좋아하는 노래가 어떻게 만들어졌는지 궁금한 적이 있나요? 아니면 자신만의 음악을 만들고 싶으신가요?
다른 아티스트를 위한 음악 프로듀싱, 미디어용 음악 작곡을 꿈꾸거나 음악 소시지가 어떻게 만들어지는지 이해하고 싶다면 이 단계별 가이드가 도움이 될 것입니다.
필요한 장비 분석, 작사 및 작곡 기술, 음악 제작의 기술적 측면을 포함한 전체 과정을 안내해 드립니다.
음악 제작은 플러그인, 소프트웨어, 하드웨어, 기술, 창의력이 어우러진 거칠고 재미있는 세계입니다. 하지만 정말 필요한 것은 노트북과 꿈뿐입니다.
그리고 이 가이드.
모든 음악 프로듀서는 어딘가에서 시작합니다. 여기서부터 시작하세요.
음악 프로덕션 파트 1: 장비와 기술
음악 제작 기초
'음악을 제작한다'는 말은 음악 제작 과정을 구성하는 모든 활동을 설명하는 놀라울 정도로 단순한 표현입니다.
다음은 음악 제작에 어떤 것들이 포함될 수 있는지에 대한 아주 기본적인 분석입니다:
작사 및 편곡
음악을 녹음하기 전에 실제로 곡을 써야 합니다. 물론 많은 프로듀서들이 비트를 만들고, 코드 진행을 만들고, 베이스라인을 추가하는 등 트랙을 제작하면서 곡을 작성합니다.
곡을 쓸 때는 가사가 노래에서 매우 중요한 부분이기 때문에 스튜디오에 들어가기 전에 미리 쓰는 것이 더 중요합니다.
어느 쪽이든 어느 시점에서는 음악과 가사를 작성해야 하며, 이를 일관된 구조로 정리하는 편곡 작업이 필요합니다.
모든 음악 프로듀서가 곡 작업에 참여하는 것은 아니며, 특히 자신보다는 아티스트와 주로 작업하는 경우에는 더욱 그렇습니다.
프로그래밍 및 사운드 디자인
제작하는 음악 스타일에 따라 제작 과정에서 프로그래밍 요소가 있을 수 있습니다. 여기에는 비트와 베이스 파트를 프로그래밍하거나 신디사이저와 플러그인을 사용하여 다양한 사운드를 만드는 것이 포함될 수 있습니다.
일부 장르는 다른 장르보다 이 과정에 더 많은 노력을 기울입니다. 예를 들어 일렉트로닉 음악은 록 밴드를 제작하는 것보다 더 많은 프로그래밍을 필요로 합니다. 더 많은 '인 더 박스'를 만들수록 더 많은 프로그래밍을 하게 됩니다.
녹음
보컬이나 '실제' 악기를 녹음하는 것은 음악 제작에서 중요한 부분입니다. 다른 뮤지션 및 가수와 함께 작업하는 경우 프로듀서의 역할은 녹음하는 동안 모든 사람에게서 최고의 연주를 이끌어내는 것입니다. 이를 위해서는 뛰어난 사람 관리 능력이 필요합니다!
믹싱 및 마스터링
모든 녹음과 프로그래밍이 끝나면 트랙의 믹싱과 마스터링이 필요합니다. 일부 프로듀서는 이 중 하나 또는 두 가지를 직접 처리하기도 하고, 다른 프로듀서는 전담 믹싱 및/또는 마스터링 엔지니어에게 맡기기도 합니다.
음악 프로듀서는 어떤 일을 하나요?
이 모든 것에서 음악 프로듀서는 어디에 속할까요? 글쎄요, 상황에 따라 다릅니다. 많은 뮤지션이 작곡가, 아티스트, 프로듀서의 역할을 맡아 자신의 음악을 제작합니다. 유명한 예로는 챈스 더 래퍼, 영국의 그라임 아티스트 스켑타, 퍼렐 윌리엄스 등이 있습니다.
다른 음악 프로듀서들은 아티스트와 협업하여 사운드를 완성하는 데 도움을 줍니다. 여기에는 단순히 스튜디오에서 편곡을 하고 녹음하는 뮤지션으로부터 최고의 연주를 끌어내거나 음악 제작 과정에 더 깊이 참여하는 것이 포함될 수 있습니다. 조지 마틴은 비틀즈의 창작 과정에 깊이 관여했기 때문에 흔히 '다섯 번째 비틀'이라고 불렀습니다.
