ここ20年の間に中・大規模の音楽コンサートに行ったことがある人なら、知らず知らずのうちにバッキング・トラックを耳にしたことがあるだろう。これは1960年代からライブ・ミュージックで使われてきた手法だが、小規模のアクトに影響を与えるほど広まったのはごく最近のことだ。

技術の進歩と観客の要求が相まって、ライブ・ミュージックでバッキング・トラックを使うことがますます一般的になってきている。そして、多くの人にとって、これは私たちが知っているようなライブ・ミュージックの死の宣告であるが、バッキング・トラックがライブ・パフォーマンスの練習と向上の両方に役立つことは間違いない。

この記事では、バッキング・トラックについて、その歴史、技術、目的、そしてあなたの芸術性を向上させるためにバッキング・トラックをどのように使うことができるのかについて説明します。

バッキングトラックとは？

バッキング・トラックとは、ミュージシャンが練習セッションやリハーサルの際に一緒に演奏するために使う、あらかじめ録音された音楽やサウンドのこと。

どんなものでもバッキングトラックとして使える。追加ギター、バッキング・ヴォーカル、アンビエント・レイヤー、ドラム・パートなどだ。ライブ・パフォーマンスでは、演奏者と録音済みの音楽が完璧に揃い、ライブと録音の要素がシームレスにブレンドされる必要がある。

バッキング・トラックは、必要なときにいつでも豊かなサウンドを作り出すために使われる。ロックバンドはショーにオーケストラの要素を加えることができ、バスカーアーティストはクオリティを犠牲にすることなく最小限の機材でツアーを行うことができる。

自宅での練習では、新しい曲を学んだり、ソロをマスターしたり、オン・テンポで練習したりするためにバッキング・トラックを使う。音楽スキルを磨くための効果的で楽しい方法だ。

バッキング・トラックの歴史

最近の技術進歩のように感じるかもしれないが、バッキング・トラックは何十年も前からロックやポップスのアーティストに使われてきた。

1950年代以降、テレビ番組では、技術的な問題を避けるため、あるいはフルバンドのライブ・パフォーマンスを運営するのに必要な機材やスタッフがいなかったため、ボーカルが生演奏の間、バンドにトラックでの演奏を要求することがよくあった。

60年代後半から70年代にかけてのレコーディング・スタジオでの実験が、人々のバッキング・トラックの使い方を変えた。当時、アーティストやプロデューサーたちはテープ・マシンの可能性を追求し始め、バンドがライブで再現するのはほとんど不可能だった複雑な音の層を実現した。

当時も今も、バンドにはいくつかの選択肢があった。レコードを充実させるという選択肢を無視して、可能な限り "ライヴに近い "ものにするか。テクノロジーを使ってレコードを充実させ、ライブを解釈し直して、ステージ上のプレイヤーだけで演奏できるようにする。あるいは最終的には、レコーディング・スタジオでも演奏中でもテクノロジーをフルに活用することもできる。

後者のうち、私が思い浮かべる初期の例はザ・フーで、キース・ムーンはステージ上でヘッドフォンを装着し、バックトラックに合わせて演奏していた。70年代初期にバンドが発表していた音楽を考えれば、それは理にかなっている。当時彼らが作っていたいくつかの曲やアルバム（『Baba O'Riley』や『Quadrophenia』の全曲を思い浮かべてほしい）の豊かなオーバーダブ・サウンドは、4人編成のロック・バンドとしてライブで再現するのは不可能だった。

テープ・マシンが小型化し、広く入手できるようになると、ますます多くのバンドがライブでバッキング・トラックを使うようになった。

80年代と90年代は、バッキング・トラックがステージの標準装備となった時代だ。ライブ・イベントがオーディオビジュアル体験として扱われるようになり、ビデオやダンサーを使ったり、より没入感を高めるためにサウンドを追加したりするようになった。その結果、アーティストやプロデューサーは、シーケンサーやドラムマシンなど、生楽器と同期できる録音済みトラックを追加し始めた。

改めて、当時流行していたライブ・パフォーマンスの種類を考えてみると、非常に納得がいく。ポップ・シンガーは肉体的にきついダンスの振り付けをしなければならないことが多く、演奏と歌を同時にこなすのは難しかった。その結果、ミュージシャンが生演奏をする間、多くはヴォーカル・バッキング・トラックを使用した。

