음악 믹싱 방법을 배우는 것의 장점은 나만의 고유한 공식, 즉 아티스트 또는 오디오 엔지니어로서 나를 식별하고 나를 돋보이게 하는 음향 팔레트를 만드는 데 도움이 되는 음향 시그니처를 생각해낼 수 있다는 것입니다. 하지만 이 모든 것에 앞서, 오디오 믹싱에는 정해진 것은 아니지만 보다 전문적인 사운드를 얻는 데 도움이 되는 몇 가지 규칙이 있습니다.

일부 팁은 워크플로우를 간소화하는 데 도움이 되고, 다른 팁은 모든 재생 시스템에서 음악이 훌륭하게 들리도록 하기 위해 고안되었습니다. 이러한 모든 권장 사항의 공통점은 믹싱하는 동안 현실을 점검하고, 조정할 때 안내하며, 자신의 음악이든 다른 아티스트의 작품이든 의식적인 결정을 내리는 데 도움이 된다는 점입니다.

모든 사운드 엔지니어는 오디오 믹싱 시 무엇이 중요하고 무엇이 중요하지 않은지에 대해 자신만의 이론을 가지고 있겠지만, 아래에서는 스타일, 장르, 경험에 관계없이 전문적인 믹스를 만들고자 할 때 따라야 한다고 생각하는 규칙을 확인할 수 있습니다.

장르 이해

직접 음악을 믹싱하는 경우라면 자신이 프로듀싱하는 음악 장르에 익숙하다고 가정할 수 있습니다. 하지만 여러 장르의 아티스트와 함께 작업하는 오디오 엔지니어라면 상황이 달라질 수 있습니다.

메탈, 힙합, 팝, 클래식 음악 등 각 장르마다 고유한 규칙과 기대되는 사운드가 있습니다. 이를 맹목적으로 따르지 않더라도 최소한 알고 있어야 합니다. 기타 솔로는 팝, 소울, 디스코, 헤비메탈 곡의 일부이든 완전히 다르게 들리며, 드럼, 보컬, 신디사이저 등 곡의 다른 모든 요소도 마찬가지입니다.

록과 메탈의 경우 미드레인지 전반에 걸쳐 레벨의 균형을 맞추는 것은 길고 까다로운 작업이 될 수 있으며, 팝 음악에서는 리드 보컬이 가장 중요한 요소이고 힙합과 테크노에서는 킥 드럼이 비트의 주요 원동력이어야 합니다. 모든 장르마다 고유한 시그니처가 있다는 것은 끝없이 이야기할 수 있지만, 믹스에서 무엇이 중요한지 이해하고 파악하여 그에 맞게 향상시키는 것은 여러분의 몫입니다.

궁극적인 목표는 항상 청중이 상상하는 것과 일치하는 일관된 사운드를 만드는 것이며, 마스터링 엔지니어에게 보낼 최종 믹스에는 작업 중인 장르의 특징이 이미 반영되어 있어야 합니다.

믹스 조직

믹싱할 때 워크플로우를 정리하면 시간을 절약하고 일관된 결과를 얻을 수 있으며 매번 처음부터 다시 시작하지 않고도 여러 프로젝트에 맞게 조정할 수 있는 인식 가능한 사운드를 만들 수 있습니다.

세션을 준비하는 방법에는 여러 가지가 있으며, 가장 일반적인 방법에는 그룹화, 색상 코딩, 트랙 이름 지정, 트랙 폴더 사용, 버스 사용 등이 있습니다.

스트링 섹션이나 드럼과 같이 비슷한 트랙을 함께 그룹화하면 해당 트랙의 레벨과 효과를 조정하기가 더 쉬워집니다. 또한 프로젝트를 시각화하고 개별 트랙을 고유한 요소의 일부로 볼 수 있는 좋은 방법이기도 합니다.

