ピアノは、あらゆるジャンルの音楽で最もよく使われる楽器のひとつですが、それには理由があります。この楽器は、音響理論や音響学の最も基本的な側面を明確に示しており、音楽芸術を学ぶのに最適な楽器のひとつです。

また、ピアノの音は驚くほどダイナミックで、さまざまな感情を伝えることができます。デジタル・オーディオ・ワークステーションにピアノやキーボードのエミュレーションをロードすることもできますが、エンジニア、ミュージシャン、音楽プロデューサーであろうと、アコースティック・ピアノの録音方法をしっかり理解しておく価値はあります。

何から始めたらいいかわからない？ご心配なく！ピアノ・レコーディングで最高の音質を実現するための完全ガイドをお届けします。以下では、レコーディング・スペース、テクニック、楽器を最適化し、可能な限りクリーンなサウンドを生み出す方法を詳しくご紹介します。

ピアノを録音する方法：一言で言えば

グランドピアノのレコーディングは、楽器全体の複数のポイントから音が出るため、予想以上に難しいものです。ピアノのステレオイメージをトラッキングする際のマイクの配置やマイクの位置に関しては、どのエンジニアも独自の哲学を持っていますが、基本的にはいくつかの戦略に集約することができます：

• クローズ・マイキング：本の無指向性小型マイクを弦の真上、ピアノのハンマーのすぐ先に設置する。マイクの位置は弦から約15センチ上になるようにする。
• スペイスド・ペア・コンデンサー：同じコンデンサーマイクを使用し、ピアノの響板から1～3フィートの距離で、外側に110度の角度で音を収音する。2本のマイクの間隔を広げることで、録音された音に広いステレオイメージを作り出すことができる。
• X/Yレコーディング：X/Yパターンで軸から少しずらした位置にセットされた2本のマイクのセットが、ピアノの弦またはピアニストの頭部付近に向けて設置される。
• ミッドサイド録音：単一指向性マイクを音源に直接向け、グランドピアノの場合は蓋を開けて録音する。双指向性マイクロホンを横向きにしてステレオイメージを捉える。
• シングル・マイク：ピアノのレコーディングでピンチの時は、コンデンサーマイクを使っても大丈夫です。マイクスタンドはピアノの弦板を捉えるようにセットし、サウンドボードにマイクの角度を合わせます。

レコーディングのプロセスは常に進化しており、ダイレクトなサウンドに感じられても、作曲の文脈やピアノが置かれている場所の室内音響によって変化することがあります。マイクの配置が録音の性格にどれほど影響するかを示すこのビデオを見てください：

ピアノ録音に必要なものは？基本編

マイクの配置戦略や録音の注意点を説明する前に、ピアノの録音に必要な基本的なコンポーネントを紹介します：

• 状態の良いグランドピアノまたはアップライトピアノ：ピアノの種類によって、どのように録音し、楽器の音を取り込むかが決まります。基本的なピアノのメンテナンスについては、このガイドの後半で詳しく説明しますが、調律され、最適な状態である必要があります。機械的なノイズや鍵盤の狂いは、最終的なレコーディングにも反映されます。
• マイク：1本のマイクでピアノを録音することは可能ですが、あまり好ましいことではありません。理想的なのは、鍵盤の音を捉えるために自由に使える複数のマイクがあることです。多くのエンジニアが同じマイクを2本1組にしてピアノを録音しているのを見かけますが、すべてのマイクが異なっていても問題はありませんが、バランスの取れたまとまりのあるサウンドを得るのは難しくなるかもしれません。単一指向性と双指向性の極性パターンを持つマイクを用意すべきです。エンジニアの中には、よりディテールを捉えたり、部屋の雰囲気を取り入れたりするためにオムニマイクを使う人もいますが、鍵盤をトラッキングする場合は単一指向性と双指向性のポーラーパターンが最も一般的です。
• オーディオ・インターフェース：おそらく、録音したピアノをPro ToolsやAbleton Live、Logic Proなどのデジタル・オーディオ・ワークスペースで編集し、トラッキングすることになるでしょう。オーディオ・インターフェースは、マイクとコンピュータをつなぐ橋渡しの役割を果たします。
• 長いバランスXLRケーブル：バランスケーブルは、ピアノのようにノイズの干渉をできるだけ避けたいものをトラッキングする場合に理想的です。ピアノの周囲をマイキングすると、予想以上に距離ができてしまうため、長い（10フィート以上）XLRケーブルが数本必要になるでしょう。
• プリアンプ：必需品ではありませんが、マイクによってはプリアンプが最適な場合があります。ハードウェア・コンプレッサーやその他のエフェクトをコンピュータのチェーンに組み込むことも検討できますが、"箱の中 "で直接録音したものは後で編集できないことを覚えておいてください。まずはクリーンなレコーディングをすることに集中し、ミキシングの段階でエフェクトやプロセッシングの追加に移る方が理にかなっているかもしれません。
• モニタリング・パスピアノと同じ部屋でレコーディングする場合、マイクにハウリングが発生しないように、ヘッドホンでミックスをモニターする必要があります。消費者向けのヘッドフォンやBluetoothのハンズフリー・オプションではなく、生音をクリアに表現できるスタジオ・ヘッドフォンを使うべきです。これらのヘッドフォンはオーディオインターフェイスに直接接続し、レコーディングの過程で必要に応じて聞き返したり調整したりできるようにします。

