自分の好きな曲がどうやって作られたのか、不思議に思ったことはありませんか？あるいは、自分で音楽を作りたいと思ったことはありませんか？
他のアーティストのために音楽をプロデュースすることを夢見る人も、メディアのために作曲することを夢見る人も、あるいは単に音楽ソーセージがどのように作られるかを理解したい人も、このステップ・バイ・ステップ・ガイドがあなたをカバーする。
必要な機材、曲作りや作曲のテクニック、音楽制作の技術的な側面など、すべてのプロセスについて解説します。
音楽制作は、プラグイン、ソフトウェア、ハードウェア、スキル、そして創造性からなるワイルドで楽しい世界だ。しかし、本当に必要なのはラップトップと夢だけだ。
そしてこのガイド。
すべての音楽プロデューサーは、どこかからスタートする。ここから始めるのだ。
音楽制作パート1：機材とスキル
音楽制作の基礎
音楽をプロデュースする "というフレーズは、音楽制作プロセスを構成するあらゆる活動を表現する、ごまかしのない単純な方法である。
ここでは、音楽制作の超基本的な内訳を説明する：
作曲・編曲
音楽をレコーディングする前に、実際に曲を書く必要がある。ビートを作り、コード進行を作り、ベースラインを加えるなど、制作しながら曲を書くプロデューサーはたくさんいる。
歌詞は曲の重要な部分だから、曲を作るときはスタジオに入る前に書くことがより重要なんだ。
いずれにせよ、ある時点で音楽と歌詞を書く必要があり、それを首尾一貫した構造に整理する必要がある。
すべての音楽プロデューサーが曲作りに関わるわけではない。
プログラミング＆サウンドデザイン
制作する音楽のスタイルによっては、制作プロセスにプログラミングの要素が含まれることがあります。これには、ビートとベース・パートのプログラミングや、シンセやプラグインを使ってさまざまなサウンドを作ることが含まれる。
ジャンルによっては、このプロセスに重きを置くものもある。例えば、エレクトロニック・ミュージックは、ロックバンドのプロデュースよりもプログラミングが多い。枠にはまればはまるほど、より多くのプログラミングをすることになる。
レコーディング
ボーカルや "本物の "楽器のレコーディングは、音楽制作の重要な側面です。他のミュージシャンやシンガーと一緒に仕事をする場合、プロデューサーの役割は、レコーディングの際に全員から最高のパフォーマンスを引き出すことです。そのためには、卓越した人間力が必要です！
ミキシング＆マスタリング
すべてのレコーディングとプログラミングが終わったら、トラックはミキシングとマスタリングが必要になる。プロデューサーの中には、このどちらか、あるいは両方を自分でこなす人もいれば、専属のミキシング・エンジニアやマスタリング・エンジニアに依頼する人もいる。
音楽プロデューサーの仕事とは？
この中で音楽プロデューサーはどこに位置するのだろうか？それは人それぞれだ。多くのミュージシャンは、ソングライター、アーティスト、プロデューサーの役割を担って、自分の音楽をプロデュースしている。有名な例としては、チャンス・ザ・ラッパー、イギリスのグライム・アーティスト、スケプタ、ファレル・ウィリアムスなどが挙げられる。
他の音楽プロデューサーは、アーティストとコラボレーションして、彼らのサウンドを形作る手助けをする。これは、単にスタジオでアレンジを珠玉のものにし、レコーディングするミュージシャンから最高のパフォーマンスを引き出すこともあれば、音楽制作のプロセスに深く参加することもある。ジョージ・マーティンは、ビートルズの創作過程に深く関わったことから、一般的に「5人目のビートルズ」と呼ばれている。
成功する音楽プロデューサーは、上記のすべてに長けているが、それらがどのような位置づけにあり、どのように音楽に貢献できるかを知っている。
ツール＆機材
自分の曲を制作するにしても、他のアーティストとコラボレーションするにしても、始めるには基本的な機材が必要だ。尤も、既にすべてのツールが揃っているレコーディングスタジオで時間を予約することもできるが、音楽制作の旅を始めたばかりの頃は特に、それはすぐに高くついてしまう。
良いニュースは、銀行（または親のクレジットカード）を壊すことなく、驚くほど有能なホームスタジオセットアップを構築することができるということです。快適な自分のスペースで音楽制作を始めるために必要不可欠なツールや機材を見てみよう。
コンピューター
