재즈 음악을 믹싱하는 것은 음악 역사상 가장 오래 지속된 장르 중 하나인 재즈의 뿌리로 돌아가는 독특한 도전입니다. 기술 발전에 따라 끊임없이 진화하는 많은 현대 음악 스타일과 달리 재즈는 지난 수십 년 동안 그 정통 사운드를 놀랍도록 유지해 왔습니다.

숙련된 엔지니어의 진정한 자질은 라이브 공연의 본질을 자유롭고 미묘한 다이내믹으로 재현하기보다는 보존해야 하는 재즈 음반 믹싱 방식에서 빛을 발합니다. 팝, 록, 힙합, 일렉트로닉 음악 믹싱에 익숙한 사람이라면 현재 믹싱 엔지니어로서 이해하고 있는 것에서 벗어나기 어려울 수 있습니다.

재즈 믹싱은 악기 간의 즉흥적인 상호작용을 포착하는 것부터 사운드를 정의하는 음향 공간을 존중하는 것까지 보다 미묘한 접근 방식이 필요합니다. 오늘은 재즈 믹싱을 위한 13가지 검증된 팁과 기술을 살펴보고, 이러한 독특한 접근 방식을 수용함으로써 어떻게 더 나은 오디오 엔지니어가 될 수 있는지 알아보겠습니다!

1. 자연스러움 유지

재즈 음악은 오랫동안 클럽과 스피크이지 현장에 깊숙이 자리 잡았습니다. 오늘날까지도 재즈 음악은 처음 울려 퍼졌던 자연스러운 음향 공간의 정수를 그대로 간직하고 있습니다.

이러한 환경과의 연결은 역사적일 뿐만 아니라 재즈 장르의 사운드와 매력의 중요한 측면입니다. 재즈의 전형적인 특징인 즉흥적이고 인터랙티브한 라이브 공연은 이러한 음향 환경에서 더욱 빛을 발합니다! 기술적으로 "완벽"하지는 않더라도 공간의 리버브와 밴드 뮤지션 간의 상호 작용의 뉘앙스를 듣고 싶어요.

전통에 따라 대부분의 재즈 악기는 업라이트 베이스, 색소폰, 피아노 등 증폭되지 않은 순수한 형태로 연주됩니다. 재즈 작업을 하는 믹싱 엔지니어의 과제는 이러한 자연스러운 정통성을 유지하는 것입니다. 녹음 세션을 담당하고 있다면 공간의 마이크 배치도 신중하게 고려해야 합니다.

아티스트가 특별히 실험적인 시도를 하라고 지시하지 않는 한, 뮤지션과 함께 공연장에 있는 듯한 느낌을 재현하는 것이 주된 목표가 되어야 합니다.

2. 간편한 압축

재즈의 감성은 다이내믹에 있기 때문에 압축을 부드럽게 하는 것이 핵심입니다.

스네어에 닿는 부드러운 브러시부터 폭발적인 브라스 섹션의 폭발음까지 재즈 고유의 다이내믹 레인지에는 스토리가 담겨 있습니다. 믹싱 엔지니어가 가장 많이 저지르는 실수 중 하나가 과도한 압축이기 때문에 긴장과 이완이 가장 중요합니다.

마지막으로 하고 싶은 일은 음악의 생명력을 빼앗고 음악의 흐름을 끊는 것입니다.

재즈에서 압축을 사용할 때는 목적을 명확하고 분명하게 정하세요. 예를 들어, 더블베이스에 가벼운 터치로 압축기를 사용하여 피치카토 음과 활을 치는 구절 사이의 레벨을 균일하게 하여 두 음이 믹스에서 잘 어울리도록 할 수 있습니다.

피아노에서는 압축을 적용하여 보다 공격적인 스타카토 패시지의 피크를 부드럽게 길들이면서 부드럽고 서정적인 섹션의 표현적인 볼륨 변화를 보존할 수 있습니다.

3. 테이프 채도 사용

최고의 재즈 음반 중 일부는 테이프에 녹음되었기 때문에, 여러분이 알든 모르든 재즈 음반의 사운드와 채도는 익숙한 것입니다.

테이프 채도는 특히 따뜻함, 개성, 응집력을 원할 때 믹스에 사용하기에 가장 좋아하는 채도 유형 중 하나입니다. 미묘하게 사용하더라도 상당한 임팩트를 줄 수 있습니다. 채도를 통해 얻을 수 있는 고조파 외에도 디지털 녹음에는 종종 부족한 약간의 압축도 얻을 수 있습니다.

마스터에서 테이프 채도를 사용할 때는 가볍게 접근하세요. 여기서 목표는 선명도와 다이나믹 레인지를 손상시키지 않으면서 전체 믹스에 응집력 있는 따뜻함과 충만함을 불어넣는 것입니다. 이를 "접착제"라고 부르는 사람도 있습니다.

