음악에서는 특히 신디사이저와 같은 악기에 대해 이야기하거나 사운드 디자인을 탐구할 때 "모노포닉"과 "폴리포닉"이라는 용어를 자주 듣게 됩니다. 하지만 이러한 용어는 단순히 멋진 단어처럼 들릴 수 있지만, 실제로는 우리가 만드는 음악의 질감을 이해하는 데 매우 기초가 되는 용어입니다.

그렇다면 이 둘의 실제 차이점은 무엇일까요? 그리고 더 중요한 것은 언제 어느 쪽을 선택해야 할까요? 이를 세분화하여 다음 음악 프로젝트에 어떤 옵션이 가장 적합한지 알아보세요.

다성 대 모노포닉

다성음악이란 악기나 음악이 동시에 여러 개의 '목소리'를 연주할 수 있는 능력을 말합니다. 합창단을 상상하기 전에 여기서 '목소리'가 의미하는 바를 명확히 알아봅시다.

'목소리'는 반드시 사람이 노래하는 것이 아니라 하나의 음악적 대사나 음표입니다. 따라서 대위법이란 여러 음이나 대사를 동시에 겹쳐서 각각 고유한 소리를 내는 능력을 말합니다. "하모니"라고 생각하면 됩니다.

'보이스'라는 용어는 서양 음악의 초창기부터 사용되었습니다. 수세기 전에는 서로 다른 멜로디 라인을 겹쳐서 부르는 개념이 생소했고, 각 라인은 종종 다른 가수가 불렀습니다. 이렇게 분리된 선율을 노래하든 악기로 연주하든 "보이스"라고 불렀습니다. 음악이 발전하고 현대 악기가 이러한 역할을 맡게 되었음에도 불구하고 이 용어는 그대로 유지되었습니다.

초기의 다성음악은 복잡하게 얽혀 있는 멜로디를 작곡하기 위해 만들어졌습니다. 르네상스 모테트의 풍부하고 짜임새 있는 질감을 생각해보세요. 반면에 모노포니는 훨씬 더 단순했습니다. 반주 없이 순수하게 하나의 멜로디로 구성되었습니다.

그레고리안 성가나 솔로 가수와 풀 앙상블의 차이점이 좋은 예가 될 수 있습니다.

오늘날에는 성악뿐만 아니라 악기가 한 번에 얼마나 많은 음을 낼 수 있는지를 설명할 때 다성음악과 모노포니를 사용합니다. 예를 들어 모노포닉 신디사이저는 한 번에 하나의 음만 연주할 수 있으므로 리드와 베이스라인에 적합합니다. 반면, 폴리포닉 신디사이저는 화음과 화성을 처리할 수 있어 훨씬 더 풍부하고 풍성한 악기 반주를 구현할 수 있습니다.

모노 포닉 신디사이저

요즘 신디사이저에 대해 이야기할 때 '모노포닉'과 '폴리포닉'이라는 용어가 자주 등장하는데, 이는 신디사이저의 음 처리 방식을 설명하기 위한 용어입니다. 모노포닉 신디사이저는 한 번에 하나의 음만 재생할 수 있습니다. 제한적으로 들릴 수 있지만 일렉트로닉 음악 역사상 가장 상징적인 사운드 중 일부는 이러한 악기에서 탄생했습니다.

최초의 신디사이저는 모두 모노 포닉이었습니다. 미니모그를 예로 들어보겠습니다. 미니모그는 클래식한 신디사이저로, 풍성하고 육감적인 신디사이저 베이스라인이나 리드를 떠올리면 모노신디사이저를 떠올릴 수 있습니다. 과거에는 폴리포닉 기술이 아직 발달하지 않았기 때문에 모든 것이 한 번에 한 음씩 처리하도록 제작되었습니다.

많은 클래식 모노신디사이저는 사운드와 크기 면에서 모두 거대했습니다. 무그 모듈러나 ARP 2500과 같은 초기 모듈식 신디사이저는 거대한 패치 베이와 오실레이터, 필터 및 기타 모듈 랙으로 인해 방 전체를 차지할 수 있었습니다. 소리를 내기 위해 산더미처럼 쌓인 패치 케이블과 엄청난 노력이 필요했기 때문에 미친 과학자들에게는 완벽한 악기였습니다.

물론 그만한 가치가 있는, 두껍고 따뜻하며 부인할 수 없는 강력한 사운드였습니다.