音楽制作の世界では何でもそうだが、DAW（デジタル・オーディオ・ワークステーション）がバッキング・トラックを普及させ、あらゆるレベルのアーティストが利用できるようになった。その結果、ベテラン・ミュージシャンであれ新人アーティストであれ、ほとんどのアーティストがライブを盛り上げるためにバッキング・トラックを使うようになった。

私は何十年もドラムを叩いてきたので、コンサートを見に行くときはいつもリズムセクションに注目している。最近では、ポップスやポップ・ロックを演奏するドラマーのほとんどがバッキング・トラックを使っている。ヘッドホンをしていたり、録音済みのトラックを起動させるためにラップトップをそばに置いていたりするので、それがわかる。それが最近の標準的なやり方なんだ。

バッキング・トラックを使って演奏するのは、簡単なことではない。ライブ・パフォーマンスを流動的に保ち、バンド・メンバーがやっていることに集中しながら、クリック・トラックに合わせて完璧に演奏できなければならない。私の経験では、100％正しく演奏できるようになるには時間がかかるし、何度もコンサートをする必要がある。

とはいえ、バッキング・トラックを使うことで、あなたのショーはより魅力的で豊かなものになり、レコーディングされたアルバムに近いサウンドになる。

バッキング・トラックを "ズル "と考える人もいるが、ステージでも自宅での練習でも、バッキング・トラックを使う方法はたくさんある。自分のスキルを高め、クリエイティビティが保たれるような使い方を見つけることが、このテクノロジーを取り入れるなら最優先事項だ。

練習用バッキング・トラック

正直言って、メトロノームに合わせて練習するのは最悪だ。

ドラマーの立場から言えば、メトロノームはバンドマンとして最も必要なスキル、つまり一定のテンポを保つ能力を身につけるのに役立つ。しかし、だからといって練習として退屈でなくなるわけではない。

しかし、もしあなたが大好きな曲の上で、その曲を定義した拍子記号やテンポを探りながら演奏する練習ができるとしたらどうだろう？

その方がずっと楽しそうだし、バッキング・トラックを使えば、家で練習するときにまさにそれができる。

学びたい曲のバッキング・トラックをオンラインで見つけることができる。楽器を分離して慎重に作られたバッキング・トラックをダウンロードできるウェブサイトがたくさんあるので、ライブ・パフォーマンスと置き換えるトラックを使わずに、歌ったり楽器と一緒に演奏したりすることができる。

先に述べたように、バッキング・トラックを使って練習することも、音のパレットを広げる素晴らしい方法だ。使い古された4/4拍子から脱却したいなら、変拍子の曲を探すのはどうだろう？これは独創的なギター・ソロを作るのに役立つだけでなく、自分のコンフォート・ゾーン以外の拍子に慣れることにもなる。

最も重要なのは、練習をより魅力的で楽しいものにしてくれることだ。記事の最後の方で、私が長年使ってきたバッキング・トラックの素晴らしいウェブサイトをいくつか紹介するので、自宅練習のために試してみることをお勧めする。後悔はしないはずだ。

練習用バッキング・トラックの作り方

練習は個人的なプロセスであり、自分のニーズに合わせる必要がある。とはいえ、私がバッキング・トラックをどのように練習に使っているかをお話しすれば、これらのヒントがあなたにとって理にかなっているかどうか、自分で確かめることができる。

私が自分でバッキング・トラックを作る理由はいくつかある。ソロの練習をするためや、バンドやソロ・アーティストとしてライブで使う録音済みのコンテンツを作るためだ。

ソロの練習をするとき（バンドでシンセサイザーを弾くこともある）、僕はたいていDAWで曲全体を再現する。つまり、私は

1. バーチャル・ドラム・キットでドラム・パートを作る

2. ベースラインを加える

3. ギター・リフを加える（オプショナル）

これらはすべて、DAWと、ニーズに応じた一連のバーチャル・インストゥルメントを使えば可能だ。私の場合、ベース・ギターがバンド・メンバーの機材とまったく同じ音である必要はない：ただ、メロディーをきちんと作って、その上で演奏できるようにする必要があるし、家で練習したものをライブで再現できるようにする必要もある。

