Nagu Nickelback, saab ka minimuusika mõnikord halba mainet. Seda on lihtne teha. See on odav. See ei lähe kuhugi. Minimalistlikud heliloojad on laisad.

Saate aru, mida ma mõtlen.

Kuigi minimalistlik muusika (nagu iga muusikavorm) võib olla ka vähemtähelepanuväärne, on reaalsus see, et see võib olla päris lahe, olgu seda siis ise tehes või kuulates.

See algas, nagu kõik lahedad asjad, reaktsioonina lääne muusika peavoolu konventsioonidele. Alates selle algusaegadest New Yorgis on see žanr mõjutanud paljusid žanreid ja inspireerinud heliloojaid kogu maailmas.

Kui olete selle muusikastiili suhtes uus, olete jõudnud õigesse kohta. Selles artiklis vaatleme lühidalt minimalistliku muusika ajalugu ja arengut, kes on silmapaistvad minimalistlikud heliloojad, selle stiili põhijooned ja kuidas alustada oma minimalistliku muusika loomist.

Istub mugavalt? Alustame....

Ajalooline kontekst: Minimalistliku muusika sünd

Varased mõjutused

Minimaalmuusika tekkis 1960ndate New Yorgi uimastava sulatusahju kaudu, kuid kui torkate klassikalise muusika ajaloos veidi kaugemale tagasi, leiate eksperimentaalseid heliloojaid, kes sillutasid teed selle stiili arengule.

19. sajandi lõpu ja 20. sajandi alguse vahel murdis Erik Satie oma kompositsioonikäsitlusega klassikalise maailma vormi. Tema varajased teosed sooloklaverile pakkusid kaunist lihtsust, samal ajal kui teised heliloojad tulistasid kõikidel silindritel.

Näiteks Satie " Gnossiennes " kolm esimest pala sooloklaveri jaoks on vabataktilised; neil puuduvad taktimõõtmed ja taktimärgid. Brian Eno fännidele ei pruugi see tunduda suur asi, kuid tol ajal oli see üsna radikaalne lähenemine kompositsioonile.

Kui minna ajas edasi, siis John Cage'i looming pani inimesi mõtlema selle üle, mis on muusika. Tema kuulus 4'33'' esitati esmakordselt 1952. aastal ja tekitas kiiresti vastuolusid tänu sellele, et ükski esineja ei mänginud ühtegi nooti. See kõik seisnes "kavandatud helide puudumises".

Mõjud mitte-lääne muusikatraditsioonidest pärinevad ka enne minimuusika sündi. Aafrika rütmid, Hindustani klassikaline muusika ja "etnilised" pillid, nagu gamelan, olid olemas juba kaua aega enne Ameerika minimuusika esilekerkimist.

Minimaalse muusika tõus

Ei ole selge, kust pärineb termin minimal music, kuid muusikastiil, nagu me seda tänapäeval mõistame, hakkas esmakordselt ilmuma 1950ndate lõpus lääneranniku avangardistliku muusikastiili osana. Hiljem laienes see New Yorki, kus see leidis sugulasvaimu New Yorgi hüpnootilises koolkonnas - tollases eksperimentaalmuusika vormis.

Minimalismi kontseptsioon ei inspireerinud mitte ainult muusikat. Peaaegu kõik kunstivormid reageerisid ideele "vähem on rohkem", kirjanduses, maalikunstis, skulptuuris ja filmis toimus lõputu põrandaalune tegevus minimalistliku kunsti loomiseks. Tegelikult toimusid paljud minimalistliku muusika varajased etendused pigem kunstigaleriides ja loftides kui traditsioonilistes kontserdipaikades.

Pioneerid: Minimalistlikud heliloojad

Minimalistliku muusika liikumine hõlmas algselt kümneid nimetuid heliloojaid. Sellest meloodiast kerkis esile neli võtmeisikut, kes olid selle aja silmapaistvamad minimalistlikud heliloojad. Kõik neli ameerika heliloojat sündisid paari aasta jooksul ning kõik õppisid traditsioonilist lääne klassikalist muusikat.

Ja nagu muusikaajaloole üldiselt iseloomulik, on kõik need heliloojad ka valged ja mehed. Sigh.

La Monte Young

La Monte Young on ilmselt kõige vähem tuntud sellest grupist. Brian Eno nimetas teda "meie kõigi isaks" ja ta on kõige paremini tuntud oma töös pikkade kestvate toonide kasutamise poolest.

Tegelikult keeldus tema kompositsiooniõpetaja Berkeleys õppimise ajal tema kompositsiooni "Trio for Strings " hindamisest, kuna see koosnes ainult kolmest väga pikast noodist. Nad ei teadnud, et see kalduvus droonide suhtes muutub hiljem teedrajavaks teoseks.

