냄새를 맡으면 알 수 있습니다. 펑크는 거침없이 문을 걷어차는 장르입니다.

방금 고약한 냄새를 맡은 것처럼 얼굴을 찌푸리게 하고, 뇌가 항의할 틈도 없이 몸을 움직이게 하는 소리입니다. 등골을 오싹하게 만드는 베이스라인, 펀치처럼 내리치는 스네어 드럼, 주의를 요구하는 보컬이 바로 그것입니다. 예의에 어긋나지 않기에 더욱 매력적입니다.

1960년대 땀에 젖은 클럽에서 탄생한 펑크는 리듬과 블루스에 약간의 소울 스웨거를 가미해 폭발적으로 성장했고, 그 후로도 결코 뒤돌아보지 않았습니다. 펑크는 지저분하고 예측할 수 없으며 전적으로 느낌에 기반을 두고 있습니다. 당시의 팝 음악과 달리 깔끔한 멜로디나 딱딱한 곡 구조에 기반을 두지 않았습니다.

대신 펑크는 그루브를 숭배했습니다. 당시 록이 가죽 재킷을 입은 반항이었다면, 펑크는 플랫폼 부츠와 스팽글, 망토를 입은 반항이었습니다.

수십 년에 걸친 진화를 통해 펑크 음악은 단순한 장르 이상의 의미를 갖게 되었습니다. 하나의 선언입니다. 가만히 앉아 있기를 거부합니다. 흑인의 창의성, 공동체의 에너지, 리듬의 원초적인 힘을 찬양하는 음악입니다. 연주하는 것만큼이나 연주하지 않는 것도 중요합니다. 음표와 음표 사이의 공간입니다. 포켓. 맥박.

이 심층 분석에서는 제임스 브라운의 가스펠에서 그루브로의 변신부터 조지 클린턴의 은하계 간 의회-펑카델릭 신화, 슬래핑 베이스 기타의 전설부터 현대 밴드캠프 부흥사에 이르기까지 펑크의 더러운 뿌리를 추적해 보려고 합니다. 펑크 노래가 펑키한 이유, 펑크 사운드를 정의한 사람, 펑크가 대중 문화를 어떻게 장악했는지, 그리고 오늘날에도 펑크가 여전히 사랑받는 이유를 분석해 보겠습니다.

자, 이제 플레어 팬츠의 끈을 묶고 "Maggot Brain"을 켜고 그 향기를 따라가 봅시다. 이건 펑키하고 펑키한 이유가 있습니다.

펑크란 정확히 무엇인가요?

앞서 말했듯이 펑크는 단순한 장르가 아닙니다. 그것은 느낌입니다.

음악적으로 펑크 노래는 리드미컬한 그루브를 기반으로 합니다. 처음에는 멜로디와 하모니가 주로 주도권을 잡던 서구 팝 전통의 틀을 뒤집고 그루브가 스포트라이트를 받았습니다.

펑크 노래에서는 모든 것이 가슴에 펀치처럼 떨어지는 박자의 첫 번째 비트 또는 다운비트인 1 박자를 중심으로 전개됩니다. 제임스 브라운은 모든 박자의 첫 박자에 집중함으로써 '원 박자 강조'라는 특징을 개척한 것으로 널리 알려져 있습니다. 이것이 바로 퓨어 펑크가 댄스 음악과 매우 흡사한 이유입니다.

펑크 음악을 펑키하게 만드는 또 다른 요소는 무엇일까요?

펑크의 소닉 DNA:

• 신코페이션 베이스라인 - 펑크 베이스라인은 예측 가능한 다운비트를 고수하는 대신 비트에 맞춰 춤을 추고, 오프비트를 치고, 음표 사이로 미끄러지며, 예상치 못한 리듬을 연주합니다. 이를 싱코페이션이라고 하며, 펑크 특유의 통통 튀는 느낌을 주는 요소입니다. 부티 콜린스가 주머니를 들락날락하는 모습을 상상해 보세요.
• 콜 앤 리스폰스 보컬 - 리드와 관중, 가수와 밴드 사이의 대화입니다. 공동적이고 긴박하며 전기적인 느낌입니다.
• 혼 스탭과 들쭉날쭉한 기타 - 펑크 음악에서는 날카로운 기타 솔로를 찾아볼 수 없습니다. 그 대신 타이트한 16음 스트럼, 음소거된 플럭, 와-와 슬랩과 같은 긁어대는 타악기 리듬을 발견할 수 있습니다. 이러한 리듬은 멜로디보다는 질감을 강조하기 위한 것입니다. 호른은 짧고 날카로운 폭발과 매우 타이트한 멜로디 라인으로 연주되기도 합니다.
• 주머니 속의 드럼 - 펑크에서 드럼 연주는 플래시보다 그루브가 더 중요합니다. 하지만 그렇다고 해서 주저하는 것은 아닙니다. 펑크 드러머는 의도적으로 리듬을 타이트하고 싱크로율 높은 리듬을 내려놓으며 깊숙이 파고듭니다.