ピアノの解剖学

ピアノのマイク配置を理解するためには、楽器の様々な構成要素についてよく理解しておく必要があります。アップライトピアノはスペースを節約するために弦が垂直に張られています。その結果、アップライトピアノはダイナミックレンジが狭くなる傾向があります。

それを念頭に置いて、ピアノのさまざまな部品の役割を説明しよう：

ハンマー

ハンマーはピアノの木の部分で、弾くときに鍵盤を叩き、音を出す。ハンマーはフェルトで覆われており、ハンマーが弦に衝撃を与える速度によって音質が決まる。

アクション

これは、鍵盤とハンマーが適切にコミュニケーションするための主要な機械システムである。ピアノのアクションには、レバー、小さな機械部品、ピボットなどがあり、より細かな表現を可能にしている。このように、ピアノのアクションはニュアンスを与え、幅広いダイナミクスと表現を可能にします。

サウンドボード

響板はピアノの弦の振動を増幅する。ブリッジと弦の下にある大きな木の板で、豊かでふくよかな響きを生み出す。演奏すると、弦の振動が響板に伝わります。響板の大きな表面積と特殊な木材が振動し、増幅された音を生み出す。サウンドボードには様々な木材が使われますが、スプルースが一般的です。

チューニング・ピン

ご想像の通り、チューニング・ピンはピアノの音程をコントロールする役割を担っています。このピンは金属製で、木製のピンブロックの中に入っており、ピアノの弦はこのピンに巻き付けられています。ピアノの調律には、ピアノ技師が専用のレンチを使い、弦の張力と全体の音の調律を変えます。一般的な経験則として、ピアノは年に1回調律することが推奨されています。

ブリッジ

ギターと同様、ピアノの駒は響板に取り付けられた木製の帯である。弾くと弦がブリッジに振動を与え、弦の振動が響板に伝わって音が出る。ピアノの駒に使用されている木材の種類は、楽器全体の品質を物語ります。

ダンパー

ダンパーはフェルト製のパッドで、弾いた後の弦の振動を止め、音を止める。ダンパーはピアノの弦の上に置かれ、鍵盤を離すとダンパーと弦が交差して音が止まるようになっている。ピアノにはダンパー・ペダルと呼ばれるものがあり、これはすべてのダンパーを一度に持ち上げ、鍵盤を離した後に持続的な効果をもたらす。

