어떤 종류의 믹스를 작업하든 제가 추구하는 몇 가지 특성은 폭, 깊이, 정확성, 펀치력입니다. 이러한 목표는 장르에 관계없이 꽤 일관되게 유지됩니다. 가장 부드러운 재즈부터 가장 강렬한 EDM까지, "저음을 정리하고" "사운드가 서로 접착되도록 하는 것"과 같은 몇 가지 원칙이 제 작업의 기준이 됩니다.

하지만 메탈 음악, 특히 빠른 템포와 밀도 높은 편곡이 특징인 모던 메탈을 믹싱할 때는 작업 방식이 달라집니다. 여전히 전통적인 기법을 기본으로 사용하지만, 각 레이어에서 요구되는 강도는 더 혁신적인 터치를 요구합니다.

오늘은 처음부터 끝까지 메탈 음악 믹싱에 대한 심층적인 가이드를 소개해 드리고자 합니다. 이 가이드를 다 읽고 나면 메탈 믹스에서 원하는 선명하고 공격적인 사운드를 얻기 위해 다른 가이드가 필요하지 않을 것이라고 진심으로 말씀드릴 수 있습니다.

하지만 먼저 중요한 질문에 답하고 싶습니다.

금속 혼합이 어려운 이유는 무엇일까요?

메탈 믹싱 팁이 담긴 새로운 유튜브 동영상이 계속 올라오고 있는 것 같습니다. 물론 사람들이 메탈 믹싱에 어려움을 겪지 않았다면 지금처럼 인기가 많지는 않았을 것입니다.

일반 팝 음악을 믹싱하는 것보다 훨씬 더 어려운 이유는 무엇일까요?

밀도 높은 편곡

현대 메탈 음악은 여러 개의 기타 트랙, 더블 베이스 드럼 연주, 빠른 속도의 매우 왜곡된 리프 등 밀도가 높고 복잡한 편곡을 사용하는 경우가 많습니다. 이러한 밀도로 인해 각 악기를 명확하게 듣기가 어렵고, 결국 큰 덩어리로 뭉개져 버릴 수 있습니다.

또한 무거운 디스토션은 메탈의 특징이 되었습니다. 우리가 모두 알고 사랑하는 거칠고 공격적인 기타와 베이스 톤을 얻기 위해 사용합니다. 하지만 디스토션의 한 가지 부작용은 고조파 함량이 증가한다는 것입니다. 신중하게 처리하지 않으면 서로 다른 레이어 간의 믹스가 흐릿해지고 선명도가 흐려질 수 있습니다. 이 섬세한 균형을 찾는 것은 많은 초보 엔지니어들이 어려움을 겪는 부분 중 하나입니다.

보컬 배치

메탈 보컬은 매우 다양할 수 있습니다.

디오처럼 깔끔하게 노래하는 것부터 공격적인 돼지 비명, 으르렁거림, 비명까지, 이미 밀집된 믹스에서 보컬을 어떻게 배치할지 결정하는 것은 어려운 일이 될 수 있습니다. 보컬이 기타의 벽에 가려지는 것도 싫지만, 팝 믹스에서처럼 악기 위에 보컬이 자리 잡는 것도 원하지 않죠.

피로

메탈 음악에는 지칠 줄 모르는 에너지가 있습니다.

시간이 지나면 똑같은 폭발적인 비트와 크로매틱 리프가 지루하게 느껴질 수 있습니다. 로파이 R&B 트랙과 달리 메탈의 거친 특성으로 인해 장시간 듣기 어려울 수 있습니다.

메탈은 물리적 측면 외에도 공격적인 주제와 감정적 강도를 다루는 경우가 많습니다. 일부 곡은 일찍 지치지 않기 위해 믹서가 심리적으로 상당한 노력을 기울여야 합니다. 적당한 수준에서 음악을 듣고 자주 휴식을 취하는 것이 핵심입니다.

샘플 사용

많은 구식 믹싱 엔지니어들은 메탈 믹싱에 드럼 샘플을 사용하는 것은 이단이라고 말할지도 모릅니다. 처음부터 제대로 된 레코딩을 하고 EQ와 압축을 사용할 줄 안다면 드럼 샘플을 보강할 필요가 없겠죠?

특히 음질이 좋지 않은 룸에서 잘못 녹음된 지나치게 역동적인 드럼이 포함된 믹스가 전송된 경우에는 그렇지 않은 경우가 많습니다.

여러 가지 면에서 드럼 샘플 사용은 팝 믹스에서 자동 튜닝을 사용하는 것만큼이나 보편화되었습니다. 우리의 귀가 우리가 좋아하는 팝송의 완벽한 음정을 듣는 데 익숙해졌듯이, 현대 메탈 믹스에서도 특유의 파워와 정확성에 익숙해졌습니다.

때로는 드럼 샘플을 사용하는 것이 가장 빠른 방법일 수 있으니 이를 활용해보면 어떨까요?