펑크 대 뮤지컬 가계도:

• R&B - 펑크 음악에 뿌리를 두고 있지만 R&B는 더 부드럽고 멜로디가 풍부합니다.
• 소울 - 감정적인 무게감과 보컬의 화력을 가져왔지만 펑크는 더 거칠고 리드미컬하게 만들었습니다.
• 디스코 - 펑크의 베이스와 그루브를 빌려왔지만 다듬고 반짝임을 더했습니다.
• 록 - 펑크는 뒷문으로 숨어들었습니다. 레드 핫 칠리 페퍼스와 프린스는 록 장르의 펑크 뮤지션의 좋은 예입니다.

펑크의 뿌리 - 가스펠에서 그루브까지

펑크가 지붕을 찢어버리기 전에는 객석에서 흥얼거리고 들판에서 고함을 지르던 음악이었습니다.

이 장르는 갑자기 생겨난 것이 아닙니다. 아프리카계 미국인 음악, 특히 가스펠의 원초적인 감정과 리드미컬한 강렬함이 그 DNA에 고스란히 담겨 있습니다.

19세기에는 많은 남부 흑인 교회에서 핸드클랩, 콜 앤 리스폰스 보컬, 발로 밟는 리듬에 의존해 영혼을 움직였습니다. 이 같은 전기가 훗날 펑크의 심장 박동이 되었습니다.

디딤돌로서의 R&B와 소울

1950년대에 들어서면서 R&B와 소울은 가스펠과 블루스의 주류 음악으로 발전했습니다. 레이 찰스 같은 아티스트는 교회 음악을 팝 음악에 도입했고, 샘 쿡은 부드러운 보컬로 자신만의 스타일을 더했습니다.

이 아티스트들은 세련되었지만 여전히 개인적인 음악을 만들었습니다. 여러 면에서 이들은 미국에 그루브에 기반한 스토리텔링의 힘을 소개했습니다. 물론 펑크는 더 깊고, 더 지저분하고, 더 지저분해지기를 원했습니다.

펑크 음악의 대부, 제임스 브라운을 만나보세요.

펑크 음악을 이야기할 때 제임스 브라운을 빼놓을 수 없죠. "Please, Please, Please"(1956)와 "Try Me"(1958)와 같은 그의 초기 히트곡은 열정과 고통으로 가득 찬 직설적인 소울이었습니다. 하지만 60년대에 들어서면서 변화가 생겼습니다. 브라운은 리듬을 무기화하기 시작했습니다.

이러한 변화는 1964년 브라운이 "하나"를 강조하기 시작한 "Out of Sight "에서 절정에 달했습니다. 그는 불협화음을 없애고 리듬을 집결하는 외침으로 바꿨습니다. 드럼이 중심이 되고 베이스라인이 움직이며 호른 편곡은 콜 앤 리스폰스 스타일로 보컬을 강조했으며, 보컬은 사람들이 익숙한 것보다 조금 더 거친 느낌으로 조금 더 세게 잘랐습니다.

그리고 바로 그때부터 펑크 (체취, 날것, 여과되지 않은 진짜를 뜻하는 속어)라는 단어가 이 새로운 사운드를 완벽하게 설명하는 단어로 자리 잡기 시작했습니다. 펑크 음악은 악취가 났고, 바로 그 점이 포인트였습니다.

흑인 커뮤니티에서 '펑키 '는 오랫동안 다듬어지지 않았지만 강력하고, 소박하지만 일렉트릭한 것을 의미했으며, 브라운의 음악은 그 정신을 구현했습니다.

