音楽のミキシングを学ぶことの素晴らしさは、あなた独自の方式を考え出せることです。アーティストやオーディオ・エンジニアとしてあなたを識別し、あなたを際立たせる音のパレットを作るのに役立つ音の特徴です。しかし、その前に、オーディオ・ミキシングには一定のルールがあり、それは定石ではありませんが、よりプロフェッショナルなサウンドを実現するのに役立つことは間違いありません。

ワークフローを効率化するためのヒントもあれば、あらゆる再生システムで音楽を素晴らしいサウンドにするためのヒントもあります。これらの推奨事項に共通しているのは、ミキシング中に現実をチェックし、調整する際の指針となり、自分の音楽であれ、他のアーティストの作品であれ、意識的な決断を助けるということです。

オーディオのミキシングにおいて何が重要で何が重要でないかについては、どのサウンドエンジニアも自分なりのセオリーを持っていると思いますが、スタイルやジャンル、経験に関係なく、プロフェッショナルなミックスを作りたいときに従うべきルールだと私が考えるものを以下に紹介します。

ジャンルを理解する

もしあなたが自分の音楽をミキシングしているのであれば、あなたがプロデュースしている音楽のジャンルに精通していると仮定します。しかし、あなたがジャンルを超えて複数のアーティストと仕事をするオーディオエンジニアであれば、事情は異なるかもしれません。

メタル、ヒップホップ、ポップス、クラシック......それぞれのジャンルには、独自のルールと期待されるサウンドがある。盲目的に従うことはないかもしれないが、少なくとも意識しておくべきだ。ギター・ソロは、それがポップス、ソウル、ディスコ、ヘビーメタルの曲の一部であるかどうかで全く異なるサウンドになる。ドラムからボーカル、シンセに至るまで、曲の他のあらゆる要素についても同様だ。

ロックやメタルでは、中音域全体のレベルバランスを取るのは長く厳しい作業になります。ポップスでは、リード・ボーカルが最も重要な要素になるのが普通で、ヒップホップやテクノでは、キック・ドラムがビートの主な原動力になるはずです。どのジャンルにも独特の特徴があることを説明すればきりがないが、自分のミックスで何が重要かを理解し、識別し、それに応じて強化するのはあなた次第だ。

最終的なゴールは常に、聴衆のイメージに沿ったまとまりのあるサウンドを作ることであり、マスタリングエンジニアに送る最終ミックスには、あなたが取り組んでいるジャンルの特徴がすでに反映されているはずだ。

ミックス組織

ミキシング時のワークフローを整理することで、時間を節約し、一貫した結果を得ることができ、毎回ゼロから始めることなく、複数のプロジェクトに合わせて認識できるサウンドを作ることができます。

セッションを準備する方法はいくつかありますが、最も一般的なものには、グループ分け、色分け、トラックの名前付け、トラックフォルダの使用、バスの使用などがあります。

ストリングスセクションやドラムなど、似たようなトラックをグループ化すれば、それらのトラックのレベルやエフェクトを調整しやすくなります。また、プロジェクトを視覚化し、別々のトラックをユニークな要素の一部として見るのにも最適です。

色分けをすることで、ミックス内のエレメントを区別し、トラックを簡単に見つけることができます。例えば、シンセに1色、ギターに1色、ボーカルに1色といった具合です。サウンドエンジニアとして複数のプロジェクトに携わる場合、これは非常に重要です。

DAWによっては、トラックフォルダを作成することができます。これは、トラックを階層的にグループ化する方法であり、ミックス要素を整理して整頓するのに役立ちます。

最後に、ミックスバスの重要性を忘れないでください。ミックスバスは、複数のトラックをグループ化し、まとめてエフェクトをかけることができるバーチャルチャンネルです。これを使うことで、時間を大幅に節約できるだけでなく、ミックスの一貫性にも良い影響を与えます。

リファレンス・トラック

良質なミックスを制作する上で、これはおそらく最も重要なポイントだろう。作業しているジャンルだけでなく、クライアントの要望、あなたの好み、自由に使えるツールに沿ったリファレンス・トラックを選ぶことは、些細なことではありませんが、必要なことです。

