何を言うかではなく、どう言うかだ」という表現を聞いたことがあるだろうか。この原則を楽器の表現に当てはめると、「何を演奏するかではなく、どう演奏するか」ということになる。これと意図的な音選びが、インストゥルメンタルのコンセプトの基本原則なのだ。

音楽におけるインストゥルメンテーションは、作曲に生命と感情をもたらし、あなたがシンガーであれ、プロデューサーであれ、インストゥルメンタリストであれ、ミュージシャンであるために不可欠なものです。以下では、インストゥルメンテーションがどのように機能するのかを説明し、これらの古典的なテクニックを使って、リスナーを惹きつける表現力を高める方法を紹介します。

音楽における楽器編成の定義

インストゥルメンタシオンとは、楽曲の主要なアイデアをサポートするために設計された、楽曲内の音のテクスチャと楽器の特定の組み合わせを指す。最も単純な形では、インストゥルメンタシオンとは、プロデューサーや作曲家が作曲のために選んだ楽器のことを指す。

サウンドや楽器の選択だけでなく、インストゥルメンテーションは、さまざまな要素がどのように表現されるかを語ることもできる：例えば、ビブラートをかけて弾くエレキギターは、クリーンに弾くギターとはまったく異なるフィーリングを生み出します。また、楽器によって周波数帯域も異なるため、インストゥルメンテーションは、複数のサウンドエレメントのオーディオスペクトラルバランスに大きく依存します。

基本的に、インストゥルメンテーションとは、曲のメロディーを支えるバランスの取れたまとまりのあるミックスを作ることを最終目標として、楽器を選び、その強弱を指示することです：

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なぜ計測が重要なのか？

楽器の編成について考えるとき、あなたの頭はすぐにオーケストラ音楽に飛ぶかもしれない。もしある作曲家が、第一ヴァイオリンで奏でられる旋律よりも、低音の声が5倍も強い曲を書いたとしたら、想像できるだろうか？おそらく、この曲はバランスが悪く感じられ、音楽の主旋律を追うのが難しくなると推測できるだろう。

インストゥルメンテーションの背後にある原則は、曲の主旨を尊重し、バランスの取れた、まとまりのある音楽を構築するための枠組みを与えてくれる。たいていの曲は、ドラム、ベースライン、そしてメロディーがすべてをまとめ上げるということに集約できる。インストゥルメンテーションとは、メロディをサポートするための選択であり、メロディを圧倒するものではないと考えれば、私たちは素晴らしい状態にある。

インストゥルメントの素材

では、優れたインストゥルメンテーションはどのようにして作られるのでしょうか？ここでは、すべてのミュージシャンが考慮すべき、インストゥルメントの主な構成要素を紹介します：

サウンドセレクション

インストゥルメントの最大の要素は、音の選択です。音選びは、単に好きな個々の楽器を選ぶということではなく、ある楽器が周波数スペクトルのどこに位置するかという前提知識を持ち（ご心配なく、この点については後述します）、その知識を使って作曲に何を持ち込むかを決めるということに集約されます。

単体でいい音だからといって、それが他の音楽と一緒になってもいい音になるとは限らないので、ある種の妥協をしなければならないかもしれない。メロディーのアイデアをサポートしていないのであれば、その音を消す必要があります。

テクスチャー

テクスチャーとは、音の滑らかさ、ざらつき、反り、連続性などを指す。これらはより主観的な用語だが、重要なのは、様々な楽器の異なるテクスチャーが、作曲の中で演奏されたときに互いにどのように影響し合うかを考えることだ。

ダイナミクス

ダイナミクスは、特に曲の中でラウドネスとソフトネスが時間と共にどのように変化していくかに関連して、何かがどの程度ラウドかソフトかを語る。

アーティキュレーション

アーティキュレーションとは、楽器やボーカルのパートの表現方法のこと。例えば、ボーカルは硬い子音で歌うこともできるし、柔らかい子音で歌うこともできる。

音色

音色とは、楽器のパートが表現される音色のこと。

レンジ

音域とは、周波数スペクトルの最も低い要素から最も高い要素までの距離のことです。楽器の編成は、あなたのトラックの音域、ひいてはファンのリスニング体験に影響を与えます。