올바른 샘플은 트랙 전체에서 드럼의 파워와 일관성을 향상시켜 각 타격이 이전만큼의 임팩트를 전달할 수 있도록 합니다. 이는 특히 메탈 믹스에서 유용하며, 기타와 베이스의 빽빽한 벽을 뚫고 나오는 드럼의 강렬함을 잃지 않으면서도 강렬한 사운드를 원하기 때문입니다.

균형 찾기

녹음 엔지니어가 지칠 줄 모르고 공들여 만든 것을 지우라는 말이 아닙니다. 원본 녹음에는 트랙의 고유한 사운드와 감성이 담겨 있습니다. 이를 샘플로 완전히 대체하면 다른 모든 사람의 드럼과 같은 소리가 나게 됩니다.

원본 드럼 사운드와 추가된 샘플 사이의 적절한 균형을 찾는 것이 핵심입니다.

제 목표는 종종 자연스러운 드럼 톤을 완전히 대체하기보다는 보완하고 향상시키는 것이므로 키트 고유의 특성을 유지하면서 샘플이 제공하는 추가적인 펀치와 선명도의 이점을 누릴 수 있습니다.

그렇기 때문에 저는 보통 타사 샘플을 사용하기보다는 세션 중에 녹음한 드럼 샘플을 추가하는 것을 선호하는데, 이는 키트 음향 특성과 자연스럽게 어우러지는 보다 응집력 있는 사운드를 제공하기 때문입니다. 물론 세션에서 녹음한 샘플이 없는 경우 키트 사운드와 가장 유사한 타사 샘플을 신중하게 선택해도 됩니다. 다만 항상 귀를 열어두고 드럼 원음의 무결성을 유지하는 쪽에 무게를 두세요.

드럼 샘플을 메탈 믹스에 통합하는 방법은 두 가지로 접근할 수 있습니다. 한 가지 방법은 샘플 교체로, 원래 드럼 연주의 트리거를 사용하여 샘플을 활성화하는 것입니다. 이 방법은 약하거나 일관되지 않은 히트를 보강하는 데 특히 유용할 수 있습니다. 또 다른 접근 방식은 샘플 블렌딩으로, 샘플을 원래의 타격음과 함께 혼합하여 자연스러운 드럼 사운드를 완전히 덮지 않으면서 무게감과 바디감을 더하는 것입니다.

샘플을 통합하는 방법

다행히도 이 과정은 그 어느 때보다 쉬워졌습니다. 드럼 샘플을 추가할 수 있는 수많은 플러그인이 준비되어 있습니다. 가장 인기 있는 플러그인으로는 트리거 및 블렌딩에 높은 정밀도와 유연성을 제공하는 Slate Digital의 Trigger와 믹스에 맞게 완벽하게 사용자 정의할 수 있는 광범위한 고품질 샘플 라이브러리를 제공하는 Toontrack의 Superior Drummer가 있습니다.

대부분의 메탈 믹스 엔지니어와 마찬가지로 저도 지난 몇 년 동안 스티븐 슬레이트 드럼을 꽤 좋아하게 되었습니다. 메탈 프로덕션에 쉽게 통합할 수 있는 사실적인 드럼 사운드를 원할 때 아주 좋습니다. 편집 기능도 훌륭하고 샘플을 제 믹스에 완벽하게 맞출 수 있어서 항상 쉽게 사용할 수 있습니다.

이제 금속 믹싱 시 드럼 샘플을 사용하는 미묘한 기술을 살펴봤으니, 금속 믹싱 프로세스의 더 넓은 관점으로 전환해 보겠습니다.

금속 혼합 프로세스

메탈 음악 믹싱의 절반은 소스에서 올바른 사운드를 얻는 것이지만, 일단 사운드가 제자리를 잡았다고 생각되면 그다음부터는 사운드를 최대한 잘 맞추는 작업을 시작할 수 있습니다.

1. 위상 및 시간 정렬

첫 번째 단계는 모든 것이 제때 제자리에 있는지 확인하는 것입니다.

이 단계를 처리하지 않으면 메탈 믹스에서 원하는 파워와 선명도를 얻기가 거의 불가능합니다.

킥 드럼 소스

서로 다른 마이크와 추가 샘플 등 여러 킥 드럼 소스를 다룰 때는 위상 일관성을 유지해야 합니다. 이를 위해서는 모든 킥 드럼 소스의 파형을 정렬하여 서로 상쇄하지 않고 보완하도록 해야 합니다.

한 가지 간단한 방법은 DAW에서 파형을 확대하고 최고점과 최저점이 최대한 가깝게 정렬될 때까지 트랙의 타이밍을 수동으로 조정하는 것입니다. 이렇게 하면 결합된 사운드의 효과를 극대화할 수 있습니다.

또한 로우엔드 또는 서브 주파수를 지배하는 하나의 킥 드럼 소스를 선택해 두 소스 간의 주파수 충돌을 방지하는 것이 좋습니다. 서브 주파수를 하나의 소스에 할당하면 보다 집중적이고 임팩트 있는 저음을 구현할 수 있고, 드럼 키트와 믹스의 다른 요소들이 각각의 주파수 범위에서 보다 편안하게 자리 잡을 수 있습니다.

