음악 제작 및 믹싱 포럼이나 YouTube 동영상에서 "레퍼런스 트랙"이라는 문구를 접해 본 적이 있을 것입니다.

음악 제작 워크플로우에 레퍼런스 트랙을 이미 사용해 본 적이 있든, 아직 한 번도 시도해 본 적이 없든 레퍼런스 트랙을 사용하면 음악의 품질을 크게 향상시킬 수 있다고 자신 있게 말할 수 있습니다.

또한 많은 사람들이 생각하는 것과 달리 레퍼런스 트랙을 사용한다고 해서 창작의 흐름이 제한되는 것은 아닙니다.

레퍼런스 트랙을 적절히 사용하면 음악이 독창적이지 않게 들리는 것을 방지하고 전문가 수준으로 유지할 수 있습니다. 기본적으로 레퍼런스 트랙은 오리지널 음악을 좋아하는 다른 아티스트의 음악과 비교하여 믹스 수준을 높이고, 편곡에 관한 독특한 아이디어를 제공하며, 백지 상태에서 시작할 때 창의적인 길을 개척하는 데 도움을 줍니다.

이 가이드에서는 다음 프로덕션이나 믹스에서 레퍼런스 트랙을 사용할 수 있는 모든 이유를 설명해드리고자 합니다.

레퍼런스 트랙이란 무엇인가요?

레퍼런스 트랙은 내 음악의 원하는 사운드를 위한 모델로 사용할 수 있는 다른 아티스트의 완성된 트랙을 말합니다.

레퍼런스를 사용할 때는 자신의 트랙과 다른 아티스트의 트랙을 비교하여 편곡, 프로덕션, 믹스 또는 전체적인 분위기에 대한 아이디어를 얻는 것이 목표입니다.

저는 종종 음악 제작 과정에서 레퍼런스 트랙이 제 선택에 영향을 주는 것을 좋아합니다:

• 라우드니스 매칭: 내 믹스 음량이 레퍼런스 트랙의 음량과 일치하는지 확인합니다. 이 기능은 마스터링 단계에서 더 많이 사용됩니다.
• 편곡: 내 노래의 편곡을 레퍼런스 트랙의 편곡과 일치시킵니다.
• 믹스다운: 볼륨 밸런스, 다이나믹, EQ, 효과 등 내 믹스가 레퍼런스의 품질에 부합하는지 확인합니다.
• 크리에이티브 벤치마킹: 빈 캔버스에서 시작하지 않고 전문적인 음악 아이디어를 개발하기 위한 영감을 얻으세요.

트랙 마스터링을 준비 중이라면 eMastered의 레퍼런스 트랙 기능을 살펴보세요.

참조 트랙을 사용해야 하는 이유는 무엇인가요?

제가 레퍼런스 트랙을 사용하는 주된 이유 중 하나는 작업하려는 트랙의 사운드를 찾기 위해서입니다. 의식하지 못하더라도 내가 만드는 모든 곡은 주변의 영향을 받은 결과물입니다.

이제 막 아티스트나 프로듀서로서 발을 디디고 자신만의 사운드를 찾고 있다면 좋아하는 아티스트를 탐색하고 어떤 특징이 그들을 특별하게 만드는지 목록을 작성하는 것이 좋습니다. 그런 다음 이러한 특징을 취하고 서로 혼합하여 나만의 독특한 사운드를 만들 수 있습니다.

또한 레퍼런스 트랙은 빈 캔버스에서 곡을 만들어야 한다는 부담을 덜어줍니다.

영감의 원천이 있다면 기본적으로 출발점으로 삼을 수 있는 팔레트가 있습니다. 그리고 이것은 도둑질이 아닙니다. 이것은 태초부터 예술가들이 해왔던 것처럼 기존의 기술과 창의적인 아이디어를 기반으로 하는 것입니다.

모든 스타일의 음악에는 시도되고 있는 일반적인 편곡이 있습니다.