ブレンド

ブレンドやバランスは、作曲におけるある音のヴォイシングと別の音のヴォイシングの比率を意味する。優れた楽器編成は、曲のさまざまな要素に一貫したブレンドを生み出す。

インストゥルメンテーションとオーケストレーションの違いは何ですか？

インストゥルメンテーションとオーケストラ音楽は非常に似ていて、どちらも作曲の文脈の中で特定の音や楽器を選択することを意味する。しかし、オーケストレーションはもう少し具体的な用語で、オーケストラ音楽を構築する際の音の選択、一般的にはライブでのセッティングを指します。

それとは対照的に、インストゥルメンタリズムは、より広い範囲の制作と作曲のキュレーション手法を含む、より広い用語である。

例えば、デジタル・オーディオ・ワークステーションで特定のシンセサイザーやドラム・パートを選ぶことは、インストゥルメンタリングの一種と言えるかもしれない。一方、オーケストレーションでは、複数の楽器を扱うことになりますが、弦楽四重奏のサウンドバランスを考えるように、ライブ環境で作業することになります。

さまざまな音は周波数帯域のどこに位置するのか？

バランスの取れた音楽作品を作るためには、楽器や音が一般的に周波数スペクトルのどこに位置するかを基本的に理解していなければならない。

なぜですか？

そうでないと、特定のセクションで過剰になり、貧弱なインストゥルメンテーションになりがちです。参考までに、周波数帯域のどのあたりに楽器が入るかを示しておきます：

ドラム

ドラムの周波数スペクトラムは驚くほど多彩だ。キック・ドラムは最も低く、60～80Hzのあたりで鳴る。スネアとタムは主に周波数スペクトラムの中間に位置し、ハイハットとシンバルの輝きは周波数スペクトラムの上限、5kHz以上にまで広がる。

ストリングス

弦楽器は周波数スペクトルの中音域をカバーするが、弦楽器によってはそれよりも低音域や高音域までカバーするものもある。ベース・ギターやアップライト・ベースは、周波数スペクトルの低域のブーミーな部分をカバーし、バイオリンやマンドリンは高域に伸びて、2.5kHz～5kHzの中域上部の周波数をカバーします。

エレクトリック・ベースは、スペクトルの中域に大きなスペースを占めながらも、低域の周波数帯域の一部を受け持つことができる。

ヴォーカル

ボーカルの音域は個人差がありますが、男性か女性かにもよりますが、一般的には200Hzから15Hz程度とお考えください。男性の声は100 Hzから8 kHzの周波数帯域をカバーできます。女性の声域はもっと広い範囲をカバーできますが、周波数スペクトルの中間に近く、350 Hzから17 kHzの範囲から始まります。

ピアノ、キーボード、シンセサイザー

これらの楽器はすべて、周波数帯域のほとんどをカバーできる、驚くほど多用途なレンジを持っている。超低域のサブ周波数や、5kHzあたりから始まる超高域の周波数をすべてカバーできるわけではない。

しかし、オリジナルのピアノの音域は、キーボードやシンセサイザーのような電子楽器に比べると限られている。ただ、これらのサウンドは幅が広いので、注意して使う必要がある。

オーケストラ楽器の周波数帯域は？

もしあなたが指揮者になる夢を持っているなら、オーケストレーションは、特定の楽器が周波数スペクトルのどこに位置するかを理解することから始まります。以下の楽器の位置関係をよく理解することで、生演奏で優れたバランスを生み出すことができるようになります：

コントラバス

コントラバスは、オーケストラの中でゴロゴロと豊かなサブ周波数を得る場所です。40～300 Hzで、ローエンドの土台となる楽器です。

チェロ

チェロはコントラバスの上に位置し、1kHzまでの低域から中低域を加える。様々な和音のトニック・トーンの輪郭を描くことで、メロディーをサポートすることができる。

フルート

フルートは、明るく、時に癇に障る音で知られ、中音域に位置するが、4kHz付近までの高中音域に及ぶこともある。

ヴァイオリン

ヴァイオリンは、その突き抜けるようなクリアなテクスチャーにより、メロディーを保持し、ミックスの中で際立つことが多い。200Hzから10kHz以上の輝かしいハイトーンまで対応できる。

