今やEDMはどこにでもある。

エレクトリック・デイジー・カーニバルやトゥモローランドのような大規模な音楽フェスティバルでも、お気に入りの地元のバーでも、ハウスパーティーでも、ほとんどのラジオ局でも耳にする。Spotifyにアップされている音楽のほぼ4分の1がEDMと表示されており、16歳から19歳のリスナーの23％がEDMを聴いている。

面白いことに、EDMはジャンルですらない！EDMは、ほとんど共通点がないほど互いに異なる様々なスタイルを含む包括的な用語なのだ。

とはいえ、2010年代初頭から始まったEDM革命は、ダンスカルチャーとポップミュージックを良い方向に変え、古き良きエレクトロニック・ミュージックをメインストリームの領域へと急上昇させ、この新しいムーブメントの境界線を押し広げるDJとクラブの活気に満ちた生態系に光を当てた。

今日は、EDMとは何か、どのように始まりどこへ向かっているのかを分析し、最も人気のあるサブジャンルを定義します。記事の最後には、DAW（デジタル・オーディオ・ワークステーション）を使ってEDMを作る方法を紹介します。

EDMの定義

EDMとはエレクトロニック・ダンス・ミュージックの略で、この包括的な用語が指すものをほぼ説明している。電子的に合成された楽器を使った音楽で、キャッチーなリズムとメロディーで人々を踊らせるようにデザインされている。

電子楽器にはアナログとデジタルの両方があり、サンプリングやオーディオ編集といったオーディオプロセスも同様だ。覚えておくべき重要なことは、「EDM」という言葉には、踊るために作られたものすべてが含まれるということだ。

エレクトロニック・ミュージックは、エレクトロアコースティック、ドローン、アンビエント・ミュージックなど、ダンサブルなジャンルではないが、電子的手段、あるいはアナログと電子の組み合わせで作られる音楽ジャンルを含む。

EDMに話を戻そう。このカテゴリーには様々なジャンルがあるため、すべてのジャンルに共通する要素を見つけるのは難しいが、いくつか紹介しよう：

• どれもリズムの脈動があり、BPM60（ダブ）から180以上（ドラムンベース）までのテンポがある。
• キャッチーなメロディーと元気の出る雰囲気で、聴きやすく記憶に残りやすい曲が多い。
• 豊富なエフェクトとプロセッシングがすべての楽器とヴォイスに適用されている。
• サンプルや録音済みの素材を頻繁に使用。
• フェスティバルやパーティーで流せば、リスナーを活気づけるようにデザインされた音楽だ。

それ以外はすべてオプションであり、どのジャンルにも他のジャンルとは一線を画す独自のサウンド・シグネチャーがあり、それがEDMをプロデューサーにとって活気に満ちたクリエイティブな生態系にしている。

EDMの年表

信じられないかもしれないが、EDMのルーツは、1920年代に始まった作曲の一形態であるムジーク・コンクレートであり、録音済みのサウンドをミキシングして変更することに基づいている。

この時代は、作曲家たちが多層的な音を用いて音楽を創作し、それらをブレンドして首尾一貫したサウンドスケープを作り出そうと初めて試みた時代である。この芸術形態の好例が、ジョン・ケージの作品群である。

テクノロジーが進化するにつれ、エレクトロニクスの実験も進化した。より強力な電子ジェネレーターは、1950年代のドイツで、偉大なカールハインツ・シュトックハウゼン率いる純粋な電子音楽運動であるエレクトロニッシェ・ムジークを誕生させた。

(ドイツは驚異的なエレクトロニック実験のるつぼとなり、Kosmische Musikからエレクトロポップ、ベルリン・テクノまで、数十年にわたってユニークなエレクトロニック・ジャンルを世に送り出した。今日に至るまで、ベルリンはEDM愛好家にとって見逃せない音楽発信地のひとつである)

1960年代後半から1970年代にかけて、モジュラー・シンセサイザー（ロバート・ムーグによる初の商業用シンセサイザーは1964年発売）やドラムマシンの人気が高まり、電子音の探求が広まった。

フロア4つ打ちのビートと中毒性のあるベースラインを持つディスコ・ミュージックは、現代のEDMの先駆けであり、ジョルジオ・モロダーやドナ・サマーによって世界的な成功を収めた。クラフトワークやイエロー・マジック・オーケストラを代表とするエレクトロポップも、1970年代半ばまでに世界的な成功を収めた。

