오늘날 EDM은 어디에나 있습니다.

일렉트릭 데이지 카니발이나 투모로우랜드와 같은 대형 음악 페스티벌, 즐겨 찾는 지역 바, 하우스 파티, 대부분의 라디오 방송국에서도 들을 수 있습니다. Spotify에 있는 음악의 거의 4분의 1이 EDM으로 분류되어 있으며, 16~19세 청취자의 23%가 이 음악을 듣습니다.

재미있는 점은 EDM은 장르가 아니라는 것입니다! 서로 너무 달라서 공통점이 거의 없는 다양한 스타일을 포함하는 포괄적인 용어입니다.

그럼에도 불구하고 2010년대 초반부터 시작된 EDM 혁명은 댄스 문화와 팝 음악에 큰 변화를 가져왔고, 기존의 일렉트로닉 음악을 주류의 영역으로 끌어올렸으며, 이 새로운 움직임의 경계를 넓혀가는 DJ와 클럽의 활기찬 생태계를 조명하고 있습니다.

오늘은 EDM이 무엇인지, 어떻게 시작되었고 어디로 향하고 있는지 분석하고 가장 인기 있는 하위 장르를 정의해 보겠습니다. 마지막으로 DAW(디지털 오디오 워크스테이션)를 사용하여 EDM을 제작하는 방법에 대한 섹션으로 글을 마무리할 예정이므로 이 섹션이 궁금하다면 EDM 제작 시작하기 섹션으로 바로 넘어가셔도 됩니다.

EDM의 정의

EDM은 일렉트로닉 댄스 뮤직의 약자로, 전자적으로 합성된 악기로 만든 음악으로 흥겨운 리듬과 멜로디를 통해 사람들이 춤을 출 수 있도록 고안된 음악이라는 뜻입니다.

전자 악기는 아날로그와 디지털이 모두 가능하며, 샘플링과 오디오 편집의 오디오 프로세스도 마찬가지입니다. 기억해야 할 중요한 점은 'EDM'이라는 용어에는 춤을 추기 위해 만들어진 모든 것이 포함된다는 것입니다.

더 넓은 의미의 일렉트로닉 음악에는 전자음악, 드론, 앰비언트 음악과 같이 춤추는 장르는 아니지만 전자적 수단으로 만들어지거나 아날로그와 전자적 요소가 결합된 음악 장르가 포함됩니다.

EDM으로 돌아가기. 이 범주에 속하는 다양한 장르를 고려할 때 모든 장르에서 공통 요소를 찾기는 어렵지만 몇 가지를 소개합니다:

• 모두 60 BPM(Dub)에서 180 이상(드럼 앤 베이스)의 템포에 리드미컬한 맥박을 가지고 있습니다.
• 노래는 듣기 쉽고 기억하기 쉬운 멜로디와 활기찬 분위기로 구성되는 경향이 있습니다.
• 모든 악기와 음성에 다양한 효과와 프로세싱이 적용됩니다.
• 샘플 및 사전 녹음된 자료의 빈번한 사용.
• 페스티벌이나 파티에서 재생할 때 청취자에게 활력을 불어넣을 수 있도록 고안된 음악입니다.

다른 모든 것은 선택 사항이며, 모든 장르에는 다른 장르와 구분되는 고유한 사운드 시그니처가 있기 때문에 EDM은 프로듀서에게 활기차고 창의적인 생태계가 될 수 있습니다.

EDM의 타임라인

믿기 어렵겠지만, EDM은 1920년대에 시작되어 미리 녹음된 사운드를 믹싱하고 수정하는 것을 기반으로 하는 음악 작곡의 한 형태인 Musique Concrète에 그 뿌리를 두고 있습니다.

이 시기는 작곡가들이 다층적인 사운드를 사용하여 음악을 만들고 이를 혼합하여 일관된 사운드 스케이프를 만들려고 처음 시도한 시기입니다. 이 예술 형식의 좋은 예가 바로 존 케이지의 작품입니다.

기술이 발전함에 따라 전자 실험도 발전했습니다. 더욱 강력한 전자 발전기로 인해 1950년대 독일에서는 위대한 카를 하인츠 슈톡하우젠이 주도한 순수 전자음악 운동인 일렉트로니시 뮤직이 탄생했습니다.

(독일은 수십 년 동안 코스미슈 뮤직에서 일렉트로팝, 베를린 테크노에 이르기까지 독특한 일렉트로닉 장르에 생명을 불어넣으며 경이로운 일렉트로닉 실험의 용광로가 되었습니다. 오늘날까지도 베를린은 EDM 애호가들이 놓칠 수 없는 음악 여행지 중 하나입니다).