ピアノ

上記のモダン・プロダクションと同じように、ピアノはほぼ全周波数帯域をカバーできるという点で特別だ。

クラリネット

この温かみのある木製の楽器は、100 Hz～2 kHzの中音域に位置する。

オーボエ

オーボエは鼻にかかったような音色で知られ、オーケストラの中で興味深い質感を提供する。オーボエは250 Hz～4 kHz付近で静止し、主に中音域に生息する。

ホーンズ

ホルンはかなり広い音域を持つ傾向があるが、周波数スペクトルの上中域を最も強く占める。ホーンは非常に表現力が豊かで、派手に演奏しすぎるとバランスを崩しやすいので、注意して演奏してください。

ドラム

DAWのドラムと同様、オーケストラ・ドラムのエレメントは、一緒に演奏すると全帯域をカバーします。キック、スネア、シンバルは、上述と同じレンジです。ティンパニは、50～400 Hzの低域から中域に位置する傾向があります。

現代的な楽器の使い方

クラシック音楽を指揮したり、伝統的な楽器を使ったりすることはないとしても、インストゥルメンツの教えを現代の音楽制作に取り入れることはできます。ここでは、インストゥルメントの原則をデジタル・オーディオ・ワークステーションに取り入れる方法を紹介します：

サウンドの選択とデザイン

オーケストラ音楽や生楽器と同じように、選択するVST、インストゥルメント、そしてサンプルも、最終的なコンポジションに大きな影響を与えます。メロディーのアイデアを最もよく表現するサウンドを優先し、それを中心に構成してください。メイン・アイデア以外のサウンドは、その最初のサウンドを追い越すのではなく、強調するように選択する必要があります。

サウンドレイヤリング

同じ音を重ねてみたり、異なる音で演奏してみたり、同じようなパートを何オクターブにもわたって演奏してみたり。レイヤーを重ねることで、個々のパートがより広く、しっかりと感じられるようになり、ミックスにまとまりが生まれます。ただ、やり過ぎには注意してください。メロディーは常に主役であり続けるべきです。

オートメーション

オートメーションは、リスナーによりダイナミックな体験をもたらし、生楽器の演奏に近い体験をもたらします。ボリューム、フィルター、楽器の各コンポーネントなどのパラメーターを時間をかけて自動化して、よりリアルな演奏表現をあなたの曲にプログラムしてみましょう。

ベロシティとその他のエクスプレッション・パラメーター

演奏してそれをキャプチャーするのではなく、ソフトウエアで音楽を制作することの難しさは、何かを "人間的 "に聴こえさせる演奏の不完全な部分を失ってしまう可能性があることだ。

その一例が、ベロシティ、つまり音符を表現する強さを変えることです。楽器奏者が曲の中でパートを演奏するとき、MIDIパートにデフォルトで組み込まれていることが多いとはいえ、彼らは通常、すべての音を均等に演奏しているわけではありません。時間をかけてエクスプレッション・パラメータをランダム化し、調整することで、ロボット的な感触を減らすことができます。

楽器編成が音楽に命を吹き込む

インストゥルメンタシオンとは、作曲の各要素の音の特徴を理解し、それに応じて選択することであり、あるヴォイシングが他のヴォイシングを完全に圧倒することのない、バランスの取れた作品を作ることが最終目標である。選択した音に込められた表現力は、作品全体の感情を確実に変化させ、インストゥルメンテーションをパワフルでダイナミックなツールにします。

このガイドによって、インストゥルメンテーションの技術をマスターしやすくなったことと思います。あなたが作曲家であれ、プロデューサーであれ、楽器奏者であれ、インストゥルメンテーションを使ってバランスの取れた、よく表現されたコンポジションを作ることを楽しんでください。