좋아하는 인디 노래의 첫 몇 초를 들었을 때 뭔가 특별한 일이 일어나고 있다는 것을 알 수 있을 때 그 느낌을 아시나요? 마술이 아닙니다. 리버브가 가득한 보컬이나 거친 홈 레코딩 장치 때문이 아닙니다. 가끔은 그럴 수도 있지만, 대개는 코드 진행이 감성을 자극하는 경우가 많습니다.

인디 음악은 익숙하지만 개인적이라고 느껴질 만큼 중심을 벗어난 공간에 살고 있습니다. 코드 선택은 종종 약간 예상치 못한, 약간 향수를 불러일으키는, 감정적으로 모호한 경우가 많습니다. 일반적인 팝송보다 긴장감을 더 강조하고 기본 코드에서 벗어나기도 합니다. "규칙"을 따르지 않습니다.

이 가이드의 목적이 바로 여기에 있습니다.

음악 이론의 기초부터 곡을 연약하거나 변덕스럽거나 묘한 행복감을 느끼게 하는 미묘한 트릭까지, 인디 특유의 분위기를 내는 코드 진행을 분석하는 과정을 함께 따라가 보세요. 악보를 읽지 않더라도 나만의 인디 코드 진행을 만드는 방법을 배우고, 작곡을 시작할 때 훔치거나 구부리거나 끊을 수 있는 5가지 대표적인 인디 코드 진행을 살펴봅니다.

인디 코드 진행을 구성하는 요소는 무엇인가요?

먼저 한 가지 말씀드리고 싶은 것은 인디 코드 진행에 대한 공식적인 공식은 없다는 점입니다. 그게 바로 요점입니다. 인디 음악은 규칙을 깨고, 선을 벗어난 색채를 입히고, 톱 40 트랙에서는 들을 수 없는 이상한 화음으로 로파이 마법을 만들어내는 데 성공합니다. 하지만 그 모든 혼돈 속에서도 몇 번이고 반복해서 나타나는 특정 패턴과 경향이 있습니다.

우선, 인디 음악은 한 장르에 국한되지 않습니다. 장글리한 인디 록, 흐릿한 드림 팝, 어쿠스틱 포크, 침실 신스 팝 등 다양한 장르의 음악을 들을 수 있습니다. 심지어 인디에 가까운 힙합과 재즈 퓨전 프로젝트에도 이런 곡이 있습니다. 분위기는 모두 느낌에 달려 있습니다.

훌륭한 인디 음악의 핵심은 감정적 모호함 입니다. 일반적인 메이저 코드와 마이너 코드를 넘어선 이 코드들은 중간 어딘가에 존재합니다. 무언가를 느끼게 하려는 것입니다. 이는 전통적인 해상도를 건너뛰거나 뻔한 메이저 I 코드를 슬픔에 잠긴 IV 또는 우울한 바이올린으로 바꾸는 것을 의미할 수 있습니다.

모달 마술도 있습니다. 팝의 달콤한 온음계 예측 가능성과 달리 인디 작곡가들은 종종 도리안 (리프트가 있는 단조), 믹솔리디언 (반전이 있는 장조) 또는 영원히 슬프지만 멋진 에올리언 (내추럴 단조) 같은 음악 모드를 활용합니다. 이러한 모드는 우리가 인디 음악에 대해 매우 좋아하는 풍미를 불어넣습니다.

많은 작곡가들이 코드 확장을 사용하기도 합니다. 애드9, 서스2, 마장7, 그리고 가끔씩 감소된 패싱 코드가 장조 및 단조 코드의 조미료로 사용되는데, 특히 세련되게 사용할 경우 매우 표준적인 코드입니다.

또한 비음계적인 동작도 많이 찾을 수 있습니다. 기술적으로는 있어서는 안 되는 화음이지만 느낌이 맞는 화음입니다. 여기에는 반음계 이동이나 차용된 마이너 코드가 포함될 수 있습니다. 감정에 도움이 된다면 약간의 음조 변화도 좋은 점이 있습니다.

전통적인 케이던스는 실제로 존재하지 않습니다. 정맥 주사나 인공 심장으로 진행이 끝나는 것을 들을 가능성이 더 높으며, 이는 이상하게도 해결되지 않은 채 중단된 상태로 남게 됩니다.

