노래는 단순한 하나의 개체가 아닙니다. 노래는 특정한 방식으로 배열된 다양한 요소의 집합체이며, 이러한 요소의 배열 방식에 따라 무한한 가능성이 열릴 수 있습니다.
음악은 샌드위치처럼 여러 겹의 레이어와 여러 가지 독특한 재료로 구성되어 있으며, 최상의 결과를 위해서는 이 모든 재료가 완벽하게 결합되어야 합니다.
특히 트랙을 프로듀싱해 본 적이 있다면 자신도 모르게 이미 한 번쯤은 음악을 분석해 보셨을 것입니다. 하지만 일반 청취자든 프로 음악 프로듀서든, 곡 분석은 모든 분야의 음악 제작자가 수용해야 할 매우 유익한 연습이라고 생각합니다.
좋아하는 음악을 적극적으로 들으면 듣고 있는 음악에 대해 더 깊이 이해할 수 있습니다. 멜로디, 하모니, 리듬, 제작 기법, 믹스 처리 등 노래의 다양한 요소에 적극적으로 집중하면 다양한 구성 요소가 어떻게 상호 작용하고 전체 사운드에 기여하는지에 대한 귀중한 통찰력을 얻을 수 있습니다.
또한 혼자서는 생각하지 못했던 창의적인 아이디어가 떠오를 수도 있습니다!
결국 우리는 영향력의 산물이잖아요, 그렇죠?
그렇다면 음악 분석 과정에서 액티브 리스닝을 어떻게 활용하면 음악을 직접 작곡하거나 제작할 때 활용할 수 있을까요?
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노래 분석이 중요한 이유
음악 프로듀서로서 저는 곡 분석의 가치를 아무리 강조해도 지나치지 않습니다. 전문적인 노래에서 발견되는 제작 기술에 대한 귀중한 통찰력을 제공하기 때문에 음악 프로듀서에게 매우 유익한 기술입니다.
트랙의 구성 요소를 자세히 살펴보면 트랙을 매력적으로 만드는 요소를 더 쉽게 파악할 수 있습니다. 그런 다음 이러한 인사이트를 바탕으로 자신만의 음악을 작곡할 때 정보에 입각한 결정을 내릴 수 있습니다.
또한 좋아하는 노래에서 영감을 얻을 수 있는 유용한 도구가 될 수도 있습니다. 좋아하는 아티스트의 음악을 점점 더 많이 들을수록 음악을 만들 때 자신을 표현할 수 있는 다른 방법을 모색해야 할 레퍼토리가 늘어납니다.
음악 분석에 필요한 사항
'방법'과 '이유'를 살펴보기 전에 청취 프로세스를 최적화하기 위해 다음 항목이 있는지 확인하세요.
고품질 파일
YouTube에서 리핑한 저화질 128kbps 파일만 가지고 있다면 트랙을 분석할 필요가 없습니다. 편곡과 구성 및 편곡을 분석할 수는 있지만, 프로덕션, 믹싱 또는 마스터링과 같은 트랙의 미묘한 측면을 분석하는 것은 훨씬 더 어려워집니다.
보다 정확한 분석을 원한다면 최소 320kbps MP3 음질을 사용하는 것이 좋습니다. Apple 음악 또는 Spotify 프리미엄에 액세스할 수 있는 경우 들을 때 최고 음질 설정을 선택할 수 있습니다.
하지만 이상적으로는 WAV나 AIFF와 같은 비압축 무손실 파일을 구할 수 있다면 구하는 것이 좋습니다. 처음 들었을 때 큰 차이를 느끼지 못할 수도 있지만, 이러한 종류의 파일은 전문 스튜디오 환경에서 들을 수 있는 것과 가장 가까운 표현을 제공하는 동시에 분석에 더 정확한 근거를 제공합니다.
전문가급 스피커 또는 헤드폰
예전에는 이어버드에 그늘을 드리우곤 했지만, 지금은 애플 에어팟의 열렬한 팬입니다.
음질은 가격 대비 매우 견고하며, 일반적인 청취와 휴대성 측면에서는 타의 추종을 불허합니다.
그러나 선명도가 부족하고 주파수 응답이 편향되어 있어 청취에 필요한 중요한 요소를 식별하기 어려울 수 있으므로 프로덕션, 믹싱 또는 마스터링과 같은 노래의 복잡한 세부 사항을 분석하는 데는 사용하지 않는 것이 좋습니다.
대신 보다 정확한 청취 환경을 제공하는 고품질 스피커나 헤드폰에 투자하세요. 프로덕션, 믹싱 또는 마스터링 작업을 하는 경우라면 전문가용 헤드폰이 있어야 합니다.