스네어 트랙, 오버헤드 및 룸 마이크

스네어 트랙, 오버헤드, 룸 마이크에도 비슷한 주의를 기울이세요.

스네어의 경우, 사용된 샘플과 클로즈 마이크를 정렬합니다. 오버헤드와 룸 마이크도 클로즈 마이크와 위상이 맞는지 확인해야 합니다. DAW의 채널 스트립에서 위상 스위치를 돌려 어느 위치가 더 풍성한 사운드를 제공하는지 들어봐야 할 수도 있습니다.

프로세스 속도를 높이고 싶다면 Sound Radix Auto-Align 또는 Waves In-Phase 와 같이 타이밍과 위상을 자동으로 조정할 수 있는 자동 정렬 플러그인이 많이 나와 있습니다.

베이스 DI 및 앰프 트랙

베이스 DI(직접 주입) 트랙을 마이크의 베이스 앰프(있는 경우) 트랙과 정렬하는 것이 다음 중요한 단계입니다.

이 트랙은 서로 다른 방식으로 캡처한 동일한 성능을 나타내므로 정렬하면 더 단단하고 응집력 있는 베이스 톤을 얻을 수 있습니다. DI 트랙의 초기 과도 파형을 앰프 트랙의 과도 파형과 일치시켜 강화하기만 하면 됩니다.

모든 기기가 제 시간에 맞춰 작동하는지 확인

물론 모든 악기가 서로 박자를 맞추면서 공연의 생동감을 떨어뜨리지 않아야 합니다. 제가 주로 취하는 단계는 다음과 같습니다:

• 리듬 섹션부터 시작하여 드럼 트랙을 먼저 정렬합니다. 드럼은 믹스의 중추적인 역할을 하므로 그리드에서 일관성을 유지할 수 있도록 충분히 타이트하게 정렬하되, 인간적인 느낌을 잃을 정도로 꽉 조이지 않도록 해야 합니다.
• 베이스를 킥 드럼에 맞춥니다. 이 둘의 상호작용이 그루브를 단단하게 만드는 핵심입니다.
• 리듬 기타와 드럼 및 베이스 트랙의 정렬을 확인하고 필요한 경우 조정하여 단단히 고정할 수 있도록 합니다.
• 마지막으로, 추가 악기나 보컬을 정렬하여 정해진 리듬 기반에 잘 어울리는지 확인합니다.

2. 그룹화

다음으로 드럼, 기타, 보컬 등 비슷한 악기의 여러 트랙을 단일 버스 채널로 라우팅하여 악기를 버스에 그룹화하는 것을 좋아합니다.

이 방식은 여러 트랙을 동시에 처리할 수 있어 믹싱 워크플로우를 간소화할 뿐만 아니라 보다 일관된 사운드를 만드는 데도 도움이 됩니다. 악기 그룹 전체에 이펙트, EQ, 압축을 적용하면 악기들을 하나로 묶을 수 있습니다.

또한 여러 개의 기타에 단일 EQ를 사용하면 모두 동일한 설정을 가진 개별 트랙에 여러 개의 EQ 플러그인을 넣는 것보다 더 많은 CPU를 절약할 수 있습니다.

3. 볼륨 잔액

볼륨 밸런스는 모든 믹스의 주요 초점이 되어야 합니다. 이 부분을 제대로 해결하지 못하면 아무리 EQ, 압축, 이펙트를 사용해도 소용이 없습니다.

볼륨 밸런스 단계에서는 트랙의 각 요소가 선명하게 들리도록(또는 느껴지도록) 하고 믹스를 압도하지 않으면서 전체적인 효과에 기여하도록 해야 합니다. 저는 보통 이 과정에서 디지털 클리핑을 방지하고 최종 마스터링 프로세스를 위한 충분한 공간을 확보하기 위해 최소 6dB의 헤드룸을 유지한다는 일반적인 규칙을 고수합니다.

밸런싱 드럼

타이트한 드럼 사운드는 현대 메탈 음악의 필수 요소이며, 이러한 사운드를 얻으려면 오버헤드나 룸 마이크보다 드럼 스팟 마이크에 우선순위를 두는 것이 좋습니다. 이렇게 하면 개별 드럼 요소를 보다 정밀하게 제어할 수 있습니다.

킥과 스네어부터 시작해서 톰과 심벌즈를 조심스럽게 섞어가며 맛을 볼 수 있습니다. 드럼 밸런스를 맞추는 방법은 곡에 따라 완전히 달라지지만, 한 가지 팁을 드리자면 오버헤드에 주의해야 한다는 것입니다. 많은 아마추어 메탈 믹스의 사운드가 거칠고 거칠게 들리는 이유는 믹스 엔지니어가 심벌즈를 너무 높게 타기 때문입니다.

베이스와 기타 밸런싱

드럼에 대한 베이스와 기타의 밸런스를 맞추는 것이 다음 단계입니다.