また、この頃にジャマイカで生まれたダブ・ミュージックやサウンドシステム文化がリミックス・カルチャーに火をつけ、DJデッキやミキシング・ボードをクリエイティブな楽器として使うようになった影響についても言及することは極めて重要だ。

1980年代初頭、これらすべての要素がシカゴとデトロイトという2つの都市に集結・融合し、それぞれハウスとテクノ・ミュージックが誕生した。

シカゴ・ハウスは、ドラムマシンを使った4分の4拍子のリズム、親しみやすいメロディ、深いベースライン、強調されたシンコペーションなど、ディスコをよりエレクトロニックな形で蘇らせた音楽だ。

デトロイト・テクノは、ハウスよりも未来的で、ビートが重く、アブストラクトな雰囲気の音楽だ。また、より複雑なパーカッシブなリズムを持つ傾向がある。

90年代以降、エレクトロニック・ミュージックのエコシステムにおける新たな影響が、世界中のいたるところで現れ始めた。

何年もの間、トランス・ミュージックがエレクトロニック・ミュージックの主流を牽引し、ジャングルやドラムンベースといったレイヴ志向のジャンルがイギリスやヨーロッパのクラブ・カルチャーで人気を博した。フランスのデュオ、ダフト・パンクは、エレクトロニック、ダンス、ディスコ・ミュージックを独自にブレンドした音楽を世に送り出し、彼らを世界的な現象とした。

21世紀、DAWの普及はエレクトロニック・ミュージック制作に革命をもたらし、ハイエンドの音楽機器やレコーディング・スタジオがなくても、数え切れないほどのアーティストが音楽制作を試みることができるようになった。

これが次の章、今最も人気のあるEDMジャンルにつながる。

EDMジャンルの概要

EDMのカテゴリーには無限のジャンルとサブジャンルがあり、その一つ一つを分析することはこの記事の範囲を超えている。しかし、最もポピュラーなEDMスタイルの違いを理解し、あなたがフォーカスしたいジャンルによって、どのように制作に取り組むべきかを理解することは重要です。

このセクションでは、過去から現在に至るまで、最も人気のあるエレクトロニック・ダンス・ミュージックのジャンルをアルファベット順に紹介する。シンプルに整理するため、各ジャンルについて、主な音の特徴、通常のテンポ、そのジャンルを定義した最も人気のあるアーティストを概説した。

アシッド・テクノ

1980年代後半から90年代にかけて、アシッド・テクノはレイブやアンダーグラウンド・クラブで大流行した。ローランドTB-303シンセサイザーの別世界のようなサウンドにインスパイアされ、反復するビート、ミニマルなテクスチャー、BPM140前後のテンポが特徴だ。エイフェックス・ツイン、リッチー・ホウティン、クリス・リベレーターをチェックすれば、そのイメージがつかめるだろう。

ベース

ベース・ミュージックは、ダブステップ、ドラム・アンド・ベース、トラップなどのジャンルを含む幅広いスタイルで、基本的にパワフルなロー・エンドを持つものなら何でも含まれる。ベース・ミュージックは通常、UKのサウンドシステムやガレージ・カルチャーからインスピレーションを得た重厚なベースラインを持つ。SkreamやBengaはこのジャンルのパイオニアだ。

ビッグルーム・ハウス

フェス向きのサウンドの典型であるビッグ・ルーム・ハウスは、クラブ・シーンで今最も大きなEDMジャンルだ。2010年代初頭に人気を博し、Martin Garrix、Hardwell、Nicky Romero、Afrojackらが瞬く間にこのジャンルのトップとなった。スタイルとしては非常にわかりやすく、マッシブなドロップ、シンプルなメロディー、BPM128前後のテンポが特徴だ。

ビットポップ

チップチューンの要素とポップミュージックを融合させたビットポップは、古い（8ビットまたは16ビット）コンピューターのサウンドチップを使い、現代の機器やボーカルと組み合わせたエレクトロニック・ミュージックのジャンルだ。ノスタルジックな雰囲気があり、テンポは100から140BPM。AnamanaguchiとSlagsmålsklubbenを聴く。

