팝송이 왜 머릿속에 접착제처럼 달라붙는지 궁금한 적이 있나요?

이 장르는 며칠 동안 반복되는 후렴구만 들어도 사람들을 단번에 사로잡는 중독성 있는 음악으로 유명합니다. 현재 우리가 알고 있는 모던 팝은 마치 다른 행성에서 온 것처럼 느껴질 정도로 세련되고 거대한 분위기를 가지고 있습니다. 고급 스튜디오 없이는 너무 깔끔하고 완벽하게 들리는 이런 종류의 프로덕션은 거의 불가능합니다.

하지만 저는 양질의 팝 음악을 만드는 것이 손댈 수 없는 예술이라는 오명을 깨고 싶습니다. 올바른 방향성(제가 바로 여기에 해당)과 몇 가지 핵심 기술만 있으면 모든 뮤지션이 침실에서 바로 '라디오에 적합한' 사운드를 구현할 수 있습니다.

물론 팝 음악은 신디사이저를 많이 사용한 위켄드의 RnB부터 테일러 스위프트의 톡톡 튀는 스토리텔링, 심지어 도자 캣의 장르를 넘나드는 스타일에 이르기까지 다양한 맛을 지니고 있습니다. 그럼에도 불구하고 귀를 사로잡는 후크, 톡톡 튀는 비트, 귀에 박히는 멜로디 등 몇 가지 핵심 요소는 보편적으로 유지되고 있습니다.

이 가이드에서는 시그니처 비트 만들기부터 깔끔하고 경쾌한 보컬 레이어링, 마지막 마무리 작업까지 나만의 팝 트랙을 만드는 데 필요한 모든 것을 자세히 설명합니다.

팝 음악이 인기 있는 이유를 알아보고 그 과정을 자세히 살펴봅시다!

팝 음악이란 무엇인가요?

기본부터 시작하겠습니다: '팝'은 대중음악의 줄임말로, 최대한 많은 사람의 귀에 닿도록 고안된 음악이라는 뜻입니다.

스트리밍 재생 목록, 라디오, 광고, 마트를 지나갈 때 등 어디서나 들을 수 있는 음악입니다. 팝은 주의를 사로잡고 유지하기 위해 만들어졌기 때문에 즉각적으로 눈에 띄고 접근하기 쉽도록 몇 가지 검증된 트릭을 따르는 경향이 있습니다.

물론 팝 음악은 수년에 걸쳐 많은 변화를 겪었지만, 여전히 유효한 레시피가 있습니다. 몇 가지 핵심 요소에 대해 간단히 정리해 보겠습니다:

• 캐치 후크 - 계속 따라 부르게 되는 후렴구
• 스테디 비트 - 단순하지만 중독성 있는 리듬으로 계속 움직이게 합니다.
• 공감 가는 가사 - 나에게 말을 건네는 듯한 느낌의 노래
• 세련된 제작 - 거친 모서리 없이 매끄럽고 깔끔함
• 멜로디의 단순성 - 음악 이론 학위 없이도 쉽게 따라할 수 있는 단순한 멜로디

그렇다면 오늘날의 팝 사운드는 어디에서 유래했을까요? 이에 대한 답을 찾기 위해 팝의 역사를 간단히 살펴볼까요?

서양 팝 음악의 뿌리는 빅밴드와 재즈가 댄스홀을 지배하던 1900년대 초까지 거슬러 올라갑니다. 50년대에는 리듬, 블루스, 약간의 반항적인 에너지가 혼합된 로큰롤이 폭발적으로 성장했습니다. 60년대와 70년대로 넘어가면 비틀즈와 모타운의 시대로, 멜로디 중심의 노래와 공감할 수 있는 주제에 대한 관심이 높아졌습니다. 그 후 신디사이저와 대규모 프로덕션(거대한 헤어는 말할 것도 없고)이 등장한 80년대, 캐치한 후크와 보이 밴드가 등장한 90년대, 그리고 팝의 디지털 진화가 이루어진 2000년대까지 이어집니다.