제가 가장 좋아하는 테이프 채도 플러그인으로는 클래식 테이프 머신을 세심하게 모델링한 Universal Audio Ampex ATR-102와 1960년대 수많은 위대한 앨범을 녹음하는 데 사용된 머신에서 영감을 얻은 Waves J37이 있습니다.

4. 초기에 공간 찾기

특히 재즈 음악에서는 러프 믹스 초기에 공간을 찾는 것이 중요합니다. EQ를 사용하기 전에 공간과 깊이를 만들기 위한 기본 도구로 패닝과 레벨을 고려하세요. 여기서 중요한 것은 각 요소를 스테레오 필드 안에 자연스럽게 배치하여 나중에 EQ를 과도하게 사용할 필요가 없도록 하는 것입니다.

팬과 레벨을 조정하여 각 악기가 고유한 공간에서 빛날 수 있도록 무대를 설정하세요. 예를 들어, 리듬 섹션을 약간 중심에서 벗어나도록 패닝하여 라이브 환경에서의 실제 위치를 반영하여 더블 베이스는 약간 왼쪽에, 피아노는 오른쪽에 배치할 수 있습니다. 드럼은 청취자의 시점에 따라 패닝하여 하이햇을 약간 한쪽으로 배치하고 톰을 스테레오 필드에 걸쳐 배치하면 더욱 사실적으로 표현할 수 있습니다.

5. 드럼이 결정하게 두기

재즈 믹싱의 기본 원칙 중 하나는 "드럼이 결정하게 두자"입니다. 제 눈에는 드럼의 음향 특성과 다이내믹이 나머지 믹스의 톤을 결정합니다.

재즈에서 드럼을 믹싱하는 두 가지 극명하게 대조되는 접근 방식을 고려해 보겠습니다.

한 가지 시나리오에서는 클래식하고 느긋하며 스모키한 라운지 분위기를 보완하기 위해 드럼에 부드럽고 브러시드한 스네어와 절제되고 부드러운 킥 드럼을 넣을 수 있습니다. 이 설정에서는 베이스, 피아노, 호른이 이 미묘한 차이를 반영하는 방식으로 믹스되어야 합니다.

반대로 에너지 넘치는 비밥 트랙에 초점을 맞춘 믹스에는 날카롭고 뚜렷한 크랙이 있는 스네어와 타이트하면서도 눈에 띄는 킥 드럼이 등장할 수 있습니다. 이 드럼 사운드는 나머지 악기에도 훨씬 더 공격적이고 역동적인 믹싱 방식을 요구할 수 있습니다.

빌 에반스의 '선데이 앳 더 빌리지 뱅가드'에서 폴 모티안의 미묘한 드럼 사운드는 명상적인 분위기를 조성할 뿐만 아니라 모든 악기가 호흡하고 상호 작용하는 믹스를 연출합니다. 다른 한편으로는 아트 블레이키의 폭발적인 에너지를 느낄 수 있는 "Moanin"에서 파워풀한 전면 드럼 연주가 다른 뮤지션들에게 힘을 실어줄 수 있다는 것을 보여 줍니다.

6. 라이브 밴드 믹싱의 특이점에 대비하세요.

재즈 믹싱의 가장 독특한 과제 중 하나는 라이브 밴드의 믹싱 방법을 알아야 한다는 것인데, 이는 일반적으로 팝 음악 믹싱에 적용하는 것과는 다른 사고방식입니다.

많은 재즈 녹음은 라이브 세션의 마법을 포착합니다. 재즈 뮤지션들을 한 방에 모아놓고 여러 대의 마이크를 둘러싸고 녹음하는 방식이죠. 이 방법은 라이브 공연의 즉흥적인 상호 작용과 에너지를 포착하는 가장 좋은 방법일 수 있지만, 블리드 및 위상 문제와 같은 복잡한 문제가 발생할 수 있습니다.

블리드는 한 악기에서 나오는 소리가 다른 악기의 마이크에 잡히는 현상입니다. 하지만 재즈 음악에서는 블리드를 문제라고 생각하기보다는 믹스에 깊이와 사실감을 더할 수 있는 기회로 받아들일 수 있습니다.

예를 들어 룸 마이크는 이러한 맥락에서 매우 중요합니다. 녹음 엔지니어는 같은 공간에 있는 앙상블의 총체적인 사운드를 포착하는 데 룸 마이크를 사용하므로, 분리된 트랙으로는 재현하기 어려운 일체감을 믹스에 부여할 수 있습니다. 여기서 핵심은 이러한 마이크 소스 간의 위상 문제를 주의하는 것입니다.