ブレイクビート・ハードコア

ブレイクビーツ・ハードコアは、ブレイクビーツのリズムとレイヴ・ミュージックの熱狂的なフィーリングを組み合わせたものだ。90年代にイギリスで誕生し、通常はBPM145～155以上の速いテンポ、重低音、サンプリングされたヴォーカル・フックが特徴。ザ・プロディジー、特に初期のアルバムはこのスタイルの最たる例だ。

ディープ・ハウス

ディープ・ハウスは、キャッチーなベースライン、パーカッシブな要素、ジャジーなコード、120～125BPM前後のテンポで、没入感のあるヴァイブを持つ。 デューク・デュモン、ロビン・シュルツ、マヤ・ジェーン・コールズは、このジャンルに興味があるならチェックすべき素晴らしいアーティストだ。

ディープ・テクノ

ディープ・ハウスとは対照的に、ディープ・テクノはより豊かなテクスチャーと催眠的なフローを持つ。BPM120～125の安定したテンポで、アンビエントなサウンドスケープを含むことが多い。Donato DozzyとDeepchordがこのゲームのベストだと私は思う。

ダウンテンポ

ダウンテンポは、アンビエント・ミュージックとチルアウト・ミュージックの要素を融合させ、リラックスした雰囲気を作り出す。通常、BPM60～90のスローテンポで、このジャンルが伝えるなだらかで内省的な雰囲気を引き立てる。Bonobo（ボノボ）を聴いてみよう。

ドラム・アンド・ベース

ドラム・アンド・ベースは1990年代初頭に英国で始まり、近年大復活を遂げている。テンポはBPM160～180程度で、速いブレイクビーツ、洞窟のようなベースライン、ジャズ・ドラムにインスパイアされた複雑なリズムが特徴だ。Chase & Status、Pendulum、Sub Focus、Goldie、Noisiaを聴くことをお勧めする。

ダブ・テクノ

ダブ・テクノは、内省を促すディープなサウンドと魅力的なダブ・ヴァイヴを持ち、世界中のアンダーグラウンド・クラブで定番となっている。テンポは110から120BPM。ベーシック・チャンネルやディープコードといったアーティストがこのジャンルの先駆者である。

ダブステップ

ダブステップは2000年代半ばのジャンルで、重低音のドロップとシンコペーションのリズムが特徴で、ヘビーメタルからポップスまで、他のあらゆる主流ジャンルに影響を与えた。BPM140前後のテンポと暗く陰鬱な雰囲気が特徴だ。このジャンルは多岐にわたるが、Burialがこのジャンルを定義するサウンド・シグネチャーを作り上げたことは間違いない。

エレクトロ・ハウス

エレクトロ・ハウスは、ハウス・ミュージックとエレクトロにインスパイアされたサウンドのブレンド、重厚なベースライン、BPM125～135のテンポで、2000年代初頭に人気を博した。デッドマウス（Deadmau5）やデヴィッド・ゲッタ（David Guetta）は、当時このジャンルを主流にした。

エレクトロ・スウィング

ヴィンテージのスウィング・ミュージックとモダンなエレクトロニック・ビートの興味深い融合であるエレクトロ・スウィングは、BPM110-130前後のアップテンポなリズムとブラス・サンプルの多用で、現代のEDMに極めてユニークなアプローチを提供している。Parov Stelarと彼の素晴らしいプロダクションをチェックして、このジャンルの最高峰を体験しよう。

フューチャー・ベース

フューチャー・ベースは、主にダブステップやトラップなど、インスパイアされたジャンルよりも温かみのあるヴァイブと高揚感のあるサウンドが特徴だ。2010年代半ばに流行し、テンポはBPM130から175の間である。FlumeとIlleniumはこの10年間でこのジャンルを広めたが、2020年代にはフューチャー・ベースは勢いを失っているようだ。

グリッチ

グリッチ・ミュージックは、デジタルの歪み、グリッチ、予期せぬサウンドを使って実験的なサウンドスケープを作り出し、通常はエレクトロニック風のビートを伴う。Autechre、Apparat、Tim Heckerといったアーティストがこのジャンルを代表する。

ハードスタイル

オランダ、ベルギー、イタリアで高い人気を誇るハードスタイルは、歪んだキックと勢いのあるメロディが特徴的な、ハードで激しいジャンルだ。テンポは通常BPM140～150程度。HeadhunterzとShowtekは、世界中の有名フェスティバルでこのジャンルを演奏している。