좋은 소식은 저렴한 가격대의 헤드폰이 시중에 많이 나와 있기 때문에 큰돈을 들이지 않고도 좋은 헤드폰을 찾을 수 있다는 것입니다. 예를 들어, 가격 대비 매우 정확한 청취 경험을 제공하는 Audio Technica의 ATH-M20x 헤드폰을 사용하는 초보 프로듀서를 많이 봅니다.
하지만 한 단계 더 업그레이드하고 싶다면 Beyerdynamic DT-770을 추천합니다. 이 정확하고 섬세한 헤드폰은 수년 동안 제가 즐겨 사용하는 헤드폰입니다. 편안한 밀폐형 디자인으로 정확한 사운드, 안정적인 저음 응답, 놀라운 선명도를 제공합니다.
노트 필기 장치
다음으로 메모장, 노트북, 휴대폰 등 메모를 할 수 있는 무언가가 필요합니다.
여기서 핵심은 듣고 있는 음악의 각 요소를 기록하여 음악과 적극적으로 소통하는 것입니다.
저는 보통 MacBook의 '메모' 앱에 트랙에서 들을 수 있는 모든 내용을 글머리 기호로 표시해 두는 편입니다.
분석 프로세스
#1 트랙 듣기
분석 프로세스의 초기 단계는 액티브 리스닝 입니다.
분석하려는 곡을 좋아하지 않더라도 상당한 시간을 할애하여 듣는 것은 매우 중요합니다.
다시 한 번 강조하지만, 최적의 청취 환경을 위해서는 듣고 있는 트랙의 미묘한 디테일까지 재생할 수 있는 고품질 헤드폰을 사용해야 합니다.
노래를 적극적으로 들으면 특정 요소의 사용 방법과 이유, 사용 방식에 대해 훨씬 더 깊이 이해할 수 있습니다.
예를 들어, 드럼에만 주의를 기울이면서 첫 번째 청취를 시작할 수 있습니다. 어떤 종류의 드럼 요소가 사용되고 있는지, 노래가 어떤 패턴을 사용하고 있는지 확인합니다.
아직 너무 깊이 파고들고 싶지 않다면 다음과 같은 몇 가지 일반적인 질문을 스스로에게 해보세요:
- 멜로디와 코드 진행이 어떤 느낌인가요?
- 리듬과 템포가 부드러운가요, 활기찬가요, 아니면 그 중간인가요?
- 곡은 어떤 전체적인 구조를 사용하고 있나요?
- 어떤 요소가 눈에 띄며, 노래에 사용된 다양한 요소는 어떻게 다른가요?
- 모티브가 있나요?
저는 노래를 처음 듣는 내내 그 노래에 대한 첫인상을 메모하는 것을 적극 권장합니다. 감정적인 반응을 불러일으키는지 여부를 고려하세요.
트랙이 어떤 느낌을 주는지 대략적으로 파악했다면 다음 부분으로 넘어갈 수 있습니다.
#2 템포와 키 파악하기
다음으로 노래의 키와 템포를 결정해야 합니다. 이는 노래의 전체적인 성격과 감정적 영향에 큰 역할을 하는 중요한 요소입니다.
우선, 건반에 따라 서로 다른 감정 반응을 불러일으킬 수 있습니다. 예를 들어, 장조는 행복감이나 낙관적인 느낌을 전달하는 반면, 단조는 슬픔이나 성찰과 같은 감정을 불러일으키는 경향이 있습니다.
건반은 감정적인 영향 외에도 노래의 음과 코드가 어떻게 조화롭게 연관되어 있는지를 알려줄 수 있습니다. 키는 멜로디와 하모니가 회전하는 토닉이라고 하는 음조 중심을 설정합니다. 조를 이해하면 뮤지션은 곡의 코드 진행, 즉흥 연주, 멜로디 전개를 효과적으로 탐색할 수 있습니다. 이는 일관성과 음악적 구조에 대한 감각을 제공합니다.
노래의 키를 찾는 방법에는 몇 가지가 있습니다:
- 토닉 노트 듣기: 대부분의 곡에는 무형의 해상도를 제공하는 "홈" 노트가 있어 이를 중심으로 곡이 회전합니다. 토닉 노트는 일반적으로 키에 대한 통찰력을 제공합니다.
- 코드 진행 파악하기: 나중에 자세히 설명하겠지만, 노래의 코드 진행을 분석하는 것도 키를 결정하는 데 도움이 될 수 있다는 점에 유의하세요.
- 찾아보기: 트랙에 따라 온라인에서 키에 대한 정보를 찾아볼 수 있습니다. 제가 즐겨 찾는 웹사이트 중 하나인 Tunebat은 키 정보를 빠르게 찾을 수 있는 곳입니다.