クライアントと一緒に音楽ミックスをする際には、必ず過去の曲を参考として聞いておくと、彼らがミックスに求めているバランスが明確になります。自分やクライアントが求めているものを正確に知ることで、彼らのイメージに沿ったミックスを作ることができます。

ミキシング・プロセスの時間を節約するために、関連するジャンル、アーティスト、音楽を調べるのに時間をかけましょう。自分のミックスを他の人と同じにする必要はありませんが、ミキシング作業を始める前に、聴衆が何に慣れているかを知っておくことは良い練習になります。

何から始めるか

ミキシングを始めるとき、どの楽器から手をつけるべきか悩むかもしれない。繰り返しになりますが、この質問に対する明確な答えはありませんが、経験則として、ベースとドラムから始めることをお勧めします。

それがあなたの曲の強固な土台であり、バランスが取れていれば、ミックスの主要要素（ギター、シンセ、ボーカル）をどこに置くべきか、十分な情報を得た上で決定することができる。

さらに、ドラムは全周波数帯域をカバーするので、ミックスにおける周波数の振る舞いを "プレビュー "することができる。

ドラムから始めるなら、まずスネアとキックドラムに集中するのがベストだ。スネアは、ミックスの中で最も大きな音量のエレメントの1つであるべきです。トラックのバックボーンであり、グルーヴを定義するものです。

キックドラムも同じくらい重要だ。スネアのトランジェントやリード楽器の影に隠れてしまうかもしれないので、音量は大きくあるべきだが、大きすぎてもいけない。

それ以外のもの（タム、シンバル、パーカッション）は、スネアとキックの後に来る。ミックスの中で適切なスペースを与え、ミックスの中でグルーヴを導くものを目立たせることなく、はっきりと聴こえるようにする必要があります。

ミックスの他の要素に移るときは、ミックスの奥行きをどのように改善し、関係するすべての楽器を微調整できるかに集中してください。ミックスに加える要素が増えれば増えるほど、良い音にするために微調整が必要になります。最初は圧倒されるように感じるかもしれませんが、時間が経つにつれて、楽しくて魅力的な作業となり、ミックスするすべてのトラックにあなた独自の音の特徴が見えてくるでしょう。

ボリューム・ファースト、エフェクト・アフター（スタティック・ミックス）

スタティック・ミックスは、ミキシング・プロセスの最初のステップです。正しく行えば、ラフなミックスができ、ポストプロダクションのエフェクトによるミックスグルーがより簡単になります。

ダイナミック処理、エフェクト、オートメーションを使わずに、ボリュームフェーダーとパンコントロールだけを使って、バランスのとれたミックスを実現してみてください。この基本的なバランスは、トラックのバランスと大まかなステレオイメージを作るのに役立ちます。

まず、すべてのボリュームレベルをゼロに設定し、各トラックを1つずつゆっくりとミックスに入れます。ボリュームフェーダーを調整し、各エレメントがミックスにうまく収まるようにします。パンニングを使ってステレオフィールド内にエレメントを配置し、周波数マスキングを避けながら、それぞれにスペースを与えます。

最終的なスタティック・ミックスは、リリースするアルバムの生バージョンのようなサウンドであるべきだ。すべてのボリュームが完璧なバランスで、各楽器がサウンドステージ上に独自のスペースを持つべきだ。

EQやフェーダー、コンプレッションをかけ始めると、調整が必要になる可能性があります。とはいえ、この基本的なミックスは、エフェクトを使ってサウンドを作り始めるための重要な出発点となるでしょう。

ソロ」ボタンを忘れる

ミキシングとは、トラックのすべての要素のバランスと調和を達成することであり、トラック制作の際に全体的な視点を持つことが最高の結果をもたらすことは驚くことではない。

ソロモードで周波数調整を行うと、ミックスが明瞭さを失うことがあります：このような方法でEQを調整すると、あるトラックが他のトラックの周波数空間を「侵食」してしまうかもしれませんし、単独では理想的だと思われたコンプレッション設定が、ミックスのダイナミクスを損なうかもしれません。

繰り返しになりますが、私がお勧めするのは、ミックスの問題を解決し、ダイナミックバランスを高めるための主なツールとして、ボリュームとパンの調整を使うことです。ノイズ除去やちょっとしたEQ調整にはソロが必要かもしれませんが、これはルールではなく例外だと考えてください。