インダストリアル

インダストリアル・ミュージックは、アンビエントからメタル・ミュージック、そしてその中間に位置するものまで、実に多様性に富んでいる。ナイン・インチ・ネイルズやフロント242は、このジャンルの最も有名な表現者だ。

ローファイ

低音質、ソフトなビート、アンビエント・ノイズ、BPM60～90前後のゆったりとしたテンポは、ローファイというジャンルの成功の方程式であり、特に勉強やリラクゼーションに最適なため、ここ10年で非常に人気が高まっている。NujabesやJinsangのようなアーティストが、心地よくノスタルジックなトラックでこのジャンルを開拓してきた。

ミニマル・テクノ

ミニマル・テクノは、テクノの要素を削ぎ落としたもので、反復的なビート、ミニマルな要素、BPM120〜130のテンポが特徴。Richie Hawtin、Robert Hood、Ricardo Villalobos、Mika Vainioらは、この催眠的なジャンルを探求した大物プロデューサーたちである。

プログレッシブ・ハウス

プログレッシブ・ハウスは、トランスにインスパイアされたハウス・ミュージックのスタイルで、メロディックな構造、多幸感溢れるドロップ、通常125～130BPM前後のテンポを持つ。しかし、高揚感のあるトランスと比較すると、複雑なリズムのレイヤーやメロディックなパターンなど、より複雑な構造も見られる。Eric Prydz、deadmau5、Swedish House Mafia、Lane 8をチェック。

トランス

トランス・ミュージックは、純粋な陶酔感を音に変換したものだ。没入感のあるメロディーと、爽快な盛り上がりと解放感を伴う魅力的なテンポ（最高BPM150）で、このジャンルは90年代に人気を博し、以来ダンスフロアから離れることはない。巨匠たちからこのジャンルを探求し始めることをお勧めしたい：アーミン・ヴァン・ブーレン、ポール・ヴァン・ダイク、ティエストなどだ。

英国ガレージ

UKガラージは、シンコペーションの効いた2ステップのリズムにダンスやR&Bの要素をブレンドしたものとして、1990年代にイギリスで始まった。ジャングル・ムーヴメントに大きな影響を受けながらも、カジュアルなリスナーにも親しみやすいこのジャンルは、ベースライン、フューチャー・ガレージ、グライム、ダブステップなど、数多くのサブジャンルに枝分かれしながら、瞬く間に世界的な人気を獲得した。El-bやGroove Chroniclesは、このジャンルを探求する最高のアーティストのひとりだ。

ヴェイパーウェーブ

ヴェイパーウェイヴは、レトロな美学と超現実的な感覚を組み合わせた魅力的なマイクロジャンルだ。通常、80年代や90年代のポップカルチャーを彷彿とさせるBPM60〜90前後のスローテンポのサンプルや、往年のCM音楽、エレベーター・ミュージックが特徴だ。長年にわたり、このジャンルは現代のテクノ・カルチャーを暴く（批判する）ツールとして使われてきた。このEDMの隠れた一角に興味があるなら、ぜひTelepathとSaint Pepsiをチェックしてみてほしい。

EDM制作を始める

あなたの最初のトラックは、世界的なヒットのようには聞こえないかもしれないが、EDM音楽制作の世界で最初の一歩を踏み出すことは、それほど難しいことではない。必要なソフトやプラグインはあるが、あとは練習、練習、練習だ！

以下に、私が考えるEDM音楽を作る際のベストなアプローチを紹介します。ジャンルはそれぞれ違いますが、私が知る限り、これはエレクトロニック・ダンス・ミュージックのカテゴリーに入るすべてのスタイルにうまく機能する構成です。

DAWを選ぶ

どのDAWを選ぶべきかについては何日でも話せるが、ここではシンプルに考えよう。

すべてではないにせよ、ほとんどのプロフェッショナルなDAWは、特にあなたが初心者であれば、EDMプロデューサーとしてのあなたのニーズを満たすだろう。GarageBandしか持っていない、あるいは買う余裕があるなら（無料だ）、それを使えばいい。Apple製品を使わないのであれば、Cakewalk（これも無料だがWindows用）を使おう。

