덥 음악은 틈새 장르로 시작되었지만 그 파급력은 덥이 탄생한 자메이카 해안을 훨씬 넘어섰습니다. 1970년대 레게 음악의 전설적인 트랙부터 오늘날의 일렉트로닉 댄스 음악의 베이스가 강조된 프로덕션에 이르기까지 더빙은 다양한 대중음악에 그 흔적을 남겼습니다.

더빙에 뛰어든 더 클래시, 매시브 어택과 같은 아티스트들은 오랫동안 전 세계 시청자들의 공감을 불러일으킨 음악을 만들었지만, 더빙 자체는 여전히 많은 사람들에게 잘 알려지지 않은 장르로 남아 있습니다.

수십 년에 걸친 영향력에도 불구하고 더빙 음악은 여전히 어디에나 존재하면서도 찾기 어려운 사운드입니다. 이 글에서는 더빙 음악의 역사, 영향력, 아이콘에 대해 자세히 알아볼 것입니다. 마지막에는 더빙이 단순히 고개를 끄덕이는 것 이상의 가치를 지니는 이유를 알게 될 것입니다. 그리고 누가 알겠어요? 다음 트랙에 더빙에서 영감을 받은 비트를 넣는 자신을 발견할지도 모릅니다!

더빙 음악이란 무엇인가요?

흔히 '덥 레게'라고 불리는 더빙 음악은 1960년대 말과 1970년대 초에 자메이카 레게 노래의 악기 버전에서 탄생했습니다. 이 모든 것은 레게 노래를 뼈대만 남기고 리드 보컬을 없애고 때로는 백 보컬을 남겨 리듬, 즉 '리딤'이 중심이 되는 공간을 만든다는 단순하면서도 기발한(그리고 우연한) 아이디어에서 시작되었습니다.

이 초기 더빙 트랙은 레게 음악의 핵심인 드럼과 베이스가 모든 사람이 들을 수 있도록 그대로 드러나 있습니다.

' 더빙 '이라는 이름은 사운드 시스템 운영자가 새로운 믹스를 테스트하거나 독점 트랙을 재생하기 위해 사용하는 아세테이트 레코드인 ' 더빙 플레이트 '에서 유래했습니다. '더빙'이라는 용어 자체가 이러한 악기 버전을 리믹스하고 변경하여 리버브, 에코, 딜레이와 같은 효과 레이어를 추가하는 것과 동의어가 되었습니다.

프로듀서가 아티스트가 되어 실시간으로 음악을 리믹스하고 재구성하면서 믹싱 보드를 그 자체로 하나의 악기처럼 사용할 수 있게 된 것입니다.

초창기 더빙 음악은 날것 그대로의 유기적인 음악이었습니다. 프로듀서들은 스튜디오를 창작의 놀이터로 사용했습니다. 하지만 기술이 발전하면서 더빙 음악도 발전했습니다. 결국 드럼 머신과 샘플러가 믹스에 등장하면서 더빙 음악은 새로운 영역으로 나아갔습니다.

오늘날 더빙 음악은 거의 독자적인 전자 음악 장르로 발전하여 힙합에서 EDM에 이르기까지 모든 장르에 영향을 미치고 있습니다. 하지만 더빙의 핵심은 리듬, 실험, 베이스의 힘에 대한 찬사라는 더빙의 뿌리에 충실합니다!

더빙 음악의 역사

"해변에서"

더빙 음악의 탄생은 음악 역사의 흐름을 영원히 바꾼 행복한 우연 중 하나입니다.

1968년 자메이카의 공기는 레게 음악 소리로 가득했습니다. 사운드 시스템 프로듀서 루돌프 "루디" 레드우드는 트레저 아일 스튜디오에 파라곤스의 히트 싱글 "온 더 비치"의 녹음 작업을 의뢰했습니다.

하지만 스튜디오의 엔지니어인 바이런 스미스의 작은 실수로 인해 마법 같은 일이 벌어졌습니다.

스미스는 실수로 보컬 없이 악기만 있는 트랙의 복사본을 눌렀습니다. 레드우드는 이 '실수'를 폐기하는 대신 그대로 사용하기로 결정하고 사운드 시스템 파티에서 보컬이 없는 버전을 재생했습니다.

