'무슨 말을 하느냐가 아니라 어떻게 말하느냐가 중요하다'는 표현을 들어본 적이 있나요? 이 원칙을 악기 표현에도 적용할 수 있습니다. 무엇을 연주하느냐가 아니라 어떻게 연주하느냐가 중요합니다. 이 원칙과 신중한 사운드 선택은 악기라는 개념의 기본 원칙입니다.

음악에서 악기는 작곡에 생명력과 감성을 불어넣어 가수, 프로듀서, 악기 연주자 등 음악가에게 필수적인 요소입니다. 아래에서는 악기 연주가 어떻게 작동하는지 설명하고 이러한 클래식 기법을 사용하여 예술을 더욱 풍부하게 표현하여 청중을 사로잡을 수 있는 방법을 공유합니다.

음악에서 악기 정의하기

악기 편곡은 곡의 주요 아이디어를 뒷받침하기 위해 고안된 음악 내 음향 텍스처와 악기의 특정 조합을 말합니다. 가장 간단한 형태로 인스트루멘테이션은 프로듀서나 작곡가가 작곡을 위해 특별히 선택한 악기를 말합니다.

악기 편성은 사운드와 악기 선택 외에도 다양한 요소가 어떻게 표현되는지에 대해서도 이야기할 수 있습니다: 예를 들어 비브라토로 연주되는 일렉트릭 기타는 깔끔하게 연주되는 기타와는 완전히 다른 느낌을 줍니다. 또한 악기마다 주파수 범위가 다르기 때문에 인스트루멘테이션은 여러 음향 요소의 오디오 스펙트럼 균형에 따라 크게 달라집니다.

기본적으로 인스트루멘테이션은 노래의 멜로디를 뒷받침하는 균형 잡히고 응집력 있는 믹스를 만드는 것을 최종 목표로 악기를 선택하고 표현되는 강도를 지정하는 작업입니다:

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계측이 중요한 이유는 무엇인가요?

악기에 대해 생각하면 바로 오케스트라 음악이 떠오를 수 있습니다. 어떤 작곡가가 제1바이올린으로 연주되는 멜로디보다 베이스 음색이 5배 더 강한 곡을 썼다고 상상할 수 있나요? 아마도 이 곡은 불균형이 느껴져 음악의 주요 멜로디를 따라가기 어려울 것이라고 짐작할 수 있을 것입니다.

악기 구성의 원칙은 노래의 주요 아이디어를 존중하는 균형 잡히고 응집력 있는 음악을 만들기 위한 틀을 제공합니다. 대부분의 노래는 드럼, 베이스라인, 그리고 모든 것을 하나로 묶어주는 멜로디로 요약할 수 있습니다. 악기는 멜로디를 압도하지 않고 멜로디를 뒷받침하기 위한 선택이라고 생각하면 좋은 상태를 유지할 수 있습니다.

계측의 구성 요소

그렇다면 훌륭한 악기는 어떻게 만들어질까요? 모든 뮤지션이 고려해야 할 악기의 주요 구성 요소는 다음과 같습니다:

사운드 선택

악기 구성의 가장 큰 요소는 사운드 선택입니다. 사운드 선택은 단순히 마음에 드는 개별 컴포넌트를 고르는 것만이 아니라 특정 악기가 주파수 스펙트럼에서 어디에 위치하는지에 대한 기본 지식을 갖추고(이 부분은 아래에서 설명할 예정이니 걱정하지 마세요), 그 지식을 활용해 작곡에 어떤 악기를 가져올지 결정하는 것으로 요약됩니다.

어떤 음악이 그 자체로 좋게 들린다고 해서 나머지 음악과 잘 어울리는 것은 아니기 때문에 어느 정도 타협을 해야 할 수도 있습니다. 멜로디의 아이디어를 뒷받침하지 않는다면 삭제해야 합니다.

텍스처

텍스처는 사운드가 얼마나 매끄럽고, 거칠고, 울퉁불퉁하거나, 연속적으로 느껴지는지를 말합니다. 이는 다소 주관적인 용어이지만, 작곡에서 다양한 악기의 서로 다른 텍스처가 서로 어떻게 상호작용하는지를 고려하는 것이 핵심입니다.

동역학

다이나믹은 특히 노래의 시간에 따른 음량과 부드러움의 변화와 관련하여 어떤 것이 얼마나 크거나 부드러운지를 나타냅니다.

관절

아티큘레이션은 악기 또는 보컬 파트가 표현되는 방식을 말합니다. 예를 들어, 보컬은 단단한 자음으로 부를 수도 있고 부드러운 자음으로 부를 수도 있는데, 이는 단지 선택한 조음의 문제일 뿐입니다.

음색

음색은 악기 파트가 표현되는 음색을 나타냅니다.

범위

범위는 주파수 스펙트럼의 가장 낮은 요소와 가장 높은 요소 사이의 거리를 말합니다. 악기는 트랙의 음역대에 영향을 미치며, 따라서 팬들의 청취 경험에도 영향을 미칩니다.

블렌드

블렌드 또는 밸런스는 작곡에서 한 음색과 다른 음색 사이의 비율을 말합니다. 훌륭한 악기는 노래의 여러 요소에 걸쳐 일관된 조화를 만들어냅니다.