시간이 흐르고 기술이 발전함에 따라 모노 포닉 신디사이저는 인기가 떨어질 것이라고 생각할 수 있습니다. 하지만 모노톤 신디사이저는 여전히 인기를 유지하고 있으며, 그럴 만한 이유가 있습니다.

스퀠치 베이스 라인으로 애시드 하우스 장르를 실질적으로 정의한 모노신스인 Roland TB-303을 살펴보세요. 또는 모노포닉의 전통을 살리면서 뮤지션에게 새로운 창작 도구를 제공하는 보다 현대적인 예시인 Korg Monologue도 있습니다.

이 신디사이저는 때로는 적을수록 많다는 것을 증명하며, 하나의 음이 제대로 연주될 때 큰 영향을 미칠 수 있습니다.

폴리포닉 신디사이저

다성 악기에 대해 생각하기 시작하는 가장 좋은 방법은 피아노부터 시작하는 것입니다. 피아노는 항상 즉각적으로 떠오르는 예시입니다. 여러 개의 건반을 누르면 각 건반이 동시에 고유한 음을 만들어냅니다. 화음, 복잡한 화음, 독립적인 멜로디 등 두 개 이상의 음을 동시에 연주할 수 있는 능력이 바로 다성음악입니다.

그러나 최초의 다성 신디사이저 모델은 1930년대 후반 피아노보다 훨씬 후에 등장했습니다. 선구자 중 한 명인 Harald Bode는 워보 포먼트 오르겔을 만들었습니다.

비슷한 시기에 해먼드 회사는 옥타브 분할이라는 기술을 사용한 다성 신디사이저인 노바코드를 개발했습니다. 이 방법은 단일 고주파 오실레이터의 주파수를 분할하여 여러 옥타브에 걸쳐 음을 생성하는 방식이었습니다. 한 번에 여러 음을 생성하기 위한 영리한 해결 방법이었지만, 음을 처리하는 방식에 한계가 있었습니다.

하지만 신디사이저의 폴리포니는 1970년대에 이르러서야 본격적으로 사용되기 시작했습니다. 이때 기술이 발전하여 보다 정교한 음성 할당 시스템이 가능해졌습니다. 신디사이저는 단순히 주파수를 나누는 대신 개별 음을 관리하기 위해 별도의 회로 또는 디지털 프로세싱을 사용하여 뮤지션에게 진정한 다성 기능을 제공하기 시작했습니다.

야마하 CS-80이나 시퀀셜 회로 Prophet-5와 같은 악기는 이 점에서 획기적인 제품으로, 동시에 연주할 수 있는 보이스 개수(보통 4~16개)를 설정할 수 있는 것이 특징입니다.

폴리포닉 신디사이저의 보이스 수는 플레이어가 할 수 있는 작업에 직접적인 영향을 미치기 때문에 중요합니다. 예를 들어 신디사이저에 6개의 보이스가 있는 경우 6음 코드 또는 5음 코드가 배경에 있는 멜로디 라인을 연주할 수 있습니다. 이 한도를 초과하면 신디사이저가 어떤 음을 삭제할지 결정해야 하므로 연주에 영향을 미칠 수 있습니다. 따라서 일반적으로 보이스 수가 많을수록 특히 사운드를 레이어링하거나 복잡한 패시지를 연주할 때 더 많은 유연성과 창의적인 자유를 누릴 수 있습니다.

듀오포닉 및 파라포닉

모노포닉과 폴리포닉 외에도 이 둘 사이에 있는 두 가지 다른 용어가 있는데, 바로 듀오포닉과 파라포닉입니다. 이 용어는 흔하지는 않지만 일단 알고 나면 꽤 멋진 용어입니다.

듀오포닉 신디사이저는 한 번에 두 음을 연주할 수 있어 모노포닉보다 한 단계 발전했지만 여전히 완전한 폴리포니에는 미치지 못합니다. 듀오포닉 신디사이저의 작동 방식은 회로를 분할하여 두 개의 개별 음을 동시에 재생할 수 있도록 하는 것입니다.

대표적인 예로 ARP 오디세이 를 들 수 있습니다. 이 오실레이터에는 두 개의 오실레이터가 있어 하나는 베이스 음을, 다른 하나는 멜로디를 연주할 수 있습니다. 하지만 각 음은 여전히 동일한 필터 및 앰프 설정을 공유하므로 두 음을 연주할 수는 있지만 사운드 형성 측면에서는 여전히 어느 정도 묶여 있다는 점을 명심하세요.