1965년 '파파스 갓 어 브랜드 뉴 백' 이 히트할 무렵, 변화는 이미 완성되었습니다. 펑크 밴드는 모타운의 세련미와 팝의 구조로부터 독립을 선언했습니다. 그리고 1968년 ' 라이브 앳 더 아폴로 '가 발표되면서 펑크는 리듬과 원초적인 신경이 살아있는 영적 경험임을 증명했습니다.

제임스 브라운은 펑크 음악을 발명했을 뿐만 아니라 펑크 음악이 되었습니다. 그리고 그렇게 함으로써 그는 다시는 닫히지 않을 문을 열었습니다.

펑크 트리니티: 브라운, 슬라이, 클린턴

펑크가 종교라면(그리고 우리 중 일부에게는 종교이기도 합니다), 그 성스러운 삼위일체는 제임스 브라운, 슬라이 스톤, 조지 클린턴이 될 것입니다.

제임스 브라운 - 펑크의 대부

제임스 브라운 이전에는 리듬이 박자를 유지했습니다. 제임스 브라운 이후에는 리듬이 주도권을 잡았습니다. 그는 누구도 따라올 수 없는 무대를 지휘했습니다. 그는 메트로놈을 든 장군처럼 자신의 밴드를 조율했고, 노래 중간에 명령을 내리고 콘크리트를 깨뜨릴 수 있는 다운비트를 기대했습니다. 그의 밴드의 모든 연주자는 완벽하게 맞춰진 그루브 기계의 톱니바퀴와도 같았습니다. "그 사람"을 놓치셨나요? 그 자리에서 벌금이 부과될 수 있습니다.

브라운은 펑크를 규율로 바꿨습니다. "I Got You (I Feel Good)" 와 "Get Up (I Feel Like a) Sex Machine" 과 같은 트랙은 이 장르를 경전으로 만들었습니다.

그리고 현대 리듬의 로제타 스톤이라 할 수 있는 '펑키 드러머 '가 있습니다. 이 트랙의 클라이드 스텁필드의 드럼 브레이크는 너무 많이 샘플링되어서 자체적으로 퍼블리싱 계약을 맺은 것이나 다름없을 정도입니다. 힙합에서 일렉트로닉에 이르기까지 펑크의 DNA는 그 기원을 훨씬 뛰어넘어 널리 퍼져 있지만, 브라운의 지문은 언제나 기름지고 찬란하게 남아 있습니다.

슬라이와 패밀리 스톤 - 펑크-유토피안들

브라운이 화염과 정밀함을 선사했다면 슬라이와 패밀리 스톤은 색채와 혼돈, 화려하고 사이키델릭한 혼돈을 선사했습니다. 슬라이 앤 더 패밀리 스톤은 호른 섹션이 있는 선언문과도 같았습니다. 인종과 성별이 통합된 이들의 라인업은 그들의 사운드만큼이나 대담했습니다.

"Everyday People" 의 밝은 낙관주의부터 "Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)" 의 투지와 그라인드에 이르기까지 슬라이 앤 더 패밀리 스톤은 가스펠 하모니, 흐릿한 기타, 날카로운 사회적 논평을 근본적으로 유쾌한 것으로 융합시켰어요. 스탠드(Stand! ), 폭동이 일어나고 있다( There's a Riot Goin' On) 같은 앨범에서는 그루브가 느슨하고 정치적인 내용이 예상보다 날카로우며 에너지가 넘쳤습니다.

그리고 슬라이 앤 더 패밀리 스톤의 비밀 무기인 래리 그레이엄이 있습니다. 그는 앰프를 부수고 현을 두드려서 강조할 수 있다는 사실을 깨달은 후 슬랩 베이스를 발명했습니다. 이 한 번의 '사고'는 베이스 연주를 영원히 바꿔놓았고 펑크 음악을 가슴을 울리는 음악으로 바꿔놓았습니다. 래리도 없고, 부시도 없습니다. 부시가 없으면 펑크도 없죠. 어떻게 작동하는지 아시겠죠?

조지 클린턴 - 우주 건축가

제임스 브라운이 훈련병 상사, 슬라이 스톤이 혁명가라면 조지 클린턴은 신디사이저, 베이스라인, 스타차일드, 노즈 보이드오펑크 경 같은 이름의 캐릭터로 태양계 전체를 디자인한 미친 교수입니다.