특히 서로 가깝거나 같은 소스를 캡처하는 마이크 간의 위상 관계를 주의 깊게 살펴보세요. 마이크의 위상을 반전하면 종종 위상 제거를 해결하고 얇은 사운드를 강화할 수 있습니다. 또한 게이팅 및 볼륨 자동화를 전략적으로 사용하여 중요한 순간에 블리드의 영향을 최소화할 수 있습니다.

7. 병렬 처리

병렬 처리는 일반적으로 제가 가장 좋아하는 기술 중 하나이지만, 재즈 믹싱에서는 핵심적인 기술입니다.

압축, 리버브 또는 딜레이와 같은 효과를 병렬 채널로 버스 처리하면 처리된 신호를 처리되지 않은 원본 트랙과 혼합하고 믹스의 전체적인 자연스러운 사운드를 압도하지 않으면서 특정 음향 측면을 보강할 수 있습니다.

재즈 믹스에서 저는 종종 드럼에 병렬 압축을 사용하여 드럼 트랙을 무거운 압축으로 버스에 보낸 다음 이를 처리하지 않은 원본 드럼과 다시 믹스합니다. 이렇게 하면 재즈 특유의 미묘함과 역동성을 유지하면서 훨씬 더 강렬하고 응집력 있는 드럼 사운드를 얻을 수 있습니다.

병렬 리버브도 같은 방식으로 훌륭합니다. 예를 들어 색소폰이나 트럼펫 트랙을 리버브 전용 버스로 보내면 소리가 멀어지거나 씻겨나가지 않고 주변 공간감을 연출할 수 있습니다. 물론 뮤지션이 요청하지 않는 한 리버브 및 딜레이와 같은 공간 효과는 미묘하게 사용하는 것이 가장 좋습니다.

8. 볼륨 자동화 활용하기

재즈 음악을 믹싱할 때는 압축보다 볼륨 자동화가 더 중요합니다. 몇 개의 피크를 듣고 컴프레서를 사용해 조절하는 대신 볼륨 자동화를 사용하면 보다 정확하고 자연스러운 제어를 위해 피크를 낮출 수 있습니다.

압축은 비교적 가볍게 적용하더라도 자연스러운 솔로의 순간에 생기를 불어넣을 수 있습니다. 반면에 볼륨 자동화를 사용하면 필요에 따라 연주의 특정 부분을 강화하거나 약화시킬 수 있으므로 모든 뉘앙스가 의도한 대로 정확하게 들리도록 제어할 수 있습니다.

9. 효과로 미묘하게 표현하기

재즈 앨범에서 효과를 사용하는 방식은 재즈 앨범의 '시대를 초월한' 사운드에 영향을 줄 수 있습니다.

페이저가 가득한 베이스가 특징인 70년대 재즈 퓨전 시대의 음반이나 게이트 리버브가 많이 사용된 80년대 록 음반과 같은 특정 음반은 당시 유행했던 영향으로 인해 뚜렷하게 구식으로 들릴 수 있습니다.

물론 프로듀서와 엔지니어는 당시에는 혁신적이라고 생각했을 것이고, 실제로도 그랬을지 모르지만, 특정 시기의 음반에 고정되어 향후 청취자에게 어필하는 데 한계가 있을 수 있습니다.

음반이 촌스럽게 들리지 않게 하려면 무엇보다도 음악의 요구에 부응하는 것이 중요합니다. 레코드 자체에서 효과 사용 여부를 결정하도록 하세요. 예를 들어, 1960년대 블루 노트 앨범의 라이브 어쿠스틱 분위기를 살리는 것을 목표로 하는 재즈 음반은 최소한의 효과만 사용하는 것이 좋습니다.

반면에 일렉트릭 마사다나 제임스 블러드 울머와 같은 모던 재즈 퓨전 프로젝트는 딜레이나 페이저 같은 난해한 효과를 기꺼이 도입하여 장르의 규범을 벗어날 수 있습니다. 차이점은 이러한 효과는 사운드의 일부가 되어 값싼 효과에 의존하는 것이 아니라 예술적 표현을 한다는 것입니다.

10. 적합한 리버브 찾기

재즈를 믹싱할 때는 무거운 시간 기반 효과에 의존하는 대신 앰비언트 또는 룸 리버브 설정에 더 의존하는 것이 좋습니다. 이러한 유형의 리버브는 공간의 자연스러운 음향을 모방하도록 설계되어 음악성을 해치지 않으면서도 레코딩의 라이브 느낌을 향상시키는 공기와 입체감을 제공합니다.

목표는 트랙이 따로 녹음되었더라도 밴드가 같은 공간에서 함께 공연하는 것처럼 느끼게 하는 것입니다. 앰비언트 및 룸 리버브는 악기 사이의 간격을 미묘하게 메워 라이브 재즈 클럽이나 콘서트홀과 같은 응집력 있는 사운드 스테이지에서 악기들을 하나로 엮어낼 수 있습니다.

