes. Por onde começar quando existe um universo de vídeos do YouTube, artigos e cursos online sobre o tema?

É exatamente por isso que estamos aqui. Neste guia, vamos analisar o essencial da criação de música eletrónica, desde os princípios básicos da síntese até ao labirinto do software e hardware de produção. Quer pretenda produzir techno pronto a dançar, paisagens sonoras ambientais ou qualquer outra coisa, tenho uma série de ideias e dicas que o vão inspirar a aperfeiçoar as suas capacidades!

O que é a música eletrónica?

A música eletrónica, no seu sentido mais lato, vai muito além do âmbito de um género típico. É verdadeiramente um método que mudou completamente a forma como criamos e consumimos música.

Ao contrário da música orgânica, que se baseia nos sons naturais de instrumentos acústicos como guitarras, cordas, pianos e bateria e percussão ao vivo, a música eletrónica é frequentemente composta por sons e texturas sintetizados.

No seu cerne estão os sintetizadores analógicos e outros instrumentos electrónicos, como órgãos eléctricos e máquinas de percussão, que ganharam popularidade ao longo das décadas.

É claro que, hoje em dia, a música eletrónica evoluiu da utilização dos botões tácteis e dos sistemas electrónicos de fios e circuitos encontrados no antigo hardware analógico para as interfaces elegantes dos computadores e instrumentos de software digital.

A maior parte dos produtores de música eletrónica apoiam-se fortemente nos computadores, tirando partido das DAWs e da sua interminável paleta de sons e efeitos. Gosto de pensar nesta mudança como a democratização da produção musical, uma vez que a tornou acessível a qualquer pessoa com um computador e uma veia criativa.

Apesar de a música eletrónica ter sido originalmente um movimento underground (pense no nascimento da house music em Chicago no final dos anos 70 ou na introdução do Krautrock na Alemanha no final dos anos 60, que era um subgénero do rock experimental que envolvia sintetizadores, sequenciadores e loops de fita), agora permeou a cultura mainstream, influenciando tudo, desde o pop ao hip-hop.

É fascinante ver o número de produtores de música eletrónica contemporânea que incluem elementos acústicos nas suas faixas, como Bonobo, Tycho e Four Tet. É uma espécie de fusão mais recente que cria um som rico e texturado para homenagear o passado e, ao mesmo tempo, continuar a inovar.

A produção de música eletrónica é uma área tão vasta que é difícil resumi-la a uma definição (teria de escrever um livro inteiro se não quisesse deixar de fora alguns dos pormenores mais importantes). No entanto, se quiser tornar-se um produtor de música eletrónica, penso que existem bons pontos de partida para se orientar.

Software e ferramentas indispensáveis

À medida que se aventura a fazer música eletrónica, há algumas ferramentas que vai querer adquirir ao longo do caminho. Cada peça de equipamento nesta lista desempenha um papel único no processo de produção, desde o DAW, que é o coração do seu estúdio digital, até aos sintetizadores de hardware e às caixas de ritmos, que dão ao seu som uma impressão digital única.

Vamos dar um pequeno mergulho mais profundo na forma como cada uma destas ferramentas pode elevar a sua produção de música eletrónica.

Estação de trabalho de áudio digital (DAW)

No centro da configuração de cada produtor de música eletrónica está a estação de trabalho de áudio digital (DAW).

A sua DAW vai ser a sua principal ferramenta. É o ponto central onde todas as suas ideias criativas ganham vida. Com um DAW, pode gravar, editar, misturar e masterizar a sua música. Essencialmente, tem um ambiente abrangente para fazer música eletrónica como quiser.

Embora cada produtor tenha a sua DAW favorita, acredito que há algumas que são simplesmente melhores para fazer música eletrónica do que outras, incluindo:

• Ableton Live: Há uma década que sou um grande fã do Ableton Live, especialmente devido à sua visualização intuitiva da sessão. É também um dos favoritos de muitos produtores de música eletrónica para actuações ao vivo e capacidades de sequenciação MIDI.
• FL Studio: Com a sua interface de fácil utilização e a poderosa sequenciação baseada em padrões, o FL Studio é mais um dos grandes sucessos para os produtores de música eletrónica que querem começar com uma enorme variedade de sintetizadores e efeitos incorporados.
• Logic Pro: O Logic Pro da Apple é outro dos conjuntos de produção mais abrangentes e, tal como a maioria dos produtos Apple, é elegante e fácil de utilizar. Além disso, tem uma extensa biblioteca de sons e loops para o ajudar a começar.
• Propellerhead Reason: Com a sua prateleira virtual de qualidade de sintetizadores, samplers e efeitos que podem ser interligados de formas infinitas, o Reason oferece o que pode ser a abordagem mais única e experimental à produção musical.