반응은 뜨거웠습니다.

관객들은 리듬을 강조한 간결한 사운드를 좋아했고, 인스트루멘탈 버전은 곧 큰 인기를 얻었습니다. 무엇이 그렇게 특별했을까요? 우선 음악이 숨을 쉴 수 있는 공간이 더 넓어졌고, DJ가 리딤 위에 말을 하거나 노래를 부르는 '토스팅'의 기회도 생겼기 때문입니다. 이는 현재 우리가 현대 랩과 힙합으로 인식하는 음악의 초기 선구자였습니다.

더 킹 터비 사운드

우연한 계기로 탄생한 더빙 음악은 결국 가장 영향력 있는 선구자 중 한 명인 오스본 "킹 터비" 러독의 관심을 끌게 됩니다. 혁신에 예민한 귀를 가진 사운드 엔지니어였던 King Tubby는 악기 레게 트랙의 아이디어를 한 단계 더 발전시킬 수 있는 잠재력을 보았습니다. 많은 가능성에 영감을 받은 터비는 해체와 재구성에 관한 자신만의 더빙 공식을 개발했습니다.

그는 오리지널 레게 트랙을 "리딤"이라고 하는 드럼과 베이스를 중심으로 핵심 요소만 남기고 제거했습니다. 그런 다음 에코, 리버브, 딜레이를 혼합하여 트랙을 레이어링했습니다. 보컬은 종종 원음의 파편과 메아리로 축소되고 다른 악기는 믹스에 들락날락하면서 몰입감 있는 청취 경험을 만들어 냈습니다.

음악 제작에 대한 이 혁신적인 접근 방식은 곧 들불처럼 번졌고, 더빙 음악은 사운드 시스템 현상에서 녹음 스튜디오의 필수 요소로 빠르게 발전했습니다. 얼마 지나지 않아 더빙 앨범이 레코드 매장 진열대에 등장하기 시작하면서 레게의 새롭고 실험적인 면모를 전 세계에 소개하기 시작했습니다.

메인스트림 더빙

1960년대와 1970년대에 자메이카의 음악계는 스카, 록스테디, 레게 등의 주류 히트곡으로 호황을 누렸습니다. 이러한 장르는 공중파와 댄스홀을 거의 지배했습니다. 하지만 이러한 곡들이 차트를 장식하는 동안 비주류에서는 혁명적인 음악이 탄생하고 있었습니다.

항상 새롭고 흥미로운 것을 추구하는 사운드 시스템은 이러한 인기 음반의 이면을 실험하기 시작했습니다. 단순히 오리지널 트랙을 재생하는 대신 보컬을 제거하고 악기 요소로만 연주하는 더빙 버전을 만들기 시작했습니다.

이 더빙 버전은 주류 히트곡에 새로운 생명을 불어넣었습니다.

예를 들어, '킹 터비, 로커 업타운을 만나다'는 제이콥 밀러의 '베이비 아이 러브 유 소'를 더빙한 버전으로, 가장 유명한 더빙 버전 중 하나가 되었습니다.

더빙 전문가가 현장에 출동하다

1970년대 초에 이르러 더빙 음악은 본격적인 움직임이 시작되었습니다. 여러 선구적인 프로듀서들이 등장하여 진화하는 장르에 각자의 개성을 불어넣었습니다. 리 "스크래치" 페리, 킹 터비, 어거스터스 파블로, 에롤 톰슨과 같은 선각자들이 더빙의 진정한 주인으로 자리를 잡아가면서 킹스턴의 거리에 이들의 이름이 울려 퍼지기 시작했습니다.

더빙 혁명에 기여한 프로듀서 중 한 명인 데릭 해리엇은 더빙 장르에 자신만의 독특한 감각을 불어넣은 인물입니다.

해리엇은 사이렌, 천둥소리, 심지어 대사의 일부분을 더빙에 추가하는 등 독창적인 음향 효과 사용으로 유명해졌습니다. 이러한 효과는 음악에 분위기와 드라마를 더하여 각 트랙이 살아 숨 쉬는 존재처럼 느껴지도록 만들었습니다.

