音楽制作を始めたばかりの頃は、とても簡単に感じるかもしれない。ドラムを叩いて、コードをいくつか加えて、メロディーを入れれば、レースへの出発だ。しかし、よりプロフェッショナルな領域に足を踏み入れ始めると、物事はもう少し複雑になる。扱い方を知っていれば、サウンドをレベルアップできるテクニックやプロセスがある。

その重要なテクニックのひとつがレイヤリングだ。レイヤリングは、ドラムからヴォーカルまで、プロレベルのプロダクションではどこにでもある。しかし、レイヤリングを正しく行うということは、単に多くのサウンドを組み合わせてベストを目指すということではありません。それなりの戦略が必要なのだ。

この記事では、レイヤリングとは何か、なぜレイヤリングが重要なのか、そして自分の音楽でレイヤリングを効果的に使うための実践的なヒントを紹介する。

音楽制作におけるレイヤリングとは？

では、サウンド・レイヤリングとは一体何でしょうか？簡単に言うと、複数の音を重ねて、より充実した豊かな音を作り出すことです。

さて、これはミキシングと少し似ているように聞こえるかもしれない。しかし、ミキシングがトラックの複数の要素のバランスをとること（レベルやパンなどの調整）であるのに対して、レイヤリングは、より大きな、まとまりのある要素を作るために、特定の部分を強化したり、厚くしたりするために音を重ねる創造的な決断のことである。

例えば、複数のオクターブのシンセを重ねてより充実したパッドを作ったり、異なるキック・ドラムを重ねてロー・エンドにパンチとブームを与えたりできる。

例えば、リード・シンセのラインを作っているとしよう。それだけでは、薄っぺらで一面的なサウンドに聞こえるかもしれない。しかし、その下にもっと繊細な音、たとえばもう少し中低域の存在感のある音を重ねると、瞬時に温かみが加わります。

ここでのゴールは、聴き手が何が起こっているのか指摘することなく、よくできたレイヤーで深み、暖かさ、質感を加えることだ。聴き手は、それがより良い音であることを知るだけだ。

音を重ねる理由

サウンドを重ねることが、あらゆるレベルのプロデューサーにとって最適なテクニックである理由はたくさんある。

最初は少し複雑に感じるかもしれませんが、すぐに試してみるほど、あなたの音楽はより立体的に聴こえるようになります。レイヤーは「高度な」テクニックである必要はない。自然に感じられるようになるまで少し時間がかかったとしても、今すぐにでも始められることなのだ。

レイヤリングの主な利点は以下の通り：

• 新しいテクスチャーの作成：サウンドを組み合わせることで、最初に作ったものとも、これまでに誰もが使ったことのあるものとも全く違うものを作ることができる。例えば、ピアノのようなオーガニックなサウンドとソフトなシンセを重ねることで、オーガニックなエレクトロニック・ミュージックに最適なハイブリッドなテクスチャーを作り出すことができる。
• 奥行きを出す：サウンドによっては、それだけでは平坦に感じてしまうものもあるが、レイヤーを重ねることで、よりボディと奥行きを出すことができる。例えば、深みのあるサブベースとパンチのあるミッドバスを重ねたり、異なるヴォーカルのテイクを1つの大きなテイクにまとめたりすることができる。
• 複雑性を高める: レイヤーを重ねることで、微妙な、あるいはそうでない複雑さを加えることができる。異なるパーカッシブな要素を加えてビートに動きを与えたり、複数のシンセ・ラインをブレンドして進化し続けるサウンドの波を作ったりすることを考えてみてほしい。
• サウンド・エンベロープのシェイピング：各サウンドには、それぞれアタック、ディケイ、サステイン、リリース（ADSR）が設定されています。異なる特性を持つサウンドを重ねることで、例えばアタックが鋭く、リリースが緩やかなサウンドを作ることができます。
• 重要な要素を補強するレイヤーを重ねることで、すでにある要素がより強調されることもある。ヴォーカルをダブらせたり、ベースが多いセクションにキックを追加したり、パッドにストリングスを重ねたりすることで、核となる要素をより際立たせることができる。