성공적인 음악 프로듀서는 위의 모든 것을 능숙하게 다룰 수 있어야 하지만, 자신이 어디에 적합한지, 어떻게 하면 음악에 가장 적합한 서비스를 제공할 수 있는지 알고 있어야 합니다.
도구 및 장비
직접 노래를 제작하든 다른 아티스트와 공동 작업을 하든, 시작하려면 몇 가지 기본적인 장비가 필요합니다. 물론 모든 도구가 이미 준비된 녹음 스튜디오를 예약할 수도 있지만, 특히 음악 제작을 막 시작했을 때는 비용이 많이 들기 마련입니다.
좋은 소식은 큰돈(또는 부모님의 신용카드)을 들이지 않고도 놀랍도록 뛰어난 홈 스튜디오 환경을 구축할 수 있다는 것입니다. 나만의 공간에서 편안하게 음악을 만드는 데 필요한 필수 도구와 장비를 살펴보세요.
컴퓨터
가장 먼저 필요한 것은 이미 가지고 있는 컴퓨터입니다. Mac이든 Windows OS이든 컴퓨터는 스튜디오의 심장 역할을 합니다. 모든 것이 원활하게 작동하려면 고성능 프로세서, 넉넉한 RAM, SSD 드라이브가 가장 이상적입니다.
디지털 오디오 워크스테이션
DAW(디지털 오디오 워크스테이션)는 전문 음악 프로듀서의 지휘 본부입니다. 악기를 녹음하고, 신디사이저를 프로그래밍하고, 멜로디를 트랙으로 만드는 등 모든 일이 이루어지는 곳입니다. 한마디로 음악 프로듀서의 기본 도구라고 할 수 있습니다.
모든 예산에 맞는 환상적인 디지털 오디오 워크스테이션 옵션이 많이 있습니다:
- 사신
- Logic Pro
- Ableton Live
- FL 스튜디오
- Cubase
- Pro Tools
- 프리소너스 스튜디오 원
각기 다른 기능을 가지고 있지만, 기본적으로 모두 같은 기능을 수행합니다. 즉, 사용자가 만든 음악을 캡처하는 것입니다.
오디오 인터페이스
오디오 인터페이스는 아날로그 신호를 디지털 세계로, 또는 그 반대로 전송합니다. 보컬, 기타 등 모든 종류의 외부 소스를 DAW에 녹음하는 경우 오디오 인터페이스가 필요합니다.
일부 오디오 인터페이스는 미디 및 디지털 오디오와 같은 추가 연결 옵션을 제공하기도 하는데, 미디 또는 아날로그 하드웨어를 시스템에 연결하려는 경우 필수입니다.
마지막으로, 오디오 인터페이스는 스튜디오 모니터와 헤드폰 (때로는 여러 세트)을 연결할 수 있는 출력을 제공하여 명작을 온전한 사운드로 감상할 수 있게 해줍니다. 말이 나와서 말인데...
모니터 및 헤드폰
직접 만든 음악을 들을 수 있는 무언가가 필요합니다. 에어팟이나 일반 소비자용 스피커는 귀에 듣기 좋도록 사운드의 색을 입혀주는 역할을 합니다.
DAW에서 나오는 모든 소리를 정확하게 표현할 수 있는 전용 홈 스튜디오 모니터와 헤드폰이 필요합니다. 트랙을 녹음할 때 모니터링할 때나 나중에 프로덕션 프로세스를 진행할 때도 필요합니다.
미디 컨트롤러
어떤 종류의 음악을 만들든 미디 컨트롤러는 꼭 필요한 장비입니다. 다양한 모양과 크기, 다양한 기능을 갖춘 컨트롤러가 있지만, 간단한 키보드 컨트롤러만 있어도 빠르고 쉽게 음표를 입력할 수 있습니다.
미디 컨트롤러에는 드럼 패턴을 연주하거나 다른 미디 파라미터를 보다 음악적으로 제어할 수 있는 패드, 버튼, 노브가 함께 제공되는 경우가 많습니다. 일부 컨트롤러에는 믹싱 워크플로우에 도움이 되는 페이더도 있습니다.