'망하지 않은 것을 고칠 필요는 없다'는 말이 있죠. 오히려 좋아하는 노래에서 영감을 얻어 효과가 있는 아이디어를 사용하고 자신만의 독특한 요소를 추가하여 개성 있게 만들 수 있습니다.

60년대 스타일의 모타운 곡을 작업하고 있다고 가정해 봅시다. 모노 드럼, 일렉트릭 P-베이스, 펜더 스트라토캐스터, 로즈 키보드, 보컬을 사용할 수 있습니다.

하지만 컨트리 음악에 대한 깊은 애정이 있고 밴조 연주자라고 가정해 보겠습니다. 트랙에 밴조를 넣는 것이 나만의 독특한 요소가 될 수 있습니다. 이렇게 간단한 요소 하나만 추가해도 곡의 분위기가 완전히 달라질 수 있다는 사실에 놀랄 것입니다.

레퍼런스 트랙을 사용하는 방법

음악에서 고품질 사운드를 얻기 위해 레퍼런스 트랙을 사용할 수 있는 몇 가지 핵심 방법을 살펴보겠습니다.

배열 지도

제가 믹스에서 레퍼런스 트랙을 가장 먼저 사용하는 것 중 하나는 편곡입니다. 노래의 편곡을 훔치면 표준적인 절-후렴-후렴-브릿지-후렴 편곡에서 벗어나기 쉬워진다는 것을 알게 됩니다.

예를 들어, 좋아하는 트랙은 다음과 같이 보일 수 있습니다:

• 소개
• 구절
• 코러스
• 막간
• 구절
• 분석
• 코러스
• 솔로
• Bridge
• 코러스
• B Hook

위의 편곡을 표준 팝 트랙에 적용하여 더 흥미롭게 만들 수 있습니다.

물론 신곡의 스타일, 장르 또는 분위기에 맞는 편곡을 구상하는 것이 목표라면 스타일리쉬한 편곡이 있는 트랙을 찾는 것을 추천합니다.

편곡에 참고할 트랙을 고를 때는 먼저 특이한 구조를 가진 곡을 찾는 것부터 시작합니다. 이 곡은 매혹적이거나 활력이 넘치는 느낌이어야 합니다. 그런 다음 해당 곡을 DAW로 가져옵니다.

그런 다음 편곡을 분석하여 인트로, 절, 코러스, 브릿지, 아웃트로와 같은 섹션과 악기가 들어오고, 빠지고, 다이내믹하게 변화하는 시점 등에 주목할 것입니다.

거기에서 참조 트랙 구조의 기본 윤곽 또는 맵을 만들 것입니다.

종이에 여러 섹션의 목록을 작성하거나 DAW에 트랙 마커를 만들 수 있습니다. 레퍼런스로 사용 중인 곡이 현재 만들고 있는 곡과 BPM이 같은 경우, 말 그대로 DAW에 정렬하고 각 섹션의 시작 부분에 레퍼런스 마커를 배치할 수 있습니다.

곡을 계속 작업하다 보면 트랙이 발전하는 방식에 따라 편곡을 다듬어야 할 수도 있으므로 적절하다고 생각되면 조정하는 것을 두려워하지 마세요.

코드 진행

음악과 작곡을 수준급으로 공부했음에도 불구하고 작업 중인 트랙에 어떤 코드 진행을 사용할지 고민할 때가 많습니다. 물론 팝 음악의 I-V-vi-IV나 블루스의 I-IV-V7과 같이 특정 장르에서 사람들이 사용하는 '표준' 진행이 있긴 합니다. 하지만 이러한 고정관념에서 벗어나 청취자를 놀라게 하는 것도 좋을 수 있습니다.

저는 프로젝트와 같거나 비슷한 장르의 레퍼런스 트랙을 고르는 것으로 시작하곤 합니다. 물론 제가 좋아하는 강한 코드 진행과 저와 공명하는 멜로디가 있어야 합니다.

교육을 위해 일반적인 I-V-vi-IV 팝 진행이 마음에 든다고 가정해 보겠습니다. 그런 다음 자신의 노래 편곡에 맞게 조정하는 실험을 해볼 수 있습니다. 단순한 코드 진행으로 작업한다고 해서 취향에 맞게 조정할 수 없다는 뜻은 아닙니다.