まず必要なのは、すでにお持ちのコンピューターでしょう。MacであろうとWindows OSであろうと、あなたのスタジオの心臓部になります。すべてをスムーズに動かすためには、高性能プロセッサー、大容量のRAM、SSDドライブが理想的です。
デジタル・オーディオ・ワークステーション
DAW（デジタル・オーディオ・ワークステーション）は、プロの音楽プロデューサーにとっての司令塔だ。楽器が録音され、シンセがプログラムされ、メロディーがトラックになるなど、すべてがここで行われる。つまり、音楽プロデューサーの主要ツールなのだ。
デジタル・オーディオ・ワークステーションには、予算に応じた素晴らしい選択肢がたくさんある：
- リーパー
- ロジック・プロ
- エイブルトン・ライブ
- FLスタジオ
- キューベース
- プロツールズ
- プリソナス・スタジオ・ワン
どれも機能は異なるが、基本的にはすべて同じことをする。
オーディオ・インターフェース
オーディオ・インターフェースは、アナログ信号をデジタルの世界に送り込むものです。ボーカルやギターなど、何らかの外部ソースをDAWにレコーディングする場合、オーディオインターフェイスが必要です。
オーディオインターフェイスの中には、MIDIや デジタルオーディオなど、さらなる接続オプションを提供するものもあります。
最後に、オーディオ・インターフェイスはスタジオ・モニターやヘッドフォン（複数セットの場合もある）を接続するための出力を提供し、傑作のサウンドをすべて聴くことができる。そういえば...
モニター＆ヘッドフォン
自作の音楽を聴くには何かが必要だ。エアポッドや民生用スピーカーでは、耳に心地よく響くようなサウンドを作ることはできない。
必要なのは、DAWから出力される音をイボイボも含めて正確に再現する、ホームスタジオ専用のモニターやヘッドホンです。トラックをレコーディングする際のモニターとして、またその後の制作プロセスでも必要になります。
MIDIコントローラー
どのような音楽を作るにせよ、MIDIコントローラーをセットアップの一部として持つことは価値がある。MIDIコントローラーには様々な形や大きさ、様々な機能がありますが、シンプルで小さなキーボード・コントローラーでも、素早く簡単に音符を入力することができます。
MIDIコントローラーには、ドラム・パターンの演奏や他のMIDIパラメーターのコントロールをより音楽的にするパッドやボタン、ノブが付属していることが多い。ミキシング・ワークフローに役立つフェーダーまで付いているものもある。
サンプル、ソフトウェア・インストゥルメント、エフェクト
教会でグレゴリオ聖歌を録音するのでなければ、サウンドを加工するプラグインが必要です。リバーブや ディレイのような基本的なエフェクトから、粒状サウンド合成やサイドチェーン・コンプレッションのような複雑な処理まで、これらのプラグインはユニークなサウンドを作り、ミックスをプロフェッショナルなサウンドにするのに役立ちます。
幸いなことに、ほとんどのDAWには、仕事をうまくこなしてくれるインストゥルメントやエフェクトが標準装備されているので、いきなりソフトウェアにお金をかける必要はない。
マイク
最後に、ホームスタジオでボーカル（または他のタイプのアコースティック楽器）を録音する場合は、きちんとした品質のマイクが必要です。レコーディングする音源の種類に適したものを選びましょう。
快適な椅子とデスク
完全に必須というわけではないが、作曲中に何時間でも快適に作業できる椅子と机の組み合わせがあれば、生産性が上がる。何と言ったらいいか。私は制作するときに快適であることが好きなんだ。
音楽プロデューサーのスキル
確かに、音楽制作を学ぶために大学に行くことはできるが、費用はかさむ。多くのプロデューサーは独学で、ほとんどの音楽制作のテクニックは、オンラインコースで学んだり、オンラインでビデオを見たり、ウェブサイトや雑誌のチュートリアルを通して作業することができます。
しかし、より良いプロデューサーになるための、あまり目立たないスキルがいくつかある。
音楽理論
まあ、これは当たり前のことかもしれない。しかし、音楽がどのように機能するかを理解すればするほど、より良いプロデュースができるようになる。
それに、もし他のミュージシャンと一緒に仕事をするなら、彼らとのコミュニケーションをより効果的にするのに役立つだろう。そういえば...