샘플, 소프트웨어 악기 및 효과
교회에서 그레고리안 성가를 녹음하는 경우가 아니라면 사운드 처리를 위해 몇 가지 플러그인이 필요합니다. 리버브 및 딜레이와 같은 기본 효과부터 세분화된 사운드 합성 및 사이드 체인 압축과 같은 보다 복잡한 처리까지, 이러한 플러그인은 독특한 사운드를 제작하고 믹스를 전문적으로 만드는 데 도움이 됩니다.
다행히도 대부분의 DAW에는 작업을 원활하게 처리할 수 있는 기본 인스트루먼트와 이펙트가 포함되어 있으므로 처음부터 소프트웨어를 과시할 필요는 없습니다.
마이크
마지막으로, 홈 스튜디오에서 보컬(또는 다른 유형의 어쿠스틱 악기)을 녹음할 계획이라면 괜찮은 품질의 마이크가 필요합니다. 녹음할 음원의 유형에 적합한 마이크를 선택해야 합니다.
편안한 의자와 책상
완전히 필수적인 것은 아니지만, 음악을 작곡하는 동안 한 번에 몇 시간 동안 편안하게 작업할 수 있는 의자와 책상 조합이 있으면 생산성을 높일 수 있습니다. 어떤가요? 저는 프로듀싱할 때 편안함을 좋아합니다.
음악 프로듀서 기술
예, 대학에 가서 음악 제작을 공부할 수도 있지만 비용이 만만치 않습니다. 많은 프로듀서들이 독학하며, 대부분의 음악 제작 기술은 온라인 강좌, 온라인 동영상 시청, 웹사이트나 잡지의 튜토리얼을 통해 배울 수 있습니다.
하지만 더 나은 프로듀서가 되는 데 도움이 되는 몇 가지 덜 분명한 기술이 있습니다.
음악 이론
어쩌면 당연한 이야기일 수도 있습니다. 하지만 음악이 어떻게 작동하는지에 대해 더 많이 이해할수록 음악 제작을 더 잘할 수 있고, 음악적으로 문제가 있는 이유와 해결 방법을 본능적으로 알 수 있습니다.
또한 다른 뮤지션과 함께 작업하는 경우 그들과 더 효과적으로 소통하는 데 도움이 됩니다. 그런 의미에서...
사람 기술
프로듀서에게 있어 소통은 아마도 가장 중요한 부분일 것입니다. 음악 업계의 네트워킹부터 다른 아티스트와의 협업까지, 사람들을 편안하게 만드는 능력은 필수적인 기술입니다.
듣기 기술
누구나 음악을 듣습니다. 하지만 음악 프로듀서는 다르게 듣습니다.
능동적인 청취란 멜로디를 분석하고, 편곡을 분석하고, 믹스에서 어떤 일이 일어나고 있는지 파악하고, 가장 인기 있는 노래에 사용된 기술을 찾아내는 등 세부 사항에 귀를 기울이는 것을 의미합니다. 또한 현재 업계 트렌드를 반영하는 스타일, 사운드, 구조의 변화에 귀를 기울이는 것을 의미합니다.
이렇게 집중해서 듣는 능력을 키우는 것은 음악 프로듀서로서 쌓을 수 있는 가장 가치 있는 기술 중 하나이며, 연습을 통해 더욱 날카로워질 수 있습니다.
프로젝트 관리
기업 핸드북에서나 나올 법한 이야기처럼 들릴 수 있지만, 특히 밴드와 함께 앨범 전체를 제작하거나 공동 프로젝트를 진행하는 경우 프로젝트 관리는 음악 프로듀서로서 큰 부분을 차지합니다.
파일 관리, 세션 스케줄링, 뮤지션 예약, 예산 관리(예, 음악 프로듀서도 스프레드시트에서 벗어날 수 없습니다) 등의 업무를 계속 파악해야 합니다.
또한 음악 산업 계약의 작동 방식을 기본적으로 이해하는 것도 도움이 됩니다. 세션 플레이어, 라이선스 또는 로열티를 다루는 것은 음반 제작에서 가장 화려한 부분은 아니지만, 원활하고 전문적인 프로덕션을 운영하려면 가장 중요한 부분 중 하나임은 분명합니다.