最も重要なのは、曲のテンポとメロディーだ。それができたら、ソロの練習をすればいい。

カバー曲を練習する場合、ほとんどの場合、このようなことは必要ありません。プロが録音したバッキング・トラックは、無料でも有料でもネット上にたくさんあるので、曲をダウンロードしてDAWに取り込み（自分で録音する場合）、一緒に演奏するだけでいい。

カヴァーソングの練習用に録音済みのトラックを選ぶときは、練習する楽器が入っていないものを選ぶようにしよう。例えば、ギター・ソロを練習する場合、バックで本物のソロが聞こえない方が邪魔にならない。そうすれば、自分なりのソロのバリエーションを考えやすくなる！

ライブ用音楽バッキング・トラック

バッキング・トラックをライブで演奏するにはどうすればいいのか？

つまり、ドラマーは曲のテンポでメトロノームを鳴らすイヤホンが必要だ。

バッキング・トラックのスピードは、ステージで生演奏される曲のスピードを変えるのと同じようにはコントロールできないので、これは非常に重要です。BPM（ビート・パー・ミニッツ）のほんのわずかでも曲を加速させると、バッキング・トラックはシンクしてしまいます。

曲を始めるとき、バッキングトラックでシーケンサーをトリガーする必要があります。これはドラマー（曲のテンポを担当する人）かサウンドエンジニアが行います。

適切なタイミングで曲を始めるのは、通常最も難しい部分だ。レコーディング・スタジオにバッキング・トラックを作ってもらった場合、普通は曲名と4までのカウントがついている。つまり、もしあなたの曲が「Itsy Bitsy Spider」という曲で、レコーディング・スタジオにバッキング・トラックを作ってもらったとしたら、次のように始まるということだ：

イッツィー・ビッツィー・スパイダー...1...2...3...4

これが必要なのかどうか疑問に思っているのなら、アシュリー・シンプソンのキャリアがどのように終わったかを思い出してほしい。要するに、あなたのバッキング・トラックに関する情報は、できる限り明確で間違いのないものであってほしいということだ。

さて、バッキング・トラックの使い方だが、バスカー・アーティストであれ、プロのクルーズ・シンガーであれ、ヘヴィ・メタル・バンドのメンバーであれ、必要なものは大きく変わってくる。

ソロでギターを追加したり、コーラスでバッキング・ヴォーカルを入れたり（生演奏のヴォーカルがバッキング・トラックと並行して走る場合）、サウンド・レイヤーを追加して曲の一部分をより没入感のあるものにしたりと、選択肢は無限にある。ワンマン・バンドの場合は、他の楽器の不足をオーダーメイドのバッキング・トラックで補う必要がある。

バッキング・トラックを使う理由が何であれ、そのテクノロジーはライブを盛り上げるためのものであって、あなたやバンドの他のメンバーの代わりをするものではないことを忘れないでください。

最近の一般的な傾向は、コンサートをスムーズに進行させるために、できるだけ多くのことを自動化することだ。バッキング・トラックやMIDIテクノロジーによって、ギター・ペダル、サウンド・エフェクト、照明、ビジュアルをラップトップでコントロールできるようになり、ミュージシャンや技術者の生活はシンプルになったが、観客が期待するライブ体験の多くを奪ってしまった。

結局のところ、コンサートでは生演奏をすることになっているんでしょう？

これを念頭に置いて、ライブ用のバッキング・トラックを作成する方法を見てみましょう。

ライブ用バッキング・トラックの作り方

設備

バッキングトラックの基本的なオーディオ信号は次のようになります：ソース＋オーディオインターフェース＋コンソール

ソースとは、バッキング・トラックが保存されている場所のことで、ラップトップからMP3プレーヤーまで何でも構いません。

オーディオ・インターフェースは、楽器とコンピュータ、またはコンピュータとミキサーを接続するための機器です。ソースを直接ミキサーに接続することもできるかもしれませんが、オーディオ・インターフェイスがあれば、より柔軟で複数の入出力オプションが得られるので、ぜひ入手することをお勧めします。