1960년대 후반과 1970년대 내내 모듈형 신디사이저(1964년 로버트 무그의 첫 번째 상용 신디사이저가 출시됨)와 드럼 머신의 인기가 높아지면서 일렉트로닉 사운드에 대한 탐구 범위가 더욱 넓어졌습니다.

바닥을 박차고 나가는 비트와 중독성 있는 베이스라인이 특징인 디스코 음악은 현대 EDM의 선구자이며 조르지오 모로더와 도나 섬머로 전 세계적인 성공을 거뒀습니다. 크래프트베르크와 옐로우 매직 오케스트라가 가장 인기 있는 일렉트로팝도 1970년대 중반까지 전 세계적으로 성공을 거두었습니다.

이 무렵 자메이카에서 시작된 덥 음악과 사운드 시스템 문화가 리믹스 문화에 불을 붙이고 창작 도구로서 DJ 데크와 믹싱 보드의 활용도를 높인 영향도 빼놓을 수 없습니다.

1980년대 초, 이 모든 요소들이 시카고와 디트로이트 두 도시에서 융합되어 각각 하우스 음악과 테크노 음악이 탄생했습니다.

시카고 하우스 음악은 드럼 머신으로 만든 4분의 4박자 리듬, 친근한 멜로디, 깊은 베이스라인, 향상된 싱코페이션을 통해 보다 일렉트로닉한 형태로 재탄생한 디스코 음악입니다.

디트로이트 테크노 음악은 하우스보다 더 무거운 비트와 추상적인 분위기로 더 미래지향적입니다. 또한 더 복잡한 타악기 리듬을 사용하는 경향이 있습니다.

90년대부터 전 세계 곳곳에서 일렉트로닉 음악 생태계에 새로운 파급 효과가 나타나기 시작했습니다.

수년 동안 트랜스 음악은 주류 일렉트로닉 음악의 원동력이 되었고, 정글과 드럼 앤 베이스 같은 레이브 지향적인 장르는 영국과 유럽의 클럽 문화에서 인기를 얻었습니다. 프랑스 듀오 Daft Punk는 일렉트로닉, 댄스, 디스코 음악의 독특한 조합으로 세계적인 신드롬을 일으켰습니다.

21세기 들어 DAW의 대중화는 전자 음악 제작에 혁명을 일으켰고, 수많은 아티스트가 고급 음악 장비나 녹음 스튜디오 없이도 음악 제작을 실험할 수 있게 되었습니다.

이제 다음 장으로 넘어가서 현재 가장 인기 있는 EDM 장르를 소개합니다.

EDM 장르의 개요

EDM 카테고리에 속하는 장르와 하위 장르는 무수히 많으며, 각각의 장르를 분석하는 것은 이 글의 범위를 벗어납니다. 하지만 가장 인기 있는 EDM 스타일 간의 차이점과 집중하고자 하는 장르에 따라 제작에 어떻게 접근해야 하는지 이해하는 것이 중요합니다.

이 섹션에서는 과거와 현재 가장 인기 있는 일렉트로닉 댄스 음악 장르의 목록을 알파벳 순서대로 살펴볼 수 있습니다. 간단하고 깔끔하게 정리하기 위해 각 장르별로 주요 음향적 특징, 일반적인 템포, 장르를 정의한 가장 인기 있는 아티스트에 대해 간략하게 설명했습니다.

산성 테크노

1980년대 후반부터 90년대 내내 애시드 테크노는 레이브와 언더그라운드 클럽에서 큰 인기를 끌었습니다. 롤랜드 TB-303 신디사이저의 이세계적인 사운드에서 영감을 받아 반복적인 비트, 미니멀한 질감, 140BPM 전후의 템포가 특징입니다. 에이펙스 트윈, 리치 호틴, 크리스 리버레이터의 곡을 감상하며 아이디어를 얻으세요.

베이스

베이스 음악은 덥스텝, 드럼 앤 베이스, 트랩과 같은 장르와 기본적으로 강력한 저음이 있는 모든 장르를 포함하는 광범위한 스타일입니다. 베이스 음악은 일반적으로 영국 사운드 시스템과 차고 문화에서 영감을 얻은 묵직한 베이스라인을 특징으로 합니다. 스킴과 벤가는 이 장르의 선구자입니다.