실제 진행 자체 외에도 다양한 코드 진행 사이에서 참조가 어떻게 전환되는지 기록해둘 수도 있습니다.

예를 들어 카운팅 크로우즈의 "미스터 존스"와 같이 후렴구에서 마이너 진행에서 메이저 진행으로 부드럽게 전환되는 레퍼런스 트랙으로 작업한다고 가정해 보겠습니다. "미스터 존스"의 구절은 A 단조로 되어 있지만 코러스에 이르면 I-IV-V 진행을 사용하여 상대 키인 C 장조로 이동합니다.

트랙에 동일한 상대적인 전공-부전공 관계를 구현해 볼 수 있습니다.

멜로디

코드 진행 외에도 레퍼런스 트랙의 멜로디를 분석하고 멜로디와 리듬이 코드 진행을 어떻게 보완하는지에 주목할 수도 있습니다.

어떤 종류의 프레이징 기법인지 살펴보세요. 멜로디가 단계적으로 진행되나요, 아니면 음과 음 사이에 도약이 있나요? 코러스 멜로디가 절 멜로디 위로 치솟아 있나요, 아니면 더 부드럽고 차분한가요? 멜로디가 다운비트, 픽업 또는 이상한 박자에서 시작하나요?

하지만 여기서 핵심은 레퍼런스 트랙을 영감으로만 사용해야 한다는 것입니다. 문제가 발생할 수 있으므로 직접 복사하지 마세요.

대표적인 예로 더 홀리스, 라디오헤드, 라나 델 레이 간의 소송을 들 수 있습니다. 의식적으로 훔쳤든 무의식적으로 훔쳤든, 이 노래들 사이의 유사성을 듣지 않는 것은 거의 불가능하며, 라디오헤드와 라나 델 레이 모두 이를 위해 파이의 일부를 포기해야 했습니다.

사운드 디자인 및 음악적 아이디어

앞서 말했듯이 나만의 곡을 만들 때 바퀴를 다시 발명할 필요는 없습니다. 동일한 음악적 아이디어를 사용하는 많은 장르가 있습니다. 예를 들어 일반적인 록 노래를 생각해 보세요. 아마 드럼, 베이스, 일렉트릭 기타를 찾을 수 있을 것입니다.

정말 좋아하는 악기 조합이 있다면 나만의 프로덕션에 사용해보세요!

작업 중인 곡과 같은 맥락의 레퍼런스 트랙을 선택하면 원하는 악기 및 사운드 디자인 요소를 갖추고 있을 가능성이 높습니다.

좋은 헤드폰을 착용하고 레퍼런스 트랙을 자세히 들으면서 어떤 악기가 들리는지 메모하세요. 예를 들어 EDM 트랙을 듣고 있다면 악기를 적어두면 됩니다:

• 헤비 킥
• 전자 스네어
• 하이햇
• 박수
• 라이브 타악기
• 신디사이저 베이스라인
• 서브 베이스
• 신디사이저 코드
• 신디사이저 아르페지오
• 라이저, 스윕, 임팩트, 일반 FX
• 오케스트라 히트곡
• 플럭키 기타

특정 악기 팔레트를 잠그고 나면 편곡에서 해당 사운드를 어떻게 구현할지 선택할 수 있습니다. 곡의 모든 구간에서 이 모든 사운드가 재생되는 것은 원하지 않습니다. 대신 트랙을 더욱 역동적으로 만들기 위해 이 소리들이 들어오고 나가기를 원합니다.

믹스를 적극적으로 들으면 트랙이 어떻게 레이어링되어 더 풍부하고 풍성한 사운드를 만들어내는지 들을 수 있습니다.

많은 일렉트로닉 음악 프로듀서들은 여러 사운드를 레이어링하여 밀도 높은 악기 사운드를 구현합니다. 예를 들어, 톱 웨이브를 메인 신디사이저로 사용하고 사각파 리드, 따뜻하고 잔향이 있는 패드, 다른 옥타브의 약간 디튠된 고음 하모닉 레이어로 이를 지원할 수 있습니다.