もう少し投資できて、プロとしてトラックを制作する方法を学びたいのであれば、私がお勧めするEDMプロデューサー向けの優れたDAWが2つある：Ableton LiveとFL Studioだ。

Ableton Liveは最も人気のあるDAWで、その象徴的なループシステムのおかげで、EDM制作に関しては驚異的だ。FL Studioもエレクトロニック・ミュージック・プロデューサーには最適な選択肢で、プロフェッショナルなサウンド・ライブラリーと、超直感的なドラム・マシンとMIDIキーボードが搭載されている。

とはいえ、どのDAWを使っても、基本的なEDMトラックを作成するのに十分なツールとサウンドが揃っているはずだ。後述するように、私はAbleton LiveもFL Studioも使っていませんが、それでもゼロからEDMトラックを作ることはできます。だから、あまりツールにこだわらず、自分の好きなDAWでいかに完璧なEDM制作ワークフローを作れるかに集中してほしい。

繰り返しになるが、DAWの使い方に慣れていれば、どんなDAWでもよい。時間をかけて数種類のワークステーションを試し（ほとんどのワークステーションは無料試用版が用意されている）、どれが自分のワークフローに最も適しているかを見極めよう。

始める前にはっきりさせておきたいのは、エレクトロニック・ミュージック制作に黄金律はないということだ。それに、例えばヒップホップとテクノのプロデューサーでは、ワークフローが劇的に異なることもある。

つまり、以下に紹介するワークフローに価値を見出してほしいということだ。しかし、音楽制作に対してまったく異なるアプローチを持っていても、優れた音楽をリリースできるかもしれない。

テンポとドラムビート

ドラムビートはまず始めたいもので、4オン・ザ・フロアがいい。

トラックのスピードは、制作するジャンルによって選びましょう。クラシックなダンスやテックハウスの曲を制作する場合は、BPM126から132の間を選んでください。

このガイドでは、DAWとしてStudio Oneを使用する：

プロジェクトを始める前に適切なテンポに設定することは様々な理由で重要ですが、ほとんどの理由はトラックが最終的に完成するスピードでサンプルがどのように聞こえるかを聞きたいからです。BPM126では素晴らしいボーカル・サンプルが、BPM132では非常に人工的なサウンドになってしまうかもしれないので、テンポを賢く選択し、トラックに適したサンプルを選ぶようにしましょう。

次に、EDMトラックの土台となるキックに注目しましょう。DAWで新しいモノラルのトラックを追加し、ライブラリから好きなキック・ドラムのサウンドを選びます（ほとんどのDAWにはライブラリが内蔵されていますし、そうでない場合でも、ネット上には無料のライブラリがたくさんあります）。

次に、新しいトラックにキック・ドラムのサウンドをコピー／ペーストし、最初の小節の各ビートにキックを追加します。次に、そのセクション全体をハイライトし、トラックの長さに合わせて複製します。

正しくできていれば、EDMトラックはこのようになるはずだ：

前述のAbleton LiveやFL StudioのようなDAWには、直感的なループ・システムやピアノ・ロールが搭載されており、ビートメイキングを簡単に行うことができる。しかし一般的には、テンポを正しく取り、すべてのビートにキック・ドラムを加えれば、おなじみのポンピング・ダンス・サウンドが聞こえてくるはずだ。

では、曲を前進させる原動力となるスネアドラムに注目してみよう。

EDMのスネアは通常、4分音符でキック・ドラムと一緒に演奏するか、ドロップ・セクションにつながる速いリズムを演奏します。基本的なドラム／スネアのビートの例を挙げよう：

EDMの曲には様々な形があり、すべてのクラブ・ミュージックが4オン・ザ・フロアというわけではない。しかし、初めてEDMの曲を作るなら、これは絶好の出発点だ。

サンプルを使う場合は、ビートが完全に同期していることを確認し、キックとスネアドラムが同時に鳴ったときの音量レベルをチェックしてください。ほとんどのEDMサウンドは可能な限り大音量になるように設計されているため、歪んだサウンドになりやすい。