人間力
コミュニケーションは、プロデューサーとして最も重要な部分だろう。音楽業界での人脈作りから、他のアーティストとのコラボレーションに至るまで、人を安心させることができるのは必要不可欠なスキルだ。
リスニング・スキル
誰もが音楽を聴く。でも音楽プロデューサーは聴き方が違う。
アクティブ・リスニングとは、メロディーを分析し、アレンジを分解し、ミックスで何が起こっているかを把握し、最も人気のある曲で使われているテクニックを見抜くなど、細部にまで耳を傾けることだ。また、現在の業界のトレンドを反映したスタイル、サウンド、構成の変化にも耳を傾けることだ。
このような集中したリスニングを身につけることは、音楽プロデューサーとして身につけることができる最も価値のあるスキルのひとつであり、練習すればするほど鋭くなる。
プロジェクト管理
企業ハンドブックから飛び出してきたような話に聞こえるかもしれないが、プロジェクト管理は音楽プロデューサーであることの大きな要素である。
ファイル管理、セッションのスケジュール管理、ミュージシャンのブッキング、予算の管理（そう、音楽プロデューサーといえどもスプレッドシートからは逃れられない）など、常に気を配る必要がある。
また、音楽業界の契約がどのように機能するかについての基本的な理解を持っているのに役立ちます。セッション・プレイヤーや ライセンス、印税の扱いは、レコード制作の最も派手な部分ではないが、スムーズでプロフェッショナルな制作船を走らせたいのであれば、間違いなく最も重要なことのひとつだ。
音楽制作パート2：テクニックと戦略
作詞・作曲テクニック
スターティング・ポイント
真っ白な画面を見つめて曲を作りたいのに、何から始めたらいいのかわからないほど最悪なことはない。問題のひとつは、曲を始める方法がたくさんあることだ。
ビートを作る
グルーブで物事を始めるのは、曲の始まりに最適な方法です。エネルギーとペースを作り、ジャンルによっては他のすべての楽器を動かすこともあります。FL StudioやAbleton Liveのようなデジタル・オーディオ・ワークステーションを使えば、簡単にビートを作ることができる。
コード進行を作る
もっとヴァイブスなものがお望みなら、コード進行から始めてみよう。シンプルなものでも、ボールを転がすことができるし、いったん始めたら、コードを入れ替えてもっとユニークなものを作ることができる。
曲の構成を選ぶ
自分の曲がどのように進んでいくかのロードマップを持つことは、特に歌詞を書くときに集中力を保つのに役立つ。
歌詞を書く
音楽が思いつかない場合は、代わりに歌詞から始めてみよう。力強い歌詞のフックは、曲の土台となるリズムを示唆するかもしれない。
ループを組む
時にはアイデアで遊んでみるのもいい。ムードを盛り上げるために、プロジェクトにループをたくさん放り込んでみよう。オーディオベースでもMIDIベースでも、あなたの創造性を刺激するものなら何でもいい。音楽的アイデアの断片がどこかに隠れていて、その断片があなたを新しい創造的領域へと導いてくれることがよくある。
ヌードル・アラウンド
ピアノやギターの名手である必要はない。好きなサウンドを見つけて録音し、演奏を始めるだけでいい。探検し、間違いを犯し、今まで行ったことのない領域に踏み込んでください。何よりも、自分を編集せず、ただ演奏すること。
シンプルに
確かに音楽理論を知ることは音楽制作に役立つが、曲を作るのに音楽の学位は必要ない。
ポピュラーソングの多くは、非常に基本的な3つか4つのコード進行に頼っている。多くの場合、ヴァースとコーラスは同じ進行を別のメロディで、別の楽器編成で使います。うまくいくものが1つ見つかれば、あらゆるハーモニーの可能性を探る必要はない。
メロディーも同じで、短く、歌いやすく、リズムが面白い方が効果的なことが多い。
車輪の再発明を試みるのではなく、あなたのボートを浮かべる音楽的アイデアを見つけたら、それを実行すること。結局のところ、曲の背後にある感情こそがリスナーを引きつけるのだ。
他者から学ぶ
世の中にはたくさんの歌がある。良い曲もあれば悪い曲もあるし、無関心な曲もある（ニッケルバック、私はあなたを見ている）。しかし、好きでも嫌いでも、積極的に曲を聴くことで多くのことを学ぶことができる。お気に入りの曲から始めよう；
好きな曲をコピーしろと言っているのではない。むしろ、固有の部分をすべて研究することで、その曲のどこに心を動かされるのかを学べということだ。