Cada DAW traz algo único para a mesa, mas quando se trata de saber qual delas suporta melhor as suas necessidades, é completamente subjetivo. Recomendo que experimente todas para ver qual delas se integra mais naturalmente no seu fluxo de trabalho.

Bibliotecas de sons e pacotes de amostras

Em seguida, temos as bibliotecas de sons e os pacotes de amostras, que são os blocos de construção da música eletrónica. Quer esteja à procura de loops de bateria estaladiços, leads de sintetizador abrasadores ou um vocal de R&B da velha guarda que possa cortar e voltar a colocar, é importante ter acesso a estes recursos.

Ao longo dos últimos anos, tornei-me um grande fã do Splice (tal como muitos outros que produzem música eletrónica). Com o seu modelo baseado em subscrição, recebe créditos que pode trocar por uma vasta coleção de samples e loops que abrangem vários géneros.

Se gosta de descarregar pacotes completos, recomendo que consulte o Loopmasters. Eles também oferecem uma vasta gama de pacotes de alta qualidade em vários géneros, desde samples de drum machine vintage a sintetizadores contemporâneos.

Seria negligente se não mencionasse também o Native Instruments Komplete. Embora não seja um pacote de amostras propriamente dito, o Komplete oferece uma biblioteca interminável de instrumentos, efeitos e sons, que são óptimos para a produção musical em geral.

Se quiser usar as suas bibliotecas de sons e pacotes de samples na sua DAW, vai querer algum tipo de ferramenta que lhe permita reproduzi-los ou manipulá-los de diferentes formas (time-stretching, pitch-shifting, etc.) Felizmente, a maioria das DAWs vem com samplers e drum machines incorporados para este fim.

Por exemplo, o Sampler e o Drum Rack do Ableton Live fornecem capacidades poderosas de amostragem e criação de batidas, e cada um tem opções extensivas de modulação e edição.

Se estiver no Logic Pro, pode utilizar o Quick Sampler, que é ótimo para importar e reproduzir uma variedade de formatos de amostras. Ele também vem com edição e personalização bastante detalhadas.

Claro que também existem opções de terceiros, como o Kontakt da NI, que tem um sampler profundamente personalizável, bem como uma enorme biblioteca de sons e expansões de terceiros, ou o Serato Sample, que facilita a amostragem de música a partir de uma variedade de fontes e a utilização de ferramentas rápidas de corte, alongamento do tempo e mudança de tom.

Plug-ins e instrumentos virtuais

Aqui está a parte divertida.

Os plugins e os instrumentos virtuais são componentes fundamentais no processo de produção de música eletrónica. É um buraco negro que se pode passar uma eternidade a explorar, uma vez que existem milhares de plugins de efeitos e VSTs diferentes. Eu diria que a melhor coisa que pode fazer agora é deitar as mãos a alguns de diferentes categorias e conhecê-los o melhor possível.

Eis alguns tipos a que deve estar atento:

• Plug-ins de sintetizador: Gerar sons electrónicos utilizando síntese (como num sintetizador analógico), excelente para criar leads, baixos, pads, etc. únicos.
• Plug-ins de efeitos: Melhore ou altere sons com efeitos como EQ, compressão, reverberação, atraso, distorção, modulação e muito mais.
• Plug-ins de sampler: Reproduzir ou manipular gravações digitais ou amostras.
• Plug-ins de máquina de bateria: Emulam drum machines ou samplers, óptimos para tocar ou desenhar batidas e ritmos.
• Plugins Sequenciadores: Óptimos para arranjar e sequenciar música. Estes vêm frequentemente com capacidades avançadas de criação de padrões e loops.

Tal como disse, pode passar décadas a explorar plug-ins e instrumentos virtuais de diferentes criadores, e o que pode ser um VST imprescindível para um produtor de música eletrónica pode ser um fracasso para outro. Cabe-lhe a si pesquisar e encontrar os que melhor se adequam a si. Pode até explorar sites como o Equipboard para descobrir o que os seus artistas favoritos estão a utilizar.

No entanto, já que estás aqui, vou dar-te algumas das minhas recomendações favoritas que utilizo na maioria das minhas faixas, começando pelos plugins de efeitos:

• FabFilter Pro-Q 3: Não há uma única mistura que passe sem este EQ incrivelmente versátil e fácil de usar da FabFilter. É ótimo para equalização cirúrgica e dinâmica e tem uma bela interface que fornece uma visão geral do espetro de frequência.
• Valhalla VintageVerb: Provavelmente o meu plugin de reverberação mais utilizado, especialmente quando quero reverberações exuberantes e de inspiração vintage para adicionar profundidade e espaço a qualquer faixa.
• Soundtoys EchoBoy: Não consigo pensar num plugin de delay mais versátil. Obtém-se um conjunto de efeitos de delay ricos e de som analógico que é suficientemente diversificado para satisfazer todos os géneros de música eletrónica.
• iZotope Ozone: Para a masterização, o Ozone inclui tudo o que precisa para um acabamento polido e com som profissional, desde o equalizador e a compressão até à criação de imagens estéreo e limitação.
• LFOTool da Xfer Records: Se tenho uma faixa que precisa de movimento, recorro frequentemente à ferramenta LFO da Xfer Records, que proporciona uma forma fácil de adicionar efeitos de tremolo, auto-pan, trance-gate, simulação de compressor de cadeia lateral e efeitos de oscilação do tipo dubstep com o mínimo esforço.
• FabFilter Saturn 2: Outro dos meus plugins FabFilter favoritos, o Saturn 2 tem uma enorme variedade de efeitos de distorção, saturação e modelação de amplificadores, óptimos para quando as suas faixas precisam de calor ou grit.

Em termos de instrumentos virtuais, aqui estão alguns que eu recomendaria, especialmente se quiser versatilidade acima de tudo:

• Xfer Records Serum: Sendo um dos instrumentos de software de topo na produção de música eletrónica, este sintetizador wavetable oferece algumas das capacidades de design de som mais flexíveis e de maior qualidade do mercado.
• Native Instruments Massive X: O Massive tornou-se um elemento básico na produção de música eletrónica quando o dubstep entrou em cena, e a NI foi ainda mais longe com o Massive X. É uma referência quando preciso de baixos e leads profundos e poderosos.
• Spectrasonics Omnisphere 2: O Omnisphere 2 pode ser um dos instrumentos de software mais versáteis do mercado, com a sua enorme biblioteca de sons e infinitos estilos de síntese. O Keyscape é igualmente revolucionário para pianos e teclados modelados.
• Native Instruments Battery 4: O meu principal sampler de bateria e percussão atualmente é o Battery 4. Não só tem uma enorme biblioteca de kits e amostras para todos os tipos de géneros de música eletrónica, como também oferece uma edição profunda e capacidades de reprodução fáceis quando carrega as suas próprias amostras.
• Arturia V Collection: Os sintetizadores e teclados vintage modelados com precisão são o nome do jogo com a Arturia. Se não tiver acesso a hardware analógico, esta coleção é perfeita para adicionar tons clássicos às suas faixas.
• Spitfire Audio LABS: Comecei recentemente a explorar o LABS e adoro todos os lançamentos que fazem. É uma série sempre crescente de instrumentos gratuitos de alta qualidade que vão desde cordas a vozes e sons experimentais, perfeitos para adicionar texturas únicas à sua música.

À medida que continuar a criar música eletrónica, irá apaixonar-se e desapaixonar-se por determinados plug-ins e instrumentos virtuais, embora o aconselhe a continuar a explorar e a acompanhar os novos lançamentos, pois há sempre algo de excitante no horizonte.

Teclado ou controlador MIDI

MIDI, que significa "Musical Instrument Digital Interface", é a linguagem da música eletrónica.

É uma norma técnica que permite que instrumentos musicais electrónicos, computadores e outros equipamentos comuniquem, controlem e sincronizem entre si. Utilizamo-lo para ajudar diferentes peças de equipamento de música digital a interagir umas com as outras. Consulte o nosso guia MIDI para obter mais informações sobre o seu funcionamento.

Embora seja possível desenhar notas MIDI no seu DAW utilizando o rato ou o teclado do computador, ter um teclado ou controlador MIDI proporciona uma experiência muito mais tátil e expressiva. Com um teclado ou controlador, pode tocar melodias, ritmos de bateria e controlar sintetizadores no seu DAW em tempo real, dando-lhe feedback imediato e uma forma mais intuitiva de produzir música eletrónica.

Para mim, ter uma peça de hardware que posso utilizar para criar música traz o toque humano de volta ao processo digital.

Aqui estão alguns teclados e controladores MIDI que eu recomendaria: que atendem a várias necessidades e orçamentos:

• Akai MPK Mini MkIII: Se o que procura é um controlador compacto e acessível, este controlador é perfeito. O preço é fácil de engolir para os principiantes e a interface de 25 teclas é óptima para quem tem um espaço de estúdio limitado. Além disso, tem pads e botões atribuíveis para uma versatilidade ainda maior!
• Série Novation Launchkey: Embora tenha sido concebida para o Ableton Live, a série Launchkey pode funcionar com qualquer DAW. Oferece teclas, pads, botões e faders de tamanho normal para controlar todos os aspectos da produção de música eletrónica.
• Arturia KeyLab Essential: O KeyLab Essential atinge um bom equilíbrio entre características e preço acessível, e é perfeito para integração com a coleção de instrumentos de software da Arturia. O teclado tem uma excelente sensação e existem muitos controlos DAW para proporcionar uma experiência mais prática.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Se utiliza frequentemente o software da Native Instruments, não há melhor escolha para a integração. Os teclados da série S oferecem teclados de alta qualidade com aftertouch, bem como um dos sistemas de navegação e controlo de parâmetros mais intuitivos do mercado.
• ROLI Seaboard Block: Este teclado é a ovelha negra do mercado de controladores MIDI, embora se pretender explorar para além do toque tradicional do teclado, a superfície de toque expressiva do Seaboard capta as cinco dimensões do toque de uma forma que nenhum outro teclado conseguiu igualar.