클린턴의 국회와 펑카델릭은 세련되고 경쾌한 음악과 사이키델릭하고 마음을 녹이는 음악이라는 펑크의 동전의 양면과도 같았습니다. 이들은 함께 우주 오페라 같은 콘셉트 앨범을 발표했습니다. Maggot Brain (1971)은 감성적인 기타 오디세이를, Mothership Connection (1975)은 말 그대로 펑크로 구동되는 우주선에 청취자를 초대했고, One Nation Under a Groove (1978)는 성간 집회의 외침이 되었습니다.

베이스 기타의 부시 콜린스 (록킹 스타 모양의 선글라스와 무릎 높이의 반짝이 부츠)와 건반의 버니 워렐 (교회 오르간 같은 무그를 사용)과 함께 클린턴은 펑크가 정치 운동이자 패션 선언, 우주적 탈출구가 되는 세계를 창조해냈습니다.

펑크의 해부학

펑크는 다른 장르와는 다릅니다. 펑크는 모든 악기가 모터의 기어처럼 맞물려 움직여야 하는 살아 숨 쉬는 그루브 머신입니다. 펑크 음악을 독특하게 만드는 요소를 분석해 보겠습니다:

베이스 기타

펑크 베이스 연주자는 일반적으로 승객이 아닌 노래의 드라이버입니다.

부시 콜린스의 우주적인 쿵쿵 소리부터 자코 파스토리우스의 재즈 퓨전 에지, 레드 핫 칠리 페퍼스의 플리의 뺨을 때리는 행복한 폭발음까지, 베이스 라인은 종종 트랙에서 가장 기억에 남는 부분입니다. 싱크로율과 멜로디, 때로는 직설적인 펑크 베이스 연주자들은 보통 조연에 불과한 베이스라인을 주연으로 바꿔놓습니다.

드럼

훌륭한 펑크 드러머는 화려하지 않고 외과적입니다. 마법은 '포켓'에서 일어나는데, 이는 드래그 없이 여유로운 완벽한 타이밍의 그루브입니다. 스네어의 고스트 노트, 타이트한 하이햇 연주, 그리고 앉아서 연주하는 백 비트가 바로 그것입니다. 목표는 자신도 모르게 몸을 움직이게 만드는 것입니다.

기타

80년대 헤어 메탈이나 재즈의 복잡한 화음은 잊어버리세요. 펑크 기타는 타악기적이고 미니멀하며 완전히 필수적입니다. 제임스 브라운의 기타리스트 지미 놀렌의 기타처럼 치킨 스크래치, 척킹 사운드가 그루브를 채우고 하모니를 더합니다.

뿔

펑크 음악에서 호른 섹션은 일반적으로 멜로디나 지속성보다는 리드미컬하고 강조하는 역할을 합니다. 재즈나 소울 발라드에서처럼 긴 음이나 솔로를 유지하는 대신 펑크 호른은 종종 그루브의 악센트를 강조하는 짧고 싱코프한 버스트를 전달합니다.

종종 3부 또는 4부 하모니로 연주되는 이러한 스탭은 리듬 섹션과 상호 작용하여 그루브를 강화하고 역동적인 변화를 더합니다. 일반적인 금관악기에는 트럼펫, 트럼본, 색소폰 등이 있습니다.

키 및 신디사이저

키보드와 신디사이저는 밴드마다 연주 방식이 다르지만 펑크 곡에서도 중요한 역할을 합니다. 타악기와 현악기 같은 소리를 내는 호너 클라비넷은 1970년대에 펑크의 필수품이 되었습니다. 가장 상징적인 사용 사례 중 하나는 스티비 원더의 "Superstition"으로, 클라비넷이 곡의 중심 리프 역할을 담당했습니다.

클라비넷 외에도 펜더 로즈와 같은 일렉트릭 피아노와 미니모그와 같은 아날로그 신디사이저가 질감과 분위기를 더하는 데 자주 사용되었습니다. 허비 행콕(예: "카멜레온" )과 같은 아티스트는 펑크 그루브와 재즈 하모니 및 신디사이저 실험을 혼합했고, Parliament-Funkadelic의 버니 워렐은 "플래시 라이트" 같은 트랙에서 레이어드 신스 리드와 공간감 있는 효과로 경계를 허물었습니다.