변화하는 사운드에도 불구하고 한 가지 변하지 않는 것은 팝 음악이 사람들을 연결한다는 점입니다. 팝의 핵심은 사랑, 슬픔, 행복 등 우리를 인간답게 만드는 진정한 무언가에 다가가고자 하는 것입니다. 여러분에게 말을 거는 듯한 느낌을 주는 음악, 그것이 바로 우리가 만들고자 하는 음악입니다.

팝 음악을 만들려면 무엇이 필요하나요?

컴퓨터

거의 모든 팝 프로덕션 환경의 중심에는 컴퓨터가 있습니다. 요즘에는 대형 믹싱 콘솔이나 TR-808 또는 LinnDrum과 같은 드럼 머신과 같은 클래식하고 무거운 아날로그 장비가 필수적이지 않습니다. 과거에는 프로듀서들이 사운드를 얻기 위해 여러 대의 하드웨어에 의존했지만, 오늘날의 기술 덕분에 노트북만으로도 차트에 올릴 수 있는 트랙을 만들 수 있게 되었습니다.

오해하지 마세요. 아날로그 장비는 여전히 팝 음악계에서 중요한 위치를 차지하고 있습니다. 실제로 저는 무그 보이저를 사용하고 슈퍼 프로 킬리 커스텀 12를 통해 기타를 녹음하는 것을 매우 좋아합니다. 많은 최고의 프로듀서들이 빈티지 신디사이저나 드럼 머신을 레이어링하여 여기저기서 약간의 풍미를 더하는 것을 볼 수 있습니다.

가장 좋은 점은 세련되고 전문적인 사운드를 얻기 위해 노트북이 필요하지 않다는 것입니다. 사실 팝을 제작하는 데 필요한 거의 모든 것을 노트북에서 프로그래밍할 수 있습니다.

따라서 컴퓨터가 있다면 이미 준비된 것입니다.

DAW

이제 컴퓨터가 생겼으니 DAW (디지털 오디오 워크스테이션)가 필요합니다. 이것은 라디오 방송이 가능할 때까지 트랙의 모든 요소를 녹음, 편곡, 믹스 및 조정하는 허브가 될 것입니다. 기본적으로 가상 스튜디오라고 할 수 있습니다.

시중에는 각기 다른 스타일과 분위기를 지닌 수많은 DAW가 있습니다. 팝 프로덕션 분야의 유명 브랜드로는 Ableton Live, Logic Pro, Pro Tools 등이 있습니다. 하지만 이제 막 시작해서 투자할 준비가 되지 않았다면 걱정하지 마세요. 무료 옵션도 많이 있으니까요. GarageBand (Mac 사용자용)와 Cakewalk (Windows용)는 한 푼의 비용도 들지 않고 다양한 기능을 제공하는 환상적인 입문용 DAW입니다.

샘플, 루프 및 VST

DAW가 준비되면 실제로 팝 비트를 만들려면 몇 가지 음악적 구성 요소가 필요합니다.

샘플, 루프, VST는 트랙의 기본 구성 요소입니다.

샘플과 루프는 미리 만들어진 사운드 스니펫으로, 단일 드럼 히트부터 반복되고 뒤섞인 보컬 찹에 이르기까지 다양하며, 모두 트랙에 바로 넣을 수 있습니다. 모든 것을 처음부터 녹음하지 않고도 빠른 영감을 추가하거나 편곡을 완성할 때 매우 편리합니다.

로열티가 없는 샘플과 루프에 액세스하려면 스플라이스 및 루프마스터즈와 같은 사이트를 확인하세요. 모든 장르의 고품질 사운드로 가득한 라이브러리를 보유하고 있습니다.

그런 다음 DAW의 기능을 확장하는 가상 악기 및 효과인 VST가 있습니다. 여기에는 신디사이저와 오케스트라 스트링부터 무한한 변조 옵션을 갖춘 멀티 FX 플러그인까지 다양한 종류가 있습니다.