Mais uma vez, estes são apenas alguns dos meus favoritos, embora existam muitos outros teclados e controladores MIDI que trazem algo único para a mesa, quer dê prioridade à portabilidade e acessibilidade ou à versatilidade e integração profunda de software.

Se possível, experimente várias e veja qual se adapta melhor ao seu fluxo de trabalho.

Drum Machines e Samplers

Embora eu não ache que as baterias eletrônicas e os samplers sejam "indispensáveis" para a produção de música eletrônica hoje em dia, eles são ferramentas importantes a serem reconhecidas, pois têm sido a espinha dorsal da produção de música eletrônica desde o seu início.

A história destes instrumentos é profunda, e muitos dos modelos icónicos moldaram o som de géneros inteiros. Por exemplo, o Roland TR-808, que foi lançado no início dos anos 80, tornou-se sinónimo de hip-hop. Oiça "Planet Rock" de Afrika Bambaataa e poderá ouvir um dos primeiros exemplos da ascensão desta máquina de percussão ao estrelato.

Da mesma forma, o Akai MPC, que era uma combinação de sampler e sequenciador, revolucionou a forma como os produtores faziam batidas. J Dilla é um dos melhores exemplos de um beatmaker lendário que mudou a forma como fazemos música eletrónica utilizando o MPC.

A beleza de usar drum machines e samplers de hardware em vez dos seus equivalentes virtuais é que se obtém a experiência tátil e o som analógico. Eu, tal como muitos outros produtores, acho a interação física com os botões, pads e faders muito mais inspiradora.

Além disso, as características sónicas únicas e as limitações do hardware podem estimular a criatividade no momento. Claro que há também o aspeto da atuação ao vivo, e não há dúvida de que o hardware contribui para um conjunto mais fiável e visualmente mais envolvente.

Embora deva definitivamente olhar para o que alguns dos seus artistas e produtores favoritos estão a usar para começar a construir a sua coleção, aqui estão algumas das minhas máquinas de ritmos e samplers favoritos que costumo recomendar a outros:

• Roland TR-8S: Se é como a maioria dos produtores e não tem milhares de dólares para gastar num TR-08 original, recomendo que veja o TR-8S. Este lançamento relativamente recente da Roland oferece sons clássicos de bateria da série TR com capacidades de reprodução de samples, tornando-o numa ferramenta versátil para actuações ao vivo e trabalho em estúdio.
• Elektron Digitakt: Para o produtor em movimento, esta bateria eletrônica compacta e sampler é uma das minhas escolhas favoritas. Tem capacidades de sequenciamento extremamente poderosas e toneladas de ferramentas de design de som integradas.
• Akai MPC Live II: Para o lendário fluxo de trabalho MPC e flexibilidade autónoma, graças aos altifalantes incorporados e à bateria recarregável, o MPC Live II é excelente para a produção em movimento.
• Korg Volca Sample: Este sequenciador de samples compacto e económico é perfeito para principiantes, uma vez que fornece toneladas de potência de desempenho hepático e tem toneladas de funcionalidades e opções de conetividade para a criação de grooves em tempo real.
• Dave Smith Instruments Tempest: Embora tenha tido a sua quota-parte de controvérsia ao longo dos anos, esta bateria eletrônica colaborativa de Dave Smith e Roger Linn é uma das minhas opções favoritas para obter aquele poderoso som de bateria eletrônica analógica.

O hardware está a regressar em grande, e é por isso que qualquer pessoa que esteja a aprender a produção de música eletrónica deve explorar também este lado das ferramentas. Mesmo que não tenha um grande orçamento, existem muitas opções!

Interface áudio

Pode certamente aprender a produção de música eletrónica apenas com o seu computador portátil, mas se quiser levar a sério a sua configuração de produção de música eletrónica e construir uma ponte entre os seus instrumentos, microfones e o seu computador, vai precisar de uma interface de áudio.

Em suma, uma interface de áudio converte sinais analógicos em dados de áudio digital que a sua DAW pode processar e vice-versa. Para além da conversão, uma interface de áudio pode também melhorar significativamente a qualidade de som das suas gravações em comparação com as entradas e saídas de áudio incorporadas na maioria dos computadores, bem como fornecer funcionalidades essenciais como pré-amplificadores de microfone, monitorização direta para gravação sem latência e várias entradas e saídas para ligar várias fontes de áudio e equipamento externo.

