何らかの音楽制作に携わっている人なら、意識していなくてもテンポやBPMを意識して作業しているはずだ。
例えば、エレクトロニック・ミュージックのプロデューサーは通常、最初のビートを作るとすぐにBPMの重要性に気づく。同様に、クラシックの音楽家は、楽譜のテンポマークを読むだけで、曲の雰囲気とテンポを理解できなければならない。
密接に関連しているにもかかわらず、テンポとBPMは同じものではなく、この2つの重要な音楽要素の違いを理解することで、あなたのクリエイティブなキャリアに多くのチャンスが開かれるでしょう。
この記事では、テンポとBPMの違いを分析し、作曲のスピードに関連するすべての要素を定義します。さっそく見ていきましょう！
定義
この2つの音楽要素の定義から始め、その違いに注目してみよう。
テンポ
一言で言えば、テンポとは音楽の速さ、遅さのことである。テンポはBPM（ビート・パー・ミニッツ）で測ることもできるし、イタリア語で表現することもできる。
理解する上で重要なのは、テンポ記号と呼ばれるこれらの言葉は、スピードだけでなく、演奏される音楽の感触や雰囲気も定義するということだ。テンポが速ければ速いほど明るい雰囲気になり、遅ければ遅いほど内省的で陰鬱な雰囲気になる。
楽譜を読む音楽家にとって、テンポを理解することは、控えめに言っても非常に重要である。テンポ記号は、音楽に緊張と解放を生み出すためのさまざまな表現の可能性を音楽家に与えてくれる。
以下は、一般的なテンポ記号と、それにほぼ対応するBPMのリストである。読譜におけるテンポの重要性についてもっと知りたい方は、私の最近の記事をご覧ください。
- ラルギッシモ：20 BPM以下
- グレイヴ：20-40 BPM
- レント（またはラルゴ）：40-60 BPM
- ラルゲット: 60-66 BPM（人間の鼓動）
- アダージョ：66-76 BPM
- アダージェット：70-80 BPM
- アンダンテ・モデラート：69-72 BPM
- アンダンティーノ：66-83 BPM
- Andante: 76-108 BPM (ウォーキング・ペースとも呼ばれる)
- モデラート: 108-120 BPM
- アレグレット: 98-109 BPM
- アレグロ・モデラート：112-124 BPM
- アレグロ：120-168 BPM
- ヴィヴァーチェ: 126-144 BPM
- ヴィヴァチッシモ：140-150 BPM
- アレグリッシモ: 150-167 BPM
- プレスト：168-200 BPM
- プレスティッシモ：200BPM以上
ビーム伝搬法
BPM（Beats per Minute）とは、テンポを数値化したもので、1分間に何回ビートが刻まれるかを示す明確な指標である。例えば、テンポ60BPMは1秒に1拍、120BPMは1秒に2拍といった具合だ。
BPMは、エレクトロニック・ミュージックやダンス・ミュージックだけでなく、レコーディング・スタジオでも非常に重要で、同期を保つことが基本になる。ドラマーは、特定のBPMのクリック・トラックに従って演奏しなければならない。
正確なBPMの測定は、19世紀から使われているメトロノームによって行われる。ベートーヴェンは作曲にメトロノーム記号を加えた最初の作曲家の一人で、機械式メトロノームは音楽のパルスやグルーヴを伝えられないとして当時の多くの作曲家から批判されたが、それ以来、現代音楽の作曲に欠かせない要素となっている。
では、テンポはBPMと同じなのか？
テンポとBPMは同じではありません。BPMは曲の1分間に何拍あるのかを示すもので、テンポは音楽のスピードとフィーリングの両方を指す。
同じ速さの2つの曲でも、それぞれのテンポの弾き方によって感じ方が大きく異なることがある。BPM120に設定されたメトロノームは特定のスピードを示すが、同じBPMで「アレグロ」を演奏するミュージシャンのやり方は、数字では表現できない軽さやよりエネルギッシュな感じを与えることがある。そしてこれは、ジャズからメタル、ファンク、ディスコ・ミュージックまで、ジャンルを超えて起こりうることなのだ。
今、あなたは自問していることだろう："同じBPMでもテンポの違う2つの曲のムードの違いを定義するものは何だろう？"
さて、この質問に答えるには、音楽の要素をもっと定義し、私たちの音楽知識に加える必要がある！
テンポとBPMに関連する音楽用語
タイムシグネチャー
拍子は、強拍と弱拍のパターンを文字で表したものです。例えば、現代音楽で一般的な拍子は4分の4拍子で、各小節に4分音符が4つあり、4分音符は1拍になります。
メーター
