작곡은 종종 한계를 확장하는 일입니다. 하지만 한계를 완전히 벗어난다면 작곡은 어떻게 될까요? 다시 말해, 작곡가들의 작품은 더 이상 음악으로 간주되지 않을 수 있을까요?

옥스퍼드 사전에서는 오페라를 " 순수한 멜로디 리듬의 힘이 내러티브 요소와 얽혀 있는 음악 드라마의 한 형태" 로 정의하고 있기 때문입니다. 예를 들어 쇤베르크의 "피에로 루네르"에는 적용되지 않는 것 같습니다. 그럼 계속 "멜로드라마"라고 불러도 될까요? :)

머리말

작곡은 모든 아티스트에게 매우 개인적이고 창의적인 과정입니다. 아티스트마다 각자의 개성과 예술적 비전을 반영하는 고유한 스타일이 있습니다.

창작 과정을 시작할 때 작가는 다양한 요소를 혼합하여 일관된 전체를 만드는 방법을 신중하게 고려합니다. 작가는 구성 스타일을 통해 자신의 미학과 관점을 관객에게 전달합니다.

아티스트의 구도 스타일은 시간이 지남에 따라 개인의 성장과 변화하는 영향을 반영하여 진화할 수 있습니다. 또는 오히려 예술 작품을 탄생시키는 것은 스타일과 구성의 융합입니다. 그리고 각 작품에는 아티스트의 영혼과 전 세계가 해석할 수 있는 독특한 메시지가 담겨 있습니다.

훌륭한 음악 작곡가들은 항상 자신의 생각과 경험을 음악적 걸작으로 승화시키는 독특한 능력을 가지고 있었습니다. 오늘날 현대 작곡가들은 음악적 표현의 경계를 계속 넓혀가고 있습니다.

서양 음악은 어떤 의미에서 음조 중심으로 정의되었습니다. 무조에서 작곡가는 특정 음계 내에서 작업해야 하는 제약과 그에 따른 기대치에서 벗어날 수 있습니다.

전통적인 음조 하모니의 계층 구조를 무시하고 음계의 12개 음을 모두 동일하게 사용할 수 있습니다.

무조성에서 정의된 키가 없기 때문에 독특하고 혁신적인 작곡을 위한 길을 열었습니다.

클래식 음악

서양 클래식 음악에는 음조(또는 음조 중심, 변조가 발생하는 경우)가 정의되어 있습니다.

강한 조의 중심은 거의 모든 클래식 작곡에서 찾아볼 수 있습니다. 예를 들어, 매우 유명한 베토벤 교향곡 9번에서 D단조의 키는 '닻'의 역할을 합니다.

이 예는 작곡가들이 음악적 응집력과 해상감을 만들기 위해 음계 중심이라는 개념을 어떻게 사용하는지 보여줍니다. 그렇다고 반음계가 클래식 음악의 기본 요소가 아니라는 뜻은 아닙니다. 사실, 정반대입니다!

클래식 작곡에서 반음계 음계를 사용하면 풍부하고 표현력 있는 음악적 색채 팔레트를 만들 수 있습니다. 선택의 폭이 넓어져 클래식 작품에서 복잡한 하모니와 박진감 넘치는 구절을 표현할 수 있습니다.

기능적 코드

온음계 음계에 관한 글 에서 언급했듯이 화음을 구성하는 요소에 대한 개념은 시대에 따라 진화해 왔습니다. 음조 음악은 이를 보다 엄격하고 구조적으로 정의합니다.

코드 기능의 개념은 진행 및 화성 케이던스를 통해 정의되는 코드의 상호 관계와 밀접한 관련이 있습니다.

그러나 하나의 코드가 기능적으로도 멜로디를 뒷받침하는 구조를 제공할 수 있습니다. 따라서 모든 것은 작곡가의 기술과 의도에 달려 있습니다.

숙련된 작가는 다양한 음악적 맥락을 가정하여 하나의 화음을 통해 다양한 분위기를 연출할 수 있습니다. 화음을 통해 자신을 표현하는 법을 배우는 것은 음악적 예술성을 향한 중요한 단계입니다!

고전주의를 넘어서

20세기 초, 알렉산더 스크리아빈과 이고르 스트라빈스키 같은 사람들은 전통적인 온음계 음계에서 벗어나 음악을 묘사하기 시작했습니다.