La Monte Youngi unelmamuusika, nagu seda algselt nimetati, moodustas muusikakollektiivi Theatre of Eternal Music selgroo ja seda on tunnustatud Lou Reedi 1975. aasta albumi " Metal Machine Music " nootides.

Võib öelda, et kuigi La Monte Young ei ole oma elu jooksul palju salvestatud materjali välja andnud, on tema mõju olnud tunda kogu maailmas.

Terry Riley

Terry Riley on Youngi sõber ja kaastöötaja, kuid uurib minimalismi läbi kordamise, eriti lindisilmuste ja viivituse kasutamise kaudu.

Riley korduse kasutamine ei piirdunud elektroonilise valdkonnaga; üks tema tuntumaid teoseid, " In C ", kasutab sarnast protsessi elavate instrumentide puhul. Üks interpreet annab rütmilise aluse (loomulikult C-keelel), samal ajal kui teised interpreedid (keda võib olla ükskõik kui palju ja mis tahes pillidel) mängivad 53 meloodilist rakku, juhindudes vaid mõnest põhilisest ettepanekust. Tulemus on põnev ja hüpnootiline.

Tänu oma keskendumisele modulaarsele kompositsioonile võiks öelda, et Terry Riley on originaalne Ableton. Kas muusikakriitik nõustub sellega, on teine küsimus, kuid nii või teisiti on Riley tugevalt mõjutanud mitte ainult eksperimentaalmuusikat, vaid ka rokki ja kaasaegset elektroonilist muusikat.

(Kõrvalmärkus: vaadake tema Mescalin Mixi, et saada jubedat aimu sellest, kuidas kõlas Riley varajane muusika.)

Steve Reich

Selline modulaarne lähenemine muusika loomisele oli ka Steve Reichi lemmik. Reichi puhul uurib ta tehnikat nimega phase shifting, kus mängitakse sama materjali, kuid iga osa algab veidi erineval ajal ja võib mängida peenelt erinevas tempos.

Steve Reich alustas oma katsetusi minimalistliku muusika vallas lindi abil; varajased kompositsioonid on näiteks " It's Gonna Rain " (1965) ja " Come Out " (1966). Mõlemad teosed on klassikalised näited faasinihete toimimisest, andes varajase ettekujutuse hiljem elektroonilist muusikat määratlevatest proovivõtutehnikatest.

Nagu Riley, rakendas ka Steve Reich oma minimuusika metoodikat akustilistele instrumentidele. Piano Phase (1967) taastab lindisilmuse efekti, kasutades kahte klaverit. Mõlemad klaverid mängivad sama meloodilist joont unisoonis, kuid üks klaver kiirendab järk-järgult. Kuna kõik on live, ei ole kaks esitust ühesugused (kuigi loomulikult saab kuulata salvestust).

Hiljem hakkas Reich rohkem huvituma löökpillide kasutamisest omavahel seotud rütmimustrites, mis sarnanevad Aafrika trummimängus esinevate polürütmidega.

Philip Glass

Võib-olla üks tuntumaid Ameerika kaasaegse muusika heliloojaid on Philip Glass.

Nagu Young, Reich ja Riley, oli ka Philip Glass New Yorgis, kui varajane minimuusika oli kujunemas, õppides Juilliardis. Alles 1967. aastal, kui ta naasis Prantsusmaalt ja Indiast, hakkas Glass tähelepanu pöörama Steve Reichi loomingule ja sai sellest mõjutusi.

Nagu Reich, sai ka Glass varakult toetust kunstigaleriidest, tema muusikat esitleti koos visuaalse kunsti minimalistidega ebatraditsioonilistes kohtades.

Tema ansamblite hulka kuuluvad nii orelid, klaverid ja puhkpillid, eriti saksofonid, kui ka omapärasemad instrumentaariumid, näiteks võimendatud laudpillid. Klaasi muusika on kergesti äratuntav, ühendades indiaanimuusikat, minimalismi ja tema isiklikku stiili, mis on sündinud pikkade tundide jooksul, mil ta koos oma isaga kuulas plaate perefirma muusikapoest.

Lisaks sellele, et teda seostatakse varase minimalismiga, on Glassi muusikat kuulda olnud ka filmides, ooperites ja Broadwaylaval. Lisaks arvukatele soolo- ja kammermuusikapaladele ning teostele keelpillikvartetile ja väikestele instrumentaalansamblitele.

Minimalistiks üsna viljakas mees.

Minimalistliku muusika omadused

Nii et me teame, kuidas minimalistlik muusika tekkis ja kes olid selle stseeni esirinnas. Vaatleme minimalistlikke tunnuseid muusikas.