키를 알고 나면 템포를 알아내기 시작할 수 있습니다.
곡의 템포는 기본적으로 곡의 속도와 느낌을 정의하는 요소입니다. 느낌은 꽤 모호하지만 그루브를 논할 때 자주 듣게 되는 용어입니다.
템포가 어떻게 그루브와 모멘텀을 설정하고 노래의 감정적 특성을 향상시키는지 들어보세요.
#3 구조 살펴보기
세 번째 단계는 노래의 전체 구조를 탐색하는 것입니다.
'구조'란 여러 섹션의 배열과 구성을 의미합니다. 이러한 여러 섹션이 서로 어떻게 연관되어 전체 배열을 구성하는지 알고 싶을 것입니다.
먼저 들리는 여러 섹션을 적어보세요.
저는 이 작업을 위해 트랙을 DAW(Pro Tools)로 불러오는 것을 자주 선호합니다. 이렇게 하면 타임라인에서 마커를 사용해 구간을 구분할 수 있습니다. 이렇게 하면 트랙의 특정 구간을 반복해서 들을 수 있기 때문에 다른 요소들을 더 쉽게 찾을 수 있습니다.
대부분의 인기곡에는 여러 개의 섹션이 있습니다.
예를 들어 일반적인 팝송은 다음과 같이 생겼습니다:
- 소개
- 구절
- 코러스
- 구절
- 코러스
- Bridge
- 코러스
- 아웃트로
물론 팝의 영역을 벗어나 재즈, 블루스, 하우스 음악과 같은 비전통적인 장르의 음악으로 넘어가기 시작하면 구조가 크게 바뀔 수 있습니다.
어떤 장르를 분석하든 이 단계에서 몇 가지 주의해야 할 사항이 있습니다:
- 주제 찾기: 가장 먼저 파악해야 할 것은 노래 전체에 반복되는 부분이나 음악적 구절이 있는지 파악하는 것입니다. 사람들은 이를 흔히 '모티프'라고 부릅니다. 음악에서 모티프는 친숙함을 조성하고 주요 음악적 아이디어를 강화하는 섹션이나 구절입니다.
- 동적 변경 사항 고려하기: 섹션마다 큰 동적 변화가 있나요? 다이내믹은 음량과 관련이 있습니다. 대부분의 훌륭한 음악에는 구조적인 변화와 함께 긴장과 이완을 만들어내는 동적 변화가 있습니다.
- 전환 듣기: 노래가 한 구간에서 다른 구간으로 어떻게 전환되는지 주의하세요. 트랜지션의 문제는 항상 명확하지 않다는 것입니다. 어떤 노래는 매우 매끄럽게 전환되는 반면, 어떤 노래는 FX, 드럼 필, 키 변경 또는 변조와 같은 특정 음악적 단서를 사용하여 섹션에서 섹션으로 이동합니다.
Verse-Chorus, ABAB, AABA 등과 같은 일반적인 노래 구조에 익숙해지는 것이 좋습니다.
#4 코드 진행 분석하기
키와 템포와 마찬가지로 노래에 사용되는 코드 진행은 감정을 표현하는 또 다른 도구입니다.
코드 진행이 어떻게 작동하는지 제대로 이해하려면 음악 이론에 대한 이해가 필요합니다. 다른 곳에 음악 이론에 대해 설명하는 글이 많이 있으므로 여기서는 너무 길게 설명하지 않겠습니다.
하지만 코드 진행을 분석하는 가장 중요한 두 가지 이유는 화음 구조를 이해하고 반복되는 패턴이나 모티프를 발견하기 위해서입니다.
화성 구조는 노래의 맥락에서 코드가 어떻게 구성되고 서로 관련되어 있는지 알려줄 수 있습니다. 또한 노래에는 모티프를 만들기 위해 반복되는 패턴이나 코드 진행이 자주 등장합니다. 코드 진행을 면밀히 분석하면 작곡가가 이러한 모티프를 사용하여 친숙함을 만드는 방법에 대한 아이디어를 얻을 수 있습니다.
그렇다면 트랙의 코드 진행을 어떻게 분석할 수 있을까요?
노래를 주의 깊게 듣고 각 화음을 파악한 다음, 그 화음을 적는 것으로 시작할 수 있습니다. 저는 보통 루트 노트와 코드의 음질 (장조, 단조, 약음 등)에 집중하는 것부터 시작합니다.
제가 개인적으로 가장 좋아하는 웹사이트 중 하나이자 음악 이론 초보자에게 자주 추천하는 웹사이트는 네임 댓 키 입니다. 이 사이트의 키 생성기에 일련의 코드를 입력하면 어떤 키에 있는지 알 수 있습니다.