最後に、コンソールはすべてのサウンドのバランスを調整する場所であり、演奏会場ですべての楽器が大きくクリアに聞こえるようにします。バッキングトラックを使うので、ライブで演奏される音楽と一緒にミックスして、臨場感を出す必要があります。

また、フロント・オブ・ハウス・ミキサーがミキシングしたサウンドを聴くためには、インイヤーモニター・ワイヤレス・システムが必要です。

これだけの技術があれば、バッキングトラックをライブで使う準備はできている！次に、ミキサーに入力するオーディオの種類を定義します。

モノ・ミックス vs ステレオ・ミックス vs ステムミックス

このセクションを始める前に、オーディオファイルの音質が完璧である必要があることを強調しておきます。プロのミキサーがMP3ファイルを没入感のあるサウンドスケープに変えてくれるわけではないので、ロスレス形式で曲をレンダリングし、音楽がまとまっていてバランスが取れていることを確認してください。

それを念頭に置いて、バッキング・トラックに使えるさまざまなフォーマットを見てみよう。

モノ・ミックス

モノミックスはすべての楽器を 1 つのチャンネルにまとめ、 バランスのとれたサウンドをミキサーに送りますが、空間的 な分離はありません。ステレオ効果が重要でない小規模な会場や、サウンドの一貫性が重要なショーに最適です。

モノラル・ミックスはリスニング・ポイントに関係なく同じように聴こえ、数年前までは最もポピュラーなオプションだった。現在では、物事をシンプルに保ちたいのであれば、モノラル・ミックスが最良の選択肢だと思うが、より没入感のある体験をしたいのであれば、次の2つの選択肢をお勧めする。

ステレオ・ミックス

ステレオ・ミックスは、サウンドを2つのチャンネル（左右）に分けることで、バッキング・トラックの空間感や奥行き感を高めます。これにより、よりリアルで包み込まれるようなライブ体験ができ、ライブ・セットをよりエキサイティングにするピンポン・ステレオ・エフェクトをかけることもできます。

また、あなたのアルバムはステレオで録音された可能性が高いので、聴衆はあなたのアルバムとよく似た音楽を聴くことになる。

ステムミックス

フロント・オブ・ハウスにステムを送ることは、バッキング・トラックを使う最もプロフェッショナルな方法ですが、いくつかの注意点があります。サウンド・エンジニアは、あなたのセットに精通している必要があるので、ステムを使うのは、一緒に移動する技術者がいるか、信頼できると分かっている場合だけにすることをお勧めします。

とはいえ、ステムはミキシング・エンジニアに完全なコントロールを委ねており、エンジニアはそれぞれの会場に合わせてサウンドを調整し、あらゆる状況で最高のサウンドを実現することができる。

進行中の議論バッキング・トラックをライブで使用することの長所と短所

バンドがライブでバッキング・トラックを使うべきかどうかという議論は、70年代から続いてきたが、この10年間で、この技術がより広く利用できるようになったことで、この議論はさらに激化した。

観客の期待に関して言えば、ライブ音楽に対する哲学的アプローチはさまざまだ。あるファンはコンサートに行き、バンドが余計な装飾を加えず、生演奏のみで演奏することを期待するかもしれない。同じコンサートに行って、アルバムのサウンドに近い曲を聴くことを期待する人もいるかもしれない。

私の印象では、特にポップスやロックなど、より「商業的」な音楽では後者が一般的になってきている。

これは、現代の観客がコンサートを見るときに洗練されたサウンドを期待していることの結果であり、また、アーティストがアルバムのレコーディング中にサウンドのレイヤーを増やしたために、バッキング・トラックなしではライブでそれを再現できないことの結果でもある。

理由はどうであれ、ライブでバッキング・トラックを使うことは最近非常に一般的になっており、アーティストがすぐにバッキング・トラックの使用をやめることはないだろう。

たいていの場合そうだが、バッキング・トラックを肯定的に使うか否定的に使うかの分かれ目は、どれだけバッキング・トラックに依存するかにかかっている。

昨年、ポストハードコア・バンドのフォーリング・イン・リバースが、ツアー中にラップトップが紛失したためにコンサートをキャンセルした。

数年前、日本のロックバンドBAND-MAIDは、ヘルシンキでのコンサートの前に楽器の一部とバックトラックが入ったノートパソコンを紛失した。その夜、彼らは何とかうまく演奏することができた。