베이스는 킥 드럼을 밟지 않고 저음역대를 채우면서 킥 드럼을 보완해야 합니다. 결국에는 이퀄라이징과 압축 작업을 거치게 되므로 처음부터 완벽하게 들리지 않더라도 너무 자책하지 마세요.

저는 보통 킥을 솔로로 연주할 때 베이스 기타 페이더를 올려서 고정된 느낌이 들 때까지 연주하는 것을 좋아합니다. 들어보면 알 수 있을 겁니다.

기타는 종종 메탈 음악의 주인공이 되기도 합니다. 드럼과 베이스를 압도하지 않으면서도 선명하게 끊어지는지 확인하세요.

보컬 밸런싱

보컬 레벨의 밸런스는 주로 연주 스타일과 유형에 따라 결정되기 때문에 제가 할 수 있는 말은 많지 않습니다. 많은 공격적인 스타일에서는 보컬이 믹스에서 눈에 띄게 배치되어야 하는 반면, 멜로디나 분위기 있는 부분은 악기 배경과 더 잘 어우러질 수 있습니다.

제가 믹싱한 많은 메탈 밴드는 보컬이 믹스에서 뒤로 물러나 있는 경우가 많았어요. 치노는 보컬이 돋보이기보다는 악기와 조화를 이루는 것을 일관되게 좋아하기 때문에 항상 데프톤을 떠올리게 됩니다.

특히 기타나 드럼에 주의를 돌리고 싶을 때 명료성이 항상 가장 중요한 것은 아니라는 점을 기억하세요.

4. 패닝

이제 패닝에 대해서는 아직 언급하지 않은 것을 주목하세요.

저는 모노에서 볼륨 밸런스를 맞추는 것을 좋아하기 때문입니다. 물론 패닝을 시작하면 상대적인 레벨은 달라지겠지만, 저에게는 다른 곳에 집중하기 전에 모노에서 대략적인 밸런스가 잘 들리는지 확인하는 것이 더 편합니다.

좋은 패닝은 공간감 있는 믹스를 만드는 데 중요한 역할을 합니다. 특히 밀도가 높은 믹스에서는 패닝이 없으면 사운드가 혼잡하게 들리기 쉽습니다.

저는 보통 킥, 스네어, 베이스, 리드 보컬을 가운데에 배치하고 기타, 키보드, 백 보컬을 스테레오 필드에 전략적으로 배치하여 대비를 만들어 중앙에 강한 기반을 두고 시작하는 편입니다.

더블 기타는 좌우로 세게 치는 경우가 많지만, 코러스에서는 더 임팩트를 주기 위해 약간 안으로 팬을 돌리고 바깥쪽으로 자동 조정하기도 합니다.

드러머의 관점, 관객의 관점 등 드럼을 어떻게 배치할지 고려하는 것도 좋은 생각입니다.

피해야 할 패닝 실수

패닝할 때 피해야 할 몇 가지 함정이 있습니다.

우선, 악기를 극단적으로 왼쪽이나 오른쪽으로 과도하게 패닝하면 특히 한쪽 요소를 강하게 패닝하고 다른 쪽에서 균형을 맞추지 않으면 믹스가 불균형해질 수 있습니다.

또한 패닝할 때 마이크와 DI 소스의 위상 관계를 무시하면 사운드가 약하거나 공허하게 들릴 수 있으므로 항상 모노 믹스를 정기적으로 확인하여 패닝된 요소가 사라지거나 위상이 사라지지 않는지 확인하는 것이 좋습니다.

또한 스테레오 필드의 특정 영역이 과밀하지 않도록 주의하세요. 같은 음역에서 연주되는 기타 리프와 피아노 파트가 있는 경우, 서로 바로 위에 배치하지 말고 서로 멀리 패닝하여 균형을 맞추는 것이 좋습니다. 이렇게 하면 원하는 선명도를 얻기 위해 많은 이퀄라이저 작업을 하지 않아도 됩니다.

5. EQ

EQ는 믹싱 프로세스의 다음 도구입니다. 믹스에 포함된 각 트랙의 톤 밸런스를 조정하고 다듬어 서로 잘 어울리도록 할 수 있습니다.

하지만 EQ는 믹스를 향상시킬 수 있는 무한한 가능성을 제시하지만, 신중하게 다루지 않으면 믹스를 망치기 쉽습니다.

많은 믹싱 엔지니어는 주파수를 줄이기 전에 주파수를 부스트하는 경향이 있습니다.

물론 부스팅은 킥의 붐이나 기타 솔로와 같은 악기의 특징을 강조하는 데 사용할 수 있으므로 필요할 때 유용하게 사용할 수 있습니다. 그러나 과도한 부스팅은 요소들이 공간을 차지하기 위해 경쟁하는 어수선한 믹스로 이어질 수 있습니다. 결국 흐릿하고 선명하지 않은 결과물이 남게 됩니다.

대신 원치 않는 주파수를 잘라내어 사운드를 정리하는 것부터 시작하세요. 이 방법을 사용하면 큰 부스트 없이도 더 선명하고 균형 잡힌 믹스를 얻을 수 있다는 사실은 항상 놀랍습니다.