음색과 다이내믹에 대한 생각

레퍼런스에서 들었던 것과 똑같은 악기를 반드시 노래에 사용할 필요는 없습니다. 대신 동일한 음색의 악기를 사용할 수 있습니다. 예를 들어 레퍼런스로 사용하는 EDM 트랙의 후크에 따뜻하고 지속적인 패드와 밝은 스타카토 신디사이저가 있다고 가정해 봅시다.

좋아하는 악기로 레퍼런스와 동일한 주파수 구성을 만들기 위해 동일한 음색을 가진 악기를 찾을 수 있습니다. 예를 들어, 따뜻하고 지속적인 패드 대신 로즈 키보드, 스타카토 신디사이저 대신 강렬한 일렉트릭 기타를 사용할 수 있습니다.

같은 방식으로 레퍼런스 전체에서 다이나믹이 어떻게 변화하는지 관찰하고 비슷한 다이나믹 대비를 나만의 배열에 통합해 볼 수 있습니다.

"비틀즈의 '어 데이 인 더 라이프'는 극적인 다이내믹 전환이 있는 노래의 대표적인 예입니다. 후렴구는 조용하고 사색에 잠기다가 완전한 혼돈으로 절정에 이릅니다.

사운드 디자인 및 효과

저는 레퍼런스 트랙에 사용된 독특한 사운드 디자인 요소나 효과에 세심한 주의를 기울이는 편입니다.

우선, 레퍼런스 트랙에서 리버브와 딜레이와 같은 공간 효과가 어떻게 사용되는지 자세히 들어보겠습니다. 들으면서 스스로에게 몇 가지 질문을 던져보세요:

• 트랙에 리버브가 있으며 어떤 종류인가요? (접시, 홀, 방, 스프링 등)
• 지연은 어때요? (슬랩, 핑퐁, 쿼터 노트 등)
• 해당 이펙트가 사용된 악기에 비해 믹스에서 얼마나 널리 사용되나요?
• 스테레오 스펙트럼에 퍼져 있나요, 아니면 모노로 퍼져 있나요?
• 특정 요소에 여러 가지 이펙트가 적용되나요? 예를 들어, 많은 팝 보컬에는 룸 리버브, 플레이트 리버브, 슬랩 딜레이, 스테레오 딜레이가 조합되어 있습니다.
• 이러한 효과는 어떻게 처리되나요? 이퀄라이징, 압축, 왜곡을 거쳤나요?

또한 믹스의 요소가 어떻게 패닝되는지도 궁금합니다.

예를 들어 대부분의 모던 록 믹스는 리드 보컬, 베이스, 킥, 스네어는 중앙에, 오버헤드, 일렉 기타, 어쿠스틱 기타는 좌우로 세게 패닝하고 건반, 퍼커션, 하이햇, 톰 및 기타 믹스 요소는 각자의 공간에서 왼쪽이나 오른쪽으로 패닝하는 등 유사한 패닝 기법을 공유합니다.

물론 패닝에 창의력을 발휘하지 못할 이유는 없으며, 일부 트랙은 패닝 방법에 대한 훌륭한 참고 자료가 될 수 있습니다.

킹 기저드와 리자드 마법사의 "Altered Beast III"를 들어보세요. 헤드폰으로 들으면 녹음된 두 개의 드럼 세트가 왼쪽과 오른쪽으로 세게 패닝되는 것을 들을 수 있는데, 이 트랙에 독특한 사운드를 부여하는 매우 특이한 선택입니다.

마지막으로, 참고 자료에서 활용할 수 있는 사운드 디자인 기법을 찾아보세요.

Flume을 예로 들어보겠습니다. 2012년 그가 일렉트로닉 음악계에 등장하면서 퓨처 베이스 씬의 시초가 되었습니다.