빅룸 하우스

페스티벌 친화적인 사운드의 전형인 빅룸 하우스는 현재 클럽 신에서 가장 큰 EDM 장르입니다. 2010년대 초반에 인기를 끌기 시작하면서 마틴 게릭스, 하드웰, 니키 로메로, 아프로잭 등이 이 장르를 대표하는 아티스트로 급부상했습니다. 스타일로는 거대한 드롭, 단순한 멜로디, 약 128 BPM의 템포 등 매우 쉽게 식별할 수 있습니다.

비트팝

비트팝은 팝 음악에 칩튠 요소를 혼합한 것으로, 구형(8비트 또는 16비트) 컴퓨터의 사운드 칩을 사용하여 최신 장비 및 보컬과 결합한 일렉트로닉 음악의 한 장르입니다. 100~140BPM의 템포로 향수를 불러일으키는 분위기가 특징입니다. 아나마나구치와 슬래그스몰스클루벤을 들어보세요.

브레이크비트 하드코어

브레이크비트 하드코어는 브레이크비트 리듬과 레이브 음악의 강렬한 느낌을 결합한 장르입니다. 90년대 영국에서 등장했으며 보통 145~155BPM 이상의 빠른 템포, 묵직한 베이스, 샘플링된 보컬 후크가 특징입니다. 프로디지, 특히 그들의 초기 앨범이 이 스타일의 가장 좋은 예입니다.

딥 하우스

딥 하우스는 매력적인 베이스 라인, 타악기 요소, 재즈 코드, 약 120-125 BPM의 템포로 몰입감 있는 분위기를 자아냅니다. 듀크 듀몽, 로빈 슐츠, 마야 제인 콜스 등은 이 장르에 관심이 있다면 주목해야 할 훌륭한 아티스트들입니다.

딥 테크노

딥 하우스와 달리 딥 테크노는 텍스처가 더 풍부하고 최면과 같은 흐름이 특징입니다. 약 120-125 BPM의 일정한 템포를 유지하며 종종 앰비언트 사운드 스케이프를 포함합니다. 제 생각에는 도나토 도지와 딥코드가 이 장르에서 최고라고 생각합니다.

다운템포

다운템포는 앰비언트 음악과 칠아웃 음악의 요소를 혼합하여 편안한 분위기를 조성합니다. 이 장르가 전달하는 차분하고 내성적인 분위기를 강조하기 위해 보통 60~90BPM의 느린 템포를 사용합니다. 보노보에서 아이디어를 얻으세요.

드럼 앤 베이스

드럼 앤 베이스는 1990년대 초 영국에서 시작되어 요즘 큰 인기를 끌고 있는 장르입니다. 약 160-180 BPM의 템포에 빠른 브레이크 비트, 동굴 같은 베이스라인, 재즈 드럼 연주에서 영감을 받은 복잡한 리듬이 특징입니다. 체이스 앤 스테이터스, 펜듈럼, 서브 포커스, 골디, 노이시아를 추천해드리고 싶어요.

더빙 테크노

덥 테크노는 내면을 성찰하게 하는 깊은 사운드와 매력적인 덥 분위기로 전 세계 언더그라운드 클럽의 필수 음악입니다. 템포는 110~120 BPM입니다. 베이직 채널과 딥코드 같은 아티스트는 이 장르의 선구자입니다.

더빙 단계

덥스텝은 2000년대 중반에 유행한 장르로, 헤비메탈부터 팝까지 다른 모든 주류 장르에 영향을 준 묵직한 베이스 드롭과 신나는 리듬이 특징입니다. 약 140 BPM의 템포와 어둡고 음울한 분위기가 특징입니다. 장르는 매우 다양할 수 있지만 Burial이 장르를 정의하는 사운드 시그니처를 만들어낸 것은 의심할 여지가 없으니 이 스타일에 대해 자세히 알고 싶다면 그의 디스코그래피를 확인해 보세요.

일렉트로 하우스

일렉트로 하우스는 2000년대 초반에 하우스 음악과 일렉트로에서 영감을 받은 사운드, 무거운 베이스라인, 125~135BPM의 템포가 혼합되어 인기를 얻었습니다. 데드마우스5와 데이비드 게타가 당시 이 장르를 주류로 만들었습니다.