또 다른 일반적인 오류는 솔로에서 트랙을 이퀄라이징하는 데 너무 많은 시간을 소비하는 것입니다.

이 기능은 문제가 있는 주파수를 식별하는 데 도움이 될 수 있지만, 트랙이 믹스 내에서 어떻게 배치되는지에 대한 컨텍스트는 제공하지 않습니다. 악기와 보컬은 다른 요소와 블렌딩했을 때와 단독으로 들었을 때 크게 다르게 들릴 수 있습니다.

전체 믹스의 맥락에서 EQ를 결정해야 각 조정이 전체 사운드에 긍정적인 영향을 미칠 수 있습니다.

필터 사용

메탈 음악을 믹싱할 때 가장 어려운 일 중 하나는 저음을 적절하게 유지하는 것입니다.

로우엔드는 트랙의 무게와 힘을 전달하지만, 제대로 관리하지 않으면 믹스가 흐릿하고 정의되지 않을 수 있습니다. 마스킹은 서로 다른 악기의 주파수가 겹쳐서 같은 음향 공간을 어지럽히는 저음역대의 가장 큰 원인인 경우가 많습니다.

바로 이 부분에서 하이패스 필터(HPF) 가 중요한 역할을 합니다.

고역 통과 필터를 사용하면 필요하지 않은 악기에서 불필요한 저역 주파수를 선택적으로 제거하여 베이스와 킥 드럼이 필요한 사운드를 얻을 수 있습니다. 딱히 정해진 규칙은 없지만, 다음은 다양한 악기에 대한 몇 가지 고역 통과 필터 제안입니다:

• 킥 드럼: 폭발적인 비트가 바닥에서 약간 밋밋하게 느껴진다면 30~40Hz 정도에서 시작하여 기본적인 쿵 소리를 잃지 않으면서 킥을 강화할 수 있습니다.
• 베이스 기타: 30~50Hz 정도의 HPF는 몸체를 유지하면서 럼블을 제거하고 킥을 방해하지 않도록 하는 데 도움이 됩니다.
• 스네어 드럼: 80~100Hz 정도의 HPF로 시작합니다. 여기서 목표는 원하는 기본 주파수 이하의 로우엔드 럼블을 제거하는 것입니다. 금속에서 스네어에서 가장 중요한 부분은 크랙입니다.
• 톰: 랙 톰의 경우 크기와 튜닝에 따라 약 80~120Hz, 플로어 톰의 경우 약 60~100Hz의 HPF가 일반적으로 작동합니다. 톰이 자체적으로 연주하는 필의 경우, HPF를 자동으로 꺼서 서브우퍼를 잠깐 동안 다시 불러올 수도 있습니다.
• 하이햇과 심벌즈: 200~300Hz 정도의 HPF를 적용하면 블리드나 저주파 노이즈를 정리하는 데 좋습니다. 이러한 요소는 많은 바디가 필요하지 않습니다.
• 오버헤드 마이크: HPF를 300 또는 400Hz까지 설정하는 것은 드문 일이 아닙니다. 오버헤드 마이크는 심벌즈의 반짝임과 드럼의 공간적 이미지를 포착하는 데 초점을 맞춰야 합니다. 저는 보통 라이딩의 기본 주파수가 어디에 있는지 살펴서 그 이상으로 올라가서 특성을 잃지 않도록 합니다.
• 룸 마이크: 80~20Hz 정도의 HPF는 원치 않는 저주파 럼블을 제거하고 키트의 전반적인 사운드를 강화할 수 있지만, 룸이 믹스에 기여하는 바에 따라 달라집니다.
• 일렉트릭 기타: 60~100Hz 이하로 필터링하면 공명하는 저역 럼블과 택시 쿵 소리를 제거할 수 있지만, 얼마나 다운 튜닝했는지에 따라 달라질 수 있습니다.
• 보컬: 대부분의 보컬은 80Hz 이하에서는 사용할 수 있는 콘텐츠가 없기 때문에 80~100Hz 정도의 HPF는 선명도에 필수적이지 않은 파열음과 저역 럼블을 제거하는 데 유용합니다. 남성 목소리나 여성 목소리의 경우 더 높게 설정할 수도 있습니다.

반면에 저역 통과 필터(LPF) 는 마찬가지로 중요하지만 간과되는 경우가 많습니다. 저는 보통 일렉트릭 기타와 베이스 기타에 로우패스 필터를 적용하여 최고급 피즈를 제거합니다. 예를 들어 메탈 기타는 저역과 고역에 롤오프를 적용하여 중앙에 배치하고 해당 영역에 존재해야 하는 요소를 제거하기 위해 "크러스트 차단" EQ를 적용하는 경우가 많습니다.

일반적으로 말하기

EQ에 접근하는 방법은 무궁무진하며, 구체적인 악기에 대해 자세히 알아보기 전에 도움이 될 만한 몇 가지 팁을 알려드리고자 합니다.