ドラムとパーカッションを重ねる

音楽制作においてレイヤリングといえば、特にポップス、ヒップホップ、エレクトロニック・ミュージックなどのジャンルでは、ドラムが真っ先に思い浮かぶことが多いと思う。ドラムを重ねることで、基本的なビートをよりエキサイティングで複雑なものに変えることができるということを、私は早くから師匠から学んだ。パンチや質感、あるいは「力強さ」を求めるのであれば、レイヤリングは最強の味方だ。

例えばスネア。スネアのサンプル1つでは足りないかもしれない。しかし、ミックスに切れ味を出すために、歯切れの良いスネアから始める。そしてその下に、より深く響くスネアを重ねてボディを作り、さらにクラップやホワイトノイズを乗せてテクスチャーを加える。これらの異なるサウンドを重ねることで、それぞれのレイヤー単体よりも太くダイナミックに感じられる1つのスネアが完成する。

もちろん、ドラムのレイヤリングは、ただ音を叩きつけていい音になればいいというものではない。レイヤーの相互作用に注意を払う必要がある。重要なヒントのひとつは、波形を正しく揃えることです。レイヤーしたスネアサウンドが同期していない場合、例えば、片方のトランジェントが他のサウンドの前や後に当たっていると、全体のサウンドがおかしくなってしまいます。正しいサウンドを得るために必要であれば、波形の形状を調整することを恐れないでください。

ダイナミックさを保つもうひとつのコツは、ベロシティを変化させることだ。これは特にハイハットで効果的だ。例えば、ハイハットのレイヤーが2つか3つあるとします。それらをすべて同じベロシティでプログラムする代わりに、各レイヤーのヒット強度を少しずつ調整することができます。

メインのハットはダウンビートで強く打ち込んでリズムを強くし、他のハットはソフトにして微妙な動きやゴーストノートを加えることで、グルーヴがロボットに聞こえすぎないようにする。

キックを重ねるなら、ローエンドとミッドレンジのバランスが鍵だ。

サブ・ヘビーなキックを使えば、深みのあるブーミーなローエンドが得られるが、それだけではパンチが弱いかもしれない。ミッドレンジの存在感があるキックを重ねることで、両方の長所を組み合わせることができる。

ただ、重ねる要素が互いにぶつからないように注意すること。

低域を支配する2つのキックは、ミックスを濁し、位相の問題を引き起こします。

メロディーの要素を重ねる

メロディックな要素を重ねることは、トラックに深みを加える最も簡単な方法のひとつだ。どんなに加工しても、戦略的なレイヤリングと同じ場所にはたどり着けない。

単一のメロディラインもクールかもしれないが、さまざまなサウンドを重ねることで、より生き生きとした充実感のあるサウンドが生まれる。多くのキーボードに、ピアノとストリングスを組み合わせた純正パッチが付属しているのには理由がある。

素晴らしいのは、このアイデアが1つのジャンルに限定されないことだ。

例えばロックでは、ギタリストはリズム・ギターに異なるアンプ・トーンを重ねたり、アコースティック・ギターとエレクトリック・ギターを組み合わせて音を厚くすることが多い。

一方、EDMでは、大きなシンセサイザーのリードにパッドやベースラインを重ね、フェスティバルのような壮大な雰囲気を作り出すことがよくある。クラシック音楽でも、オーケストレーションはレイヤーが重要だ。弦楽器、金管楽器、木管楽器はそれぞれ、私たちが好きな映画音楽で耳にする、重厚で映画のような音の壁を作り出す役割を担っている。

どんなジャンルの音楽を作るにしても、メロディックな要素を重ねるには、スペクトルを埋めるサウンドの適切な組み合わせを見つけることから始まる。ブライトでハイエンドのシンセとウォームでミッドレンジのパッドを重ねて、トラックに輝きとボディを与えるかもしれない。あるいは、ブライアン・メイ風のリード・ギター・ラインにピアノを重ねるなど、同じメロディーを別の楽器で二重にすることもできる。世界はあなたのものだ！

周波数スペクトラムと音の特性の関係

レイヤーが本当に上手になりたいなら、周波数スペクトラムの基本的な理解が必要です。異なるサウンドがスペクトルの異なる部分をどのように占めているかを知れば知るほど、レイヤリングが上手になり、物事を混乱させずに済むようになる。