초보자를 위한 음악 이론 기초

실제 진행 과정을 살펴보기 전에 너무 깊이 들어가기 전에 몇 가지 이론적 기초를 정리해 보겠습니다.

인디 음악은 귀로 배우거나, 탭을 더듬거나, 새벽 2시에 가라지밴드에서 알아낸 사람들이 작곡하는 경우가 많기 때문에 학위가 없어도 따라 할 수 있습니다. 하지만 약간의 이론은 여러분의 연주 실력을 향상시키는 데 큰 도움이 될 수 있습니다.

코드 진행이란 무엇인가요?

코드 진행은 단순히 일련의 코드가 순서대로 연주되는 것을 말합니다. 긴장감에서 이완, 편안함에서 혼돈에 이르기까지 노래가 만들어지는 방식입니다. 코드 진행을 통해 한 코드에서 다음 코드로 이동하며 스토리를 전달할 수 있습니다. 이러한 코드 사이를 어떻게 이동하느냐에 따라 노래가 우리에게 주는 느낌이 달라질 수 있습니다.

메이저 키와 마이너 키

대부분의 경우:

• 전공 = 행복하고 밝은
• 미성년자 = 변덕스럽고 감정적

하지만 때로는 순수하게 장조 코드만 있으면 너무 깔끔하게 느껴질 수 있고 순수하게 단조 코드만 있으면 너무 슬프게 들릴 수 있습니다.

인디는 종종 이러한 코드를 확장하여 경계를 모호하게 만듭니다. 기술적으로는 장조이지만 슬프게 들리거나, 단조이지만 왠지 모르게 포근하게 느껴지는 곡을 들을 수 있습니다.

로마 숫자 101

코드 진행에 대해 이야기할 때 "C-F-G-Am"이라고 말하는 대신 로마 숫자를 사용하여 코드가 키에서 어떻게 작동하는지 표시합니다. 다음은 C장조의 기본 코드에 대한 요약입니다:

• I = C 장조(홈 베이스 또는 토닉)
• ii = D단조
• iii = E단조
• IV = F장조
• V = G장조
• vi = 미성년자
• vii° = B 감소

vi-IV-I-V는 "A 마이너-F-C-G"를 의미합니다. 가장 많이 사용되는 인디 프로그레션 중 하나입니다.

거기에서 음계의 대체 버전과 같은 모드가 있습니다. 인디 작곡가들이 좋아하는 모드가 있습니다:

• 믹솔리디안: 여유로운 분위기의 메이저급(인디 로드 트립 분위기)
• 도리안 그루브가 있는 마이너한 곡(우울하지만 희망적인 곡에 적합)

모드를 외울 필요는 없지만, 더 흥미로운 코드 진행을 만들려고 할 때 모드가 있다는 것을 알고 있으면 도움이 될 수 있습니다.

인디 코드 진행법 5가지

인디 음악에 있어서 정답이라고 할 수 있는 코드 진행은 존재하지 않습니다. 하지만 몇 번이고 반복해서 등장하는 특정 인디 코드 진행이 있으며, 이를 통해 검증된 느낌을 얻을 수 있습니다.

나만의 글쓰기에 맞게 자유롭게 조옮김을 하세요.

1. IV-I-V-vi

• 코드: F - C - G - em
• 분위기: 유비쿼터스. 인디 팝, 주류 팝, 상업용 징글. 안전하지만 효과적입니다.
• 효과가 있는 이유: 감정의 기복이 심하지만 잘 해결됩니다.
• 예시: "그녀를 보내줘" - 승객

이 코러스는 인디 발라드부터 아레나 규모의 코러스까지 모든 곳에서 사용되어 왔습니다. 너무 세련되게 들리지 않도록 다이내믹에 집중하고, 첫 번째 메이저 코드 위에 추가 음을 추가하여 소스를 더할 수 있습니다.

2. I-iii-IV

• 코드: C - em - F
• 분위기: 우울하고 내성적이며 정서적으로 공명하는 분위기
• 효과가 있는 이유: 아쉬운 마음을 담아 마이너 화음으로 향하지만 희망을 향해 올라갑니다.
• 예시: "누군가를 사용하세요" - 킹스 오브 레온

감성적인 인디 애국가에 자주 쓰이는 코드입니다. 큰 코러스와 반성적인 구절에 적합하며, 3분 코드가 너무 감정적으로 들리는 것을 원하지 않는다면 파워 코드로 변환할 수 있습니다.