일렉트로 스윙

빈티지 스윙 음악과 현대적인 일렉트로닉 비트가 흥미롭게 융합된 일렉트로 스윙은 110-130 BPM 정도의 업 템포 리듬과 브라스 샘플을 많이 사용하는 등 현대 EDM에 대한 독특한 접근 방식을 제공합니다. 파로프 스텔라와 그의 방대한 프로덕션을 통해 이 장르의 진수를 느껴보세요.

퓨처 베이스

퓨처 베이스는 주로 덥스텝과 트랩에서 영감을 받은 장르보다 더 따뜻한 분위기와 경쾌한 사운드를 가지고 있습니다. 2010년대 중반에 인기를 얻었으며, 템포는 130~175BPM입니다. 플룸과 일레니움이 지난 10년간 이 장르를 대중화했지만, 2020년대에 들어서는 퓨처 베이스의 인기가 다소 주춤한 듯합니다.

글리치

글리치 음악은 디지털 왜곡, 글리치 및 예상치 못한 사운드를 사용하여 실험적인 사운드 스케이프를 만들며, 보통 일렉트로닉에서 영감을 받은 비트와 함께 합니다. 오테크레, Apparat, 팀 헤커와 같은 아티스트가 이 장르를 대표하는 아티스트입니다.

하드스타일

네덜란드, 벨기에, 이탈리아에서 인기가 높은 하드스타일은 왜곡된 킥과 강렬한 멜로디가 특징인 강렬하고 직접 부딪히는 장르입니다. 템포는 보통 140-150 BPM 정도입니다. 헤드헌터즈와 쇼텍은 전 세계에서 가장 유명한 페스티벌에서 이 장르를 공연했습니다.

산업

인더스트리얼 음악은 앰비언트 음악과 메탈 음악, 그리고 그 사이의 모든 음악에 이르기까지 매우 다양하지만, 모든 장르를 연결해주는 디스토피아적인 느낌을 항상 발견할 수 있습니다. 나인 인치 네일즈(Nine Inch Nails)와 프론트 242(Front 242)는 이 장르의 가장 잘 알려진 예시입니다.

Lo-Fi

낮은 음질, 부드러운 비트, 주변 소음, 60~90BPM 정도의 느긋한 템포는 지난 10년 동안 특히 공부와 휴식에 적합해 큰 인기를 얻은 로파이 장르의 성공 공식입니다. 누자베스, 진상 같은 아티스트들은 차분하고 향수를 불러일으키는 트랙으로 이 장르를 개척했습니다.

미니멀 테크노

미니멀 테크노는 1990년대 초에 인기를 끌었던 반복적인 비트와 미니멀한 요소, 120~130BPM의 템포가 특징인 테크노의 축소 버전입니다. 리치 호틴, 로버트 후드, 리카르도 빌라로보스, 미카 바이니오 등이 이 최면 장르를 탐구한 유명 프로듀서입니다.

프로그레시브 하우스

프로그레시브 하우스는 트랜스에서 영감을 받은 하우스 음악 스타일로, 멜로디 구조와 행복감을 주는 드롭, 보통 125-130 BPM 정도의 템포가 특징입니다. 하지만 복잡한 리듬 레이어나 멜로디 패턴을 사용하여 고양된 트랜스와 비교할 때 더 복잡한 구조를 보여줍니다. 에릭 프라이즈, 데드마우5, 스웨디시 하우스 마피아, 레인 8을 확인해 보세요.

트랜스

트랜스 음악은 순수한 행복감을 소리로 표현한 음악입니다. 몰입감 넘치는 멜로디와 짜릿한 빌드업과 릴리즈가 있는 매력적인 템포(최대 150BPM)로 90년대에 인기를 얻은 이 장르는 그 이후로 댄스 플로어를 떠나지 않고 있습니다. 거장들로부터 이 장르에 대해 알아보는 것을 추천합니다: 아르민 반 뷰렌, 폴 반 다이크, 티에스토를 추천합니다.

영국 차고

UK Garage는 1990년대 영국에서 댄스 및 R&B 요소가 가미된 2스텝 리듬의 혼합으로 시작되었습니다. 정글 무브먼트에서 크게 영감을 받았지만 일반 청취자들에게 더 쉽게 다가갈 수 있었던 이 장르는 베이스라인, 퓨처 개러지, 그라임, 덥스텝 등 수많은 하위 장르로 분화되면서 전 세계적으로 빠르게 인기를 얻었습니다. El-b와 그루브 크로니클은 이 장르를 탐구하는 최고의 아티스트 중 하나입니다.