Piiratud või minimaalsed materjalid

Minimaalmuusika võib oma määratluse järgi hõlmata kõike, mis on loodud väga piiratud instrumentidele. See võib olla üks põhiline elektrooniline mürin loopiva saksofonihääle all või rühm eklektilisi "leitud heli" instrumente, nagu kastrul ja turvavöö.

Minimalistlikud on ka palad, mis kasutavad vaid paar sõna teksti (nagu näiteks Steve Reichi eespool mainitud " It's Gonna Rain"), samuti palad, mis kasutavad kogu teose vältel vaid paari nooti (mitte te Nickelback).

Kordamine ja tsüklid

Minimalistlikuks võib pidada muusikat, mis sisaldab lühikesi muusikalisi mustreid või pikema aja jooksul korduvaid rakette. Terry Riley ja Steve Reich on mõlemad omaks võtnud korduse idee oma loomingus ning Philip Glass on tuntud oma korduvate struktuuride kasutamise poolest, kuna tema muusika liigub lõpututes ringides.

Järkjärguline areng

Lihtsalt ühe fraasi kordamine ikka ja jälle muutub kiiresti vanaks, seega on minimalismi üks silmapaistvamaid tunnusjooni peened variatsioonid või täiendused, mida aja jooksul sisse viia. Steve Reich oli selle meister oma faasinihke tehnikaga.

Impulssidega juhitud rütmid

Minimaalmuusikale on iseloomulikud ka lihtsad, pulsil põhinevad rütmid, mis mõjuvad hüpnootiliselt. Philip Glass on tuntud oma muusika rütmilise kvaliteedi poolest, mis on mõjutanud ka tänapäeva muusikastiile nagu rock ja EDM.

Publiku taju

Konkreetse muusikastiili või -žanri kindlaksmääramine on alati keeruline. Mitte miski ei mahu kunagi mugavalt "minimalistliku" või "popmuusika" kujuga auku. Samuti ei pea kõik eespool nimetatud tunnused olema olemas, et muusika oleks minimalistlik, ning samuti ei tee nende tunnuste olemasolu suuremal või vähemal määral muusikapala minimalistlikuks.

Minimaalse muusika ehk kõige olulisem aspekt on see, kuidas see võimaldab (või sunnib, olenevalt sellest, kuidas seda vaadata) publikul keskenduda muusikas toimuvale.

Erinevalt muusikalisest meelelahutusest, mida esitatakse loo või reisina, eeldab minimuusika kuulamise kogemus tähelepanu pööramist sellele, mis muusikas endas toimub.

Muusikapala, mis koosneb ainult kahest või kolmest noodist, mida mängitakse näiteks viieteistkümne minuti jooksul, sunnib kuulajat tõesti keskenduma esitusele ja paneb kuulamise mängima muusikas aktiivset rolli.

Ma väidan, et just see muudab muusika minimalistlikuks.

Kuidas luua minimalistlikku muusikat

Kui sul on eesmärk saada järgmiseks Philip Glassiks või John Adamsiks, siis pead hakkama kirjutama minimalistlikku muusikat! Siin on mõned ideed, et alustada.

Valige oma fookus

Otsustage, milline on teie teose põhielement. See võib olla:

• rütm
• harmoonia, näiteks avatud kvint või suur kolmandik
• meloodia
• kõnepala (veenduge, et teil on selleks õigused, kui te kavatsete oma tööd avaldada!)

Minimalistlikud heliloojad ehitavad sageli kogu oma kompositsiooni ühest ideest, seega valige oma teose nurgakiviks üks põhielement.

Mida iganes te ka ei valiks, veenduge, et see on lühike. Kui te lähete La Monte Youngi teed pikkade kestvate nootidega, siis on see hea - esialgne idee on ikkagi lühike!

Loo korduv muster

Kui olete valinud oma aluse, kasutage seda korduva mustri loomiseks.

Kui kasutate rütmi, programmeerige see või salvestage see häälestamata löökpillidega - hiljem võite alati lisada rohkem häälestatud instrumente.

Kui see on meloodia, salvestage see ja loopige seda.

Kui tegemist on harmooniaga, kasutage harmoonia programmeerimiseks püsivat heli nagu süntesaatoripad, säilitades seda teatud aja jooksul. (Pro nõuanne: Põrutage seda pigem helina välja, kui kasutage MIDI-d, nii et kuulete heli, kust iganes te taasesitust alustate).

Minimalismi hüpnootiline efekt tuleneb pidevast kordamisest, mis loob meditatiivse tunde.

Piirake oma paletti

Nüüd, kui teil on alus paika pandud, on aeg hakata mõtlema sellele, kuidas asjad aja jooksul arenevad. Alustuseks peate looma oma helipaleti.