電子ピアノの欠点

デジタルピアノを使えばいいじゃないか」と思うかもしれない。この方法は完全に有効ですが、考慮すべき欠点もあります：

• 人間の演奏の不完全さデジタルピアノに限らず、バーチャル・インストゥルメントは時として完璧すぎることがあります。私たちは、本物のミュージシャンがライブで演奏するときのような小さな不完全さを自然に切望するものです。そのため、デジタル・ピアノは、文脈を注意深く理解しないと、少し生気のない音になる傾向があります。
• ダイナミックレンジの喪失：ピアノを生演奏することで、より高いレベルのダイナミックレンジと表現力が生まれ、曲の情感を豊かにすることができる。
• バーチャル・インストゥルメントはシンセサイザーのような質感を持つことがある：バーチャル・インストゥルメントは、リアルさに欠けることで有名です。忠実なピアノ・サウンドを求めるなら、法外に高価なサンプル・ライブラリを使わなければ、本物のアコースティック・ピアノを再現するのは難しいかもしれません。また、ベロシティやボリュームのオートメーションなどのパラメーターを書き込む必要がある場合もあります。
• アコースティックコンテキスト：ピアノの音だけでなく、そのピアノが演奏される空間をとらえようとすることもあります。デジタルの鍵盤では、例えばアコースティックピアノが小さな部屋で演奏されたときと教会で演奏されたときの音色や空間の違いを瞬時に伝えることはできません。実際のピアノを取り巻く音色や物理的な空間を捉えることで、世界観を構築し、より没入感のあるサウンドを作ることができます。

ピアノのレコーディングに最適なマイクのタイプは？

ピアノの録音に使用できるマイクには様々な種類があります。ここでは、鍵盤のトラッキングに最適なオプションを選択できるよう、主なカテゴリーをご紹介します：

コンデンサー

コンデンサー・マイクロホンは、レコーディング・スタジオやピアノのレコーディングで最もポピュラーな選択だが、それには理由がある。コンデンサー・マイクは、クリアで鮮明なサウンドを生み出し、周波数帯域を広くとらえることができるため、レコーディング・マイクとして優れた性能を発揮します。

コンデンサーマイクの動作にはファンタム電源が必要で、これは互換性のあるオーディオインターフェイスを使うか、場合によっては内蔵バッテリーでメカニズムに組み込まれていることもあります。

ダイナミック

ダイナミック・マイクはマイクの中で最も耐久性が高く、コンデンサー・マイクやリボン・マイクでは感度が悪すぎるような大音量の音源を捉えるのに最適です。

その代償として、ダイナミックマイクは音の細部まで拾えない傾向があるので、ピアノルームの雰囲気を十分に拾うには最適なルームマイクかもしれませんが、状況によってはピアニストのニュアンスを拾えないかもしれません。

リボン

リボンマイクは伝統的にピアノのレコーディングには使用されませんが、エンジニアとして選択する際には理解する価値があります。リボンマイクはコンデンサーマイクに似ており、大きなダイアフラムで周波数スペクトルの多くの音を拾う高感度マイクです。

リボンマイクの音色は、明るいことで有名なコンデンサーマイクに比べると、少し暗めです。古いリボンマイクは非常に壊れやすく、パッシブであることが多いので、ファンタム電源を必要としないことに注意することが重要です。

実際、ファンタム電源を必要としないビンテージのリボンマイクにファンタム電源を使用すると、実際にマイクを損傷することがあります。これは、セッションに組み込む前に、機材の裏表を知ることの重要性を物語っています。

ポーラーパターンを理解する

ピアノのレコーディングには、いくつかのマイクのポーラーパターンについての基本的な知識が必要です。ポーラーパターンとは、特定のマイクがどのように音を拾うかを示すピックアップパターンのことです。

多くのマイクには複数の極性パターンがあります。ピアノをトラッキングする場合、主に単一指向性（マイクが正面から音を拾うハート型のパターン）、双指向性または8の字型（マイクが正面と背面から音を拾うが、側面は拾わない）、無指向性（マイクが四方から音を拾う）のポーラーパターンを使用します。

レコーディングの正しい準備

セッションに先立ち、生産的なレコーディングを行うために以下のことを必ず行ってください：

ゲイン・ステージング

ゲイン・ステージングとは、楽器のゲイン・レベルをレコーディングの各ステージごとに適切に設定することを説明する、しゃれた言い方です。セッションプレーヤーが到着する前に、レコーディングの設定をテストして、良いベースラインを持っていることを確認してください。プレーヤーがセッションに到着したら、調整をしなければならないかもしれませんが、多かれ少なかれ、すべてを調整しておくとよいでしょう。

モニターレベル

ライブ・レコーディングの現場では、意図せずレコーディングに衰弱した低信号やクリップしたオーディオが混入しないよう、ダイナミクスを積極的にモニターすることが最も重要です。

マイクの配置

セッション・プレイヤーが到着する前に、マイクの位置が大体決まっていることを確認してください。そうすることで、様々なマイクのテクニックを試し、好みに合わせてマイクを選ぶことができます。