증기 파

베이퍼웨이브는 복고풍 미학과 초현실적인 느낌을 결합한 매혹적인 마이크로 장르입니다. 일반적으로 80~90년대 팝 문화를 연상시키는 약 60~90BPM 템포의 느린 샘플이 특징이며, 과거 시대의 광고 음악이나 엘리베이터 음악도 이 장르에 속합니다. 수년에 걸쳐 이 장르는 현대 테크노 문화를 폭로하고 비판하는 도구로 사용되어 왔습니다. EDM의 숨겨진 구석에 관심이 있다면 텔레패스와 세인트 펩시를 꼭 확인해 보세요.

EDM 프로덕션 시작하기

첫 번째 트랙이 세계적인 히트곡처럼 들리지는 않겠지만, EDM 음악 제작의 세계에 첫발을 내딛는 것은 그리 어렵지 않습니다. 필요한 소프트웨어와 플러그인이 있지만, 그 후에는 연습하고 연습하고 연습하기만 하면 됩니다!

아래에서 EDM 음악을 만들 때 가장 좋은 접근 방식이 무엇이라고 생각하는지 확인할 수 있습니다. 장르마다 다르지만 제가 알기로는 일렉트로닉 댄스 뮤직 카테고리에 속하는 모든 스타일에 잘 맞는 구조입니다.

DAW 선택

어떤 DAW를 선택해야 하는지 며칠 동안 이야기할 수도 있지만, 간단하게 정리해 보겠습니다.

전부는 아니더라도 대부분의 전문 DAW는 특히 초보자라면 EDM 프로듀서로서 여러분의 요구를 충족시킬 수 있습니다. 보유하고 있거나 감당할 수 있는 모든 것이 GarageBand(무료)라면 이 제품을 사용하세요. Apple 제품을 사용하지 않는다면 Cakewalk(역시 무료이지만 Windows용)를 사용하세요.

조금 더 투자할 수 있고 전문적으로 트랙을 제작하는 방법을 배우고 싶다면 EDM 프로듀서를 위한 두 가지 뛰어난 DAW를 추천해드리고 싶습니다: 바로 Ableton Live와 FL Studio입니다.

Ableton Live는 가장 인기 있는 DAW로, 상징적인 루핑 시스템 덕분에 EDM 제작에 있어서는 경이로운 성능을 자랑합니다. FL Studio는 전문 사운드 라이브러리와 매우 직관적인 드럼 머신 및 미디 키보드를 갖춘 일렉트로닉 음악 프로듀서를 위한 또 다른 훌륭한 옵션입니다.

즉, 어떤 DAW를 사용하든 기본적인 EDM 트랙을 만들 수 있는 충분한 도구와 사운드를 갖추고 있어야 합니다. 아래에서 볼 수 있듯이 저는 Ableton Live나 FL Studio를 사용하지는 않지만 처음부터 EDM 트랙을 만들 수 있습니다. 따라서 도구에 너무 집중하지 말고 자신이 선택한 DAW에서 완벽한 EDM 프로덕션 워크플로우를 만드는 방법에 집중하세요.

다시 한 번 강조하지만, 작동 방식에 익숙하다면 어떤 DAW라도 좋습니다. 시간을 내어 몇 가지 워크스테이션(대부분 무료 평가판으로 제공됨)을 테스트해보고 자신의 워크플로우에 가장 적합한 워크스테이션이 무엇인지 확인해 보세요.

시작하기 전에 일렉트로닉 음악 제작에는 황금률이라는 것이 없다는 점을 분명히 말씀드리고 싶습니다. 예를 들어 힙합과 테크노 프로듀서 간의 작업 흐름은 크게 다를 수 있습니다.

아래에 제시된 워크플로우에서 가치를 발견하길 바라지만, 음악 제작에 완전히 다른 접근 방식을 사용하면서도 뛰어난 음악을 발표할 수 있습니다.

템포 및 드럼비트

드럼 비트부터 시작하고 싶다면 바닥에 네 발로 서는 것이 좋습니다.

작업 중인 장르에 따라 트랙의 속도를 선택하세요. 클래식 댄스나 테크 하우스 곡을 제작하는 경우 126~132BPM 사이를 선택하세요.

이 가이드에서는 Studio One을 DAW로 사용하겠습니다:

프로젝트를 시작하기 전에 적절한 템포로 설정하는 것은 여러 가지 이유로 중요하지만, 무엇보다도 트랙이 완성될 속도에서 샘플이 어떻게 들리는지 듣고 싶기 때문입니다. 126 BPM에서는 훌륭하게 들리지만 132 BPM에서는 매우 인위적인 보컬 샘플이 있을 수 있으므로 템포를 현명하게 선택하고 트랙에 적합한 샘플을 선택해야 합니다.