컬러 코딩을 사용하면 믹스에서 요소를 구분하고 트랙을 쉽게 찾을 수 있어 대규모 프로젝트 작업의 판도를 바꿀 수 있습니다. 예를 들어 신디사이저에는 한 가지 색을, 기타에는 다른 색을, 보컬에는 다른 색을 사용할 수 있습니다. 다시 한 번 강조하지만, 이렇게 하면 진행 상황을 한눈에 시각적으로 표현할 수 있어 여러 프로젝트에서 작업하는 사운드 엔지니어에게 매우 유용합니다.

일부 DAW에서는 트랙 폴더를 생성할 수 있는데, 이는 트랙을 계층적 방식으로 그룹화하는 방법으로 믹스 요소를 체계적이고 깔끔하게 정리하는 데 도움이 될 수 있습니다.

마지막으로, 여러 트랙을 함께 그룹화하여 일괄적으로 효과를 적용할 수 있는 가상 채널인 믹스 버스의 중요성을 잊지 마세요. 믹스 버스를 사용하면 시간을 크게 절약할 수 있을 뿐만 아니라 믹스의 일관성에도 긍정적인 영향을 미칩니다.

레퍼런스 트랙

이것은 아마도 좋은 품질의 믹스를 제작할 때 가장 중요한 요소일 것입니다. 작업 중인 장르뿐만 아니라 고객의 요구, 취향, 사용 가능한 도구에 맞는 레퍼런스 트랙을 선택하는 것은 결코 쉬운 일이 아니지만 반드시 필요한 작업입니다.

고객과 함께 음악 믹스를 작업할 때는 항상 이전 곡을 참고할 수 있도록 요청하는 것이 좋은데, 이를 통해 고객이 원하는 믹스의 밸런스 유형을 더 명확하게 파악할 수 있습니다. 고객이나 고객이 원하는 바를 정확히 파악하면 고객이 구상하는 것과 일치하는 믹스를 만들 수 있습니다.

믹싱 과정에서 시간을 절약하려면 관련 장르, 아티스트, 음악을 탐색하는 데 시간을 투자하세요. 다른 사람들과 똑같은 사운드로 믹스를 만들 필요는 없지만, 믹싱 프로세스를 시작하기 전에 청중이 어떤 음악에 익숙한지 알아두는 것이 좋습니다.

시작 위치

믹싱을 시작할 때가 되면 어떤 악기를 먼저 다뤄야 할지 궁금할 것입니다. 다시 한 번 말씀드리지만, 이 질문에 대한 명확한 답은 없지만 경험상 베이스와 드럼부터 시작하는 것이 좋습니다.

이는 곡의 탄탄한 기초가 되며, 균형을 잡으면 믹스에서 주요 요소(기타, 신디, 보컬)를 어디에 배치할지 현명한 결정을 내리는 데 도움이 됩니다.

또한 드럼은 전체 주파수 스펙트럼을 포괄하므로 믹스에서 주파수가 어떻게 작동하는지 '미리 보기'로 확인할 수 있습니다.

드럼으로 시작하는 경우 가장 좋은 방법은 스네어와 킥 드럼에 먼저 집중하는 것입니다. 스네어는 믹스에서 가장 시끄러운 요소 중 하나이며, 트랙의 중추이자 그루브를 정의하므로 드럼의 다른 모든 요소는 스네어를 중심으로 회전해야 합니다.

킥 드럼도 마찬가지로 중요합니다. 스네어의 과도음이나 리드 악기를 가릴 수 있으므로 시끄러워야 하지만 너무 크면 안 됩니다.

다른 모든 것(톰, 심벌즈, 퍼커션)은 스네어와 킥 다음에 오게 됩니다. 믹스에서 적절한 공간을 확보하고 믹스에서 그루브를 안내하는 부분을 돋보이게 하지 않으면서도 명확하게 들리도록 해야 합니다.

믹스의 다른 요소로 넘어가면서 믹스 깊이를 개선하고 관련된 모든 악기를 미세 조정할 수 있는 방법에 집중하세요. 믹스에 추가하는 요소가 많을수록 좋은 사운드를 위해 밸런싱 과정에서 미세한 조정이 필요합니다. 처음에는 부담스럽게 느껴질 수 있지만 시간이 지나면 재미있고 매력적인 과정이 될 것이며, 믹싱하는 모든 트랙에서 나만의 독특한 음향 시그니처를 발견하게 될 것입니다.