As interfaces de áudio existem em todas as formas e tamanhos, mas se não tiver a certeza por onde começar, aqui estão algumas opções para diferentes orçamentos:

• Económico :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3ª Geração): Uma das principais recomendações para iniciantes que desejam uma interface com pré-amplificadores de alta qualidade e uma construção durável.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Uma opção extremamente económica que fornece todos os elementos básicos necessários para começar a gravar em casa.
• Gama média :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Qualidade de áudio impecável e processamento UAD em tempo real, perfeito se quiser melhorar o seu jogo de produção.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Oferece um bom equilíbrio entre características e preço, com múltiplas entradas/saídas e baixa latência.
• Topo de gama :
  • RME Fireface UCX: Conhecido pela sua fiabilidade, qualidade de áudio excecional e baixa latência, adequado para pequenos estúdios profissionais.
  • Apollo x4 da Universal Audio: Com quatro pré-amplificadores Unison, processamento UAD-2 Quad Core e conversão superior, obtém o melhor do hardware UAD.

A interface de áudio certa para si dependerá das suas necessidades específicas.

Se estiver a gravar vários microfones ao mesmo tempo, por exemplo, é necessário ter várias entradas e saídas. No entanto, se estiver sempre em movimento, a portabilidade pode ser o maior ponto de venda. Independentemente disso, investir numa interface de áudio é uma obrigação se quiser melhorar a qualidade da sua música.

Auscultadores ou monitores de estúdio

Quando começares a fazer a tua própria música, vais precisar de algo para a ouvir.

Uma das primeiras coisas que terá de decidir é se deve investir em auscultadores ou monitores de estúdio. Cada um serve um objetivo único no processo de produção musical e, na realidade, ter ambos é a melhor opção.

Os monitores de estúdio fornecem uma representação mais precisa do som numa sala, permitindo-lhe compreender como a sua música se traduzirá em ambientes reais. Também oferecem uma perspetiva espacial e dimensional da sua mistura, ajudando-o a tomar decisões informadas sobre panning, profundidade e imagem estéreo.

Os auscultadores, por outro lado, oferecem detalhe e isolamento. São óptimos para identificar nuances subtis numa mistura que podem passar despercebidas nas colunas, como ruídos de baixo nível ou cliques e estalos. Os auscultadores são também essenciais para sessões nocturnas ou se estiver a trabalhar em espaços não tratados onde não pode monitorizar com precisão através das colunas.

Ter ambas as ferramentas à sua disposição é extremamente benéfico, pois pode ajudá-lo a ver como soa a sua mistura em diferentes ambientes de audição, para que saiba que a sua música soa bem numa vasta gama de sistemas de reprodução.

Eis algumas das minhas recomendações para cada um deles:

Recomendações de auscultadores:

• Orçamento: Audio-Technica ATH-M40x - Excelente qualidade de som e durabilidade a um preço acessível.
• Gama média: Beyerdynamic DT 770 PRO - Conhecidos pelo seu som detalhado e equilibrado e pelo seu conforto. Adoro usá-los em longas sessões de mistura.
• Topo de gama: Sennheiser HD 650 - Auscultadores de estúdio de topo de gama com a parte posterior aberta para uma fidelidade de som natural extraordinária e uma resposta de graves precisa.

Recomendações de monitores de estúdio:

• Orçamento: Presonus Eris E3.5 - Super compacto e acessível, mas com um perfil de som claro e preciso para pequenos estúdios domésticos.
• Gama média: Yamaha HS5 - Perfeito para uma resposta plana e excelente reprodução de som, especialmente ao misturar em salas não tratadas.
• Alta gama: Adam Audio A7X - Ótimo para produtores e engenheiros musicais profissionais que pretendem uma resposta de graves precisa e frequências superiores detalhadas.

Quando comecei a produzir música eletrónica, trabalhei com auscultadores durante cerca de um ano antes de atualizar a minha configuração de estúdio, por isso, se os monitores de estúdio não estiverem no seu orçamento de produção áudio neste momento, não me preocuparia muito com isso. Certifique-se apenas de que faz pausas frequentes se estiver a ouvir apenas com auscultadores para manter a perspetiva e evitar que os seus ouvidos fiquem cansados.

Como fazer música eletrónica

A produção de música eletrónica é vasta. Não posso prometer-lhe que, ao ler este artigo, vai dominar a arte, mas espero que lhe possa dar uma ideia da minha experiência na produção de música eletrónica na última década e que possa usá-la como inspiração na sua própria viagem.