3. IV-vi(7)-I-vi(7)

• 코드: F - am7 - C - F
• 분위기: 앤티크, 레트로, 향수, 여름 분위기
• 작동하는 이유: am7 코드는 대안적인 반항을 외치며 2009년의 로드 트립 같은 에너지를 발산합니다.
• 예시: "1901" - Phoenix

이 믹솔리디안 스테이플은 수십 년 동안 라디오 친화적인 인디 록의 원동력이 되었습니다.

4. VI-i-VII(추가9)-VI

• 코드: C - em - D(add6) - C
• 분위기: 몽환적이면서 불안한 느낌
• 효과가 있는 이유: 브릿지에서 단조로 내려가는 반음계가 아름답게 잊혀지지 않는 반전을 선사합니다.
• 예시: "Reckoner" - 라디오헤드

침실 팝이나 아방가르드 발라드에 적합한 미묘하고 애절한 곡입니다. 메이저 6에서 내려오는 i 코드가 멋지게 들립니다.

5. I-vi-IV(9)

• 화음 E♭ - cm - A♭maj9
• 분위기: 어둡고 감성적이며 시네마틱한 분위기
• 효과가 있는 이유: 모든 곡을 돋보이게 하는 클래식한 내추럴 메이저 진행.
• 예시: "하트비트" - The Knife

강렬함을 원한다면 느리게, 일렉트로 팝 드라마를 원한다면 빠르게 연주하세요. 이 특별한 진행은 오픈 스트링과도 잘 어울립니다.

나만의 인디 프로그레션을 만드는 방법

인디 코드 진행을 작성하는 것은 정해진 규칙을 따르는 것으로 시작하지 않습니다. 그보다는 자신이 알고 있는 규칙을 가져와 곡이 개인적이거나, 변덕스럽거나, 약간 이상하게 느껴질 정도로만 (좋은 의미에서) 규칙을 깨는 데 집중해야 합니다.

이론 학위나 버클리 서점에 가서 기능적 하모니와 클래식 음악에 관한 책을 찾아보지 않고도 나만의 인디 사운드 진행을 만드는 방법을 소개합니다.

먼저, 감정으로 시작하세요. 악기를 만지기 전에 스스로에게 물어보세요: 상대방이 어떤 감정을 느끼길 바라는가? 씁쓸한 그리움? 어색한 희망? 루프탑 파티에서 느꼈던 스물두 살의 부드러운 아픔과 상심? 그 감정이 여러분의 나침반입니다.

다음으로 귀를 사용하세요. 좋은 소리를 내기 위해 공식이 필요하지는 않습니다. 연주해 보세요. 코드를 몇 개 쳐보세요. 하나를 반음 아래로 이동합니다. 보통은 메이저를 사용하겠지만 마이너로 서브하세요. 최고의 인디 프로그레션은 종종 '어긋난' 느낌이 들지만, 이는 오히려 신선하게 느껴집니다.

간편한 인디 이사를 원하시나요? 모달 스왑을 시도해 보세요. 평행 조에서 코드를 차용하여 C조에서 A장조를 넣는 등 예상치 못한 변화를 통해 단순한 인디 록 코드 진행에 색채와 엣지를 더할 수 있습니다.

반전이나 페달 톤 도 놓치지 마세요. 같은 베이스 음을 다른 코드(페달 톤)로 연주하거나 코드를 뒤집어 베이스에 다른 음을 넣으면(반전) 밋밋할 수 있는 노래가 매우 활기차게 들릴 수 있습니다.

이제 리듬에 변화를 줘 보세요. 기본적인 코드 진행도 3/4박자나 6/8박자에서 더 재미있게 만들 수 있습니다. 아르페지오로 코드를 나누세요. 일시정지를 추가하세요. 한 코드가 너무 길게 이어지거나 너무 빠르게 다음 코드로 넘어가면 안 됩니다. 리듬은 기본적인 진행에도 완전히 다른 감동을 줄 수 있습니다.

인디 악기 및 코드 보이스 팁

같은 코드 진행이라도 어떻게 연주하느냐에 따라 완전히 다르게 들릴 수 있으며, 인디 아티스트는 목소리와 질감에서 감정을 끌어내는 데 능숙합니다. 기타를 연주하든 피아노를 연주하든, 올바른 화음으로 음악에 약간의 풍미를 더할 수 있는 방법은 많습니다.