음악 제작 2부: 기술 및 전략
작사 및 작곡 기법
시작 지점
음악을 만들고 싶지만 어디서부터 시작해야 할지 몰라 빈 화면을 쳐다보는 것만큼 안타까운 일은 없습니다. 문제는 곡을 시작할 수 있는 방법이 너무 많다는 것입니다.
비트 만들기
그루브로 곡을 시작하는 것은 에너지와 속도를 설정하고 일부 장르에서는 다른 모든 악기를 주도하는 등 곡을 시작하는 좋은 방법이 될 수 있습니다. FL Studio 및 Ableton Live와 같은 디지털 오디오 워크스테이션을 사용하면 비트를 간단하고 쉽게 만들 수 있습니다.
코드 진행 만들기
좀 더 활기찬 분위기를 원한다면 코드 진행으로 시작해 보세요. 간단한 것부터 시작해서 코드를 바꾸어 더 독특한 것을 만들 수 있습니다.
노래 구조 선택
곡이 어떻게 진행될지에 대한 로드맵이 있으면 특히 가사를 쓸 때 집중력을 유지하는 데 도움이 됩니다.
가사 쓰기
음악이 떠오르지 않는다면 대신 가사로 시작해 보세요. 강한 서정적인 훅은 노래의 기초가 될 리듬을 암시할 수 있습니다.
몇 가지 루프를 함께 던지기
때로는 그냥 아이디어를 가지고 놀아보는 것도 좋습니다. 프로젝트에 여러 개의 루프를 넣어 분위기를 만들어 보세요. 오디오 또는 미디 기반이든 무엇이든 창의력을 발휘할 수 있는 것이라면 무엇이든 좋습니다. 종종 어딘가에 숨어 있는 음악적 아이디어의 조각을 발견할 수 있으며, 그 조각이 새로운 창작의 영역으로 여러분을 이끌 것입니다.
누들 어라운드
거장의 피아노나 기타 연주자가 아니어도 이 작품을 만들 수 있습니다. 마음에 드는 소리를 찾아서 녹음하고 연주를 시작하기만 하면 됩니다. 탐색하고, 실수하고, 이전에 가보지 않은 영역을 탐구해 보세요. 무엇보다도 스스로 편집하지 말고 그냥 연주하세요.
단순하게 유지
예, 음악 이론을 아는 것은 음악을 제작할 때 도움이 되지만, 곡을 작곡하는 데 음악 학위가 필요하지는 않습니다.
많은 대중가요는 매우 기본적인 3화음 또는 4화음 진행에 의존합니다. 종종 절과 후렴은 다른 멜로디와 다른 악기로 같은 진행을 사용하는 경우가 많습니다. 잘 어울리는 한 가지를 찾았다면 모든 화성학적 가능성을 탐색할 필요는 없습니다.
멜로디도 마찬가지입니다. 짧고, 부를 수 있고, 리듬이 재미있으면 더 효과적인 경우가 많습니다.
새로 만들려고 하지 말고, 배를 띄울 수 있는 음악적 아이디어를 찾으면 바로 실행에 옮기세요. 결국 노래에 담긴 감정이 청취자를 끌어당길 수 있습니다.
다른 사람들로부터 배우기
세상에는 수많은 노래가 있습니다. 좋은 노래도 있고, 나쁜 노래도 있고, 무관심한 노래도 있습니다(니켈백이 생각나네요). 하지만 좋아하든 싫어하든 적극적으로 노래를 들으면 많은 것을 배울 수 있습니다. 좋아하는 트랙부터 시작하세요;
좋아하는 노래를 따라 하라는 것이 아니라, 그 노래에 내재된 모든 부분을 연구하여 감동을 주는 부분이 무엇인지 배우라는 뜻입니다.
악기, 편곡 및 제작 기술도 마찬가지입니다. 이러한 학습 과정에 더 많이 참여하고 다른 장르의 음악(특히 자주 듣지 않는 장르의 음악)을 흡수할수록 자신의 음악 스타일이 더 풍부해질 것입니다.