반면에 파라포닉 신디사이저는 일종의 하이브리드입니다. 다성 신디사이저처럼 여러 음을 재생할 수 있지만 모든 음은 동일한 필터 및 엔벨로프 설정을 공유합니다. 기본적으로 더 많은 음을 얻을 수 있지만 독립적으로 처리되는 것이 아니라 함께 처리됩니다.

유명한 예로 Korg Poly-800이 있습니다. 화음을 재생할 수 있지만 공유 필터와 인벨로프 덕분에 사운드가 약간 더 복잡한 모노 포닉 신디사이저 버전처럼 더 통일되어 있습니다. 독특한 사운드이며 특히 특정 스타일의 음악에서 고유한 매력이 있습니다.

따라서 듀오포닉 및 파라포닉 신디사이저는 모노보다 유연성이 조금 더 뛰어나지만 완전한 폴리포닉에 비해 몇 가지 제한이 있습니다. 듀오포닉과 파라포닉은 다재다능하면서도 독특한 중간 지점을 제공하며, 모노가 아닌 텍스처를 표현하고 싶지만 전체 폴리포닉 기능은 필요하지 않은 경우에 적합합니다.

모노포닉과 폴리포닉: 어떤 것을 사용해야 하나요?

그렇다면 모노포닉 신디사이저를 사용해야 할까요, 아니면 폴리포닉 신디사이저를 사용해야 할까요? 모든 뮤지션과 프로듀서가 한 번쯤은 고민하는 질문이며, 솔직히 정답은 없습니다. 달성하고자 하는 목표에 따라 달라집니다.

여기서는 컨텍스트가 가장 중요합니다. 두 가지 유형의 신디사이저에는 각기 다른 강점이 있으며, 각각의 신디사이저를 언제 사용해야 하는지 알면 음악에 큰 차이를 만들 수 있습니다. 합창단에서는 여러 목소리가 함께 모여 거대하고 복잡한 사운드를 만들어냅니다. 이것이 바로 폴리포니입니다.

하지만 때로는 메시지를 전달하기 위해 단 하나의 명확한 목소리만 필요할 때도 있습니다. 이때는 리드 또는 베이스라인과의 복잡한 하모니를 잘라내는 모노 포닉 신디사이저가 빛을 발합니다. 어느 쪽도 다른 쪽의 역할을 대신할 수 없습니다.

풀 밴드의 경우에는 선택이 더욱 중요해집니다. 여러 악기를 함께 레이어링하는 경우, 모노 포닉 신디사이저는 믹스 속에서 눈에 띄는 집중력 있는 멜로디를 추가하는 데 적합할 수 있습니다. 반면에 풍성한 패드나 복잡한 코드 진행을 만들고 싶다면 폴리포닉 신디사이저가 공간을 아주 멋지게 채울 수 있습니다,

플레이 스타일도 중요합니다. 빠르고 복잡한 라인을 만들려면 모노포닉 신디사이저가 민첩하게 처리하는 데 더 적합할 수 있습니다. 그러나 화음과 레이어가 중요한 분위기 있는 음악을 만들려면 폴리포닉 악기를 사용하면 이러한 질감을 유연하게 표현할 수 있습니다.

그리고 많다고 해서 항상 좋은 것은 아니라는 점을 기억하세요. 다성 신디사이저가 더 많은 음을 처리할 수 있다고 해서 항상 다성 신디사이저를 사용해야 하는 것은 아닙니다. 피자를 주문하는 것과 마찬가지입니다. 맛있는 피자를 만들기 위해 모든 토핑이 필요한 것은 아닙니다. 때로는 단순함이 파트를 진정으로 돋보이게 만들기도 합니다. 그러니 음악에 필요한 것이 무엇인지 생각해보고 그에 도움이 되는 도구를 선택하세요.

멀티포닉 음악 만들기

다성 및 모노포닉의 개념은 매우 간단합니다. 한 음이냐, 여러 음이냐, 그 정도로 간단합니다. 하지만 이해하기 쉽지만, 이러한 개념은 음악 이론과 제작의 더 넓은 세계에서 이해해야 할 중요한 개념입니다.

모노포닉 또는 폴리포닉 설정으로 작업하는지 여부를 알면 사운드 제작 방법에 대해 보다 현명한 결정을 내리는 데 도움이 됩니다. 음악 이론과 음악 작곡에서 이러한 용어는 텍스처와 편곡에 따라 결정을 내리는 데 도움이 됩니다. 모노 신디사이저의 단일 멜로디 라인을 사용할 때와 두 개 이상의 보이스가 포함된 풍부하고 레이어드된 코드를 사용할 때를 아는 것은 작곡에 큰 차이를 만들 수 있습니다.