제가 가장 추천하는 VST 업체는 다음과 같습니다:

• 네이티브 인스트루먼트
• 분광학
• 스핏파이어 오디오
• Arturia

미디 컨트롤러

미디 컨트롤러 없이도 팝 음악을 만들 수 있지만, 미디 컨트롤러가 있으면 전체 과정을 훨씬 더 직접적으로 느낄 수 있습니다.

키보드나 드럼 패드를 사용하면 화면에서 클릭하는 대신 실시간으로 멜로디를 연주하고, 드럼 패턴을 탭하고, 사운드를 조정할 수 있습니다. 음악에 자연스러운 느낌을 더하는 데 유용합니다.

좋은 초보자용 컨트롤러를 찾고 있다면 Akai MPK 미니 또는 Novation 런치패드를 추천합니다.

헤드폰 및/또는 스튜디오 모니터

노트북 스피커는 좋아하는 팟캐스트를 듣는 데는 괜찮을지 모르지만 팝 음악을 만들기 위해 만들어진 것은 아닙니다. 이러한 작은 스피커로는 믹스의 전체 그림을 보여주지 못하며, 이어버드부터 차량용 스피커까지 모든 기기에서 트랙이 잘 들리도록 하려면 전체 스펙트럼을 들을 수 있는 설정이 필요합니다.

스튜디오 모니터는 색을 입히지 않은 정직한 사운드를 제공하도록 설계되었기 때문에 음악이 실제로 어떻게 들리는지 정확히 알 수 있습니다. 모니터를 설치할 공간이 없거나 이동 중에 프로듀싱을 하는 경우에는 견고한 헤드폰으로도 충분히 작업할 수 있습니다.

시작 위치

팝 음악을 만들 때 저는 프로세스를 블록 단위로 세분화하는 것을 좋아합니다. 저는 일반적으로 '할 일 목록'을 작성하는 스타일이라서 일을 체계적이고 관리하기 쉽게 유지하는 데 도움이 됩니다.

하지만 실제 음악 제작이 항상 단계별로 그림을 그리듯 진행되는 것은 아닙니다. 때로는 비트에서 시작해서 영감을 얻다가 갑자기 후렴구를 쓰다가 구절을 건드리기도 전에 후렴구를 쓰는 자신을 발견할 수도 있습니다. 또는 멜로디를 먼저 구상하고 그 멜로디를 중심으로 모든 것을 구축할 수도 있습니다. 다시 말해, 작업 과정은 어디에서나 일어날 수 있으며 이는 완전히 정상입니다.

그러나 교육 목적으로는 선형적인 접근 방식이 훨씬 더 쉽습니다. 따라서 이 가이드에서는 각 단계를 간단하고 직선적인 방법으로 안내해 드리겠습니다. 요령을 익힌 후에는 영감이 떠오르면 자유롭게 혼합해 사용해도 좋습니다!

화음으로 시작하기

팝 음악에서는 코드가 적을수록 좋은 경우가 많습니다.

몇 개의 코드만으로 잊을 수 없는 사운드를 만들어내는 히트곡이 얼마나 많은지 알면 놀랄 것입니다. 아리아나 그란데의 "Thank U, Next" 나 에드 시런의 "Shape of You"를 예로 들어보세요 .

곡 전체에 걸쳐 변하지 않는 단순한 반복 코드 진행을 중심으로 만들어졌습니다. 목표는 기초 역할을 하는 적절한 몇 개의 코드를 찾는 것입니다.

다른 노래에서 인기 있는 코드 진행을 차용하는 것도 좋은 방법입니다. 아델의 "Someone Like You" 와 레이디 가가의 "Poker Face"에 사용된 고전적인 I-V-vi-IV 패턴처럼 얼마나 많은 히트곡이 비슷한 진행을 공유하는지 알면 놀랄 것입니다.

노래를 베끼는 것이 아니라 효과가 검증된 파운데이션을 사용하는 것입니다.

음악 이론에 대해 조금만 알고 있다면 어떤 코드가 잘 어울리는지 이해하는 데 도움이 되고, 진행을 더 유연하게 연주하여 나만의 것으로 만들 수 있습니다.