표현주의 작품들은 기존의 음조를 포기한 화음, 음계, 화음을 사용하여 표현적인 색채주의를 수용했습니다.

그들의 곡을 들어보면 그들이 얼마나 뛰어난 작곡가였는지 알 수 있습니다. 그들의 강렬한 코드 진행과 멜로디는 듣는 사람의 기대에 도전했습니다.

시작

상황이 더욱 발전함에 따라 혁신적인 아이디어는 기능적 조화의 마지막 남은 제약에 도전했습니다.

전통적인 접근 방식에서 벗어난 이 방식은 기존 코드 구조의 관점에서 볼 때 연속되는 코드가 불협화음과 단절감을 유발했습니다.

아놀드 쇤베르크는 무조성과 기타 여러 실험적인 기법을 도입하여 경계를 더욱 넓혔습니다. 당시 '쇤베르크 스타일'은 너무 전위적이어서 일부에서는 이를 음악이라고 생각조차 하지 않았으며, 그의 노력은 전형적인 패러다임 전환의 예가 되었습니다.

그의 자유로운 무조성은 전통적인 화성 개념이 정확히 무엇을 구성하는지에 대해 엄격하지 않고 완전히 버려야 한다고 주장했습니다. 이는 무조 작곡가가 모든 전통적인 규칙을 깨는 데만 집중하는 것일까라는 의문을 제기합니다.

무성의 미학

일반적인 생각과는 달리 무조성은 '반조성'에 관한 것이 아닙니다. 무조는 일련의 독립적인 원칙입니다. 화성 케이던스는 "금지된" 것이지만 무조 작곡가들은 음악이 얼마나 비조적인지에 따라 미학을 결정하지 않습니다.

전통적인 음색 중심이 없다는 것은 실제로 무조 작품의 특징입니다. 무조 작품에서 작곡가는 의도적으로 홈 키를 설정하지 않기 때문에 다양한 코드 구조가 역동적으로 표현됩니다.

이러한 원칙은 훗날 제2 비엔나 학교로 알려진 것을 탄생시켰습니다. 아놀드 쇤베르크는 일찍이 자신의 미학적 포인트를 보여주기 위해 피에로 루네르를 작곡했고, 그의 제자 알반 버그와 안톤 베베른은 피아노곡과 모음곡을 작곡하기 시작했습니다.

특히 피아노 곡은 음악적 초점이 완전히 달랐습니다. 오른손은 멜로디를 연주할 때나 주요 박자의 지나가는 음을 연주할 때 "날아다니는" 것이 아니었습니다. 그보다는 음정과 구조에 더 중점을 둔 곡들이었고, 주요 건반은 은퇴를 선언했습니다.

네, 무조 음악에서는 기교(또는 손재주)가 덜 중요해집니다. 베른과 베르크는 스승이 제공한 것을 바탕으로 계속 발전해 나갔고, 더 많은 문체를 발전시켰습니다.

정점 연도

직렬 음악은 자유로운 무조 음악에서 크게 벗어나면서 등장했습니다. 이 음악은 12음 기법 또는 톤 행에 의존하며, 작곡 전체에 걸쳐 멜로디 순서와 연속된 코드를 결정합니다.

당시 "직렬주의"라고 불렸던 이 작곡 기법은 제2 비엔나 학교의 작품을 통해 명성을 얻었습니다. 작곡가들의 추진력은 획기적인 무조 작품의 탄생으로 이어졌습니다.

앞서 언급한 알반 베르크와 안톤 베베른 등 쇤베르크의 제자들은 연쇄주의 운동의 선두에 섰습니다.

그들은 작곡을 조직하기 위해 엄격한 수학적 구조를 사용하기 시작했습니다. 그들의 무조 작품은 종종 목표를 달성하기 위해 앞서 언급한 12음계 행을 활용했습니다.

이 시스템은 반음계에서 12개의 음을 모두 사용해야 하지만, 단 한 옥타브도 사용하지 않고 전통적으로 정의된 음조 멜로디와 닮은 점이 없어야 했습니다. 여기에 더해 '행'은 음의 반복 없이 개발해야 한다는 과제를 더했습니다.