私が何を言いたいかわかりますか？バッキング・トラックを失い、残された選択肢がショーをキャンセルすることだけだとしたら、それはおそらくバッキング・トラックに頼りすぎているのだろう。結局のところ、これはあなたのショーであり、あなたの曲なのだから、バッキング・トラックに頼らずに自分の曲をライブ・アレンジできないのは悪い兆候なのだ。

また、バッキング・トラックを使うことが芸術的な自発性を犠牲にすることになるのかという議論も続いている。繰り返しになるが、技術そのものが問題なのではなく、それをどのように使うかが違いを生むのだ。

ソロの間にギターのリフを追加することで、曲の美しさを引き立てることができる。オーケストラ・セクションは、曲をより切なく、レコーディング・バージョンに近づけることができる。これらは、演奏をより魅力的で楽しいものにする微妙な変化である。

クリックで演奏し、バッキング・トラックを多用し、MIDIサウンドをあちこちに投げ込み、ラップトップを使って手の込んだ照明効果やMIDIプログラミングを行い、そして何よりも、このような「補強」なしでは自分の曲を演奏できないことを自覚しているため、あなたのショーがすべて同じだとしたら、あなたはおそらく芸術性と詐欺の間の非常に細い線の上を歩いているのだろう。

とはいえ、バッキング・トラックを正しく使えば、それなしでは実現できないような方法でコンサートを盛り上げたり、ステージ上での生活をシンプルにしたりすることができる。

バッキングトラックを使って曲を盛り上げたり、ペダルボードのプログラミングをしたり、明確な合図でバンドメンバーを調整したり、IEMからクリアな音を出して耳を守ったりと、バッキングトラックの使用は、パフォーマンスの自発性を奪わない限り、数え切れないほどのメリットがあります。

ライブでバッキング・トラックを使う場合の5つのアドバイス

この記事の最後に、特にステージでバッキング・トラックを使う際に役立つ、実践的なヒントをいくつか紹介したいと思います。これらのいくつかは、ベテランのミュージシャンでさえ軽視されがちですが、聴衆にプロフェッショナルな体験を提供することを目指すのであれば必須です。

1.バックアップデバイスを用意する

バンドがツアーをするときは特にそうだ。私は昨年神戸で、ライブの前日にラップトップのグラフィックカードが壊れた。タブレット、スマートフォン、予備のラップトップなど、バックアップ・デバイスを持つことは、あなたの生活をより簡単に（そしてストレスを少なく）してくれる。

コンサートの前には必ず機材をテストしましょう。昨夜のコンサートがスムーズに行われたとしても、あなたの機材が今日も完璧に機能しているとは限りません。最後に、バックアップ機材を別のバッグに入れ、紛失の可能性を減らしましょう。

2.ドラマーにメトロノームは悪ではないと思わせる

全員がバッキング・トラックに同期するためには、ドラマーはクリック・トラックを聴かなければなりません。こうすることで、ドラマーは両方の音を完璧に聴くことができますが、メトロノームとバッキング・トラックを分離することもできます。

3.インイヤーモニター・システムを使い、その使い方を学ぶ

インイヤーモニターシステムは、自分のニーズに合わせてカスタマイズすることができるので、ミックスのバランス、音量レベルの管理、耳が疲れない音の作り方などを時間をかけて学びましょう。演奏中にイヤホンが外れてしまわないよう、耳の穴にぴったりフィットするものを選びましょう。

4.MIDIを使ってペダルボードに情報を送り、エフェクトをオンにする

ライブ・ミュージックにおいて、MIDIプログラミングの威力は絶大だ。例えば、ギタリストはペダルボードを自動化することができるので、演奏中にエフェクトを作動させたり調整したりする必要がなくなり、ギター演奏に完全に集中することができる。

サウンド・エフェクト、リード・ヴォーカル・エフェクト、ライト・エフェクト、ビジュアルも同様だ。つまり、MIDIプログラミングは、あなたのギグを学際的で没入感のあるライブ体験に変える可能性を秘めているのです。