ピアニストの快適さ

どのセッションでもそうですが、ミュージシャンのコーチングもエンジニアの仕事の一部です。彼らが十分な水分補給をし、身体的に快適であることを確認し、セッション中も励ましの言葉をかけ、ムードを高めておきましょう。このような細かいことがすべてレコーディングに反映されるのです。

ピアノを録音する最良の方法は？

ピアノを録音する最良の方法は、結局のところ、エンジニアとしてのあなたの好みと、レコードの全体的なコンテクストによって決まります。ここでは、ピアノのレコーディングに使える主な戦略を紹介します：

クローズ・マイキング

クローズ・マイキング」とは、マイクをピアノの内側に設置し、弦やハンマーの上にマイクを配置することです。ダイレクトで明るく、複雑なレコーディングができるため、多くのエンジニアがこのテクニックを使っている。

マイクの位置が近すぎると、ハンマーのパーカッシブさが強調されたり、ピアノの機械的なノイズを拾ってしまうことがあるからだ。

アンビエント・マイキング

アンビエント・マイキングとは、ピアノの外から音を録音することです。これにより、より自然なサウンドを作り出すことができ、ピアノが演奏された空間の雰囲気も含まれます。アンビエント・マイクは、ピアニストの目線、またはピアノから数フィート離れたサウンドボードに向けて設置されることが多いです。

このテクニックは自然なサウンドを作るには最適ですが、適切なルームトリートメントを行わないと、不要な反射音やルームノイズを捉えやすくなるため、難しい場合もあります。

コンビネーション・マイキング

ほとんどのプロの現場では、この2つのテクニック（クローズ・マイキングとアンビエント・マイキング）を組み合わせて、バランスの取れたクリアなサウンドを提供するために、音の区別の設定を行います。この方法は、3つのうちで最も機材とデータに負荷がかかるのは間違いありませんが、ピアノのサウンドを徹底的に録音するには最も確実な方法です。

デジタル・ピアノによるダイレクト・サウンド・レコーディング

ライン接続やMIDI接続でDAWに直接接続できるデジタル・ピアノやハイブリッド・キーボードもあります。これらのキーボードは、基本的にリアルタイムで音を作るのではなく、すでに電子サウンド・ライブラリから取り込んでいるため、従来のピアノと同じサウンドは得られませんが、中庸のものを探しているのであれば、検討する価値はあるでしょう。

ピアノ録音法：マイクの配置戦略

エンジニアがどのようにマイクの位置や配置にアプローチしているかを概観したところで、マイクの配置やレコーディングに役立つ重要なストラテジーをいくつかご紹介します：

間隔コンデンサー・ペア

2本の同じマイク（通常は小型または大型ダイアフラムのコンデンサー）をピアノのハンマーの数センチ上に配置します。1本のマイクを高音弦の方に、もう1本を低音弦の方に位置させ、ブライトとトレブルの両方の音を捉えるのが狙いです。

この方法では、過度なメカニカルノイズが誤って録音されてしまう可能性があるため、各マイクをハンマーの上方にどの程度フェアに配置するか、調整する必要があるかもしれません。もし録音に過剰なノイズが入るようであれば、マイクをハンマーの上方へ持ち上げ、ゲインを下げることを検討してください。

この方法にはいくつかのバリエーションがあり、ORTF 法や AB 法がある。ORTFはサイド・アザー・サイドと呼ばれ、2つの同じマイクを約110度の角度で外側に向け、マイクのカプセルの間隔を約6インチにします。この方法は、人間の聴覚を模倣するように設計されており、モノラル互換性を保ちながら、ある程度のイメージの広がりを得ることができます。

AB方式は、同じマイクを2本並列に並べ、3フィート以上離してサウンドボードやプレイヤーの位置に向けて設置します。この方法では、より広いステレオイメージが得られることは間違いありませんが、ステレオペアが離れすぎていると、2つの音源の間に空間ができすぎてしまいます。

X/Yコンフィギュレーション

この方法でも、2本の単一指向性コンデンサーマイクを使用します。これらのマイクはカプセルを非常に近づけ、90度に角度をつけて設置し、図のようなX/Yパターンを作ります。