그 결과 무조 음악, 특히 보컬 파트가 있는 무조 곡은 연주자에게도 매우 어려운 곡이 되었습니다. 기능적인 화성 참조가 없기 때문에 경험이 적은 보컬리스트는 특별한 연습을 하거나 심지어 자신의 파트를 외워서 배워야 하는 경우가 많았습니다.

시리얼리즘의 영향은 현대 클래식 음악계에 지속적인 영향을 남겼습니다. 무조곡은 작곡에 있어 더 많은 실험을 할 수 있는 길을 열어주었습니다.

비 비엔나

무조 음악이 비엔나 또는 일반적으로 서양과만 관련이 있다는 결론에 도달하는 것은 실수입니다.

세르게이 프로코피예프는 이러한 개념을 독자적으로 탐구하여 특히 전통적인 오페라 구조에 도전하는 작품을 만들었습니다. 그는 스크리아빈과 스트라빈스키가 확립한 토대 위에 계속해서 작품을 만들었습니다.

알반 베르그의 오페라 <워즈체크>처럼 그의 작품에서는 멜로디와 리듬이 더욱 독립적이고 복잡해지면서 주요 구조적 요소가 해체되는 것을 볼 수 있습니다.

아이러니하게도 자유 무위성은 연쇄주의 이전과 이후에는 무위성이 덜 엄격했기 때문에 시작과 끝이 모두 자유 무위성이라고 볼 수 있습니다.

하지만 프로코피예프, 쇼스타코비치, 심지어 라흐마니노프 음악의 특정 부분이나 발췌곡은 어떤 의미에서 "자유로운 무조"입니다.

Jazz

찰리 파커 이후 모든 재즈 뮤지션들은 말 그대로 음의 중심을 확장하는 방법, 즉 '키를 재정의하는 방법'에 집착했습니다. 그 결과 쿨 재즈와 모달 재즈가 탄생했습니다.

얼마 후 허비 행콕은 현대 클래식 음악과 재즈 장르의 융합을 탐구했는데, 이는 그의 혁신적인 정신에 따른 필연적인 결과였습니다. 그는 리듬을 멜로디와 떼려야 뗄 수 없는 파트너로 여기며 획기적인 곡을 만들었습니다.

이러한 멜로디 리듬의 긴장감에 대한 실험은 20세기 새로운 음악 발전의 주요 결정 요인 중 하나가 되었습니다.

여파

무조 음악은 음조 음악이나 기능적 하모니를 종식시키지 않았습니다. 오히려 개념, 화음, 화음의 중심을 정의하는 요소, 화음을 구성하는 요소 등을 재정의했습니다.

오늘의 음조 음악

현대의 기능적 하모니는... 음... 풍부하게 들립니다 (최소한으로 말하자면). 미학은 무조 음악의 피치 클래스와 톤 중심을 모두 허용합니다.

오늘날의 음조 음악에는 무조 음악도 포함될 수 있고, 실제로도 있습니다. 또는 무조 음악의 '닮은꼴'일 수도 있고, 무조 음악의 영향을 엿볼 수도 있습니다. 음악은 음악이고 핵심은 작곡가의 아이디어에 있기 때문에 이는 당연한 일입니다.

오늘의 무조 음악?

같은 맥락에서 무조 음악은 무조 음악입니다. 그리고 '현대 무조 음악'과 같은 명칭을 사용하지는 않지만 현대 무조 음악도 존재합니다.

아놀드 쇤베르크와 그 이전의 모든 학교는 오늘날의 학교와 크게 다릅니다. "피에로 루네르"는 오늘날의 무조 음악과 비교할 수 없습니다. 하지만 펜데레츠키의 "히로시마 희생자를 위한 진혼곡"과도 비교할 수 없으며, 이는 쇤베르크가 죽은 지 불과 10년 후에 나온 곡입니다...

중요한 것은 쇤베르크의 무조 음악이 음악계에 새로운 아이디어를 가져왔다는 점입니다. 특히 영화나 연극 음악에 유용한 핵심 아이디어가 바로 그것입니다. 그리고 예: 오늘날 모든 사람들은 쇤베르크의 작품이 음악이었으며 앞으로도 그럴 것이라는 데 동의합니다!