Gosto de pensar no processo de criação musical em três fases:

1. Ideias: Na primeira fase, esboça as suas ideias iniciais, experimenta sons e padrões e recolhe ideias ou inspiração de outros artistas de que gosta.
2. Arranjo: Assim que tiver as suas ideias, pode estruturá-las num fluxo coerente, criando uma faixa que levará o ouvinte numa viagem do início ao fim.
3. Refinamento: Esta é a fase de mistura e masterização, em que irá polir a sua faixa e certificar-se de que todos os elementos se encaixam corretamente.

É importante notar que cada produtor percorre o seu próprio caminho através destas fases.

Alguns podem começar com uma melodia cativante e construir em torno dela, enquanto outros podem cortar alguns samples e fazer uma sequência fixe num MPC. Outros podem adotar a abordagem tradicional e utilizar a estrutura de arranjos pop padrão para construir uma canção a partir do zero, começando com a bateria, depois o baixo, depois a guitarra e assim por diante.

A beleza da produção de música eletrónica reside nesta diversidade de abordagens.

Embora eu esteja prestes a partilhar o método que funciona melhor para mim, lembre-se de que não existe um processo único para todos. É tudo uma questão de encontrar o fluxo de trabalho que desperta a sua criatividade e permite que as suas ideias fluam livremente.

Encontrar o seu som

Quando se começa a aprender a fazer música eletrónica, a parte mais difícil pode ser encontrar o seu som.

Existem muitos subgéneros sob o termo genérico de "música eletrónica" e cada um tem a sua paleta única de sons, ritmos e estrutura. Aqui estão alguns dos subgéneros mais populares, para citar alguns:

• Casa
• Techno
• Dubstep
• IDM (Música de dança inteligente)
• EDM (Música de dança eletrónica)
• Trance
• Bateria e baixo
• Baixo do futuro

Como novo produtor, penso que a chave para descobrir o seu som no meio desta diversidade é a exploração e a experimentação.

Mergulhe profundamente em diferentes subgéneros, não só como ouvinte, mas também como estudante. Crie peças curtas ou batidas inspiradas em estilos diferentes para ver o que ressoa em si e faz fluir a sua criatividade. Também pode tentar colaborar com outros produtores que possam oferecer novas perspectivas e inspirar direcções que talvez não tenha considerado sozinho.

Esta abordagem requer uma escuta ativa. É uma das ferramentas mais poderosas para compreender as nuances de cada subgénero. Quando ouvir uma faixa, tente dissecá-la: identifique os elementos centrais que definem o seu som, desde o ritmo e os padrões de bateria até às escolhas de sintetizadores e à estrutura do arranjo. Preste atenção à forma como a tensão e a libertação são criadas, como a faixa evolui ao longo do tempo e que emoções ou atmosferas são evocadas.

Até hoje, adotar uma abordagem analítica à audição é uma das minhas formas favoritas de aprender mais sobre uma música.

Obter o ritmo básico

No coração da música eletrónica está o groove, que muitas vezes é obtido através da bateria e da percussão.

As BPM (batidas por minuto) desempenham um papel fundamental na definição do subgénero e, embora seja sempre possível experimentar, a maioria dos ouvintes tem expectativas quando ouve determinados tipos de música eletrónica.

Por exemplo, o techno varia tipicamente entre 120 e 135 BPM, e tem um padrão de batida de quatro no chão, enquanto a música house tradicional é frequentemente mais emotiva e com vibrações mais elevadas, flutuando entre 120 e 130 BPM, com um padrão de batida ligeiramente mais funk e groovier.

O Dubstep, que é conhecido pelos seus graves pesados e grooves sincopados, ronda normalmente as 140 BPM, o que cria um pouco de espaço para esses padrões de bateria icónicos e pesados a meio tempo.

O Drum and bass leva isto ainda mais longe, a quase 160-180 BPM, utilizando ritmos de breakbeat acelerados que proporcionam uma energia mais intensa e caótica.

Claro que também temos a música eletrónica ambiente que evita as batidas de bateria tradicionais para uma textura mais fluida e evolutiva. Por vezes, nem sequer há bateria. Em vez disso, concentra-se na criação de uma paisagem mais atmosférica.

Conhecer os tempos e padrões de bateria típicos destes subgéneros pode ajudá-lo a alinhar as suas faixas com as convenções do género. Claro que, como eu disse, não tenhas medo de experimentar o tempo e o ritmo para encontrares o teu som único!

Elaborar o seu ritmo

Sempre achei que começar com a bateria é uma estratégia sólida para a produção de música eletrónica.

A secção rítmica pode estabelecer a base para o ritmo e a energia de uma faixa e estabelecer um groove no qual os restantes elementos se podem fixar. Pense nela como a espinha dorsal da sua faixa.

Embora as músicas electrónicas possam mudar drasticamente de uma para outra, os componentes principais da maioria dos grooves de bateria incluem o kick, o snare ou clap, os hi-hats e a percussão adicional, que pode acrescentar um pouco de sabor e textura.