楽器編成、編曲、制作技術も同様だ。このような学習プロセスに取り組み、他のジャンルの音楽（特に普段あまり聴かないような音楽）を吸収すればするほど、あなた自身の音楽スタイルが豊かになっていくでしょう。
音楽制作を始める
どのように曲を始めるべきかについて、厳密なルールはない。夜遊びした後に作った中途半端な駄作でも、すべて保存しておくこと。いつでも後で戻ってきて、それを基に作り上げることができる。
初めてのプロジェクト
必要な道具はすべてそろった。おっと、お嬢さん。音楽制作をマスターするには一生かかる。
音楽制作が実際にどのようなものなのか、ステップ・バイ・ステップでウォークスルーしてみよう。これが唯一の方法というわけではなく、一つの方法に過ぎません。このウォークスルーではLogic Proを使っていますが、ほぼすべてのDAWで手順を再現できます。
始める前に
私は整理整頓にこだわる。複数のプロジェクトを同時に進めているとき、整理整頓はとても役に立ちます。そのために、ハードドライブにマスターフォルダを作り、そこに現在のプロジェクトをすべて保存する（プロジェクトが終了したら、外付けHDにアーカイブすることができる）。
次に、現在作業中のプロジェクトごとにサブフォルダを作成します。セッションを開いたら、すぐに「名前を付けて保存」してください。そうすれば、音楽に没頭してシステムクラッシュですべての作業を失うことなく、Ctrl+S/Command+Sで素早く進行状況を保存できます（経験済み）。
よし、家事が終わった。音楽制作に取り掛かろう。
ステップ1：コード進行を作る
今日はメロウな月曜日だから、何かヴィヴィッドな曲を作って遊ぼう。まずはムーディーなコード進行（Am - Dm9 - G - E7/G#）をエレクトリック・ピアノで弾いてみよう。
ステップ2：ベースとドラムの追加
次は、この曲に基礎となる要素を加えたい。ベースは（エレクトリック・ピアノ・パートとともに）ハーモニーのバックボーンを提供し、ドラムは曲にリズムの土台を与える。
サウンドは、Logicに同梱されている純正のインストゥルメント・プリセットを使っている。
ステップ3：メロディーを録音する
トラックの基本的な要素が揃ったところで、メロディックな要素を録音したい。僕はシンセのパートを使うつもりだけど、ボーカルやサックスのサンプルを使ってもいいし、自分で録音してもいい。
ここでも純正プリセットを使っているが、設定を少しいじったので、それほど明るくはない。(まだMIDIの国なので、後ですべて置き換えることができる）。
モッドホイールとピッチベンドを使って、パートにもう少し表情をつけてみた。もしサウンドを変更することになったら、これらの表現が新しいパッチに反映されるように注意する必要があるね。
今のところ、私はループを中心にトラックを組み立てていることに注意してほしい。このようなやり方をするプロデューサーもいれば、もっと直線的に曲を作るプロデューサーもいる。どちらが正しいということはない。
ステップ4：エフェクトの追加とアレンジ
形になってきた！さて、基本的なアイディアが揃ったので、曲をアレンジしよう。まず最初に、作成した4小節のループを複数回コピーして、異なるセクションのマーカー・リージョンを作ります。
次に、リージョンを全体的に、あるいは分割してミュートすることで、スペースを確保し始める。
世界一短い曲かもしれないが、どのようにプロダクションが構成されるかはおわかりいただけるだろう。
2番ではスネアをミュートし、サビと2番ではギター・パートを加えることで、起こっていることに変化を加えてみよう。付属のApple Loopsライブラリのサンプルを使っている。
エフェクトを一切加えていない現時点でのサウンドはこんな感じだ：
コンプレッションとEQを使って楽器をクリーンにしてタイトにし（キックドラムが飛び出すように、ベースにはサイドチェーン・コンプレッションをかける）、エレクトリックピアノにはインサート・エフェクトとしてフェイズ・ディストーションを加える。
メロディやリズムを必ずしも持っているわけではないが、プロダクションにちょっとしたプラスアルファを加えるトラック。Logicのワンダーシンセ／サンプラーAlchemyをいくつか使ってテクスチャーを加え、コーラスを盛り上げるためにシェイカーのパートを録音した。
ステップ5：ミキシング
ミキシングは、それ自体が記事に値するアートフォームであり、実際、多くの.今のところ、私は物事を始めるためのいくつかの基本的な概念に焦点を当てるつもりです。