영국 더빙 씬 만들기

1970년대와 1980년대에 자메이카 이민자들이 영국에 정착하면서 레게와 더빙 음악의 사운드를 가져왔습니다. 이러한 문화적 교류는 독특한 영국 더빙 씬의 탄생을 촉발시켰습니다.

데니스 보벨, 매드 교수, 자 샤카 같은 선구적인 아티스트들은 자메이카 더빙의 쿵쾅거리는 베이스 라인과 최면 리듬에 영국 특유의 풍미를 불어넣어 이 무드를 형성하는 데 중요한 역할을 했습니다.

'영국 더빙의 대부'로 불리는 데니스 보벨은 영국 대중에게 더빙을 알리는 데 중요한 역할을 했습니다. 그는 마툼비 같은 밴드와의 작업을 통해 레게와 더빙, 그리고 떠오르는 펑크 신 사이의 간극을 좁히는 데 기여했습니다.

마찬가지로 매드 교수는 전통적인 더빙 요소와 일렉트로닉 사운드를 혼합하여 미래적이고 우주적인 분위기를 연출하는 실험적인 접근 방식으로 유명해져 당시 젊은이들의 공감을 얻었습니다. 자 샤카는 평화, 사랑, 저항의 메시지를 전파하기 위해 음악을 사용하여 더빙의 정신적인 측면을 옹호했습니다.

이 영국 더빙의 선구자들은 또한 더빙을 자신의 사운드에 통합한 크로스오버 밴드의 물결에 영감을 주어 더빙을 더 많은 사람들에게 알리는 데 도움을 주었습니다.

더 폴리스, 더 클래시, UB40과 같은 밴드는 더빙의 깊은 리듬과 울림 효과를 펑크, 록, 뉴웨이브와 혼합하여 실험하기 시작했습니다. 더빙이 영국 주류 음악에 어떤 영향을 미쳤는지 더 클래시의 상징적인 앨범 샌디니스타! 와 더 폴리스의 트랙 "워킹 온 더 문"을 통해 확인할 수 있습니다.

영국 더빙 씬은 자메이카 사운드에 플랫폼을 제공했을 뿐만 아니라 더빙 음악의 범위를 확장했습니다.

더빙의 전자화

1980년대 초, 일렉트로닉 리믹스가 등장하기 시작하면서 더빙 음악의 진화는 흥미진진한 전환점을 맞이했습니다. 프로듀서들은 신디사이저, 드럼 머신, 디지털 음향 효과를 실험하며 더빙의 시그니처 사운드의 경계를 넓히기 시작했습니다. 이 시대는 더빙과 일렉트로닉 음악의 융합을 낳았고, 오늘날 음악계에 계속 영향을 미치고 있는 완전히 새로운 하위 장르를 탄생시켰습니다.

더빙이 디지털 시대를 맞이하면서 여러 가지 전자식 더빙이 등장했습니다:

• 덥스텝: 많은 현대 덥스텝 팬들은 이 장르가 1990년대 후반 영국에서 시작되었다는 사실을 잘 모릅니다. 처음에 덥스텝은 덥의 깊은 베이스와 리버브가 많은 요소를 더 어둡고 공격적인 사운드와 결합했습니다. Skream, Benga, Burial과 같은 선구적인 아티스트들이 이 장르를 정의하는 데 도움을 주었으며, 언더그라운드 클럽에서 빠르게 인기를 얻었고 이후 전 세계 음악 신으로 폭발적으로 퍼져나갔습니다.
• 덥트로니카: 덥과 전자 드럼의 분위기 있는 특성으로 인해 덥트로니카는 실험의 장이 되었습니다. Thievery Corporation과 Ott 같은 아티스트가 이 장르의 작업으로 유명합니다.
• 덥 테크노: 덥 테크노는 테크노의 미니멀리즘에 더빙의 깊고 울림이 있는 특성을 더한 것입니다. 베이직 채널과 딥코드 같은 아티스트가 이 장르를 개척했습니다.
• 싸이덥: 더빙과 사이키델릭 음악이 융합된 싸이덥은 정신이 번쩍 들게 하는 경이로운 청취 경험을 선사합니다. 슈퐁글과 영 브라더는 사이덥 씬의 핵심 인물입니다.
• 트립합: 트립합은 더빙과 힙합, 재즈, 일렉트로닉 음악이 혼합되어 차갑고 엣지 있는 장르를 만들어 냅니다. 매시브 어택, 포티스헤드, 트리키는 90년대 트립합 신에서 떠오른 가장 상징적인 아티스트입니다.