음악 만들기 시작
노래를 시작하는 방법에 대한 정해진 규칙은 없지만, 중요한 것은 일단 시작하고 계속 시작해야 한다는 것입니다. 하룻밤을 보낸 후 먹다 남은 반쯤 구운 짜장면이라도 모두 저장하세요. 나중에 언제든지 다시 돌아와서 발전시킬 수 있으니까요.
첫 프로젝트 시작하기
이제 필요한 모든 도구를 모았으니 첫 번째 트랙을 제작할 준비가 되었습니다. 어머, 아가씨. 음악 제작은 평생에 걸쳐 익혀야 하며, 가장 좋은 방법은 직접 해보는 것입니다.
음악 제작이 실제로 어떻게 이루어지는지 단계별로 살펴보겠습니다. 이 방법이 유일한 방법은 아니며 한 가지 방법일 뿐입니다. 여기서는 Logic Pro를 사용했지만, 거의 모든 DAW에서 이 단계를 재현할 수 있습니다.
시작하기 전에
저는 정리 정돈에 철저한 편입니다. 여러 프로젝트를 동시에 작업할 때 정돈된 상태를 유지하는 데 도움이 됩니다. 이를 위해 하드 드라이브에 현재 진행 중인 모든 프로젝트를 저장할 마스터 폴더를 만드세요(프로젝트가 완료되면 외장 하드에 아카이브할 수 있습니다).
그런 다음 현재 작업 중인 각 프로젝트에 대한 하위 폴더를 만듭니다. 세션을 열면 즉시 '다른 이름으로 저장'하고 이름을 지정하세요. 이렇게 하면 음악에 빠져서 시스템 충돌로 모든 작업을 잃어버리는 대신 Ctrl+S/Command+S를 빠르게 눌러 진행 상황을 저장할 수 있습니다(이미 경험해 본 적이 있습니다).
집안일은 끝났습니다. 이제 음악 제작에 들어가 보겠습니다.
1단계: 코드 진행 만들기
잔잔한 월요일이니 분위기 있는 곡을 만들어 봅시다. 일렉트릭 피아노로 연주하는 무디 코드 진행 ( Am - Dm9 - G - E7/G# )으로 시작하겠습니다.
2단계: 베이스 및 드럼 추가하기
다음으로 트랙에 몇 가지 기본 요소를 추가하고 싶습니다. 베이스(일렉트릭 피아노 파트와 함께)는 하모닉 백본을 제공하고 드럼은 곡에 리듬감을 부여합니다.
저는 Logic과 함께 제공되는 스톡 인스트루먼트 프리셋을 사운드에 사용하고 있으며, 나중에 언제든지 돌아가서 조정할 수 있습니다.
3단계: 멜로디 녹음하기
이제 트랙의 기본 요소를 갖추었으니 멜로디 요소를 녹음하고 싶습니다. 저는 신디사이저 파트를 사용할 예정이지만 보컬이나 색소폰 샘플을 사용하거나 직접 녹음할 수도 있습니다.
여기에서도 스톡 프리셋을 사용하고 있지만 설정을 약간 조정하여 밝지 않게 만들었습니다. (그리고 아직 미디의 나라에 있기 때문에 나중에 모든 것을 바꿀 수 있습니다).
저는 모드 휠과 피치 벤드를 사용하여 파트에 조금 더 많은 표현력을 부여했습니다. 결국 사운드를 변경하게 되면 이러한 표현이 새 패치에도 적용된다는 점을 염두에 두어야 합니다.
지금은 루프를 중심으로 트랙을 쌓아가고 있다는 점에 유의하세요. 어떤 프로듀서는 이런 방식으로 작업하는 반면, 어떤 프로듀서는 좀 더 선형적인 방식으로 곡을 만들기도 합니다. 옳고 그름은 없습니다.
4단계: 효과 추가 및 정렬하기
점점 윤곽이 잡혀가고 있습니다! 이제 기본 아이디어가 완성되었으니 이제 작품을 배치할 차례입니다. 우선 제가 여러 번 만든 4개의 막대 루프를 복사하고 다른 섹션에 대한 마커 영역을 만들겠습니다.
다음으로 영역 전체를 음소거하거나 분할하여 공간을 분할하기 시작합니다.
아마도 세계에서 가장 짧은 곡이지만, 프로덕션이 어떻게 구성될 수 있는지 알 수 있습니다.