ボリュームバランス
プラグインの前に、まずボリュームフェーダーを調整し、各トラックのレベルがバランスよくなるようにします。
マスタリング・ステージのためにヘッドルームを残しておき、ステレオ・バスから出力される全体のレベルに注意してください。理想的には-6dB前後でピークになるようにします。
この例の曲では、トラックのアウトロ用にステレオバスにフェードアウトを追加する。独創的でないのは分かるが、オートメーションは音楽制作の強い味方だ。
パニング
すべてにスペースを与えるために、ステレオフィールドにトラックを広げてみる。ベース、キック、スネアは中央に置き、ハットは（サンプラー音源自体から）少し左に、シェイカーは少し右にパンする。パンニングは、音楽を作るときにとても大きな空間を作り出すことができるので、怖がらずに使ってみてください。
EQ
物事をすっきりさせるには、EQを使って濁りを取り除き、きつい周波数を和らげるのがいい。トラックの低域をカットすることで、キックやベースが飛び出すスペースを確保し、きつい周波数を調整することで、耳に優しいサウンドになります。
補足：前のセクションですでに楽器をきれいにしたので、ここでやることはあまりない。やり方が正しいとか間違っているということはない。
リバーブ＋ディレイ
今のところ、少しドライで淡白なサウンドなので、ピアノ、ギター、シンセのパートにリバーブを加えた。リバーブは音に深みを与え、プロダクションがすべて同じ空間から生まれているように感じさせるのに役立つんだ。
また、シンセのラインには少しディレイを加えて動きを出している。これらのエフェクトにはそれぞれAuxセンドを使っているので、すべての楽器がそれを共有している。これはCPUパワーを節約する良い方法だ。
リファレンス・トラック
ここでは使わないが（いたずらだ！）、自分の曲を似たようなジャンルの参考トラックと比較することは、自分の音楽が競争相手と互角に戦えることを確認する上で本当に役立つ方法だ。それはコピーすることではなく、ミックスを確固たるものにするものを学ぶことなのだ。
さて、現在の状況はこうだ。
これはとてもベーシックな音楽で、もっとジャズっぽくするためのプロダクション・テクニックがたくさんあったはずだ。しかし、この例は、音楽制作がいかにシンプルなものであるかを示している！
ミキシングとマスタリング
ここにいる間に、ミキシングとマスタリングについて少し話しておこう。
一言で言えば、ミキシングは、アーティストのヴィジョンを表現するために、曲のすべてのパーツのバランスをとることだ。一方、マスタリングはミックスに最終的な磨きをかけ、様々な再生システムで素晴らしいサウンドが得られるようにすることだ。
音楽プロデューサーは、曲のプロデュース、ミキシング、マスタリングを最後までやり通すこともある。また、プロデューサーがセッションをエンジニアに渡してミキシングしてもらうこともあれば、自分でミキシングしてマスタリングエンジニアに曲を仕上げさせることもある。
ミキシングとマスタリングは、習得するのに一生（あるいはそれ以上）かかる微妙な芸術形態です。DIYでワンストップ・プロデューサーになることもできますが、（eMasteredのようなサービスを使うことも含めて）分担することも恥ではありません。
サウンドデザインとシンセシス
骨に響くようなベースであろうと、瑞々しいパッドであろうと、おじさんの感謝祭のおならから作った変なピコピコ音であろうと、音楽制作は音で遊び始めると魔法のように感じられるようになる。
サウンドデザインとサウンド・シンセシスは、実践的で実験的なプロセスであり、音楽プロデューサーとして最もクリエイティブな（そしてユニークな）要素のひとつである。
優れた音楽プロデューサーは、シンセのプリセットや一般的なループ（誰でも手に入れることができる）だけに頼るのではなく、自分自身のサウンドを修正したり、ゼロから構築したりする方法を学びます。シンセの魔法使い（ハリー）になる必要はありません。
演奏すればするほど、トラックのエモーショナルでソニックなキャラクターをコントロールできるようになります。音楽業界のどの分野で音楽を作るにせよ、カスタム・サウンドをいくつか持っているだけで、プロデューサーとして際立つことができる。
音楽プロデューサーとしての成長