ヘッドルームを残す

ヘッドルームとは、オーディオ信号のピークレベルとデジタルシステムの最大限界の間のスペースのことです。

このスペースはクリッピングを防ぐだけでなく、特にプラグインを使用する場合、サウンドの質と質感を定義します。これは、デジタル・プラグインが入力レベルによって異なる反応を示すためです。通常、入力レベルが低いほど、プラグイン内のダイナミックな相互作用がより敏感に反応し、エフェクトがより透明で効果的に適用されます。

最後に、十分なヘッドルームを確保することで、クリッピングやデジタル歪みによる不要なアーティファクトを防ぎ、トラックのダイナミックさを高めることができます。目安として、ミキシング時には3～6dBのヘッドルームを残しておくとよいでしょう。

静かなリスニング

小音量で音楽を聴いているとき、私たちの耳は周波数スペクトルの極端な低域と高域に対してあまり敏感ではありません。再生音量が大きくなると、高域と低域が均等に聴こえるようになります。ポップスを小さな音量で聴いてみてください。ボーカルはまだはっきり聴こえますが、ベースラインはほとんど聴こえないことにお気づきでしょうか？

つまり、ミックスが小音量でもふくよかで明瞭な感覚を得ることができれば、それはバランスが取れていると言えます。逆に、ボリュームを上げるとバランスよく聞こえるのに、ボリュームを下げると明瞭さやまとまりが失われるようなミックスは、ミックス内の要素の相互作用に何か問題があることを意味します。

最後になるが、ダイナミックレンジと表現力を保ちながら、すべてのペイバックシステムでうまく機能する素晴らしいミックスを作りたい場合は、小音量で聴くことも重要である。

モノの重要性

すべてのエレメントが1つのチャンネルにサミングされるモノラルで明瞭さとバランスが保たれているミックスは、それ以上のレベル調整は必要ありません。私のお勧めは、ミックスがモノラルでどのように聞こえるかを常にチェックすることです。周波数の問題を特定し、対処する最善の方法だからです。

ステレオ・ミックスでは、異なるエレメントをパンしてステレオ・フィールドに広げ、分離と空間を作り出すことができます。しかし、これらの要素をモノラルに折りたたむと、位相キャンセルの問題がより明確になります。同じように、周波数マスキングの問題も、モノラルで聴くとより簡単に特定できます。

最後に、モノラルで優れたパフォーマンスを発揮するミックスは、ハイエンドのオーディオマニア・システムからシングル・スピーカー機器まで、幅広い再生システムでより一貫したものとなる可能性が高く、これは音楽をミキシングする際にまさに求められるものです。

最良の道具を知り、今あるもので仕事をする

プロフェッショナルなサウンドには高価なプラグインや機材が必要だという考えにとらわれがちなのは、経験上わかっている。今の時代は、もはやそうではありません。

ほとんどのデジタル・オーディオ・ワークステーションには、プロフェッショナルな結果を提供できる様々なプラグインが内蔵されている。これらのツールを使いこなすことから始めることができ、おそらく使うことのないサードパーティ製のプラグインを大量に手に入れるよりも合理的な解決策だ。

自分のプロジェクトのために高品質のプラグインや機材を意識したり、手に入れるべきでないとは言わないが、それらに夢中になることは、ミキシングのより重要な側面、つまり、自分のスキルを磨き、自分の耳を信頼し、利用可能なリソースを使って最高のミックスを作ることから目をそらすことになる。

最終的な感想

オーディオ制作では、何も決まっていません。それこそが、オーディオ制作を魅力的でクリエイティブなものにしているのです。

とはいえ、注意深く音量をバランスさせることが、最終的にミックスをヒットさせることにつながります。ひとつの要素に注目するのではなく、リスナーが感情的なインパクトを感じられるような、全体としてのサウンド体験を重視してください。

ミックスを様々な再生システムでテストし、すべてのデバイスでイメージ通りに再生できるようにすることの重要性は、いくら強調してもしきれません。ある曲がスタジオ環境では素晴らしく聴こえても、カーオーディオシステムではひどい音になってしまうかもしれない。プロ仕様のヘッドフォンやスタジオ・モニターを使うだけでなく、安物のイヤフォンでもミックスをチェックしてください。

幸運を祈る！