특히 1980년대 후반과 1990년대 초반에 댄스홀에 일렉트로닉 요소가 도입되기 시작하면서 시간이 지남에 따라 더빙과 댄스홀의 겹치는 부분도 더욱 뚜렷해졌습니다.

King Jammy와 같은 아티스트는 이러한 융합에 중요한 역할을 했으며, 이후 Shabba Ranks와 Buju Banton 같은 아티스트는 더빙에서 영감을 받은 제작 기법을 사용하여 댄스홀 히트곡을 만들면서 경계를 더욱 모호하게 만들었습니다.

레게 대 더빙

레게와 더빙은 매우 밀접한 관련이 있는 장르이기 때문에 많은 사람들이 두 장르를 혼용해서 말하는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 우선, 둘 다 자메이카의 풍부한 음악적 전통에 뿌리를 두고 있습니다.

하지만 많은 유사점을 공유하지만 몇 가지 주요 차이점이 있습니다. 다음은 레게와 더빙의 주요 차이점에 대한 분석입니다:

• 구조 :
  • 레게: 일반적으로 구절, 후렴구, 강한 보컬 멜로디가 있는 구조화된 노래 형식이 특징입니다.
  • 더빙: 주로 악기 연주용이며, 원본 트랙의 요소를 리믹스하고 조작하는 데 중점을 두고 보컬을 제거하거나 최소화하는 경우가 많습니다.
• 계측 :
  • 레게: 기타, 베이스, 드럼, 키보드, 호른을 포함한 풀 밴드 구성에 의존하며 리듬과 멜로디에 중점을 둡니다.
  • 더빙: 베이스와 드럼('리딤')에 중점을 두며 다른 악기를 배제하거나 추가 효과와 함께 드물게 사용하는 경우가 많습니다.
• 제작 기술 :
  • 레게: 자연스러운 라이브 밴드 사운드에 중점을 두고 최소한의 음향 효과로 녹음 및 제작되었습니다.
  • 더빙: 리버브, 에코, 딜레이와 같은 스튜디오 효과를 실험적으로 사용하여 보다 공간감 있고 이질적인 사운드를 만들어내는 것으로 유명합니다.
• 보컬 프레즌스 :
  • 레게: 보컬이 중심이 되어 노래의 메시지를 전달하며, 종종 사랑, 사회 정의, 영성 등의 주제를 담고 있습니다.
  • 더빙: 보컬이 있는 경우 일반적으로 파편화, 에코 또는 리믹스되어 초점이 아닌 전체 질감의 일부가 됩니다.
• 목적 :
  • 레게: 명확한 내러티브나 메시지로 일관성 있는 노래 경험을 제공하는 것을 목표로 합니다.
  • 더빙: 레게 음악을 리믹스하거나 재해석하여 분위기, 리듬, 음향 실험에 중점을 두는 경우가 많습니다.
• 문화적 영향 :
  • 레게: 세계 음악에 미치는 영향력, 특히 자메이카 문화와 평화와 화합의 메시지를 전파하는 데 있어 널리 인정받는 음악입니다.
  • Dub: 힙합에서 EDM에 이르기까지 현대 일렉트로닉 음악의 사운드를 형성하는 데 영향을 미쳤으며 리믹스 문화에서 중요한 역할을 하는 것으로 유명합니다.

더빙과 레게 음악은 공통의 기원을 공유하지만, 실제로 음악을 만드는 방식에 차이가 있습니다.

상징적인 더빙 아티스트

킹 터비

오스본 러독에서 태어난 터비 왕은 종종 "더빙의 아버지"로 칭송받습니다.