우선, 여러 악기에서 동일한 주파수를 높이거나 낮추지 마세요. 이렇게 하면 믹스의 특정 영역에 주파수가 쌓이거나 과도하게 얇아져 악기 간의 선명도와 분리도가 떨어질 수 있습니다. 예를 들어 리듬 기타와 베이스 기타 모두에서 로우 미드를 부스트하면 두 악기 모두 뚜렷하게 돋보이지 않는 흐릿한 믹스가 될 수 있습니다.

또 다른 효과적인 전략은 마스킹되는 악기의 주파수를 높이는 것이 아니라 마스킹되는 다른 악기의 주파수를 감쇠시키는 것입니다. 이렇게 하면 보다 자연스럽고 역동적인 믹스를 얻을 수 있습니다. 예를 들어 리듬 기타가 스네어 드럼을 가리고 있는 경우, 스네어의 중음을 부스트하는 대신(거칠거나 부자연스럽게 들릴 수 있음) 기타의 해당 주파수를 약간 낮춰 보세요. 이렇게 미묘하게 조정하면 스네어의 고유한 톤을 바꾸지 않고도 스네어의 존재감과 임팩트를 드러낼 수 있습니다.

마지막으로 미러링된 EQ 선택으로 실험해 보세요. 즉, 서로 다른 악기에 대해 상호 보완적인 EQ 조정을 하여 퍼즐 조각처럼 서로 맞도록 하는 것입니다. 예를 들어 베이스 기타의 중저음 주파수를 일부 잘라 탁한 소리를 정리했다면, 킥 드럼에서는 같은 주파수를 약간 높여 해당 주파수 범위에서 충만함을 유지할 수 있습니다.

다양한 악기 이퀄라이징

앞서 언급했듯이 모든 믹스에는 완전히 다른 사운드를 내는 다양한 요소가 포함되어 있기 때문에 EQ에 대한 획일적인 접근 방식은 없습니다. 모든 베이스 사운드의 로우엔드 또는 미드레인지가 동일하지 않은 것처럼 모든 왜곡된 기타 사운드가 동일하게 들리지는 않습니다.

일반적인 팁을 살펴보면서 이 점을 염두에 두셨으면 합니다.

킥 드럼

대부분의 발차기의 기본 주파수는 60~80Hz 사이라는 점에 유의하세요.

더 강력한 힘과 무게가 필요하다면 이곳에서 부스트할 수 있습니다. 이 영역에서 큰 부스트를 하면 특히 빠른 더블 킥을 할 때 소리가 크게 들릴 수 있으니 주의하세요.

저는 때때로 3~5kHz 사이에서 약간의 부스트를 적용하여 비터의 어택을 강화하고 '딸깍' 소리를 내는데, 이는 심하게 왜곡된 기타 사이에서 명료하게 표현하는 데 도움이 될 수 있습니다. 너무 붐비고 선명하지 않은 킥을 믹싱할 때는 250~400Hz 정도의 주파수를 잘라내면 깔끔하게 정리되고 중저음 기타 톤에 방해가 되지 않을 수 있습니다.

스네어 드럼

메탈 음악에서는 일반적으로 짧고 날카로운 스네어 드럼이 필요합니다. 스네어 드럼이 믹스를 잘 뚫고 나오지 않는다면 2~4kHz 정도의 중음부를 부스트하여 스네어의 크랙을 강조할 수 있습니다. 반면에 약간 얇게 들린다면 200Hz 정도로 약간 부스트하면 바디와 무게감을 더할 수 있습니다.

스네어 소리가 다소 거칠게 들린다면 1kHz 정도에서 작은 컷을 만들 수 있는 부분을 찾아보는 것이 좋습니다.

하이햇 및 심벌즈

하이햇과 심벌즈의 경우, 메탈 믹스에서 목표는 날카롭거나 압도적이지 않으면서 전체적인 에너지를 보완하는 선명하고 경쾌한 존재감입니다.

하이패스 필터를 사용한 후 6~10kHz에서 약간 부스트하여 둔탁하게 들리거나 믹스에서 손실되는 경우 자연스러운 지글지글한 사운드를 끌어낼 수 있습니다. 소리가 얇거나 거칠게 들리면 2~4kHz 정도의 거친 공명을 노치할 수 있습니다. 또한 심벌즈와 모자가 보컬에 방해가 되지 않도록 할 수 있습니다!

Toms

톰은 극적인 채우기 및 전환을 위해 메탈에서 자주 사용됩니다. 제가 일반적으로 톰에서 원하는 두 가지가 있는데, 바로 저음의 펀치와 공격의 선명도입니다.

특히 플로어 톰에서 80~100Hz 정도 부스트하면 기본 톤이 풍부해지고, 400~600Hz 정도 약간 줄이면 박시함을 줄이는 데 도움이 될 수 있습니다. 톰의 어택을 3~5kHz 정도 부스트하면 믹스를 잘라내는 데 도움이 될 수 있습니다.