ベースライン

すでにメロディーが決まっている場合でも、ベースラインから始めるのは良い練習になる。ベースラインは、曲を決定づけるコードとリズムの橋渡しになるからだ。

最初はシンプルにすることをお勧めする。後でもっと明確にすることはいつでもできるが、今はグルーヴィーでキャッチーなものを作ることだ。

ベースに関しては、グルーヴと繊細さの完璧なバランスを見つけることが重要だ。ミニマル・テクノのように、ベースが曲の主役になるジャンルもありますが、一般的には、リズムとメロディーの間の接着剤となり、両者の影を消すことなく深みを加えるべきです。

ハイハットとクラッシュ・シンバル

象徴的なオーディオ・エンジニアであるスティーブ・アルビニは、ハイハットを「まさに悪魔の楽器」と呼んだ。インディー・ロックではそうかもしれないが、EDMに関しては、入念に作られたハイハット・セクションがトラックを活気づけることが多い。

クローズド・ハイハットとオープン・ハイハットを組み合わせて、リズム・セクションを高音要素で満たし、ハイハットが既存のビートを補完し、グルーヴを高めるようにする。

最小限のハイハットでうまくいくトラックもあれば、ハイハットが常に存在する方が完成度が高く感じるトラックもある。キックやスネアドラムと違って、ハイハットでは無限の創造性を発揮できる。

ハイハットに関しては、万能な解決策はありません。ただひとつ心に留めておくべきことは、曲の他のすべての要素のリズムに従うこと、そしてアクセントやグルーヴィーなエフェクトによってドラムに変化を加えることです。

この例では、前のトラック用に作成したドラムループを使ったが、イメージはつかめるはずだ：

メロディーとコード進行

EDMトラックの土台ができたので、次はコードとメロディーを充実させよう。

繰り返しになるが、何も決まっているわけではないが、私がお勧めするのは、以下の点に重点を置き、以下の順序で行うことである：

1) ベースライン。

2) コード

3) メロディ

4) ボーカル（いる場合）

こうすることで、曲のサウンドスケープを一から作り上げることができ、まとまりのある曲を作りやすくなる可能性がある。

言うまでもないが、コード進行と音階の基本的な理解があれば、大いに役立つ。EDMのトラックは一般的に、作曲的には複雑なトラックではないが、それでもまともに聴こえるにはある程度の音楽性が必要だ。

MIDIキーボードをランダムに弾くだけで、象徴的な曲に命を吹き込むことができるかもしれないが、異なる鍵盤の関係を理解することで、作曲に多様性と深みを加えることができ、また、模倣しようとしている世界的なヒット曲により近いサウンドにすることができる。

私のトラックでは、サウンドを豊かにするためにシンセのメロディーをいくつか加えた：

曲の構成

曲の構成に関しては、多くのEDMトラックが似たようなパターンを踏襲していることにお気づきだろうか。

それは、プロデューサーが聴き慣れたレイアウトですぐにリスナーの注意を引きたいからという理由もあるが、クラブで自分の曲をかけてもらいたいのであれば、もうひとつ考慮すべき重要な要素がある。

2つのトラックをミックスする場合、DJは次の曲に切り替える前に曲をブレンドする時間が必要だ。つまり、曲はビートだけでもゆっくり始めて、残りの音のテクスチャーを徐々に導入する必要がある。

曲のエンディングも同様だ。経験則から言うと、冒頭の1分間で曲を作り上げ、もう1分間でビートだけが残るまですべてを削ぎ落とすのが良い練習になる。

多くのプロデューサーがそうしているように、あなたはいつでも曲の2つのバージョンを発表することができる。曲のタイトルにある "Radio Edit "や "Extended Version "という言葉がそれだ。

イントロとアウトロの間に何があるべきかという黄金律はないが、すべてのEDMジャンルでビルドアップとドロップが重要な役割を果たしていることは間違いない。

ビルドアップとはクレッシェンドのことで、曲の中で勢いをつけ、観客にこれから来るドロップへの準備をさせる瞬間である。通常、ビルドアップはキックのないドラム・パートとメロディックなパートを含み、すべてのEDMジャンルに共通する期待感を醸し出す。

ドロップは曲の中で最もエネルギッシュな部分で、メロディやベースライン、リズムが突然変化し、パーカッシブな要素やローエンド・サウンドが聴衆を活気づける。

曲をよりダイナミックにするためには、「ブレイク」や「ブレイクビーツ」とも呼ばれる、エネルギーの高い部分と静かな部分を交互に入れるべきです。ブレイクとは、メロディーやリズム・セクションの動きが少ない瞬間のことで、曲に躍動感を与え、リスナーを惹きつけます。