선구적인 사운드 엔지니어였던 터비는 믹싱 보드를 악기로 바꿔 음악 제작에 혁명을 일으켰습니다. 그의 획기적인 작업에는 레게 트랙의 코어를 제거하고 에코, 리버브, 딜레이와 같은 혁신적인 음향 효과를 추가하는 것이 포함되었습니다.

아우구스투스 파블로가 참여한 ' 킹 터비, 로커 업타운을 만나다 '와 같은 트랙은 그의 시그니처 스타일을 잘 보여줍니다. 터비의 영향력은 엄청나며, 거의 모든 면에서 현대 리믹스 문화와 일렉트로닉 음악의 토대를 마련했습니다.

리 스크래치 페리

'더 업셋터'로도 알려진 리 "스크래치" 페리는 더빙계의 가장 기이하고 영향력 있는 인물 중 한 명입니다. 프로듀서, 믹서, 아티스트로 활동한 페리는 자메이카의 블랙 아크 스튜디오에서 역사상 가장 획기적인 더빙 트랙을 제작했습니다.

그는 유리 깨지는 소리나 동물 소리와 같은 색다른 사운드에 무거운 리버브와 딜레이를 겹쳐서 이 세상 어디에도 없는 사운드스케이프를 만들어내는 데 능했습니다. 페리는 자신의 앨범뿐만 아니라 밥 말리, 더 웨일러스와 같은 아티스트와의 협업으로 더빙의 경계를 넓히며 장르의 아이콘이 되었습니다.

아우구스투스 파블로

호레이스 스와비로 태어난 아우구스투스 파블로는 레게와 더빙 음악에 대중화된 멜로디카 악기를 능숙하게 사용한 것으로 가장 잘 알려져 있습니다. 그의 시그니처 사운드는 깊고 울리는 베이스 라인과 함께 잊혀지지 않는 미묘한 멜로디로 묘사할 수 있으며, 더빙 장르의 특징이 되었습니다.

파블로는 킹 터비와의 협업을 통해 킹 터비와 로커의 만남 업타운을 비롯한 가장 상징적인 더빙 앨범을 만들었습니다. 전통적인 자메이카 음악과 실험적인 더빙 요소를 혼합하는 그의 능력은 그가 이 장르에서 가장 혁신적이고 지속적인 아티스트 중 한 명으로 입지를 굳히는 데 도움이 되었습니다.

미친 교수

닐 프레이저라는 본명을 가진 매드 교수는 특히 영국에서 더빙의 진화를 이끈 핵심 인물입니다. 더빙 장르에 대한 미래지향적인 접근 방식으로 유명한 매드 교수는 디지털 방식을 받아들여 더빙을 새로운 전자 영역으로 끌어올렸습니다.

그의 더빙 미 크레이지 시리즈는 신디사이저, 샘플러, 드럼 머신의 혁신적인 사용을 선보이며 전통적인 더빙 기술과 당시의 최첨단 프로덕션을 혼합했습니다. 매드 교수는 매시브 어택의 노 프로텍션 앨범을 비롯한 다양한 아티스트와의 콜라보레이션을 통해 더빙을 더 많은 대중에게 알리는 데 기여했습니다.

과학자

호프턴 오버턴 브라운으로 태어난 사이언티스트는 터비 킹의 제자로, 장난기 넘치는 더빙으로 유명해졌습니다. 터비의 스튜디오에서 견습생으로 시작한 사이언티스트는 무거운 베이스, 독특한 에코 효과, 정교한 사운드 조작이 특징인 자신만의 스타일을 빠르게 발전시켰습니다. 뱀파이어의 사악한 저주를 풀어낸 과학자, 월드컵에서 우승한 과학자 등의 앨범은 상상력이 풍부한 제목과 선구적인 제작 기법으로 유명합니다.

영화에 가까운 생생한 사운드스케이프를 만들어내는 과학자의 능력 덕분에 그는 더빙계에서 가장 상징적이고 사랑받는 인물 중 한 명이 되었습니다.

더빙 믹싱 팁 5가지

더빙은 독특한 예술 형식입니다. 여러 가지 면에서 '믹싱 콘솔'은 가장 중요한 도구입니다.