보컬

펑크 보컬은 기술적인 기교보다 리듬, 에너지, 관중 참여에 우선순위를 둡니다. 펑크 가수는 종종 구어체 구절, 그르렁거리는 소리, 리드미컬한 외침, 콜 앤 리스폰스를 사용하여 밴드와 청중 모두와 소통합니다.

이러한 접근 방식은 가스펠과 필드 홀러를 포함한 아프리카계 미국인 음악 전통에 뿌리를 두고 있으며, 제임스 브라운과 같은 아티스트에 의해 펑크에서 대중화되었는데, "Get Up Offa That Thing "이나 "I Got the Feelin'" 의 보컬은 종종 밴드의 리듬 신호로 사용되기도 했습니다. 슬라이 스톤은 대화하듯 다층적인 보컬 스타일로 진화했고, 차카 칸은 "Tell Me Something Good"과 같은 펑크 곡에서 파워와 즉흥적인 감각을 결합했습니다 .

펑크 밴드의 부상과 70년대 폭발적 인기

1970년대 초, 펑크는 땀을 뻘뻘 흘리는 클럽과 타이트한 스튜디오 펑크 밴드의 시작을 뛰어넘었습니다. 펑크는 점점 더 커지고, 대담해지고, 거침없이 화려해지며 진화하고 있었습니다. 펑크 집단이 탄생했고, 아레나 투어, 우뚝 솟은 호른 섹션, 조화로운 댄스 동작, 경기장을 가릴 만큼의 스팽글이 등장했습니다.

어스, 윈드 앤 파이어와 같은 그룹은 펑크와 재즈, R&B, 심지어 클래식의 영향을 융합했습니다. '샤이닝 스타 ', '넵튠 ' 등 이들의 히트 펑크 곡은 단순히 귀에 쏙쏙 들어오는 것만이 아니었습니다. 혼과 영적인 낙관주의로 가득 찬 우주적인 분위기가 느껴졌죠. 그들의 공연은 칼림바와 피라미드 무대 세트로 완성된 콘서트이자 성간 경연 대회였습니다.

한편, 원래 소울과 R&B를 연주하던 이슬리 브라더스는 70년대에 "Fight the Power" 와 "That Lady" 와 같은 트랙으로 그들의 유연성을 과시하며 거친 펑크 그루브를 두 배로 강화했습니다. 정치, 관능미, 헨드릭스에서 영감을 받은 기타 퍼즈를 결합했습니다.

오하이오 플레이어스는 쾌락주의에 더 집중하여 "Fire" 와 "Love Rollercoaster "와 같은 히트곡을 느리게 연주하는 베이스 기타 라인과 눈썹을 찌푸리게 하는 앨범 커버로 많은 사람들의 이목을 집중시켰습니다.

그리고 웨스트 코스트의 펑크 호른 섹션의 거인 타워 오브 파워가 있었죠. "What Is Hip?", "Soul Vaccination "과 같은 펑크 곡으로 수많은 소울 및 펑크 밴드의 청사진이 된 타이트하고 신나는 브라스 히트곡을 선보였습니다.

펑크는 음악을 넘어 하나의 문화 운동이 되었습니다. 아프로, 벨보텀, 플랫폼 슈즈, 골드 라메는 정체성, 자부심, 가시성에 관한 것이었습니다. 펑크 아티스트들은 흑인 파워의 이미지, 성적 자유, 화려한 반항을 모두 같은 복장으로 표현했습니다.

소울 트레인, 블락스 착취 사운드트랙( 예: 커티스 메이필드의 '슈퍼플라이' ), 미국 전역의 동네 블록 파티에서 펑크 음악이 흘러나오는 것을 들을 수 있습니다.

헨드릭스 & 펑크록 크로스오버

지미 헨드릭스를 빼놓고는 펑크의 진화를 이야기할 수 없습니다. 헨드릭스는 보통 '록의 신'으로 불리지만, 펑크라는 장르가 생기기 훨씬 전부터 리듬감 넘치는 음악적 감성을 지니고 있었습니다.