그는 텍스처를 위한 세분화된 합성, 시간 연장 및 변조된 보컬 효과, 딜레이와 리버브의 스테레오 변조를 독특하게 조합하여 몰입감 넘치는 청취 경험을 만들어냈습니다. 그 결과 경이로운 사운드가 탄생했고, 오늘날까지도 이러한 사운드 디자인 기법은 그의 사운드에서 중요한 부분으로 남아 있습니다.

믹싱

음악 제작 과정이 끝나면 믹싱 과정을 위해 레퍼런스 트랙을 선택합니다. 전문적으로 믹싱된 레퍼런스 트랙을 믹싱에 사용하면 믹싱이 어떻게 들릴지에 대한 기준이 되기 때문에 항상 도움이 됩니다.

청취 환경마다 고유한 특성이 있습니다. 예를 들어, 조악한 침실 스튜디오에서 믹싱하는 경우 저음을 너무 많이 또는 너무 적게 추가하기 쉽습니다. 일부 룸에는 중저음에도 모드가 있어 모든 요소에서 '진흙'을 퍼내야 한다고 생각할 수 있습니다.

하지만 믹스를 차로 가져가면 작업 중인 공간의 사운드에 따라 믹스 결정이 왜곡된 것을 발견할 수 있습니다. 레퍼런스 트랙을 사용하면 믹싱 단계에서 톤 밸런스에 대한 확신을 갖게 되고, 다양한 재생 시스템에서 트랙이 제대로 들리도록 보장할 수 있습니다.

믹싱 단계의 레퍼런스를 선택할 때는 자신의 곡의 장르와 스타일에 맞는 레퍼런스를 찾아야 합니다. 음향적으로 의미가 있다면 프로덕션 레퍼런스로 사용했던 곡과 동일한 곡을 사용할 수 있습니다.

중요한 것은 참조하는 트랙이 잘 믹싱되고 마스터링되었는지 확인하는 것입니다.

저는 수년 동안 수집한 다양한 장르의 레퍼런스 트랙을 몇 개 가지고 있는데, 각 트랙마다 제가 좋아하는 음향적 특징이 있습니다. 여러분도 똑같이 해보시길 추천합니다!

레퍼런스를 확보한 후에는 나머지 믹스 트랙과 별도의 트랙에 로드하여 버스 프로세싱을 비롯한 어떤 처리 과정도 거치지 않도록 합니다.

볼륨 밸런스

믹스 레퍼런스의 핵심은 레퍼런스가 내 믹스에서 감지되는 음량과 일치하는지 확인하는 것입니다. 참조하려는 트랙은 이미 마스터링되었을 가능성이 높습니다. 하지만 마스터링된 트랙과 동일한 볼륨으로 믹싱하면 마스터링을 위한 헤드룸이 남지 않으므로 원하지 않습니다.

저는 보통 레퍼런스 트랙을 -6dB 정도 낮추고 거기서부터 믹스 요소의 볼륨을 조절하기 시작하는데, 보통 이 정도면 필요한 헤드룸을 확보할 수 있기 때문입니다.

곡에 따라 프로세스가 달라지지만 보컬, 킥, 스네어, 베이스 등 곡의 주요 요소부터 시작하는 것이 좋습니다. 이러한 요소들이 믹스에서 어떻게 배치되어 있는지에 주의를 기울이고 트랙에서 이러한 요소의 볼륨과 음색 특성을 일치시키세요. 그런 다음, 그 주변의 나머지 악기들을 가져와서 균형을 맞추면서 레퍼런스를 A/B 테스트하세요.

톤 밸런스, 다이나믹 레인지 및 스테레오 이미징 평가하기

다음 단계는 내 믹스의 주파수 밸런스가 레퍼런스와 비슷한지 확인하는 것입니다. 믹스에서 부족한 부분이 있나요? 조정이 필요할 수 있습니다.

먼저 두 트랙을 전체적으로 들어보고 믹스의 다양한 전체 주파수 범위를 레퍼런스 믹스와 비교하세요.

로우엔드가 너무 많거나 적나요? 하이엔드는 어떤가요? 중급? 중저가?

마음에 드는 적절한 주파수 밸런스를 찾았다면 이제 다른 악기로 연마를 시작할 수 있습니다.