물론 더빙 초창기에는 킹 터비나 리 "스크래치" 페리 같은 선구자들이 스튜디오를 자신의 도구로 삼았습니다. 오늘날 컴퓨터가 더빙 제작 방식을 변화시켰지만 더빙의 본질은 그대로 유지되고 있습니다.

다음은 최신 설정에서 더빙 믹싱 기술을 익히는 데 도움이 되는 몇 가지 팁입니다:

1. 수동으로 접근하기

더빙 믹싱 작업에는 손을 사용하는 것만이 가진 특별한 힘이 있습니다. 디지털 도구는 정밀함을 제공하지만, 장비와 물리적으로 상호 작용하는 데서 오는 촉각적인 표현 방식은 대체할 수 없습니다.

더빙에서 손은 창의적인 본능의 연장선상에 있어야 합니다.

수동 믹싱 방식을 사용하면 음악과 더 깊이 교감할 수 있습니다. 페이더를 누르든 콘솔의 노브를 돌리든 실시간으로 사운드를 조작하는 물리적 행위는 더빙의 핵심인 즉흥성과 직관성을 가져다줍니다. 믹싱 콘솔이나 장비를 직접 조작하면 그 순간 음악에 반응하여 이론이 아닌 느낌에 따라 결정을 내릴 수 있습니다.

요컨대, 더빙은 항상 본능적인 과정이어야 합니다.

2. 더빙 세션 템플릿 설정하기

더빙을 믹싱할 때는 준비가 중요합니다.

아웃보드 랙을 사용하든 DAW를 사용하든, 세션 템플릿에 바로 사용할 수 있는 보조 전송을 설정해 두면 시간을 절약하고 창작 흐름을 유지하는 데 도움이 됩니다. 다음은 설정에 반드시 포함해야 하는 몇 가지 필수 보조 전송 및 효과에 대한 분석입니다:

• 모노 스프링 리버브: 클래식 스프링 리버브를 사용해 믹스에 투박한 아날로그적 따뜻함을 더할 수 있습니다. 스네어 히트 또는 보컬 스니펫을 보내 정통 올드 스쿨 더빙 분위기를 연출하는 데 이상적입니다. 모노 설정은 이펙트를 단단하고 집중력 있게 유지하는 데 도움이 됩니다. 하드웨어를 사용하는 경우 Fender '63 리버브 유닛을 사용하는 것이 좋습니다. 소프트웨어로 작업하는 경우 UAD의 AKG BX 20을 확인해 보세요.
• 디지털 스테레오 리버브: 디지털 스테레오 리버브는 더 넓은 스테레오 사운드를 제공합니다. 기타, 호른 또는 풀 드럼 키트를 통해 풍성한 분위기를 연출할 수 있습니다. 이 효과는 믹스에 깊이를 더하고 더 넓은 느낌을 주는 데 효과적입니다. 하드웨어 측면에서는 Lexicon PCM 92가 광범위한 리버브에 이상적이지만, 소프트웨어를 찾고 있다면 발할라 빈티지버브가 좋습니다.
• 긴 빌드 더빙 에코(모노 또는 스테레오): 더빙에 필수적인 요소입니다. 긴 피드백 루프가 있는 지연을 설정하여 시간이 지남에 따라 구축되고 진화할 수 있도록 합니다. 보다 직접적이고 집중된 사운드를 원한다면 모노로, 보다 넓고 몰입감 있는 효과를 원한다면 스테레오로 사용하세요. 기타 리프나 보컬 라인이 무한대로 이어지도록 하여 클래식한 더빙 공간을 연출하는 데 적합합니다. 롤랜드 RE-201 스페이스 에코가 가장 확실한 선택이지만, 유연성을 높이려면 사운드토이즈 에코보이 를 추천합니다.
• 페이저: 페이저는 믹스에 움직임과 질감을 더하는 데 유용합니다. 페이저를 통해 하이햇, 신디사이저 또는 전체 드럼 루프를 보내 소용돌이치는 최면 효과를 만들 수 있습니다. 기타리스트인 저는 일렉트로 하모닉스 스몰 스톤 페이저를 가장 좋아하는 하드웨어 중 하나로 꼽습니다. 하지만 소프트웨어로 사용하고 싶다면 사운드토이즈 페이즈미스트리스 를 확인해 보세요.