拍子記号と混同されがちですが、実際には拍子記号に基づき、どのように拍を感じ、小節に配置するかを表します。例えば、3/4拍子ではワルツのような効果が得られ、6/8拍子ではより "転がる "ような効果が得られる。
リズム
リズムは音楽がどのように流れ、動くかを示す。リズムは、音符の長さやその価値を教えてくれる。リズムは音楽に興奮を与え、感情を与えるものだ。
ビート
ビートは、曲に合わせて首をかしげるときに感じるものだ。一貫したビートは流れを感じさせ、聴き手と音楽を結びつける。
パルス
ほとんどの場合、パルスはビートと互換性があり、リスナーが知覚し、自然に一緒に叩きたくなるような時間の均一な分割である。違いは、パルスがリスナーの個人的な感覚であるのに対し、ビートは作曲家が曲を感じた特定のテンポであることだ。
シンコペーション
シンコペーションは、リズムがオフビートや弱いビートを強調するときに起こり、音楽をより面白くするバリエーションを生み出します。簡単に言えば、通常弱いとされるビートを強調することで、リスナーが期待する通常のリズムを崩し、メロディラインをより際立たせることができるのです。
これらの概念を音楽に変える
これらの音楽の要素について聞いたことも勉強したこともない人には、理解するのが大変だと思います。より直感的に理解できるように、ジャンルごとに異なるワークフローがあり、黄金律は存在しないことを念頭に置いて、作曲時にこれらの概念をどのように導入できるかを見てみましょう。
テクノであれダンスであれ、エレクトロニック・トラックを作るなら、まずBPMを選ぶことから始めましょう。ここでは、最も人気のあるEDMジャンルの一般的なBPMを紹介します：
ダブ：60 - 90 BPM
ハウス: 115 - 130 BPM
テクノ／トランス：120 - 140 BPM
ダブステップ：135 - 145 BPM
ドラムンベース：160 - 180 BPM
トラックのスピードを決めたら、シンコペーションのハイハットやオフビートのクラップを加えて動きを出すなど、リズムやパルスを考えて盛り上げよう。
意外性のあるリズムは、あなたの作品をより魅力的で催眠的なものにし、さらに際立たせます。クリエイティブだと感じたら、通常の4/4拍子から、3/4拍子や 5/4拍子など、より型破りな拍子に変えてもいい。あとは、あなたの創造力とセンス次第です！
ロック・ミュージックには通常、力強いリズムとパルスがあり、多くの場合4/4拍子と力強いバック・ビートがあります。例えば、ギターリフやドラムフィルでアップビートを強調するためにシンコペーションを使うことができます。例えば、ギター・リフやドラム・フィルでアップビートを強調するためにシンコペーションを使ったり、ブリッジでテンポを遅くするなどテンポを変えることで、より没入感のある音の旅を演出することができる。
また、曲全体を通して同じ拍子を刻むのではなく、リスナーを驚かせるために拍子を変えることもできる。オプションは無限だ！
クラシック音楽では、テンポ記号が作曲のスピードと雰囲気を定義するが、何世紀にもわたって、作曲家たちはテンポを個性的に表現する方法を見出してきた。
例えば、アダージョの曲は、シンコペーションを入れるまでは、ゆったりと内省的に感じられるかもしれません。クラシックの曲を作るなら、リスナーを忘れられない旅へと誘うような、より明瞭で魅力的な曲にする方法を探ってみてください。
ジャズでは、リズムとパルスの関係が曲を前進させる。ジャズ・ミュージシャンは、レコーディングやライブで演奏する際、独特のジャズの雰囲気を作り出すために、メーターの中で音のタイミングを微妙に変えてリズムを「スウィング」させる。
マイルス・デイヴィスのどのアルバムを聴いても、パルスやシンコペーションのちょっとした変化が、いかに音楽に生命を吹き込み、ミュージシャンの驚異的な即興能力を示しながら、まとまりを保てるかを理解できるだろう。
これらは決してルールではない。音楽の素晴らしさは、音楽家に無限の可能性を与えるところにあります。上記の提案は、作曲におけるテンポとBPMの力を探求し始めるためのガイドラインに過ぎないと考えてください。
最終的な感想
このガイドが、より魅力的でエキサイティングな音楽を作る手助けになることを願っている。
BPM、テンポ、そしてこの記事で取り上げた他のすべての要素は、あらゆる作曲において極めて重要な要素です。当たり前のことと思ってしまいがちですが、その創造的な可能性を十分に追求することに決めれば、音のパレットを大きく広げることができます。
これまでのトラックで使っていた同じリズムから離れ、よりエキサイティングで新しいものを探求することで、コンフォートゾーンから抜け出す手助けをしてくれる。
幸運を祈る！