Olenemata sellest, kas kasutate elektroonilisi instrumente või akustilist salvestust, piirake teoses kasutatavate instrumentide arvu vaid käputäiega. See aitab teil saavutada minimalistlikku mõtteviisi ja vältida asjade liiga segaseks muutumist. See sunnib teid sügavamalt mõtlema sellele, kuidas asjad võivad aja jooksul muutuda.

Isegi kui plaanite ehitada ühe harmoonia ümber kasvava heliseina, on hea mõte kasutada vaid mõne erineva instrumendi mitut versiooni.

Viige sisse väikesed variatsioonid

Valige üks element ja muutke seda järk-järgult.

Kui olete alustanud ühe instrumendiga, mis mängib lihtsat meloodiaostinatot, proovige järk-järgult lisada teine instrument, seejärel kolmas.

Teise võimalusena võite katsetada noodi lisamist või eemaldamist oma mustrist või kui teil on kaks instrumenti, mis mängivad sama motiivi, kohandada ühe ajastust nii, et see nihkub faasist välja.

Dünaamika on veel üks hea viis, kuidas tuua korduvasse ideesse peeneid variatsioone, säilitades samal ajal muusika põhiolemuse.

Eksperimenteeri kihistamisega

Kui olete alustanud ühe instrumendiga, mis mängib lihtsat meloodiaostinatot, lisage järk-järgult teine instrument, seejärel kolmas.

Kombineeri see samm eelmise sammuga, lisades variatsioone nendele uutele kihtidele.

Võtke omaks tehnoloogia

Elektroonilised vahendid nagu DAW-d, riistvara sekventserid ja looperpedaalid teevad minimaalse muusika loomise kõigile kättesaadavaks, seega kasutage neid. Seal on palju tasuta vahendeid, mis aitavad sind selles aidata!

Lisaks praktiliselt iga DAW poolt pakutavatele proovivõtu- ja loopimisvõimalustele saab digitaalseid efekte kasutada ka ruumitunde loomiseks. Uurige, kuidas automaatika abil viivitus- või reverb-plugin'i parameetrite muutmine võib luua metsikut ja imelist minimuusikat vaid ühest ideest.

Esitage endale väljakutse

Seadke endale näiteks piirangud iga projekti jaoks, millega te töötate:

• salvestada ainult oma häälega
• salvestada 30 minutit muusikat ilma redigeerimiseta
• kasutada ainult ühte heli ja mitut efekti
• kasutada mitut heli ja ainult ühte efekti
• muuta taktimõõtu igal meetril

Kui te pole kunagi varem proovinud minimalistlikus stiilis kirjutada, võite olla üllatunud, kui raske võib olla asju tagasi võtta. Minimalismi võti on lihtsus ja kaasatud instrumentide vähendatud arv. Eksperimentaalse muusika tegemiseks tuleb pidevalt katsetada!

Minimalistliku muusika pärand

Minimalistlik muusika on läbinud pika tee 1960ndate New Yorgi erinevate nimetute heliloojate ja tundmatute performance'ide teosest. Minimalism on jätnud püsiva mulje nii klassikalisele muusikale, EDMile, rokile kui ka filmimuusikale.

Heliloojad nagu Max Richter ja Jóhann Jóhannsson ühendavad minimalistliku korduse lopsaka orkestreerimisega, et luua emotsionaalselt kõnekaid teoseid, mis on jõudnud laia publikuni. Richteri " Sleep " on minimalismi ekspressiivse voolavuse ja meditatiivsete omaduste väljapanek.

Elektroonilised muusikud on samuti tugevalt mõjutatud minimalismist. Jon Hopkins, Nihls Frahm ja muidugi Brian Eno on kõik kasutanud minimalistlikke protsessitehnikaid nagu kordamine, loop-mustrid ja järkjärgulised tekstuurilised nihked, et luua kaasahaaravaid helimaastikke.

Isegi praegune filmimuusika kuningas Hans Zimmer kasutab minimalistlikke tehnikaid. Vaadake tema filmimuusikat " Interstellar ", et kuulda aeglasi harmoonilisi nihkeid, mis meenutavad Steve Reichi phasing-katsetusi.

Minimalismi rõhuasetus kordamisele, lihtsusele ja järkjärgulisele muutumisele inspireerib jätkuvalt rohkem kui üksikuid heliloojaid paljudes žanrites, mis tõestab, et selle mõju on nii püsiv kui ka laiaulatuslik.

Kui otsite inspiratsiooni, et kirjutada uut muusikat minimalistlikus stiilis või soovite lihtsalt sukelduda sellesse žanrisse, siis soovitan kindlasti kuulata seda suurepärast sissejuhatavat playlist'i.

Nüüd minge edasi ja minimaliseerige muusikat!