베이스 기타

메탈에서 베이스의 역할은 킥 드럼을 고정하고 견고한 토대를 제공하는 것입니다.

특히 저음이 부족하다고 느껴질 때 베이스의 기본 음색을 강화하기 위해 80~100Hz 정도에서 약간 부스트하는 경우가 많습니다. 또한 주파수가 상당히 빠르게 쌓일 수 있기 때문에 보통 200~250Hz 부근에서 약간의 탁함을 줄입니다.

기타의 벽을 통해 베이스가 잘 들리지 않는다면 700Hz~1kHz 정도의 약간의 부스트와 약간의 최상급 왜곡을 사용하면 베이스의 핑거 또는 픽 사운드를 명확하게 표현하는 데 도움이 됩니다.

일렉트릭 기타

메탈 기타를 이퀄라이징하는 방식은 다양할 수 있습니다. 솔로 리드와 왜곡된 리듬 기타는 반짝이는 깨끗한 앰비언트 파트와 다릅니다.

간결함을 위해 슬레이어 음반에서 들을 수 있는 것처럼 직설적이고 두툼한 하이게인 메탈 기타에 대해 이야기해 보겠습니다.

메탈 기타가 탁하게 들린다고 느껴지면 300~400Hz 정도를 줄이고, 좀 더 선명함이 필요하다고 생각되면 800Hz로 끌어올릴 수 있습니다. 믹스 내 모든 악기 사이를 뚫고 나올 수 있도록 약간의 바이트를 더해야 하는 리드 기타를 다룰 때는 약 3kHz를 약간 높입니다.

보컬

메탈의 보컬도 구슬픈 으르렁거림부터 고조되는 멜로디까지 매우 다양합니다.

각각 믹스에 적절하게 배치하려면 맞춤형 접근 방식이 필요합니다. 하지만 보컬에 반짝이는 광택을 주기 위해 10kHz 이상의 하이엔드 부스트를 사용하는 팝 믹스와 달리, 메탈이나 록을 믹싱할 때는 고중음에 더 집중하는 편입니다.

2~5kHz 정도의 부스트는 보컬의 존재감과 에너지를 높이는 데 도움이 될 수 있습니다. 그러나 해당 영역의 부스트가 너무 거칠게 들린다면 대신 200~300Hz 정도를 감쇠하고 보컬의 전체 볼륨을 높일 수 있습니다.

6. 압축

압축은 듣기 어려울 수 있기 때문에 많은 신입 엔지니어에게 논쟁의 대상이 될 수 있습니다.

다행히도 메탈에서는 재즈나 R&B 믹스에 비해 기교가 덜 필요한 압축을 조금 더 공격적으로 사용할 수 있습니다.

일관성을 유지하는 가장 중요한 요소는 드럼 입니다.

드럼 압축

킥 드럼의 경우 중간에서 높은 비율(약 4:1에서 8:1)로 느린 어택을 사용하면 초기 과도기를 강조하여 펀치와 존재감을 주면서 몸을 압박하는 데 도움이 될 수 있습니다. 스네어 역시 비슷한 접근 방식이 필요하며, 드럼의 자연스러운 쇠퇴를 강화하기 위해 릴리즈 시간을 추가로 고려해야 합니다.

톰은 약간 낮은 비율(3:1)과 중간 정도의 공격 시간으로 압축하여 성능을 평평하게 유지하면서 다이나믹 필을 보존할 수 있습니다. 오버헤드는 일반적으로 키트를 함께 붙이는 데 더 집중하고 싶기 때문에 일반적으로 덜 공격적인 압축이 필요합니다(있는 경우). 반면에 룸 마이크를 산산조각 내도 좋으니 키트에 생기를 불어넣을 수 있는 좋은 방법입니다!

물론 이 시점에서 병렬 압축을 사용할 수도 있지만 이에 대해서는 잠시 후에 자세히 설명하겠습니다.

저음 압축

베이스 기타를 압축하여 메탈 믹스에서 로우엔드를 고정할 수 있습니다.

저는 두 개의 컴프레서를 직렬로 사용하면 미묘한 다이내믹 컨트롤과 베이스의 자연스러운 톤을 모두 보존할 수 있어 선호합니다. 첫 번째 압축기는 높은 비율(약 8:1)과 빠른 어택으로 설정하여 피크를 잡을 수 있고, 두 번째 압축기는 낮은 비율과 느린 어택으로 전체 성능을 균일하게 조정할 수 있습니다.

보컬 압축

보컬은 특히 보컬리스트가 음역대를 위아래로 움직이기 때문에 다이내믹 레인지가 상당히 넓을 수 있습니다.

대부분의 경우 메탈 보컬은 더 높은 압축률(6:1 이상)을 사용하면 보다 일관된 사운드를 얻을 수 있습니다. 빠른 어택은 공격적인 부분을 즉시 길들일 수 있고, 중간 정도의 릴리즈 시간은 압축기가 연주와 호흡할 수 있도록 도와줍니다.

7. 리버브 및 딜레이

메탈 음악에서 리버브를 사용할 때는 절제된 느낌으로 접근하는 것을 좋아합니다.