이러한 융합은 헨드릭스가 베이시스트 빌리 콕스와 드러머 버디 마일스와 함께 단명했지만 엄청난 영향력을 발휘한 트리오 밴드 오브 집시즈(Band of Gypsys)를 결성하면서 본격화되었습니다. 이들의 1970년 라이브 앨범은 더 느슨하고, 더 그루브하고, 더 정치적인 헨드릭스의 새로운 모습을 담아냈습니다. "Who Knows "와 불타는 "Machine Gun" 과 같은 펑크 곡은 군용 기타 이펙트와 가정적인 리듬 그릿을 혼합한 원초적인 펑크 록의 청사진이었습니다.

특히 "Machine Gun"은 신화적인 지위를 누릴 만합니다. 12분이 넘는 이 곡은 헨드릭스가 기타로 헬리콥터, 총소리, 영혼의 고뇌를 흉내 내며 펑키한 리듬에 맞춰 연주하는 시위 찬가이자 소닉 멜로디입니다.

조지 클린턴의 펑카델릭의 리드 기타리스트이자 헨드릭스의 정신적 후계자라 할 수 있는 에디 헤이즐을 소개합니다. 1971년 트랙 "Maggot Brain" 에서의 그의 연주는 펑크를 감성적이고 실험적인 영역으로 더 깊이 밀어 넣은 울음 섞인 굴곡과 폭발적인 음색으로 가득한 10분짜리 기타 엘레지입니다.

펑크 기타는 결코 뒤돌아보지 않았습니다. 갑자기 펑크 음악에는 와 페달, 피드백, 페이저, 퍼즈 박스가 등장했고, 리드미컬한 '치킨 스크래치' 그루브와 우주적인 질감, 전자 악기가 혼합되었습니다. 프린스에서 레드 핫 칠리 페퍼스에 이르기까지 그 파급 효과는 오늘날에도 여전히 이어지고 있습니다.

샘플링, 힙합, 그리고 모던 리바이벌

펑크는 결코 떠나지 않았습니다. 단지 뒤집어지고, 반복되고, 새로운 헤어스타일을 갖게 되었을 뿐입니다.

펑크 음악은 현대 힙합에 큰 영향을 미친 음악 중 하나예요. 제임스 브라운의 그루트, 드럼 브레이크, 베이스 라인은 역사상 그 어떤 아티스트보다 많이 샘플링되었습니다. 그의 드러머였던 클라이드 스텁필드는 유명한 "펑키 드러머" 드럼 브레이크를 제공했으며, 이는 퍼블릭 에너미부터 N.W.A까지 다양한 음반에 등장했습니다.

실제로 거의 2,000곡에 샘플링된 것으로 알려져 있습니다.

1970년대 초 브롱크스에서 DJ 쿨 허크는 블록 파티에서 펑크 레코드를 돌리면서 악기 분절을 분리하여 힙합의 청사진을 만들었습니다. 이러한 확장된 '브레이크'를 통해 MC는 원초적인 리듬 위에 랩을 할 수 있었고, 펑크 그루브는 장르의 DNA가 되었습니다.

90년대에 들어서면서 닥터 드레와 웨스트 코스트 G-펑크 무브먼트는 한 단계 더 발전하여 느긋한 힙합 비트 위에 P-펑크 샘플을 겹쳐서 사용했습니다. 이 음악은 매끄러운 갱스터 라임 아래 의회 스타일의 베이스 라인이 있었습니다.

오늘날 펑크는 네오 펑크의 부흥과 함께 또 다른 순간을 맞이하고 있습니다.

디안젤로 같은 아티스트는 부두와 블랙 메시아를 통해 네오 소울 영역에 펑크를 도입하여 소박한 그루브와 영적인 긴박감을 조화시켰습니다. 그 바통을 이어받은 앤더슨 .팍은 거부할 수 없는 쿨함으로 장르를 넘나들며 펑크를 선보였습니다. 그리고 펑크의 부흥을 벨벳과 금색으로 장식한 브루노 마스/박 슈퍼 듀오인 실크 소닉이 등장했습니다.

인디와 잼 씬에서는 Vulfpeck과 Lettuce 같은 펑크 밴드가 펑크를 다시 신선하게 느끼게 하고 있습니다. 이 뮤지션들은 타이트하고 괴상하며 그루브에 대한 깊은 경외심을 가지고 있으면서도 장난스럽고 현대적이며 밈 친화적입니다.