Quando começa a fazer as suas próprias batidas de bateria, há várias abordagens que pode adotar:

• Usar samplers de bateria: Sou um grande fã do Battery 4 da Native Instruments, pois pode carregar os seus próprios samples de bateria e criar grooves MIDI a partir do zero.
• Flipping Breaks, Loops e Samples: Ser capaz de cortar breakbeats e loops é uma abordagem da velha guarda, mas continua a ser um componente essencial para fazer música eletrónica e inspirar novas ideias.
• Ouvir faixas de referência: Recomendo que passe algum tempo a analisar os grooves de bateria nas faixas de que gosta e a tentar reproduzi-los. Preste atenção às diferentes camadas, ao swing ou ao timing correto, e à forma como a batida complementa a sensação geral da faixa.

Vejamos como criar uma batida de casa simples:

1. Comece com um Kick Drum: Encontre um kick ideal ao estilo house e coloque-o em cada batida do compasso (1, 2, 3, 4) para obter aquele ritmo icónico de quatro no chão.
2. Adicione uma palma ou uma caixa : Coloque um clap ou um snare nas 2ª e 4ª batidas para começar a construir o groove.
3. Introduzir H i-Hats : Adicione hi-hats fechados entre cada batida do kick e da caixa para um ritmo constante e dinâmico. Se pretender uma sensação mais fluida, pode utilizar colcheias.
4. Incorporar percussão: Para apimentar os seus grooves, pode adicionar alguns elementos de percussão, como shakers ou pandeiretas.
5. Experimentar com Loops: Se eu quiser uma textura adicional nos meus grooves, muitas vezes sobreponho uma percussão em loop ou um loop de topo para os preencher.

Criar uma batida tem tanto a ver com experimentação como com seguir uma fórmula, por isso brinque com todos estes elementos acima e ajuste-os ao seu gosto.

Como criar uma linha de baixo

A criação de uma linha de baixo é onde a sua faixa começa realmente a ganhar força. O baixo deve complementar o groove da bateria e fazer a ponte entre os elementos rítmicos e harmónicos da sua música, sobre os quais falaremos mais adiante.

Aqui está uma abordagem simplificada para criar uma linha de baixo interessante:

1. Seleccione o seu som: Comece por escolher um som de baixo que se adeqúe ao seu género musical. Os baixos de sintetizador são versáteis e podem ser moldados extensivamente, enquanto os baixos de amostra podem adicionar uma textura realista à sua faixa. A
2. Crie um groove: Comece com um padrão básico que segue o groove da sua bateria, depois experimente com sincopação ou notas adicionais para criar ritmo e interesse. Recomendo que ouça as linhas de baixo de outras faixas electrónicas de que goste e veja que tipo de técnicas utilizam.
3. Varie as suas notas: Não tenha medo de se desviar da nota raiz. Pode explorar a escala para diferentes opções de notas. Não tem a certeza de como implementar escalas baseadas na teoria musical? Veja alguns dos nossos blogues sobre o assunto.
4. Coloque um sub-baixo em camadas: Se o seu baixo precisa de um pouco mais de "oomph" nos graves, pode adicionar um sub-baixo limpo, baseado em ondas sinusoidais, por baixo dele. Certifique-se apenas de que está afinado e ritmicamente alinhado com o seu baixo principal.

Seja qual for a sua abordagem, saiba que a linha de baixo é um elemento fundamental em qualquer faixa de música eletrónica, por isso, dedique algum tempo a aperfeiçoá-la e não tenha medo de fazer alterações até encontrar o ritmo perfeito.

Organizar os seus acordes

De seguida, deve começar a desenvolver uma progressão de acordes para a sua faixa. Os acordes servem para estabelecer as bases emocionais sobre as quais irá construir a sua melodia e outras texturas. Têm o poder de evocar certos estados de espírito, criar tensão e libertação, e guiar o ouvinte através de uma narrativa.

É claro que a forma como abordamos os acordes pode mudar significativamente de um género para o outro. Por exemplo, na música eletrónica ambiente, por exemplo, as progressões de acordes exuberantes e prolongadas podem ser boas para criar uma sensação de profundidade, enquanto no house ou techno, acordes mais simples sem muito movimento harmónico podem ser uma escolha melhor.

Embora não seja necessário ser um perito em teoria musical, ter uma sólida compreensão da teoria pode ajudá-lo a tomar decisões mais informadas sobre vozes e progressões de acordes. A beleza da teoria musical é que se trata de conhecer as regras para as poder quebrar. Além disso, dá-lhe o poder de comunicar certas emoções e ideias através da sua música,

Se quiser saber mais sobre teoria musical, consulte o nosso guia para criar progressões de acordes.

Escrever uma melodia

Então, o que é uma melodia?

Na sua forma mais básica, é uma sequência de notas que serve como tema principal ou ponto focal de uma peça musical.