메탈의 밀도 높은 편곡과 빠른 템포는 과도한 리버브가 가져올 수 있는 탁함이나 탁한 느낌이 거의 없기 때문에 악기와 보컬의 자연스러운 힘을 압도하지 않고 향상시키기 위해 리버브를 아껴 사용하는 것을 권장합니다.

프리 딜레이 설정이 있는 쇼트 플레이트는 스네어와 톰에 적합하며, 어택을 흐리게 하지 않으면서도 공간감을 충분히 살려주기 때문입니다. 프리 딜레이를 사용하면 리버브 효과가 시작되기 전에 초기 드럼 타격이 믹스를 깔끔하게 잘라내어 타악기 임팩트를 희생하지 않고도 깊이와 입체감을 더할 수 있습니다.

노래에 리버브가 필요한 경우 보컬에도 플레이트가 좋습니다(때로는 슬랩 딜레이나 핑퐁 딜레이가 리버브의 밀도 없이 공간감을 제공할 수 있습니다). 어떤 것을 선택하든, 리턴 트랙에서 EQ를 사용하여 불필요한 저음과 고음을 제거하여 톤 밸런스를 조정하는 것이 좋습니다.

대부분의 다른 악기에서는 리버브 사용을 매우 가볍게 유지할 수 있습니다. 리드 기타 솔로에 큰 홀 리버브를 조금만 사용하거나 리듬 기타에 결속력을 더하기 위해 더 단단한 룸 리버브를 사용하는 경우는 예외일 수 있습니다.

추가 금속 혼합 팁

베이스 분할

저에게 있어 메탈 음악에서 적절한 베이스 사운드를 얻으려면 EQ를 사용하여 고음과 저음으로 분리하는 것이 중요합니다. 이는 각 주파수 범위를 독립적으로 처리하는 데 유용합니다.

저음을 분리하면 베이스의 깨끗하고 기초적인 럼블과 따뜻함을 보존하여 믹스에서 탁함 없이 견고하게 뒷받침할 수 있습니다. 반면에 고주파 채널에서는 약간의 채도와 왜곡을 가하여 저음의 그릿과 특성을 살려 아무리 밀도가 높은 편곡도 잘라낼 수 있습니다.

고역과 저역의 위치는 보통 저역은 150~250Hz, 포화 저역은 200~300Hz 정도의 LPF 컷오프가 있는 것을 선호합니다.

일렉트릭 기타의 로우-중음 제어하기

특히 팜 음소거 구간에서 일렉트릭 기타의 중저음을 다듬기 위해 멀티밴드 컴프레서를 활용하는 것은 메탈 믹싱의 신성한 기법입니다.

팜 음소거 리프는 헤비 음악의 필수 요소입니다. 하지만 신중하게 처리하지 않으면 때때로 탁하게 들리거나 선명도가 부족할 수 있습니다. FabFilter MB와 같은 멀티밴드 컴프레서로 중저음 주파수를 특별히 타겟팅하면 기타가 팜 음소거 섹션에 닿을 때마다 주파수 범위가 튀어나오지 않도록 기타를 제어하고 강화할 수 있습니다.

여기서 핵심은 팜 음소거가 가장 많이 공명하는 주파수 대역(보통 200~500Hz)을 분리하고 이 대역에 선택적으로 압축을 적용하는 것입니다. 최종 결과물은 제어되면서도 선명한 메탈 기타입니다.

보컬에서 병렬 처리 사용

마지막으로 보컬에 병렬 압축과 디스토션을 사용하여 공격성을 부여하는 방법에 대해 이야기하고 싶습니다.

뉴욕 압축이라고도 하는 병렬 압축은 보컬 트랙의 고압축 버전과 압축되지 않은 원본 트랙을 혼합하는 방식입니다. 이 방법을 사용하면 보컬이 자연스러운 다이내믹과 뉘앙스를 유지하면서 압축된 신호가 믹스 전체에서 일관되고 강력한 존재감을 드러낼 수 있습니다.

그 결과 표현 범위를 잃지 않으면서도 밀도 높은 악기 사이를 잘라내는 보컬이 탄생했습니다.

왜곡을 병렬로 추가하면 비슷한 이점을 얻을 수 있습니다.

자연스러운 보컬의 명료함이나 품질을 잃지 않으면서도 강렬한 보컬 트랙의 공격적인 엣지와 에너지를 모두 느낄 수 있습니다.

최종 생각 - 전문가처럼 메탈 믹싱하기

메탈 음악 믹싱은 매우 재미있고, 믹스의 모든 요소에 창의력을 발휘하는 데 사용할 수 있는 멋진 팁, 요령, 기법들이 많이 있습니다. 무겁거나 공격적인 음악을 좋아하지 않더라도 메탈 믹스에 뛰어들면 많은 것을 배울 수 있습니다. 또한 메탈 믹싱에서 익힌 많은 기술은 힙합, 레게 등 다른 장르에서도 사용할 수 있습니다.

무겁게 유지하세요!