레퍼런스 믹스의 보컬에는 내 보컬에는 없는 멋지고 선명한 하이엔드가 있을 수 있습니다. 이 문제를 해결하기 위해 보컬에 10kHz의 하이 쉘프 부스트를 추가할 수 있습니다. 킥과 베이스가 레퍼런스에 비해 부풀어 오르고 정의되지 않은 것처럼 들릴 수도 있습니다. 이 경우 서로 잘 어울리도록 퍼즐 조각처럼 이퀄라이징을 시도해 볼 수 있습니다.

주파수 밸런스가 적절하게 들리면 저는 레퍼런스에 사용된 다이나믹 레인지와 압축을 듣는 것을 좋아합니다. 아마추어 믹스 엔지니어로서 압축은 가장 듣기 어려운 것 중 하나이기 때문에 제대로 파악하기 가장 어려운 것 중 하나입니다. 하지만 연습을 하다 보면 전문적으로 믹싱된 트랙에 견줄 수 있는 압축 스타일에 대해 많은 것을 파악할 수 있습니다.

예를 들어, 팝 믹스에서 보컬을 고정하기 위해 10~20dB의 압축을 사용하는 것은 드문 일이 아닙니다. 요즘 라디오에 나오는 거의 모든 톱 40 팝 트랙을 분석해 보면 보컬이 얼마나 압축되었는지 알 수 있을 것입니다.

마지막으로 레퍼런스의 스테레오 폭을 들으면서 최종 패스를 수행합니다. 믹스가 어떻게 쌓이는지 확인합니다. 스테레오 필드에 요소가 적절하게 배치되어 있나요? 후렴구에서는 레퍼런스가 좁고 코러스에서는 넓게 펼쳐져 있을 수도 있습니다. 조밀한 스테레오 편곡을 위한 공간을 확보하기 위해 보컬 리버브가 모노로 되어 있을 수도 있습니다. 일부 악기에는 더 많은 관심을 주기 위해 자동 팬이 적용되어 있을 수도 있습니다.

각 요소가 어떻게 패닝되는지 들어보면 스테레오 믹스에서 보다 자신감 있는 결정을 내릴 수 있습니다.

마스터링

저는 보통 마스터링에서 레퍼런스 트랙을 믹싱할 때와 같은 방식으로 접근합니다.

내 트랙과 같은 스타일의 잘 마스터링된 레퍼런스 트랙을 선택하세요.

추가 처리 없이 별도의 트랙으로 마스터링 세션에 로드하고 음량, 주파수 밸런스, 스테레오 폭, 다이나믹 및 톤 특성 측면에서 트랙이 어떤지 분석해 보세요.

저는 보통 스펙트럼 분석기를 사용해 마스터의 주파수 밸런스와 차이를 비교하는데, 저주파, 중주파, 고주파 범위에서 어떤 차이가 있는지 확인하는 데 도움이 되기 때문입니다.

마찬가지로 위에서 설명한 참조와 같은 도구를 사용하여 주파수 밸런스, 다이나믹, 스테레오 폭의 세 가지 주요 사운드 특성에 대한 정보를 얻을 수 있습니다.

또한 eMastered의 AI 마스터링 알고리즘에는 레퍼런스 기능이 있어 자신만의 레퍼런스를 업로드하고 원하는 곡과 일치하는 선명하고 깨끗한 마스터를 얻을 수 있습니다.
무료로 사용해 보세요!

최종 생각 - 전문적인 사운드의 음악을 위한 레퍼런스 트랙 사용

편곡, 코드 진행, 음악 제작, 믹싱, 마스터링 또는 이 모든 것을 조합할 때 오리지널 음악에 레퍼런스 트랙을 사용하지 않을 이유가 없습니다.

레퍼런스 트랙을 선택할 때는 작업 중인 트랙과 같은 장르의 트랙을 찾아보세요. 그러면 창작 워크플로우에 큰 변화를 가져오고 믹싱과 마스터링의 효율성을 최적화할 수 있습니다.