드럼과 퍼커션 추가

다음은 비트입니다! 팝 음악에서 드럼은 일반적으로 매우 간단합니다.

표준 팝 비트로 시작하려면 BPM(분당 비트 수)을 90에서 120 사이로 설정하세요. 대부분의 팝송이 이 비트에서 편안하게 연주됩니다. 가장 간단한 팝 비트는 1, 3 카운트에 킥이 있고 2, 4 카운트에 스네어가 있습니다. 킥과 스네어가 높고 강력하게 자리 잡으면 8번째 또는 16번째 음을 연주하는 하이햇을 추가하여 공백을 채우고 트랙을 계속 앞으로 나아갈 수 있습니다.

기본 리듬을 익힌 후에는 몇 가지 타악기 요소나 필을 추가하여 비트에 약간의 풍미를 더하는 창의력을 발휘할 수 있습니다. 깔끔하고 집중할 수 있도록 최선을 다하세요.

베이스 추가

이제 베이스를 넣을 차례입니다. 이것이 팝 트랙의 기초가 될 것입니다. 베이스는 저음을 채우고 비트와 코드를 고정하는 역할을 합니다. 베이스가 없으면 트랙이 약간 얇거나 밋밋하게 느껴질 수 있습니다.

간단하게 하려면 코드 진행의 루트 음을 두 배로 늘 리는 것부터 시작하세요. 거기서부터 리듬을 가지고 놀 수 있습니다. 때로는 킥 드럼 패턴을 따르면 베이스와 드럼을 함께 고정하여 더 단단하고 강렬한 그루브를 만드는 데 도움이 될 수 있습니다.

경쾌한 트랙에는 아래와 같이 짧고 강렬한 베이스 사운드를 사용하는 것이 좋습니다:

반면에 노래가 느긋한 분위기라면 좀 더 부드럽고 지속성이 있는 것을 시도해 볼 수 있습니다.

다양한 사운드를 실험해보는 것을 두려워하지 마세요! 신스 베이스는 현대 팝에서 매우 인기가 있지만, 샘플링된 베이스 기타도 유기적인 느낌을 더할 수 있습니다.

멜로디 만들기

팝 히트곡에서 모두가 기억하는 부분은 바로 멜로디입니다! 팝 멜로디는 듣는 사람의 귀를 사로잡아야 하며, 이를 위한 몇 가지 방법이 있습니다.

흥얼거리거나 원하는 악기로 연주해도 좋습니다. 때때로 최고의 아이디어는 그냥 엉뚱하게 떠올릴 때 나오기 때문에 너무 깊이 생각하지 마세요.

건반 연주에 능숙하지 않다면 허밍을 하거나 익숙한 악기로 연주하는 모습을 녹음한 다음 DAW에서 해당 녹음을 MIDI로 변환할 수 있습니다. 이렇게 하면 멜로디 아이디어를 유지하면서 트랙에 완벽하게 맞도록 디지털 방식으로 조정할 수 있습니다.

모든 훌륭한 팝 멜로디에는 반복과 변주가 균형을 이루고 있습니다 .

반복은 멜로디를 기억에 남게 만드는 데 도움이 되며, 약간의 변형은 멜로디가 식상하지 않도록 흥미를 유지합니다.

곡 구성하기

코드, 비트, 베이스, 멜로디가 정해졌으면 이제 모든 것을 하나의 구조로 조합할 차례입니다.

탄탄한 구조를 파악하는 가장 좋은 방법은 좋아하는 팝 트랙을 살펴보는 것입니다. 대부분 비슷한 흐름을 따른다는 것을 알 수 있을 것입니다.