#5 가사 분석하기
가사는 마음과 영혼의 음악입니다. 작가에게는 예술적 표현을 위한 주요 도구이기도 합니다.
트랙의 가사를 자세히 살펴보면 예술적 표현을 형성하는 데 사용된 독특한 주제와 문학적 장치를 발견할 수 있습니다.
가사를 따라 부르면서 선택한 노래를 들어보는 것을 추천합니다.
다행히도 대부분의 인기 노래 가사는 Genius나 A-Z 가사 같은 사이트에서 찾을 수 있습니다.
노래가 따르고 있는 내러티브가 있는지, 작곡가가 계속 떠올리는 반복되는 아이디어가 있는지 살펴보세요.
중요한 점은 가사는 문자 그대로 또는 비유적으로 표현할 수 있다는 것입니다.
문자 그대로의 가사는 직설적이므로 이야기와 관련된 인물에 대해 명확하게 알 수 있습니다. 반면 은유, 직유, 의인화 또는 상징을 사용하는 가사와 같은 비유적인 가사는 보다 주관적이며 의미를 강조하거나 감정을 불러일으키는 데 사용되는 경우가 많습니다.
가사를 해석하고 분석하는 방법에는 여러 가지가 있지만, 그 중 가장 도움이 되는 것은 작사의 의도를 파악하는 것입니다. 어떤 청중을 대상으로 노래하는가? 노래가 어떤 문화나 맥락과 관련되어 있나요?
#6 믹스 분석
믹스를 분석하려면 신중한 오디오 분석이 필요합니다. 주파수 스펙트럼 분석기나 스테레오 폭 시각화 도구와 같은 도구를 사용할 수도 있지만, 가장 중요한 도구는 귀입니다.
즉, 트랙의 믹스를 시각화하는 것은 우리의 감각을 연결하고 배치를 더 잘 이해할 수 있게 해주기 때문에 마찬가지로 중요합니다. 데이비드 깁슨은 '믹싱의 기술'이라는 책을 썼는데, 아래 이미지는 여러 음악 요소와 다양한 악기가 믹스에 어떻게 배치되어 있는지를 시각화한 대표적인 예시입니다.
믹스를 분석할 때 고려해야 할 몇 가지 요소는 다음과 같습니다.
- 볼륨 레벨: 일부 음악 요소의 음량이 다른 음악 요소에 비해 얼마나 큰가요?
- 주파수 내용: 믹스의 주파수 스펙트럼은 음악에서 저음, 중음, 고음의 균형을 나타냅니다.
- 스테레오 이미지: 스테레오 이미지와 사운드 스테이지는 믹스의 수평적 배열의 일부로, 스테레오 필드에서 악기와 보컬의 배치와 폭을 알려줍니다.
- 다이나믹: 다이나믹을 사용하면 믹스의 특정 부분이 얼마나 크거나 부드러운지, 가장 큰 부분과 가장 부드러운 부분의 차이를 확인할 수 있습니다. 어떤 노래는 압축을 많이 사용하는 반면, 어떤 노래는 더 큰 다이내믹을 허용합니다.
- 음색: 각 음악 요소의 눈에 띄는 음색 특성은 무엇인가요? 보컬이 밝거나 어두운가요? 드럼, 베이스, 기타는 어떤가요? 주파수 분석기를 사용하면 도움이 될 수 있습니다.
위의 특성은 주로 고려해야 할 사항이지만, 믹스의 선명도와 분리도 또는 어떤 종류의 효과가 어떻게 사용되었는지도 살펴볼 수 있습니다.
#7 마스터 분석
트랙 분석의 마지막 단계는 마스터링 프로세스입니다.
마스터를 분석할 때 귀에만 의존하는 것은 어려울 수 있으므로 시각적 도구, 스테레오 폭 벡터스코프, LUFS 미터를 활용하는 것을 권장합니다.
"Loudness Units Full Scale"의 약자인 LUFS는 시간 경과에 따른 평균 음량을 나타내는 업계 음량 표준입니다.
스테레오 폭과 주파수 스펙트럼에 대한 유용한 정보도 제공하기 때문에 제가 가장 좋아하는 도구 중 하나는 iZotope Insight 2입니다.
최종 생각
이쯤 되면 음악을 올바르게 분석하는 방법에 대해 잘 알고 있을 것입니다. 다음 단계는 좋아하는 곡에서 얻은 음악 분석 결과를 자신의 음악에 적용하는 것입니다. 기본적인 드럼 패턴 요소부터 믹스 프로세싱에 이르기까지 음악 분석 과정에서 알아내야 할 것은 매우 많으며, 특정한 접근 방식은 없습니다. 재미있게 즐기면서 궁극적으로 더 나은 음악 창작으로 이어질 탐구 과정으로 생각하세요.