2절의 스네어를 음소거하고 후렴구와 2절에 기타 파트를 추가하여 음악에 다양성을 더해보겠습니다. 저는 포함된 Apple Loops 라이브러리의 샘플을 사용하고 있습니다.
이펙트가 추가되지 않은 현재 사운드는 다음과 같습니다:
압축과 EQ를 사용하여 악기를 깨끗하게 정리하고 조이고(베이스의 사이드 체인 압축을 포함하여 킥 드럼이 튀어나오도록), 일렉트릭 피아노에 삽입 효과로 약간의 위상 왜곡을 추가합니다.
멜로디나 리듬은 없지만 프로덕션에 약간의 요소를 더하는 트랙, 제가 '페어리 더스트'라고 부르는 트랙을 추가할 때이기도 합니다. 텍스처를 추가하기 위해 Logic의 분더신스/샘플러 Alchemy를 몇 개 사용했고, 코러스에 활기를 불어넣기 위해 셰이커 파트를 녹음했습니다.
5단계: 믹싱
믹싱은 그 자체로 기사화할 만한 가치가 있는 예술 형식이며, 실제로 많은. 지금은 시작하기 위해 몇 가지 기본 개념에 초점을 맞추겠습니다.
볼륨 밸런스
플러그인 전면에서 어디로든 이동하기 전에 먼저 볼륨 페이더를 조정하여 여러 트랙의 레벨이 균형 잡힌 느낌을 받도록 하세요.
마스터링 단계를 위해 약간의 헤드룸을 남겨두므로 스테레오 버스에서 나오는 전체 레벨을 주시하세요. 이상적으로는 -6dB 정도에서 피크가 발생하는 것이 좋습니다.
이 예제 곡에서는 트랙의 아웃트로를 위해 스테레오 버스에 페이드 아웃을 추가하겠습니다. 독창적이지는 않지만 음악 제작에서 가장 친한 친구인 자동화를 잘 활용한 예시입니다.
패닝
모든 트랙에 공간을 확보하기 위해 스테레오 필드 전체에 트랙을 분산시킵니다. 베이스, 킥, 스네어는 중앙에 배치하고, 모자는 왼쪽(샘플러 악기 자체 내에서)으로 약간 패닝하고 셰이커는 오른쪽으로 약간 이동합니다. 패닝은 음악을 만들 때 많은 공간을 만들 수 있으므로 사용하는 것을 두려워하지 마세요.
EQ
깔끔한 사운드를 유지하려면 EQ 를 사용하여 잡음을 제거하고 거친 주파수를 길들이는 것이 좋습니다. 트랙에서 저주파를 잘라내면 킥과 베이스가 돋보일 수 있는 공간이 생기고, 거친 주파수를 길들이면 귀가 더 편해집니다.
참고: 이전 섹션에서 이미 도구를 정리했으므로 여기서는 할 일이 많지 않습니다. 옳고 그른 방법은 없으며, 완료하기만 하면 됩니다.
리버브 + 딜레이
지금은 약간 건조하고 밋밋하게 들리기 때문에 피아노, 기타, 신디사이저 파트에 리버브를 추가했습니다. 리버브는 깊이를 더하고 프로덕션이 모두 같은 공간에서 나오는 것처럼 느껴지도록 도와줍니다.
또한 움직임을 위해 신디사이저 라인에 약간의 딜레이를 추가했습니다. 이 이펙트 각각에 대해 보조 전송을 사용하고 있으므로 모든 악기가 이펙트를 공유하고 있습니다. 이는 CPU 전력을 절약하는 좋은 방법입니다.
레퍼런스 트랙
여기서는 사용하지 않지만(장난스럽지만!), 비슷한 장르의 레퍼런스 트랙과 내 노래를 비교하는 것은 내 음악이 경쟁에서 우위에 있는지 확인하는 데 매우 유용한 방법이 될 수 있습니다. 베끼는 것이 아니라 무엇이 믹스를 탄탄하게 만드는지 배우는 것입니다.
자, 이제 상황은 이렇습니다.
아주 기본적인 음악이며, 재즈를 더 멋지게 만들기 위해 사용할 수 있는 더 많은 제작 기법이 있습니다. 하지만 이 예시는 음악 제작이 얼마나 간단할 수 있는지 보여줍니다.