周波数スペクトルは、すべての音がミックスのどこに収まるかを示す地図であるべきです。ある領域を詰め込みすぎると、すぐに濁ったりキツくなってしまいます。

例えば、キックドラムは主に50～100Hzの低域に位置し、スネアとボーカルは主に中域に位置します。一方、ハイハットや高音のシンセサイザーは、8～12kHzの高音域に位置します。

同じ周波数帯域を支配する2つのサウンドを、互いのスペースを空けずに重ねようとすると、スペースの取り合いになり、雑然としたサウンドになってしまいます。しかし、スペクトルの異なる部分で互いを補い合う音を重ねれば、互いのつま先を踏むことなく、同居させることができる。

これが上手になればなるほど、後で修正するEQや加工が少なくて済む。

周波数コンテンツだけでなく、音色や エンベロープのような音の特性についても考えなければならない。

音色とは、音のトーンやテクスチャーのこと。

例えば、トランペットをバイオリンではなくトランペットらしく聴かせるのはそのためだ。シンセとギターを重ねる場合、それぞれの音色がトラックにユニークなテクスチャーを加えます。シンセの音は明るくシャープで、ギターの音は暖かくオーガニックなトーンかもしれない。これらのサウンドを組み合わせることで、異なる特徴を出すことができる。

音のエンベロープとは、アタック、ディケイ、サスティーン、リリースの振る舞いのこと。

例えば、2つのベース・サウンドをレイヤーするとします。パンチのあるパーカッシブなエッジを出すためにアタックの速い音を選び、サスティーンを加えるためにアタックが遅くリリースの長い音を選ぶとします。

レイヤリング時の位相キャンセル

フェイズ・キャンセルは、私が理解するのに時間がかかった問題のひとつだ。

しかし、すぐに気づいたのは、自分でも気づかないうちに、巧妙だと思っていたレイヤーのいくつかをこっそり台無しにしていたことだった。

2つの音の位相がずれていると、特に低域で波形がぶつかり合い、打ち消し合ってしまいます。音を重ねたときに、ベースやキックのパンチや深みが急に失われたと感じたら、フェイズ・キャンセルが原因である可能性が高いです。

最も簡単な修正のひとつは、レイヤーの位相を反転させてみることだ。

多くのDAWやプラグインには、このための「位相反転」ボタンがあります。位相を反転させるだけで、不思議と消えてしまったローエンドが復活することもあります。

フェーズアライメントプラグインも役立ちます。

これは、レイヤーの波形を並べやすくするためのもので、レイヤーが互いに反作用するのではなく、協調するように設計されています。

独自のレイヤリング戦略

デチューン・レイヤーを追加する

シンセシスにおけるレイヤリングのトリックのひとつに、デチューン・レイヤーを加える方法がある。エレクトロニック・ミュージックで耳にする、大きくて豊かなシンセサイザーの多くは、デチューンされたレイヤーを持っていることが多い。よくあることだ。

すでに持っている音をコピーする。次に、コピーした音を数セント（通常5～20セント）だけデチューンします。こうすることで、2つのレイヤーの間に微妙な（あるいはそうでない）ピッチの違いが生まれます。

オクターブ上または下のレイヤーを追加する

もう1つの楽しいレイヤー戦略は、コードから1つの音を選び、それを1オクターブ上に重ねるというものです。全く新しい要素を加えることなく、アレンジの特定の部分に注意を向けさせたい場合に特に有効だ。

コツは、ルートや5番目など、コードから重要な音を選び、すでに起こっていることを自然に補完し、エンベロープの設定を合わせてみることだ。

また、ベース・パッチでも同じことができ、1～3オクターブほど落としてよりボディを詰めたり、全体にオクターブを何重にも重ねてより深い音の壁を作ることもできる。

一時的な目的のためのレイヤー

本当に好きなサウンドがあるのに、十分にヒットしないことはないだろうか？

シンセのベース・ラインは素晴らしいトーンだが、パンチのあるアタックが足りないかもしれない。もっとアタリのあるものを重ねれば、いつでもキレを出すことができます。例えば、ベースがスムースすぎると感じたら、短いパーカッシブなクリックや、スネアのサンプルを重ねてみてください。そうすることで、すぐにパンチが生まれ、原音の雰囲気を損なうことなくミックスを切り裂くことができます。