볼륨 먼저, 효과는 나중에(스태틱 믹스)

스태틱 믹스는 믹싱 프로세스의 첫 번째 단계가 되어야 합니다. 이 작업을 제대로 수행하면 포스트 프로덕션 효과를 통해 믹스 접착을 훨씬 쉽게 할 수 있는 러프 믹스를 얻을 수 있습니다.

동적 처리, 효과 또는 자동화의 도움 없이 볼륨 페이더와 팬 컨트롤만 사용하여 균형 잡힌 믹스를 만들어 보세요. 이 기본 밸런스는 트랙의 균형과 대략적인 스테레오 이미지를 만드는 데 도움이 되며, 나중에 효과로 향상시킬 수 있습니다.

먼저 모든 볼륨 레벨을 0으로 설정한 다음 각 트랙을 하나씩 믹스 안으로 천천히 가져옵니다. 볼륨 페이더를 조정하여 각 요소가 서로 어떻게 상호 작용하는지에 초점을 맞춰 믹스에 잘 배치되도록 합니다. 패닝을 사용하여 스테레오 필드 내에 요소를 배치하여 주파수 마스킹을 피하면서 각각 고유한 공간을 확보합니다.

최종 스태틱 믹스는 발매할 앨범의 원음 버전처럼 들려야 합니다. 모든 볼륨의 밸런스가 완벽하게 맞아야 하고 각 악기는 사운드스테이지에 고유한 공간을 가져야 합니다.

EQ, 페이더 및 압축을 적용하기 시작하면 조정해야 할 가능성이 높습니다. 그럼에도 불구하고 이 기본 믹스는 효과를 통해 사운드를 조각하기 위한 중요한 출발점이 될 것입니다.

'솔로' 버튼은 잊어버리세요

믹싱은 트랙의 모든 요소 간에 균형과 조화를 이루는 것이므로, 트랙 작업 시 전체적인 관점으로 접근하면 최상의 결과를 얻을 수 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다.

솔로 모드에서 주파수를 조정하면 믹스의 선명도가 떨어질 수 있습니다: 이러한 방식으로 EQ를 조정하면 한 트랙이 다른 트랙의 주파수 공간을 '침범'하거나, 단독으로는 이상적으로 보였던 압축 설정이 믹스의 다이내믹을 손상시킬 수 있습니다.

다시 한 번 말씀드리지만, 믹스 문제를 해결하고 다이나믹 밸런스를 향상시키기 위한 주요 도구로 볼륨과 패닝 조정을 사용하는 것이 좋습니다. 노이즈 제거 또는 사소한 EQ 조정에는 솔로잉이 필요할 수 있지만, 이는 예외적인 경우이지 일반적인 방법은 아닙니다.

여유 공간 남기기

헤드룸은 오디오 신호의 피크 레벨과 디지털 시스템의 최대 한계 사이의 공간입니다.

이 공간은 클리핑을 방지할 뿐만 아니라 특히 플러그인을 사용할 때 사운드의 품질과 질감을 정의합니다. 디지털 플러그인은 입력 레벨에 따라 다르게 반응하기 때문에 일반적으로 입력 레벨이 낮을수록 플러그인 내에서 동적 상호 작용이 더 빠르게 반응하고 효과가 더 투명하고 효과적으로 적용되기 때문입니다.

마지막으로, 충분한 헤드룸을 확보하면 클리핑과 원치 않는 디지털 왜곡 아티팩트를 방지하고 트랙의 다이나믹을 향상시킬 수 있습니다. 일반적으로 믹싱할 때는 3~6dB의 헤드룸을 남겨두는 것이 좋습니다.

조용한 듣기

낮은 볼륨으로 음악을 들을 때 우리 귀는 주파수 스펙트럼의 극단적인 저음과 고음에 덜 민감합니다. 재생 볼륨이 높아지면 고음과 저음이 고르게 들리기 시작합니다. 팝송을 아주 낮은 볼륨으로 들어보세요. 보컬은 선명하게 들리지만 베이스 라인은 거의 들리지 않는 것을 보셨나요?