다음으로 EDM 트랙의 기초가 되는 킥에 집중하세요. DAW에서 새 모노 트랙을 추가하고 라이브러리에서 원하는 킥 드럼 사운드를 선택합니다(대부분의 DAW에는 라이브러리가 내장되어 있으며, 그렇지 않은 경우 온라인에 무료 라이브러리가 많이 있습니다).

그런 다음 새 트랙에 킥 드럼 사운드를 복사/붙여넣고 첫 번째 박자의 모든 비트에 킥을 추가합니다. 그런 다음 전체 섹션을 강조 표시하고 트랙을 원하는 길이만큼 복제하기만 하면 됩니다.

올바르게 완료되었다면 이제 EDM 트랙이 다음과 같이 보일 것입니다:

앞서 언급한 Ableton Live 및 FL Studio와 같은 DAW에는 직관적인 루핑 시스템과 피아노 롤이 포함되어 있어 비트 제작이 매우 쉽습니다. 하지만 일반적으로 템포를 적절히 맞추고 모든 비트에 킥 드럼을 추가하면 익숙한 펌핑 댄스 사운드를 들을 수 있습니다.

이제 곡을 이끌어가는 스네어 드럼에 집중해 보겠습니다.

EDM 스네어는 보통 쿼터노트에서 킥 드럼과 함께 연주하거나 드롭 섹션으로 이어질 때 더 빠른 리듬을 연주합니다. 다음은 기본 드럼/스네어 비트의 예시입니다:

EDM 곡은 다양한 형태와 형태로 존재하며, 모든 클럽 음악이 4박자 음악인 것은 아닙니다. 하지만 첫 번째 EDM 곡을 만들 때 이 곡은 좋은 출발점이 될 수 있습니다.

샘플을 사용하는 경우, 비트가 완벽하게 동기화되었는지 확인하고 킥 드럼과 스네어 드럼이 동시에 연주될 때 볼륨 레벨을 확인하세요. 대부분의 EDM 사운드는 최대한 크게 들리도록 설계되었기 때문에 왜곡된 사운드가 발생하기 쉽습니다.

베이스 라인

이미 멜로디를 염두에 두고 있더라도 곡을 정의하는 코드와 리듬 사이의 가교 역할을 하는 베이스라인부터 시작하는 것이 항상 좋은 연습입니다.

처음에는 단순하게 만드는 것이 좋습니다. 나중에 더 명확하게 표현할 수 있지만 지금은 멋지고 눈에 띄는 것을 만들어 보세요.

베이스는 그루브와 미묘함 사이의 완벽한 균형을 찾는 것이 중요합니다. 미니멀 테크노와 같은 일부 장르에서는 베이스가 곡의 주요 요소일 수 있지만, 일반적으로 베이스는 리듬과 멜로디 사이의 접착제 역할을 하며 두 요소를 가리지 않고 깊이를 더해줘야 합니다.

하이햇과 크래쉬 심벌즈

상징적인 오디오 엔지니어 스티브 알비니는 드럼을 녹음할 때 하이햇이 항상 곁에 있는 것 같아서 "진정한 사탄의 악기"라고 불렀습니다. 인디 록 음악에서는 그럴 수도 있지만, EDM에서는 신중하게 제작된 하이햇 섹션이 트랙에 활기를 불어넣는 역할을 하는 경우가 많습니다.

리듬 섹션을 고음 요소로 채울 수 있는 폐쇄형 및 개방형 하이햇 사운드를 조합하여 하이햇이 기존 비트를 보완하고 그루브를 향상시킬 수 있도록 하세요.

어떤 트랙은 하이햇을 최소화해도 잘 작동하는 반면, 어떤 트랙은 하이햇이 지속적으로 존재할 때 더 완성도가 높아집니다. 킥 드럼이나 스네어 드럼과 달리 하이햇은 무한한 창의력을 발휘할 수 있습니다.

하이햇에 관한 한 만능 해결책은 없습니다. 명심해야 할 것은 노래의 다른 모든 요소의 리듬을 따르고 악센트와 그루브한 효과를 통해 드럼에 다양성을 더해야 한다는 것입니다.