5.バンドメイトが来られない場合の緊急バッキング・トラックの作成

シンガーが声を失った場合、ショーをキャンセルしなければならない可能性がある。しかし、ドラマー、ベーシスト、ギタリストが来られない場合は、彼らがいなくても一晩だけ演奏できるよう、カスタマイズしたバッキング・トラックを用意することを検討した方がいいかもしれない。

それは理想的なことではない。でも、ファンはあなたの最も貴重な資産であることを忘れないでほしい。

ヴォーカルとインストゥルメンタルのバッキング・トラックの入手先

練習用、カラオケ用、オーディション練習用、バンドのサウンドを向上させるための高品質なバッキング・トラックを探しているミュージシャンのためのリソースはたくさんある。私が長年使ってきたものをいくつか紹介しよう：

ピアノ・トラックス

ウェブサイト：https://www.pianotrax.com/

価格：1曲4～6ドル

質の高いピアノ伴奏を探している人には、ミュージカル・シアター、ポップス、時代を超えた曲など、豊富なセレクションのPiano Traxをお勧めする。このウェブサイトは2006年から運営されており、提供されるカタログは豊富で多様だ。

オンラインMD

ウェブサイト：https://online-md.co.uk/

価格1曲1.00ポンドから

アランとリンゼイ夫妻によって運営されているonlineMDは、練習用、リハーサル用、プロの演奏用など、ジャンルを問わず手頃な価格でカスタマイズ可能なバッキング・トラックを提供している。私がonlineMDを気に入っている点は、よりストリップダウンされたレコーディングから完全にオーケストレーションされたバッキング・トラックまで、ニーズに合わせてバッキング・トラックをカスタマイズできることだ。

カラオケ・バージョン

ウェブサイト：https://www.karaoke-version.com/

価格：1曲あたり約1.99ユーロ（加入者は割引価格）

ポップスからヘビーメタルまで、インストゥルメンタルとカラオケの膨大なカタログがここにあります。カラオケバージョンは、特定の楽器をミュートしたトラックをダウンロードするオプションがあるので、自宅で楽器の練習をしたい人に最適です。

ジャムゾーン

ウェブサイト：https://www.jamzone.com/

価格：フリーミアム（無料～17.99ドル/月）

リアルタイムのコード・チャートやマルチトラック・コンソールでサウンドを調整できるなど、バッキング・トラック以上のものを提供するインタラクティブなアプリがここにある。Jamzoneはジャムや練習に最適だが、外出先で楽器のカスタム・ミックスを作成できるオプションのおかげで、ライブでも素晴らしい仕事ができる。

ブロードウェイを歌おう

ウェブサイト：https://www.singbroadwaynow.com/

価格：7ドルから99ドル

ブロードウェイ関連のミュージカル曲に特化したSing Broadway Nowは、ミュージカルに興味があり、入念に作られた練習用バッキング・トラックが欲しい人に最適の選択肢だ。

6 iReal Pro

ウェブサイト：https://www.irealpro.com/

価格：20ドル

iReal Proは、ジャズ、ポップス、ロック音楽のためのカスタマイズ可能なバッキングトラックを提供するだけでなく、広範なコードチャートとリアルタイムの移調を提供しています。アドリブの練習やジャズ・スタンダードのジャムに興味のあるミュージシャンに最適です。

また、Music Backing Tracks（MBT）はイギリスで最も人気のあるバッキング・トラック・プロバイダーのひとつだと聞いている。1985年に設立され、膨大な数のトラックを提供している。

最終的な感想

このガイドが、あらゆる状況でバッキング・トラックを最大限に活用する助けになることを願っている。バッキング・トラックを使いこなすまで、特にステージでは控えめに使うことをお勧めする。

最後に、テクノロジーにライブ演奏の美しさを奪われないでほしい。アルバムが、非常に優れたバンドのライブ・サウンドを本質的に捉えているとき、そこには本物の力強さがある。だから、あなたのサウンドを向上させるためにテクノロジーを使うが、バッキング・トラックがあなたの芸術性に取って代わるようなことがあってはならない。

楽しんでくれ！