다음은 시작하는 데 도움이 되는 일반적인 팝송의 구조입니다:

• 인트로 - 분위기를 설정하고 주요 분위기를 소개하는 짧은 섹션입니다.
• 구절 - 이야기가 시작되는 부분으로, 멜로디가 더 단순하고 레이어가 적은 경우가 많습니다.
• 프리 코러스 - 기대감을 조성하는 빌드업 섹션
• 코러스 - 중요한 순간! 노래에서 가장 인상적이고 기억에 남는 부분
• 2절 - 첫 번째 구절과 비슷하지만 조금 더 에너지가 넘칩니다.
• 프리 코러스 - 다시 기대감 조성하기
• 코러스 - 메인 후크 다시 가져오기
• 브리지 - 종종 다른 코드나 가사로 구성된 대조적인 섹션
• 후렴구(최종) - 한 번 더 귀에 쏙쏙 들어오는 훅으로 마무리하세요.
• 아웃트로 - 곡을 만족스럽게 마무리하는 짧은 마무리 부분

작사 및 작곡

훌륭한 작곡은 상징적인 팝송과 평범한 팝송을 구분하는 요소입니다. 앞서 언급했듯이 팝은 개인적인 차원에서 청취자와 소통하는 것이므로 공감할 수 있는 주제에 집중하는 것이 핵심입니다.

사랑, 비탄, 자아 발견, 즐거운 시간 등 일상적인 감정에 대한 노래는 천체 물리학의 복잡성이나 전쟁의 잔혹성에 대한 노래보다 훨씬 더 큰 공감을 불러일으키는 경향이 있습니다. 사람들은 자신의 삶에 적용할 수 있는 가사를 듣고 싶어 합니다.

빌리 아일리시의 '나쁜 남자'를 예로 들어보겠습니다. 이 노래는 거의 모든 사람들이 한 번쯤은 느꼈을 장난스럽고 반항적인 느낌을 잘 살린 노래입니다. 가사가 영리하고, 약간 건방지고, 공감을 불러일으키는 덕분에 이 노래가 앤섬이 된 것입니다.

팝 음악 믹싱 방법

팝 음악에서 믹스는 매우 중요합니다. 좋은 믹스는 노래의 모든 요소를 빛나게 하여 어떤 스피커 설정에서든 생생하고 신나게 들리도록 도와줍니다.

믹싱에 대한 '황금률'은 없지만, 시작하는 데 도움이 되는 몇 가지 간단한 팁을 알려드립니다:

• 보컬을 전면과 중앙에 배치 - 팝에서 보컬은 왕입니다. 보컬이 선명하고 믹스 맨 위에 위치하도록 하세요.
• 선명도를 위한 EQ - EQ를 사용하여 각 악기가 믹스에서 고유한 공간을 확보함으로써 서로 충돌하여 탁한 사운드를 만들지 않도록 합니다.
• 압축을 현명하게 사용하기 - 압축은 다이나믹을 균일하게 하여 믹스에 부드럽고 제어된 사운드를 제공합니다. 다만 과용하지 않도록 주의하세요!
• 리버브 및 딜레이로 깊이감 더하기 - 약간의 리버브나 딜레이는 공간을 추가하고 트랙을 더 크게 만들 수 있지만, 너무 밋밋해지지 않도록 세련되게 사용하세요.
• 저음을 타이트하게 만들기 - 팝 음악은 펀치감 있고 깨끗한 저음의 장점을 살립니다. 베이스와 킥 드럼을 깨끗하고 동기화하여 임팩트를 극대화하세요.

믹싱 기술에 대해 더 자세히 알아보고 싶다면 완벽한 팝 믹스를 만들기 위해 알아야 할 모든 것을 다룬 ' 7단계로 팝 음악을 믹싱하는 방법 '이라는 보다 심층적인 도움말을 참조하세요.

프로처럼 팝 음악 만들기

이제 여러분은 전문적인 팝 음악을 만들기 위한 모든 기본 사항을 갖추었습니다. 여기서 한 가지 중요한 점이 있다면 팝을 만드는 것은 단순함과 세련됨의 균형을 맞추는 것이라는 점입니다. 목표는 누구나 공감할 수 있는 내용을 담으면서도 쉽게 들리게 만드는 것입니다.

실험하는 것을 두려워하지 말고 재미있게 즐겨보세요!