이 예제에서는 이전 트랙을 위해 만든 드럼루프를 사용했지만, 아이디어를 얻으실 수 있을 것입니다:

멜로디 및 코드 진행

이제 EDM 트랙의 기초가 완성되었으니 코드와 멜로디로 트랙을 더욱 풍성하게 만들 차례입니다.

다시 한 번 강조하지만, 정해진 것은 없지만 다음과 같은 측면에 집중하는 것이 좋으며, 그 순서는 아래에 설명된 대로입니다:

1) 이미 논의한 베이스라인

2) 코드

3) 멜로디

4) 보컬(있는 경우)

이렇게 하면 노래의 사운드스케이프를 처음부터 만들 수 있으며, 일관성 있는 곡을 만들기가 더 쉬워집니다.

코드 진행과 음계에 대한 기본적인 이해가 있으면 큰 도움이 될 것은 말할 필요도 없습니다. EDM 트랙은 일반적으로 작곡적인 관점에서 볼 때 복잡한 트랙은 아니지만, 괜찮은 사운드를 내기 위해서는 어느 정도의 음악성이 필요합니다.

미디 키보드로 무작위로 연주하는 것만으로도 상징적인 곡에 생명을 불어넣을 수 있지만, 여러 키 간의 관계를 이해하면 작곡에 다양성과 깊이를 더하고 모방하려는 글로벌 히트곡과 더 유사한 사운드를 구현할 수 있습니다.

제 트랙에는 사운드를 풍부하게 하기 위해 신디사이저 멜로디를 몇 개 추가했습니다:

노래 구조

많은 EDM 트랙이 곡 구조와 관련하여 비슷한 패턴을 따르는 것을 보셨을 것입니다.

프로듀서들은 익숙한 레이아웃으로 청취자의 관심을 끌기를 원하기 때문이기도 하지만, 클럽에서 노래를 재생하려면 'DJ 친화적'으로 만들어야 한다는 또 다른 중요한 요소를 고려해야 합니다.

두 트랙을 믹싱할 때 DJ는 다음 곡으로 전환하기 전에 곡을 섞을 시간이 필요하므로 비트만 천천히 시작하고 나머지 사운드 텍스처는 서서히 도입해야 합니다.

노래의 엔딩도 마찬가지입니다. 일반적으로 곡의 시작 부분에 1분 동안 곡을 만들고 1분 동안 비트만 남을 때까지 모든 것을 제거하면 좋은 연습이 됩니다.

많은 프로듀서들이 그러하듯이 언제든지 두 가지 버전의 노래를 게시할 수 있습니다. 노래 제목에 '라디오 편집' 또는 '확장 버전'이라는 용어가 표시되는 것은 바로 이 때문입니다.

인트로와 아웃트로 사이에 무엇이 있어야 한다는 황금률은 없지만, 빌드업과 드롭이 모든 EDM 장르에서 중요한 역할을 한다는 것은 의심의 여지가 없습니다.

빌드업은 크레센도, 즉 곡의 기세를 올리고 청중이 앞으로 다가올 드롭에 대비할 수 있도록 준비하는 순간을 말합니다. 일반적으로 빌드업에는 킥이 없는 드럼 파트와 일부 멜로디 파트가 포함되며, 모든 EDM 장르에서 공통적으로 기대감을 불러일으킵니다.

드롭은 노래에서 가장 에너지가 넘치는 부분으로 멜로디, 베이스라인 또는 리듬이 갑자기 바뀌고 타악기 요소와 저음 사운드가 청중을 흥분시키는 곳입니다.

노래를 더욱 역동적으로 만들려면 '브레이크' 또는 '브레이크 비트'라고도 하는 고 에너지 순간과 조용한 부분을 번갈아 가며 사용해야 합니다. 이는 멜로디나 리듬 섹션 등 노래의 진행이 적은 순간으로, 노래에 생동감을 더하고 청취자의 참여를 유도하기 위한 것입니다.

레이어

이전 섹션에서 노래의 기본 구조를 만드는 방법을 보셨죠? 비트, 베이스라인, 기본 멜로디 등이 있지만 곡이 완성된 것과는 거리가 멀게 들립니다. 왜 그럴까요?

곡의 밑그림을 그렸다면 이제 타악기와 멜로디 요소를 더 추가하고, 모든 요소를 혼합하고, 사용하는 모든 사운드에 깊이와 질감을 더하는 등 곡을 다듬을 차례입니다.

프로듀서의 독창성은 다른 음악 프로듀서들이 하지 않는 방식으로 다양한 요소를 혼합하여 독특한 사운드 시그니처를 만들어내는 능력에 있습니다.