音楽プロデューサーであることは、固定された状態ではなく、新しいツールを学び、技術的なスキルを習得し、アイデアを生み出し続ける創造的なトリックを発見する継続的なプロセスなのだ。
音楽プロデューサーとして成功したいのであれば、音楽業界のトレンドを常に意識すること、もっと言えば、トレンドを作るのに役立つサウンドを開発することも必要だ。しかし、成長は偶然に起こるものではない。ここでは、あなたがレベルアップし続けるための実践的なアドバイスを紹介します：
時間がかかる
はい、すぐに音楽を作り始めてください。しかし、優れた音楽プロデューサーになるには時間がかかることを理解してください。DAWを最大限に活用する方法、様々なエフェクトの使い方とタイミング、生楽器のレコーディング方法、ミキシング・テクニック、アレンジ、サウンド・デザインなど、学ぶことはたくさんある。
ビートを作ったり、シンセを試したり、音楽理論を学んだり、毎日何かクリエイティブなことにチャレンジしよう。音楽を作ることは楽しいことであるべきだし、プロデューサーであることは旅である。この2つを組み合わせれば、小さな旅ができるはずだ。
自分のスタイルを確立する
音楽制作を始めたばかりの頃は、音作りとトラックをまとめる魔法がすべてだ。音楽制作をすればするほど、特徴的なスタイルを身につけることができる。
リック・ルービンは様々なジャンルのアーティストとコラボレートしてきたが、常にストリップダウンしたエモーショナルなアプローチに重点を置いている。
無理強いはできないが、音楽制作プロセスのどの部分が自分を輝かせているかに気づくことはできる。そこにあなたのスタイルがある。
今あるもので仕事をする
インスタグラムは、私にさらにギアを買わせようとする広告を顔に押し付けない日はない。まだそうなっていないなら、あなたにも同じことが起こるだろう。つまり、常にアップグレードを繰り返すという永遠のサイクルに陥ってしまうと、せっかく稼いだお金をつぎ込んだギアを使いこなすことはできないのだ。
もちろん、特定のサウンドやエフェクトが必要なプロジェクトに取り組んでいるのであれば、コンプレッサーを手に入れよう。しかし、DAWに同梱されている純正のコンプレッサーを使いこなす方法がまだわかっていないのなら、別のコンプレッサーを買う必要はない。
必要は発明の母であり、手持ちの機材から望むサウンドを得る方法を見つけ出すことこそ、真の創造性が発揮される場所なのだ。
ショーアップ
インスピレーションを待たないでください。週に数時間でもいいから、定期的に音楽を作ることを約束しよう。創造性（とインスピレーション）は筋肉であり、使えば使うほど強くなる。
ヨーダは言った：「やるか、やらないか。トライはない"
見事に失敗する
何日かはあなたのトラックは最悪だ。それでいいんだ。誰もがポンコツを作る。主なことは、続けることだ。自分を磨き、DAWを開き、再び音楽を作り始める。
進歩を祝う
同時に、次のことだけに集中してはいけない。音楽プロデューサーとして、自分がこれまでどれだけの道のりを歩んできたかを振り返ってみてください。昔のプロジェクトを聴いて、自分がどれだけ学んできたかを認識する。新しいトリック、完成したトラック、すべてが積み重なっていく。頑張れ！
好奇心を失わない
積極的にプロデュースしていなくても、成長することはできる。積極的に音楽を聴くこと。どのように作られたのか？音楽制作に関するインタビューや本を読む。チュートリアルを見る。馴染みのないジャンルを探求する。他のプロデューサーのテクニックを借りて、自分で試してみる。
頻繁に協力する
他のミュージシャンやアーティストと一緒に仕事をすることで、耳、コミュニケーション能力、リスニングスキル、そして直感が磨かれる。また、自分の頭から離れ、本当の成長が起こる世界へと導いてくれる。
結論やってみよう
音楽制作という概念は、表面的には複雑で専門的、あるいは異質なものに聞こえるかもしれない。実際のところ、音楽理論を学んだり、ダイナミックEQの仕組みを理解したりしなくても、音楽制作を始めることができる。どんな偉大なプロデューサーも、かつてはコンプレッサーが何をするものなのか知らなかった。重要なのは、始めることだ。
だから、そのプロセスを信頼し、プロデュースを始め、プロデュースを続けるのだ。他のプロデューサーから刺激を受け、自分のコンフォートゾーン以外のジャンルを探求し、音楽だけでなくあらゆる芸術に没頭する。失敗を受け入れ、勝利を祝い、1つのトラックを完成させたら...また次のトラックを始めよう。
音楽を奏でよう！