ピアノに対するマイクの設置位置は様々ですが、弦の中央付近、奏者の位置の真上、サウンドボードに向かって角度をつける、などが良いでしょう。こうすることで、ミキシング時にモノラルと互換性を保ちながら、焦点の合ったステレオイメージが得られます。

ブルームレイン・コンデンサー・ペア

このテクニックはアラン・ブルムレインに由来し、2本の8の字型または双指向性のマイクを角度をつけて交差させることで、音の空間特性をより正確に再現できるという考えから名付けられました。この効果を得るためには、8の字型のパターンを持つ2本の同じコンデンサーマイクを使用することができます。

2本目のマイクは、元のマイクの真上に、90度の角度で逆さまに設置します。エンジニアがBlumleinのバリエーションに注目するのは、ピアノの音をダイレクトに捉えつつ、レコーディングスペースの自然な雰囲気も得られるからです。その結果、自然で広々としたステレオイメージが得られるのです。

シングル・コンデンサー・マイクロホン

より豊かなステレオイメージを作るため、あるいは録音した音源が意図した通りにならなかった場合のために、複数のマイクをセッティングできるのが理想的です。しかし、ピアノをトラッキングするためのマイクを1本しか用意できない場合は、高品質のコンデンサーマイクを用意する必要があります。

このマイクはピアノの内部（ただし、大きなダイアフラムのコンデンサーは近いトランジェントに敏感なので注意）、ハンマーの上、または弦の上に置くことができます。また、ピアノから3フィートほど離れたスタンドにマイクを固定し、ピアノの上部を開いて響板に角度をつけることもできます。インテリア・コンデンサー・マイクで無指向性のポーラ・パターンを試すと、変化に富んだサウンドが得られます。

電話を使ってピアノを録音するには？

クリアで鮮明なプロのピアノ・レコーディングをトラッキングするには、電話用マイクは理想的ではないが、低忠実度のサウンドを追求する場合や、別のレコーディング・パースペクティブが欲しいだけで、プロ用マイクが1本しかない場合には有効だ。

BandLabのようなDAWを使うこともできるし、ボイスメモアプリを使って録音することもできる。スマホはマイクを置くのと同じように、ハンズフリーで安定させるために三脚やホルダーの上に置きます。このデモでは、電話録音と他のオプションの違いを聞くことができます：

ピアノを録音するのに最適なアプリは？

アプリは携帯電話の録画機能を変えるものではないので、品質という点では「ベスト」アプリは存在しない。

できることなら、コンデンサーマイク1本にアップグレードした方が、USBマイクで多少使い勝手がよくなったとしても、レコーディング・プロセスのアップグレードにはずっと有益だろう。携帯電話だけで録音することにこだわるのであれば、Audigoレコーダーのようなハードウェアのアドオンをチェックすることも検討できる。

アップライトピアノのマイキング

アップライトピアノの場合、響板は楽器の後部にあり、縦に配置されています。音は鍵盤の前面から漏れるため、マイクの設置場所に影響します。グランドピアノよりも自然で広いステレオイメージを作るのが難しいかもしれません。アップライト鍵盤のマイキングについてのより詳しいガイドは、こちらのビデオをご覧ください：

完璧な室内音響

素晴らしいピアノ・レコーディングをするためには、ピアノやマイクだけでなく、空間の響きを調整することも非常に重要です。音の輪郭が "デッド "になりすぎず、反射しすぎず、バランスのとれた部屋を選びたいものです。

もし音響処理に投資する余裕があるのであれば、そうするか、少なくともレコーディングで過度なエコーが発生する機会をなくしましょう。理想的なレコーディング環境は、ピアノの音が空間全体に適切に反射できる十分なスペースがあることです。

ピアノ演奏に関する考察

録音は、演奏と、特定の表現が作曲の文脈の中でどのようにフィットしているかによって、初めて良いものになることを忘れないでください。ピアノのヴォイシングとダイナミックな表現を、曲との関連で最適化するようにしてください。どんな楽器でも、生録音の大きな欠点は、ダイナミクス、ベロシティ、一般的な音色や表現など、演奏のパラメーターをセッション終了後に微調整できないことです。