재즈 믹스에 리버브를 선택할 때는 비교적 짧은 감쇠 시간으로 사실적인 공간감을 제공하는 설정을 고려하세요.

11. 음량 전쟁 주의

이쯤 되면 우리 모두 '음량 전쟁'에 대해 충분히 들어보셨을 겁니다. 하지만 그렇다고 해서 음악을 최대한 크게 만들기 위해 점점 더 공격적으로 마스터링하는 경향이 사라진 것은 아닙니다.

문제는 이러한 최대 음량 추구가 재즈의 정신과 맞지 않는다는 점입니다. 재즈 믹스는 강렬함의 밀물과 썰물, 시끄러운 순간만큼이나 표현력이 풍부한 조용한 순간에서 번성합니다.

마스터링과 최종 스트리밍 또는 방송을 위해 재즈 믹스를 준비할 때는 동적 무결성을 유지하기 위해 특별한 주의를 기울여야 합니다. 재즈 믹스를 리미터나 코덱에 너무 세게 밀어 넣으면 원치 않는 왜곡이나 아티팩트가 발생할 수 있습니다. 심벌즈는 종종 이러한 공격적인 처리의 정점을 찍습니다.

재즈 음악에서 가장 중요한 요소 중 하나인 심벌즈는 트랙의 느낌과 분위기에 크게 기여합니다. 그러나 지나치게 제한되면 제약되고 인위적인 느낌을 주는 믹스가 됩니다. 팝 음악에서 무거운 심벌즈를 많이 듣지 못하는 이유 중 하나이기도 합니다. 그들은 무거운 느낌의 마스터링에 동의하지 않습니다.

스트리밍 플랫폼에서 다른 믹스와 경쟁하기 위해 음량을 최대로 높이는 대신, 스트리밍 알고리즘이 음량 페널티로 마스터를 낮추는 대신 다이나믹 레인지를 수용하는 것이 좋습니다.

12. 하드웨어 EQ 사용

EQ는 최종 믹스의 사운드에 큰 영향을 미칠 수 있습니다.

보다 보수적이고 클래식한 하드웨어 EQ 또는 플러그인 에뮬레이션을 선택하면 재즈에서 아름답게 작동하는 아날로그의 풍부함과 미묘함을 더할 수 있습니다. 하지만 정확도는 떨어지지만 바로 그 점이 포인트입니다. 저희는 EQ 선택이 외과적이지 않고 음악적으로 이루어지기를 바랍니다.

제가 재즈 음반 믹싱에 가장 애용하는 제품 중 하나가 바로 Pultec EQP-1A입니다. 동일한 주파수를 동시에 컷하고 부스트하는 독특한 기능을 갖추고 있어, 예를 들어 업라이트 베이스에 깊이와 존재감을 더할 수 있습니다.

Neve 1073 에뮬레이션은 유기적인 느낌을 유지하면서 보컬을 감미롭게 만들고 싶을 때도 좋습니다.

13. 다른 믹스 참조

레퍼런스는 작업하는 장르에 관계없이 모든 믹싱 엔지니어에게 매우 중요한 관행입니다. 다행히도 재즈에는 믹싱 프로세스를 안내하는 수십 년의 음향 벤치마크가 있습니다.

자신의 음악과 유사한 전문적으로 믹싱 및 마스터링된 재즈 트랙을 선택하고 이를 면밀히 분석하여 악기 밸런스, 다이내믹 관리, 음악의 감정적 효과와 선명도를 향상시키는 방식으로 효과를 적용하는 방법에 대한 통찰력을 얻으세요.

몇 시간 동안 계속 믹싱을 하다 보면 새로운 관점을 유지하기가 어려울 수 있습니다. 레퍼런스를 활용하면 언제든지 올바른 관점으로 결정을 재확인하고 올바른 방향으로 나아가고 있는지 확인할 수 있습니다.

최종 결과

다른 음악 장르에 비해 재즈 음악은 믹싱하기가 상당히 어려울 수 있습니다. 라이브 녹음에서 어쿠스틱 악기를 믹싱해야 하는 어려움과 압축 및 리버브와 같은 효과 뒤에 숨어 있는 결함을 숨길 수 없다는 점이 있습니다.

그렇기 때문에 녹음 과정에서 제대로 하는 것이 매우 중요합니다. 전설적인 재즈 음반은 믹싱 과정이 아니라 연주자, 작곡, 레코딩에서 나온다는 사실을 재즈 믹서라면 누구나 알고 있을 것입니다. 일단 음반이 여러분의 손에 들어가면 여러분이 할 일은 청취 경험을 향상시키는 것뿐입니다.

이 팁을 통해 재즈가 요구하는 감성과 흐름을 믹스하여 여러분이 만지는 모든 트랙이 스윙하고 그루브하며 세대를 넘어 공명할 수 있도록 영감을 얻길 바랍니다!