믹싱 및 마스터링
이왕 온 김에 믹싱과 마스터링에 대해 잠시 이야기해 보겠습니다.
간단히 말해서 믹싱은 곡의 모든 파트의 밸런스를 맞춰 아티스트의 비전을 표현하는 작업입니다. 반면 마스터링은 다양한 재생 시스템에서 멋진 사운드를 낼 수 있도록 믹스에 최종적인 마무리를 더하는 작업입니다.
때로는 음악 프로듀서가 곡의 프로듀싱, 믹싱, 마스터링까지 끝까지 책임지는 경우도 있습니다. 다른 경우에는 프로듀서가 세션을 엔지니어에게 넘겨 믹싱을 맡기거나 직접 믹싱하고 마스터링 엔지니어가 곡을 마무리하는 경우도 있습니다.
믹싱과 마스터링은 평생(또는 그 이상)에 걸쳐 숙달해야 하는 미묘한 예술 분야입니다. 원스톱 프로듀서가 되어 직접 제작할 수도 있지만, ( eMastered와 같은 서비스를 이용하는 것을 포함하여) 부하를 분담하는 것도 부끄럽지 않습니다.
사운드 디자인 및 합성
뼈를 울리는 베이스, 무성한 패드, 삼촌의 추수감사절 방귀로 만든 이상한 소리 등, 사운드로 연주를 시작하면 음악 제작이 마법처럼 느껴지기 시작합니다.
사운드 디자인과 사운드 합성은 실무적이고 실험적인 과정이며, 음악 프로듀서로서 가장 창의적인(그리고 독특한) 요소 중 하나입니다.
훌륭한 음악 프로듀서는 신디사이저 프리셋과 일반 루프(누구나 사용할 수 있는)에만 의존하는 대신, 자신만의 사운드를 수정하거나 처음부터 만드는 방법을 배웁니다. 신디사이저 마법사 (해리)가 될 필요는 없으며, 그냥 주물럭거리기 시작하고 떠오르는 아이디어를 저장하는 것을 잊지 마세요.
더 많이 연주할수록 트랙의 감정적, 음향적 특성을 더 많이 제어할 수 있습니다. 음악 산업의 어떤 분야에서 음악을 만들든, 자주 사용하는 커스텀 사운드 몇 개만 있어도 프로듀서로서 돋보일 수 있습니다.
음악 프로듀서로서 성장하기
음악 프로듀서는 고정된 상태가 아니라 새로운 도구를 배우고, 기술을 익히고, 아이디어의 흐름을 이어가는 창의적인 트릭을 발견하는 지속적인 과정입니다.
성공적인 음악 프로듀서가 되고 싶다면 음악 산업 트렌드를 파악하고, 더 나아가 트렌드를 설정하는 데 도움이 되는 사운드를 개발해야 합니다. 하지만 성장은 우연히 이루어지는 것이 아닙니다. 다음은 계속 레벨을 올리는 데 도움이 되는 몇 가지 실용적인 조언입니다:
시간이 걸립니다.
예, 바로 음악을 만들 수 있지만 훌륭한 음악 프로듀서가 되려면 시간이 걸린다는 것을 이해하세요. DAW를 최대한 활용하는 방법, 다양한 효과를 사용하는 방법과 시기, 라이브 악기 녹음 방법, 믹싱 기술, 편곡, 사운드 디자인 등 배워야 할 것이 많습니다.
비트를 만들거나 신디사이저를 실험하거나 음악 이론을 공부하는 등 매일 창의적인 일에 도전하세요. 음악을 만드는 것은 즐거워야 하고, 프로듀서가 되는 것은 여정입니다. 이 두 가지를 결합하면 즐거운 여행이 될 것입니다.
나만의 스타일 개발
음악 프로듀싱을 처음 시작할 때는 사운드를 만들고 트랙을 조합하는 마법에 빠져들게 됩니다. 더 많은 음악을 제작할수록 자신만의 시그니처 스타일을 개발할 수 있습니다.