É a parte da faixa que os ouvintes mais recordam, o que significa que uma boa melodia deve ser memorável. Do ponto de vista da teoria musical, também deve encaixar no contexto harmónico da sua faixa.

Um dos principais aspectos a ter em conta na criação de uma melodia memorável é o poder da repetição.

Um motivo ou frase repetida é uma óptima forma de ancorar a sua faixa e dar ao ouvinte uma sensação de coerência, embora também tenha de se abster de usar demasiada repetição, pois a melodia pode acabar por soar monótona.

Recomendo que se ouça ativamente música com melodias fortes para obter alguma inspiração.

Analise a forma como estas melodias são construídas, observe como interagem com os acordes e o ritmo e como utilizam a repetição e a variação para criar movimento e emoção. Também pode inspirar-se nestas canções sem as plagiar, tal como os artistas têm feito desde o início dos tempos. Tudo é construído a partir de algo anterior.

Amarrar tudo

Em seguida, deve começar a encontrar formas de unir todos os elementos da sua faixa.

Embora a música eletrónica possa variar em termos de estrutura, a maioria das faixas electrónicas de estilo pop segue uma estrutura padrão que tem altos e baixos do início ao fim.

A partir da introdução, pode passar-se para o verso, onde a história começa a desenrolar-se. Isso pode levar ao pré-refrão ou ao build-up para aumentar a tensão até ao refrão, gancho ou drop, que actua como o ponto culminante da faixa.

A partir daí, pode adicionar uma secção de solo para mostrar um sintetizador ou uma linha vocal em particular, ou uma ponte para um momento de contraste ou reflexão antes do refrão final, do drop ou do outro.

Mistura e masterização

Finalmente, chegamos ao processo de mistura e masterização, que são as fases críticas do processo de pós-produção. Nesta altura, o foco deve ser transformar a sua coleção de faixas individuais numa peça de música coesa e polida para lançamento.

Na mistura, o objetivo é equilibrar os níveis, colocar os diferentes instrumentos no campo estéreo, aplicar EQ para eliminar conflitos de frequência, comprimir para uniformizar a dinâmica e utilizar efeitos como reverberação e atraso para criar profundidade tridimensional.

A masterização é o passo final, em que a faixa misturada é polida e preparada para distribuição. Nesta fase, afinará o som geral, certificar-se-á de que as canções são consistentes em todo o álbum ou EP, se estiver a criar um projeto, e verificará se a música soa bem em vários sistemas de reprodução.

Ambos os processos requerem um ouvido detalhado e uma compreensão profunda de como o som se comporta e, embora possa certamente desenvolver as suas capacidades o suficiente para misturar e masterizar as suas próprias faixas, é normalmente benéfico ter alguém a desempenhar estas funções quando está a começar, pois é bom ter alguém com um novo par de ouvidos e equipamento especializado.

Melhores recursos para aprender a fazer música eletrónica

Para além deste artigo, fazer música eletrónica é um processo de aprendizagem contínuo com muitas tentativas, erros e experiências. Felizmente, existem inúmeros recursos disponíveis que se destinam a produtores de todos os níveis, incluindo:

Segue-se uma lista de diferentes recursos e a razão pela qual são benéficos para expandir os seus conhecimentos e competências:

• Tutoriais e cursos online: Plataformas como Skillshare, Udemy e Coursera oferecem cursos de música eletrónica leccionados por profissionais da indústria, que podem ir do nível de iniciação ao avançado.
• Vídeos do YouTube: Canais como Point Blank Music School e ADSR Music Production Tutorials fornecem uma infinidade de tutoriais, dicas e técnicas gratuitas sobre vários aspectos do processo de criação de música, perfeitos para aprendizes visuais.
• Fóruns e comunidades online: Comunidades como a Gearslutz, a r/edmproduction do Reddit e a KVR Audio são óptimas para estabelecer contactos com outros produtores, partilhar música, obter feedback e discutir técnicas de produção.
• Recursos específicos de DAW: A maioria das DAWs tem fóruns oficiais, tutoriais e documentação. Sou um grande fã do site Learning Music da Ableton, que tem inúmeras dicas, truques e guias específicos para DAWs.

O nosso blogue também está repleto de recursos úteis para fazer música eletrónica, quer esteja a aprender teoria musical, como funciona a indústria musical ou como abordar o arranjo de canções.

Considerações finais

Aprender a fazer música eletrónica não é algo que se faça de um dia para o outro.

No final, o objetivo final é criar uma faixa que nos faça sentir algo - uma faixa de que nos possamos orgulhar. A música está em constante evolução, por isso não há razão para se prender a um conjunto de regras. No entanto, compreender as ferramentas acima e como utilizá-las pode ajudá-lo a criar algo que seja simultaneamente belo e único no vasto mundo da música eletrónica.