レイヤー

前のセクションで、私が曲の基本的な構造をどのように作ったかを見ただろう。その曲は、ビート、ベースライン、基本的なメロディ、その他もろもろがあるにもかかわらず、完成にはほど遠いように聞こえる。どうして？

曲のスケッチができたら、次はパーカッシブな要素やメロディックな要素を加えて洗練させ、すべての要素をミックスし、使うすべての音に深みと質感を加える。

他の音楽プロデューサーがやらないような方法で異なる要素を融合させ、独自のサウンド・シグネチャーを作り上げる能力である。

出版前に曲を微調整することは基本的なことであり、あなたの曲をよりプロフェッショナルでクリエイティブなものにしてくれるに違いない。

ここでは、ボリュームの調整とパンニングが重要な役割を果たします。曲のすべての要素がクリアに聴こえ、サウンドステージに特定のスペースがなければなりません。楽器がぶつかり合うと混乱を招き、曲を不快なものにしてしまいます。

できるだけ多くの再生システムで素晴らしいサウンドになるように、さまざまなヘッドフォンやスピーカーで曲を聴いてみてください。このプロセスは、ポスト・プロダクション・プロセスの簡略化にも役立ちます。

プラグイン、エフェクト、サウンドライブラリ

ほとんどのDAWには、音楽制作の世界を始めるために使えるサウンドやエフェクトのライブラリが付属しています。自分のニーズに合ったものを用意し、それらのサウンドやエフェクトを可能な限りベストな方法で使う方法を学ぶことは、アーティストとしてのあなたの道のりの重要な一部となるでしょう。

私のおすすめは、DAWにあるもので始めることだ。使うことのないプラグインやエフェクトでライブラリをいっぱいにするのではなく、今ある数少ないツールを使いこなすことに集中し、必要性を感じてからアップグレードすることです。

ネット上にある無料のライブラリをすべてダウンロードしたくなるかもしれないが、私を信じてほしい。何百ものキック・ドラムがあれば、ビートを構築するたびに、すべての決断に二の足を踏むことになるだろう。

2000年代初頭までの優れた音楽プロデューサーたちは、エフェクトやサウンドの面で現在利用可能なもののほんの一部しか利用できなかったにもかかわらず、時代を超越した楽曲に命を吹き込むことができた。オープンリールテープを買って音楽制作をフルアナログにしろとは言わないが、クリエイティブなワークフローを最大化するために、ライブラリーを最小限に減らすことをお勧めする。

トラックを確定する

EDMトラックのミキシングとマスタリングは、最初は難しいかもしれないが、正しく行えば、この2つのポスト・プロダクション・プロセスは、あなたの曲の美しさを高め、可能な限り最高の方法で聴衆とつながる助けとなる。

音楽のミキシングとマスタリングの概念について深く掘り下げることはしないが、これらのプロセスとそれぞれに期待すべきことを説明しよう。

ミキシングとは、曲のあらゆる要素を混ぜ合わせることで、曲全体がまとまりのある一貫性のあるサウンドになり、すべての楽器がサウンドステージの中でスペースを確保し、結果として心地よいリスニング体験が得られるようにすることだ。

マスタリングは、ラウドネスの面で業界標準に到達するのを助けると同時に、あなたのトラックの特定の要素を強化し、その参照する音楽ジャンルに沿ったものにします。これは音楽制作の最終段階であり、出版前に楽曲に最終的な仕上げを加えます。

あなたが単なる遊びで音楽を制作しているのでない限り、あなたの曲が聴衆に評価され、共有されることを望むなら、どちらのプロセスも基本です。自分で編集し、ポストプロダクションのプロセスを自分で処理することもできますが、あなたのトラックを本当に輝かせることができるプロのオーディオエンジニアがいます。

最終的な感想

それが私がエレクトロニック・ダンス・ミュージックについて知っているすべてだ。

このガイドが、あなたがこのジャンルをより深く理解し、探求する一助となることを願っている。そして、もしこれがEDM音楽制作の世界への第一歩となるのであれば、幸運を祈るとともに、ウルトラ・ミュージック・フェスティバルであなたの曲を聴けることを願っている！