기타리스트 여러분, 소리의 벽 미학을 추구하는 것이 아니라면 풀 바레 코드나 파워 코드는 건너뛰세요. 대신 높은 E 및 B 현이 울리는 Cmaj7이나 리버브가 피어날 수 있는 공간을 남겨두는 Dsus2 모양과 같은 오픈 스트링 보이스 를 사용하세요. 코드가 더 많이 숨을 쉴수록 더 인디적인 느낌을 줍니다.

빠른 업그레이드를 원하시나요? add9 및 sus2 코드를 사용해 보세요. 이 코드는 약간의 복잡함을 더하기에 좋으며, 클래식한 몽환적이거나 향수를 불러일으키는 음색에 적합합니다. 또한 대체 튜닝 (예: DADGAD 또는 오픈 C)으로 표준 튜닝에서 찾을 수 없었던 새로운 음색을 실험해 볼 수도 있습니다.

피아니스트는 기타리스트보다 조금 더 수월하게 인디의 시그니처 사운드를 위해 악기를 만들 수 있습니다. 넓은 간격의 보이스(트라이어드에서 중간 음을 건너뛰고 위쪽의 루트를 두 배로 늘림)를 사용하거나 7화음과 9화음으로 부드러운 불협화음을 추가할 수 있습니다. 반성적인 느낌을 위해 천천히 아르페지오를 연주하거나 강렬함을 위해 코드를 촘촘히 쌓아 올리세요.

완벽함은 선택 사항이라는 점을 기억하세요. 사실 로파이의 매력은 종종 판매 포인트입니다. 약간 투박한 스트럼이나 잘린 피아노 음표는 취약함과 사실감을 더할 수 있습니다.

이펙트도 과소평가하지 마세요. 약간의 리버브, 약간의 딜레이, 악기의 코러스만 추가해도 평범한 장조 또는 단조 코드가 인디 코드처럼 느껴질 수 있습니다. 가장자리를 흐리게 할 정도만 필요하지만, 수프가 될 정도로 많이 사용하면 안 됩니다.

인디의 발전을 나만의 것으로 만들기

인디 음악은 고전적으로 "완벽한" 소리를 내기 위한 것이 아닙니다. 모든 이론의 규칙을 따르거나 다른 사람의 음을 흉내 내는 것이 아닙니다. 인디 음악은 날것 그대로의 정직한 태도, DIY 태도, 그리고 악기로 만들 수 있는 모든 코드 모양에 관한 것입니다.

팝과 인디 록 코드 진행을 익혀서 근육이 기억될 때까지 연주해 보세요. 하지만 거기서 멈추지 마세요. 아티스트처럼 훔쳐보세요. 구조를 차용하고, 뒤집고, 비틀고, 그냥 느낌이 좋다는 이유로 이상한 것을 넣으세요. 목표는 피비 브리저스나 맥 드마르코처럼 들리는 것이 아닙니다. 목표는 여러분 자신처럼 들리는 것입니다.

여러분의 노래가 누군가의 Spotify 재생 목록에 올라가든, 침실에 영원히 남아 있든, 그것이 바로 인디의 정신입니다. 계속 연주하고, 계속 실패하고, 계속 창작하세요. 언젠가 여러분의 투박한 데모가 누군가에게 예상치 못한 감동을 준다면 그것은 승리입니다.

지금 바로 시도해 보세요: 목록에서 인디 코드 진행 중 하나를 골라 간단한 구절을 써서 어디로 가는지 확인해 보세요. 부담 갖지 마세요. 그저 자신의 목소리가 빛날 수 있도록 하세요.

결론:

인디 코드 진행은 이 장르의 정서적, 음향적 정체성의 핵심입니다. 몽환적인 오픈 튜닝부터 주류의 공식을 무시하는 파격적인 보이스와 진행에 이르기까지 인디 음악은 창의성과 표현력을 바탕으로 번창합니다.

노련한 작곡가든 이제 막 기타를 잡은 초보자이든, 이러한 진행 방식을 실험해 보면 독특한 분위기를 만들어내고 음악의 새로운 방향에 영감을 얻을 수 있습니다. 인디 음악에는 딱딱한 규칙이 없으니 여러분의 귀와 감성에 맡기세요.