3. 긴 더빙 에코 딜레이 만들기

더빙 음악의 대표적인 기법 중 하나는 무한대로 뻗어나가는 듯한 깊고 진화하는 에코 딜레이를 만드는 것입니다. 이 사운드의 핵심에는 간단하지만 강력한 트릭이 있습니다. 바로 딜레이를 다시 되돌려 보내는 것입니다. 흔히 '피드백 루핑'이라고 불리는 이 방법은 더빙 제작의 초석입니다.

이 효과를 얻으려면 딜레이 유닛의 출력을 다시 입력으로 라우팅해야 합니다.

작동 원리는 다음과 같습니다. 딜레이 신호가 다시 피드백되면 시간이 지남에 따라 에코가 반복될 때마다 더욱 강렬해지는 루프가 만들어집니다. 이 피드백 루프를 조정하여 에코의 지속 시간과 나머지 믹스와 상호 작용하는 방식을 제어할 수 있습니다.

하드웨어의 자연스러운 불완전함과 특성이 마법을 더하기 때문에 아날로그 딜레이를 사용하는 것이 좋습니다. 롤랜드 스페이스 에코나 클래식 테이프 딜레이와 같은 아날로그 장치는 에코가 반복될 때 피치, 타이밍, 톤에 미묘한 변화를 주어 더빙 트랙에 따뜻하고 거친 개성을 부여하는 경우가 많습니다.

이러한 지연 속도는 완벽한 타이밍이 아니기 때문에 엄격한 규칙보다는 느낌에 따라 선택하게 됩니다. 피드백 및 딜레이 시간을 조작하면서 실시간으로 음악에 반응하게 됩니다.

멋진 더빙 에코를 만드는 가장 효과적인 방법 중 하나는 지연 속도를 매우 빠른 속도에서 매우 느린 속도로 바꾸는 것입니다. 빠르고 타이트한 딜레이로 시작하여 긴박감을 조성한 다음 점차 속도를 늦춰 에코를 늘려 광활하고 넓은 사운드스케이프를 만들 수 있습니다.

4. 드럼 강조하기

더빙 음악에서 드럼은 가장 중요한 요소입니다.

드럼을 돋보이게 하려면 효과와 프로세싱을 창의적으로 활용해야 합니다. 이를 위한 한 가지 방법은 페이저, 스프링 리버브 또는 딜레이가 로드된 보조 장치에 특정 드럼 요소를 전송하여 깊이, 움직임 및 분위기를 더할 수 있습니다.

예를 들어 스네어 드럼을 클래식 모노 스프링 리버브가 있는 보조 트랙으로 보내거나 하이햇이나 퍼커션을 보조 트랙의 페이저로 보내 보세요.

창의적인 효과와 더불어 드럼에 적절한 펀치와 존재감을 부여하는 것이 중요합니다. DBX-160과 같은 컴프레서는 이러한 목적에 환상적입니다. 중간 어택과 빠른 릴리즈를 설정하여 초기 과도음을 통과시킨 다음, 취향에 맞게 압축을 조절하세요. 이렇게 하면 드럼 특유의 스냅과 펀치가 믹스를 관통하는 느낌을 줄 수 있습니다.

최종 생각

덥 음악은 단순한 장르 그 이상입니다. 자메이카 음악의 풍부한 전통에서 탄생한 더빙은 그 뿌리를 바탕으로 역동적이고 끊임없이 확장하는 예술 형식으로 발전해 왔습니다. 더빙의 역사는 길고 깊습니다. 레게 음악을 악기 트랙으로 편곡하고, 악기 레게 음악을 현대 댄스 음악으로 리믹스하는 등 더빙 음악은 우리가 알고 있는 것처럼 여전히 진화하고 있습니다.

이 작은 더빙 음악 가이드를 통해 더빙 장르에 대해 더 잘 이해하고 직접 더빙을 만들 수 있는 영감을 얻으셨기를 바랍니다!