그것은 자신을 정의하는 특정 '사운드'일 수도 있고(Deadmau5나 Skrillex를 생각해보세요), 음악 프로듀서로서 작업하는 방식일 수도 있습니다. 릭 루빈은 다양한 장르의 많은 아티스트와 협업해왔지만 항상 감성적인 접근 방식에 중점을 둡니다.
억지로 강요할 수는 없지만 음악 제작 과정에서 어떤 부분이 자신을 빛나게 하는지 알 수 있습니다. 그 부분에 집중하면 자신만의 스타일이 살아납니다.
가지고 있는 것으로 작업하기
인스타그램에서 더 많은 장비를 구매하도록 유도하는 광고가 하루도 빠짐없이 제 얼굴에 박혀 있습니다. 여러분도 마찬가지일 것입니다. 문제는 끊임없는 업그레이드의 영원한 순환에 갇히면 힘들게 번 돈을 투자한 장비를 결코 마스터할 수 없다는 것입니다.
물론 특정 사운드나 효과가 필요한 프로젝트에서 작업하고 있다면 해당 컴프레서를 구입하는 것이 좋습니다. 하지만 DAW와 함께 제공된 기본 컴프레서에서 최대한의 성능을 끌어낼 수 있는 방법을 찾지 못했다면 다른 컴프레서를 구입하지 마세요.
필요성은 발명의 어머니이며, 가지고 있는 장비로 원하는 사운드를 얻는 방법을 찾는 것이 진정한 창의성이 발휘되는 부분입니다.
표시
영감이 떠오를 때까지 기다리지 마세요. 영감은 언젠가 찾아오기 마련입니다. 일주일에 단 몇 시간이라도 정기적으로 음악을 만들도록 노력하세요. 창의력(그리고 영감)은 근육과 같아서 많이 사용할수록 더 강해집니다.
요다의 말처럼: "하든 말든. 시도란 없다."
영광스러운 실패
어떤 날은 트랙이 형편없을 수도 있습니다. 괜찮아요. 누구나 형편없는 곡을 만들 수 있습니다. 중요한 것은 계속 나아가는 것입니다. 자신을 다독이고 DAW를 열어 다시 음악을 만들기 시작하세요.
진행 상황 축하하기
동시에 다음 단계에만 집중하지 마세요. 음악 프로듀서로서 얼마나 성장했는지 되돌아보세요. 이전 프로젝트를 들으며 얼마나 많은 것을 배웠는지 알아보세요. 새로운 트릭, 완성된 트랙 하나하나가 모두 합쳐져 하나의 결과물이 됩니다. 힘내세요!
호기심 유지
적극적으로 프로듀싱하지 않더라도 성장하고 있을 수 있습니다. 음악을 적극적으로 들어보세요 - 어떻게 만들어졌나요? 어떻게 만들어졌을까요? 음악 제작에 관한 인터뷰와 책을 읽어보세요. 튜토리얼을 시청하세요. 낯선 장르를 탐색해 보세요. 다른 프로듀서로부터 기술을 빌려 직접 시도해 보세요.
자주 공동 작업하기
다른 뮤지션 및 아티스트와 함께 작업하면 귀가 예민해지고, 소통과 경청 능력, 본능이 예민해집니다. 또한 자신의 머릿속에서 벗어나 진정한 성장이 일어나는 세상으로 나아갈 수 있습니다.
결론: 결론: 그냥 해
음악 프로덕션의 개념은 겉으로 보기에는 복잡하고 기술적으로 보이거나 완전히 낯설게 들릴 수 있습니다. 사실 음악 이론을 많이 알 필요도, 다이나믹 이퀄라이저의 작동 원리를 이해하지 못해도 시작할 수 있습니다. 모든 위대한 프로듀서들도 한때는 컴프레서가 어떻게 작동하는지 몰랐던 적이 있었으니, 그 과정을 따라 배우면 됩니다. 중요한 것은 시작하는 것입니다.
그러니 그 과정을 믿고 제작을 시작하고 계속 제작하세요. 다른 프로듀서로부터 영감을 얻고, 익숙하지 않은 장르를 탐구하고, 음악뿐 아니라 모든 종류의 예술에 몰입해 보세요. 실수를 받아들이고, 성공을 축하하며, 한 트랙을 완성하면 다른 트랙을 시작하세요.
나가서 음악을 만들어 보세요!