サスティーンやリリースでも同じ考え方が通用する。

例えば、いい音で鳴るパッドがあったとして、それがすぐに消えてしまい、トラックが空虚な感じになってしまったとしよう。別のシンセやリバーブのテールなど、リリースの長いものと重ねることで、ミックスでの存在感を高めることができます。

このプロセスを簡単にするプラグインがあります。アタックやサスティーンをシェイプしたいなら、SPL Transient Designerや AbletonのDrum Bussのようなトランジェント・シェイパー・プラグインを使えばいい。

しかし、クリエイティブな気分なら、波形を直接操作することもできます。サンプルのアタックを短くしてパーカッシブなクリック感を出したり、リリースを長くして音の余韻を長くしたり。

ホワイトノイズを加える

ホワイトノイズは、レイヤリングの秘密兵器のひとつで、特に高音域に何か物足りなさを感じるときに、トラックを満たすのに大いに役立ちます。特に、高音域に何か物足りなさを感じるような場合に、トラックを満たすための秘密兵器となる。ホワイトノイズは、他の方法では少し平坦に感じられるようなサウンドに、ちょっとした "空気感 "や "きらめき "を加えるのに最適だ。どんな楽器を扱う場合でも、ホワイトノイズの微妙なレイヤーは素晴らしい効果を発揮します。

さらに、ホワイトノイズの良さは、音色の要素ではないのでチューニングを気にする必要がないことです。

オーガニック録音を追加する

トラックにユニークな風味を与える最もクールな方法の1つは、自分のオーガニック・サウンドを録音してミックスに重ねることだ。

例えば、机を叩く音や指を鳴らす音を録音し、それをドラムと重ねることで、微妙なパーカッシブ要素を加えることができる。また、スマホを持って風の音や足音、ドアのきしむ音などを録音してもいい。

もしかしたら、あなたはギターが得意ではないけれど、その辺にギターが転がっているけれど、トラックでは使っていないかもしれない。ミュートコードをかき鳴らしたり、弦をこすったりして、クールなリズムのテクスチャーを作ってみよう。

オーガニック・レコーディングの素晴らしさは、シンセやサンプルだけでは必ずしも捉えられない予測不可能性が加わることだ。

複製と変調

複製とモジュレーションは、レイヤーと深みを加える最も簡単な方法のひとつです。すでに持っているサウンドをコピーし、そのコピーに少し変更を加えるだけで、ゼロから始めることなく新しいものを作ることができる。

まず、レイヤーしたいトラックやサウンドを複製します。複製ができたら、ピッチを調整したり、少しデチューンしたり、ディレイでタイミングを変えたりすることができます。そこからまたミックスにブレンドします。

おそらくボリュームを調整したり、ステレオフィールドの別の場所にパンしたり、原音とぶつからないようにEQをかけたりしたくなるだろう。

グループでのプロセス

レイヤーをグループとして処理することで、それぞれのレイヤーのサウンドを調和させることができます。たくさんのサウンドをスタックした場合、個々のサウンドは素晴らしいかもしれませんが、時には少しバラバラに感じることもあります。それらをグループやバスに送り、グループ処理を適用することで、すべてを「接着」させ、よりまとまりのあるサウンドにすることができます。

まず、レイヤーしたサウンドをバスに送り、微妙なコンプレッション（ゲインを1〜3dB下げる）をかけます。また、サチュレーションを加えることで、すべてに温かみと個性を与えることができます。ハーモニック・ディストーションを少し加えると、レイヤーがより自然にブレンドされ、さらなる接着剤が加わります。これには、Soundtoys Decapitatorや FabFilter Saturn 2などの素晴らしいプラグインがある。

また、レイヤーした音をすべて同じようなルーム・リバーブに放り込んで、同じ空間感覚を与え、すべてのレイヤーが同じ環境で生活しているように感じさせることもある。

レイヤリングについての最終的な考え

サウンドをレイヤーするときの主な目的は、奥行きを出したり、より面白いテクスチャーを作ったり、トラックにパンチを加えたりすることです。音楽制作においてサウンドをレイヤーする方法はたくさんあり、どのようにアプローチするかはあなた次第だ。Redditにいるような、音を重ねることについての個人的な考えで、何が正しいとか間違っているとか言ってはいけない。

音楽制作に複数のレイヤーを使うことで、あなたが求める豊かなサウンドがどのように得られるか、楽しんでみてください！