따라서 낮은 볼륨에서 충만감과 선명함을 얻을 수 있는 믹스라면 균형이 잘 잡힌 것입니다. 반면에 볼륨을 높이면 균형 잡힌 사운드를 내지만 볼륨을 낮추면 선명도와 응집력을 잃는다면 믹스 내 요소의 상호 작용에 문제가 있다는 뜻입니다.

마지막으로, 모든 페이백 시스템에서 잘 작동하고 다이나믹 레인지와 표현력을 보존하는 훌륭한 믹스를 만들려면 낮은 볼륨으로 듣는 것도 중요합니다.

모노의 중요성

모든 요소가 단일 채널에 합산되는 모노에서 선명도와 균형을 유지하는 믹스는 추가적인 레벨 조정이 필요 없는 믹스입니다. 주파수 문제를 파악하고 처리하는 가장 좋은 방법은 항상 모노에서 믹스가 어떻게 들리는지 확인하는 것이 좋습니다.

스테레오 믹스에서는 여러 요소를 패닝하고 스테레오 필드에 분산시켜 분리와 공간을 만들 수 있습니다. 그러나 이러한 요소를 모노로 축소하면 위상 제거 문제가 훨씬 더 명확하게 드러날 수 있습니다. 같은 방식으로 모노로 들을 때 주파수 마스킹 문제를 더 쉽게 식별할 수 있습니다.

마지막으로, 모노에서 잘 재생되는 믹스는 하이엔드 오디오 애호가 시스템부터 싱글 스피커 장치에 이르기까지 다양한 재생 시스템에서 더 일관성 있게 재생될 가능성이 높으며, 이는 바로 음악 믹싱 시 원하는 것입니다.

최고의 도구는 알되, 현재 가지고 있는 도구로 작업하기

프로페셔널한 사운드를 위해서는 고가의 플러그인과 장비가 필요하다는 생각에 사로잡히기 쉽다는 것을 경험으로 잘 알고 있습니다. 하지만 오늘날에는 더 이상 그렇지 않습니다.

대부분의 디지털 오디오 워크스테이션에는 전문적인 결과물을 제공할 수 있는 다양한 플러그인이 내장되어 있으므로, 이러한 도구를 익히는 것부터 시작하는 것이 한 번도 사용하지 않을 수많은 타사 플러그인을 구입하는 것보다 더 합리적인 솔루션입니다.

프로젝트에 사용할 고품질 플러그인과 장비를 모르거나 구하지 말라는 것은 아니지만, 그것에 집착하면 믹싱의 더 중요한 측면, 즉 기술을 연마하고 귀를 신뢰하며 사용 가능한 리소스를 사용해 최상의 믹스를 만드는 데 집중할 수 없게 됩니다.

최종 생각

오디오 제작에는 정해진 것이 없습니다. 이것이 바로 오디오 제작을 매력적이고 창의적인 경험으로 만드는 이유 중 하나입니다.

하지만 신중한 볼륨 밸런싱을 통해 궁극적으로 성공적인 믹스를 만들 수 있습니다. 트랙에 등장하는 각 악기와 사운드 스테이지에서의 이상적인 위치를 파악하는 데 시간을 투자하세요. 단일 요소에 초점을 맞추지 말고 청취자가 공감하고 감정적 영향을 느낄 수 있는 전체적인 음향 경험에 집중하세요.

다양한 재생 시스템에서 믹스를 테스트하여 모든 장치에서 구상한 대로 재생되는지 확인하는 것이 얼마나 중요한지 아무리 강조해도 지나치지 않습니다. 스튜디오 환경에서는 훌륭한 노래가 카오디오 시스템에서는 끔찍하게 들릴 수 있는데, 그런 일이 발생해서는 안 됩니다. 전문가용 헤드폰과 스튜디오 모니터를 사용하되, 저렴한 이어폰으로도 믹스를 확인하면 어떤 환경에서든 잘 들릴 것입니다.

행운을 빌며 창의력을 발휘하세요!