異なるブランドのマイクを2本使うべきか？

マイクの選択に関しては、X/Yレコーディングやコンデンサー・ペア方式を選択する場合は、間違いなく同じペアにしたい。異なるマイクポジションの場合、同じマイクを使うことはそれほど重要ではありません。

しかし、ステレオイメージの全領域を捉えることを意図して2本のマイクを使うのであれば、同一のマイクを使うべきです。そうでなければ、一貫性が感じられず、ステレオイメージを再現しようとする目的が果たせなくなるからです。

録音が完了したら

ピアノ録音のトラッキングが終わったら、作業はそこで終わりではありません！ここでは、ポストプロダクションの基本的な流れをご紹介します：

ファイル管理

ファイル管理は見落としがちですが、このステップはライブレコーディングやプロダクションには欠かせません。セッションが終わったら、各トラックに丁寧に名前をつけ、録音した場所や使用したマイクを明記し、後で参照できるようにしましょう。

トラックにラベルを付けたら、物理的なドライブであれ、クラウド・ドライブ・サービスにアップロードしたものであれ、バックアップを作成しましょう。いつオリジナル音源へのアクセスが必要になるかわかりません。

その点で、セッションの中でファイルを操作し始めるときはいつでも、プロジェクトの中で何か大きな作業をするときはいつでも、新しいセッションのバージョンを保存するのがよい習慣です。今はその必要はないかもしれませんが、ミュージシャンがプロジェクトの初期のバージョンに戻したいと要求することがよくあることに驚くでしょう。

冗長に思えるかもしれないが、私はミュージシャンに、特に気に入っているプロジェクトのバージョンをハードディスクやクラウドにバックアップし、コンピュータのエラーに備えてプロジェクトのすべてを保存しておくようアドバイスしている。

マイク収納

マイクは湿度の変化やホコリ、物理的な干渉に敏感です。マイクを適切な場所に片付け、保管し、将来の使用に備えて最良の状態を保つよう、時間をかけてください。特にコンデンサーマイクやリボンマイクは繊細で、ぶつけたり床に落としたりすることでカプセルが破損する可能性があることを覚えておいてください。

レベルのバランス

ミキシングで最も重要なのは、レベルのバランスをとることです。トラックが適切にゲインステージされていれば、このプロセスはかなり簡単なはずです。エフェクトをかける前に、ピアノ・パートと他のミックスとのレベルを確認しましょう。

複数のマイクを使ってトラッキングした場合は、モノラルとステレオの録音をそれぞれ1つのグループにまとめるとよいでしょう。各トラックの処理はそれぞれ異なりますが、グループ化してコンプレッションを加えることで、ピアノトラック全体にまとまりを持たせることができます。

コンピング

ライブでオーディオを録音する場合、録音全体に不完全な部分が必ず見つかります。ピアノトラックの大まかな作業バランスが取れたら、複数の録音をつなぎ合わせて（またはコンピングして）1つのメイントラックにして、より完成度の高い演奏を作ることができるかもしれません。

コンパイルされたオーディオトラックと同様に、オーディオトラック間にフェードを追加して、オーディオの他の部分への移行を容易にすることが不可欠です。

効果

クラシックやピアノの純度が高いジャンルでは、エフェクトはあまり必要ない。

しかし、EQで不完全な部分をきれいにしたり、コンプレッションでダイナミックレンジを狭めたりすることはできます。また、よりドラマチックな効果を求めたり、ステレオイメージを人工的に強調したい場合は、リバーブを軽く使うことで、ピアノ録音を部屋の音と調和させることができます。

ピアノは力強い

グランドピアノほど普遍的で、すぐにそれとわかる楽器はない。この楽器は、今日私たちが知っている音楽文化を前進させ続けている。

このガイドが、様々な観点からピアノの音をトラッキングする方法について、より強い視点を提供してくれたことを願っている。

音楽作品にサウンドを取り入れる正しい方法はひとつではありません。すべてのトラックが、完璧に録音された鍵盤と組み合わされることを意図しているわけではありません。場合によっては、より低忠実度の録音の方が、作曲の文脈にうまく適合することもあります。

あなたのトラックの世界に置いたときに良い音がするなら、それはトラッキングする価値があります。これらの一般的な戦略やヒントを、最初のレコーディング・テクニックの指針にしてください。次のミックスでピアノのレコーディングを楽しんでください！