공개하기 전에 곡을 미세 조정하는 것은 기본이며, 곡의 완성도를 높여 더욱 전문적이고 창의적인 사운드를 만들 수 있습니다.

여기서 볼륨 조절과 패닝은 중요한 역할을 합니다. 노래의 모든 요소가 선명하게 들리고 사운드 스테이지에서 특정 공간이 있어야 합니다. 악기가 충돌하면 혼란을 야기하고 노래를 불쾌하게 만들 뿐입니다.

다양한 헤드폰이나 스피커를 사용하여 노래를 들어보고 가능한 한 많은 재생 시스템에서 잘 들리는지 확인하세요. 이 과정은 포스트 프로덕션 프로세스를 간소화하는 데도 도움이 되는데, 이에 대해서는 잠시 후에 설명하겠습니다.

플러그인, 효과, 사운드 라이브러리

대부분의 DAW에는 음악 제작을 시작하는 데 사용할 수 있는 사운드 및 효과 라이브러리가 함께 제공됩니다. 필요에 맞는 올바른 라이브러리를 확보하고 이러한 사운드와 효과를 최대한 효과적으로 사용하는 방법을 배우는 것은 아티스트로서의 여정에서 중요한 부분이 될 것입니다.

제가 추천하는 것은 DAW에 있는 것부터 시작하는 것입니다. 라이브러리를 한 번도 사용하지 않을 플러그인과 효과로 채우지 말고 가지고 있는 몇 가지 도구를 마스터하는 데 집중한 다음 필요성이 느껴질 때만 업그레이드하는 것이 좋습니다.

온라인에서 찾을 수 있는 모든 무료 라이브러리를 다운로드하고 싶을 수도 있지만, 이는 워크플로우에 부정적인 영향을 미칠 수 있습니다. 수백 개의 킥 드럼이 있다면 비트를 만들 때 매번 결정을 번복하게 될 것입니다.

2000년대 초반까지만 해도 훌륭한 음악 프로듀서들은 이펙트와 사운드 측면에서 현재 사용 가능한 것의 극히 일부만 사용할 수 있었음에도 불구하고 시대를 초월한 곡에 생명을 불어넣을 수 있었습니다. 릴 투 릴 테이프를 사서 음악 제작을 완전히 아날로그로 하라는 말은 아니지만, 창의적인 워크플로우를 극대화하기 위해 라이브러리를 최소한으로 줄이는 것이 좋습니다.

트랙 마무리하기

EDM 트랙 믹싱과 마스터링은 처음에는 어려울 수 있지만, 이 두 가지 포스트 프로덕션 프로세스를 제대로 수행하면 곡의 아름다움을 향상시키고 청중과 최상의 방식으로 소통할 수 있습니다.

음악 믹싱과 마스터링의 개념에 대해 자세히 설명하지는 않겠지만, 이러한 프로세스와 각 프로세스에서 기대할 수 있는 사항에 대해 설명하겠습니다.

믹싱은 노래의 모든 요소를 함께 혼합하여 노래 전체가 일관성 있게 들리도록 하는 것으로, 모든 악기가 사운드 스테이지에 공간을 확보하고 그 결과 쾌적한 청취 경험을 제공합니다.

마스터링은 음량 측면에서 업계 표준에 도달하는 동시에 트랙의 특정 요소를 개선하여 해당 음악 장르에 더 적합하게 만들 수 있도록 도와줍니다. 마스터링은 음악 제작의 마지막 단계로, 공개하기 전에 곡에 최종적인 손질을 가하는 단계입니다.

단순히 재미로 음악을 제작하는 것이 아니라면, 청중이 내 노래를 감상하고 공유할 수 있도록 하려면 이 두 가지 과정은 필수입니다. 직접 편집하고 포스트 프로덕션 과정을 직접 처리할 수도 있지만, 트랙을 진정으로 빛나게 해줄 전문 오디오 엔지니어가 있으므로 트랙의 성공을 원한다면 믹싱 또는 마스터링 엔지니어를 고용하는 것을 고려하세요.

최종 생각

일렉트로닉 댄스 음악에 대해 제가 아는 건 그게 전부입니다.

이 가이드가 장르를 더 깊이 이해하고 탐구하는 데 도움이 되길 바라며, EDM 음악 제작의 세계에 첫발을 내딛는 분들에게 행운을 빌며 울트라 뮤직 페스티벌에서 여러분의 곡을 들을 수 있기를 바랍니다!