펑크는 죽지 않았습니다. 귀를 기울이지 않을 뿐

펑크가 제임스 브라운과 벨보텀과 함께 사라졌다고 생각한다면 그건 잘못된 생각입니다. 우리가 알고 있던 펑크의 원조 장르에 가까운 연주를 하는 현대 펑크 아티스트와 펑크 뮤지션이 많이 있습니다.

펑크는 결코 사라지지 않았습니다. 펑크는 지하로 내려가 아레나 무대를 카세트테이프로 바꾸고 지하실, 밴드캠프 페이지, 비트 테이프 집단에 흩어져 있는 작은 공간에 자리를 잡았습니다. 그루브가 우선이고 산업은 그 다음이라는 미션은 변함없습니다.

콜마인 레코드와 댑톤을 주목하세요. 이 모던 펑크 레이블은 아날로그 소울의 미학을 치명적인 정확성으로 되살리고 있습니다. 여러 가지 면에서 향수를 불러일으키는 것처럼 보일 수 있지만, 실제로는 진짜입니다. 타이트한 호른 섹션, 완벽한 드러머, 올드스쿨 펑크 노래처럼 감성을 자극하는 보컬을 현대적으로 재해석한 곡을 만나보세요.

듀란드 존스 & 더 인디케이션즈, 디 세크리드 소울, 샤론 존스 & 더 댑 킹스 같은 아티스트들은 그 불꽃을 21세기에도 변함없이 이어가고 있습니다.

한편 인디 신에서는 카세트 테이프가 화폐처럼 통용됩니다. 테이프 프롬 더 게이츠, 이너 오션 같은 레이블은 로파이 펑크, 재즈 퓨전, 인스트루멘탈 그루브를 담은 한정판 테이프를 몇 분 만에 매진시키기도 합니다. Instagram 디거와 YouTube 크레이트 다이버들은 잘 알려지지 않은 70년대 레코드를 돌아가면서 수집하여 언더그라운드 펑크 고고학자들을 위한 디지털 박물관을 만들고 있습니다.

물론 펑크 음악에서 많은 DNA를 가져와 현대적인 힙합 비트 테이프를 만드는 Knxwledge, Kiefer, Mndsgn과 같은 프로듀서들이 있는 비트 신도 있습니다.

펑키한 물건은 계속 살아있다

펑크 음악은 결코 박물관에 조용히 앉아 있을 수 있는 음악이 아닙니다. 엉덩이와 헤드폰, 그리고 베이스가 딱 맞을 때 짓는 주름진 얼굴 속에 있어야 합니다.

펑크 음악은 항상 태도, 저항, 축하의 힘을 가지고 있습니다. 펑크는 피와 땀과 눈물로 신성한 무언가를 만들어내는 사람들의 소리입니다. 제임스 브라운이 채찍처럼 다운비트를 두드리고, 슬라이 스톤이 무지개색 혁명을 일으키고, 조지 클린턴이 모선에서 성간 파티를 여는 것이 바로 펑크 음악입니다. 그리고 그것은 결코 죽지 않았습니다. 형태만 바뀌었을 뿐이지요.

현대의 펑크 음악 차트에는 알고리즘 친화적인 비트가 넘쳐나지만, 펑크는 여전히 인기 있는 음악입니다. 켄드릭 라마 그루브에서 펑크를 들을 수 있습니다. Vulfpeck 라이브 스트림에서 펑크를 볼 수 있습니다. 3인조 리듬 섹션과 바리 색소폰이 있는 지하 공연에서도 펑크를 느낄 수 있습니다.

펑크는 항상 음악적, 문화적으로 공간을 점령하는 것이었습니다. 펑크는 기쁨, 항의, 해방감을 위한 도구였습니다. 수년에 걸쳐 펑크 음악은 펑크 메탈, 펑크 록, 펑키 힙합 등으로 진화해 왔습니다.

여기까지 왔다면 스스로에게 호의를 베풀어 보세요: "기브 업 더 펑크" 또는 "패밀리 어페어"를 틀어보세요. 펑크 역사 수업이 아니라 펑크 밴드의 그루브가 영원하다는 것을 상기시키기 위해서입니다. 펑크는 돌아오지 않았습니다. 떠난 적이 없죠.