계측과 오케스트레이션의 차이점은 무엇인가요?

악기 연주와 오케스트라 음악은 작곡의 맥락에서 특정 사운드와 악기 선택이라는 점에서 매우 유사합니다. 하지만 오케스트레이션은 조금 더 구체적인 용어로, 일반적으로 라이브 환경에서 오케스트라 음악을 만들 때 사운드 선택을 말합니다.

이에 비해 인스트루멘테이션은 더 광범위한 제작 및 구성 큐레이션 방법을 포함하는 더 광범위한 용어입니다.

예를 들어 디지털 오디오 워크스테이션에서 특정 신디사이저와 드럼 파트를 선택하는 것도 일종의 악기 편곡이라고 할 수 있습니다. 오케스트레이션의 경우 여러 악기로 작업하지만 라이브 환경에서는 현악 4중주의 사운드 밸런스를 맞추는 것과 같은 작업을 하게 됩니다.

주파수 스펙트럼에서 서로 다른 소리는 어디에 속할까요?

균형 잡힌 음악 작품을 만들려면 악기와 소리가 일반적으로 주파수 스펙트럼에서 어디에 위치하는지에 대한 기본적인 이해가 있어야 합니다.

왜 그럴까요?

그렇지 않으면 특정 구간에서 과도하게 측정되어 계측이 제대로 이루어지지 않기 쉽습니다. 다음은 주파수 스펙트럼에서 계측기가 어디에 속할 것으로 예상되는지 참고할 수 있습니다:

드럼

드럼은 주파수 스펙트럼 범위가 놀라울 정도로 다양합니다. 킥 드럼이 가장 낮으며 쿵 소리가 60~80Hz에 위치합니다. 스네어와 톰은 주로 주파수 스펙트럼의 중간에 위치하며, 하이햇과 심벌즈는 주파수 스펙트럼의 상단부인 5kHz 이상까지 확장됩니다.

문자열

현악기는 주파수 스펙트럼의 중간 범위를 커버하지만, 특정 현악기에는 더 낮거나 더 높은 주파수를 커버하는 요소가 있습니다. 베이스 기타와 업라이트 베이스는 주파수 스펙트럼 하단의 일부 고음을 커버하는 반면, 바이올린과 만돌린은 상부 주파수 범위로 확장되어 2.5kHz ~ 5kHz의 상중간 범위의 일부 주파수를 커버합니다.

일렉트릭 베이스는 스펙트럼의 중음역대에서 상당한 공간을 차지하면서도 저음역대 주파수의 일부를 차지할 수 있습니다.

보컬

개인마다 보컬 음역대는 다르지만 일반적으로 가수가 남성인지 여성인지에 따라 200Hz에서 15Hz 정도라고 예상할 수 있습니다. 남성의 목소리는 100Hz~8kHz의 주파수 범위를 커버할 수 있습니다. 여성 목소리는 주파수 스펙트럼의 중간에서 시작하여 350Hz~17kHz 범위로 훨씬 더 높은 음역을 커버할 수 있습니다.

피아노, 키보드 및 신디사이저

이 기기들은 모두 범위가 매우 다양하여 대부분의 주파수 스펙트럼을 커버할 수 있습니다. 하지만 초저주파수나 5kHz 전후의 초고주파수를 모두 커버하지는 못합니다.

하지만 피아노 본연의 음역대는 키보드나 신디사이저와 같은 전자 악기보다 제한적입니다. 이러한 소리는 범위가 넓기 때문에 신중하게 사용해야 한다는 점을 염두에 두세요.

오케스트라 악기는 주파수 스펙트럼에서 어디에 속할까요?

지휘자를 꿈꾸고 있다면 오케스트레이션은 특정 악기가 주파수 스펙트럼에서 어디에 속하는지 이해하는 것에서 시작됩니다. 라이브 음악 환경에서 뛰어난 밸런스를 만들 수 있도록 다음 악기들의 위치를 숙지하세요:

더블 베이스

더블베이스는 오케스트라에서 럼블과 풍부한 서브 주파수를 만들어내는 악기입니다. 40~300Hz에 이르는 이 악기는 저역의 토대를 제공합니다.

첼로

첼로는 더블 베이스 위에 위치하여 최대 1kHz의 중저음 주파수를 추가합니다. 다양한 화음의 톤을 윤곽을 잡아주어 멜로디를 뒷받침할 수 있습니다.

플루트

밝고 때로는 날카로운 소리로 유명한 플루트는 중음역대에 머물러 있지만 최대 약 4kHz의 고음역대까지 확장할 수 있습니다.

바이올린

바이올린은 날카롭고 선명한 질감으로 인해 멜로디를 잡아주고 믹스에서 돋보이는 경우가 많습니다. 바이올린의 음역대는 200Hz에서 최대 10kHz 이상까지 다양하여 화려하고 높은 음색을 표현할 수 있습니다.

피아노

위에서 설명한 현대 프로덕션과 마찬가지로 피아노는 거의 모든 주파수 스펙트럼에 걸쳐 사용할 수 있다는 점에서 특별합니다.

클라리넷

이 따뜻한 나무 악기는 약 100Hz~2kHz의 중음역대에서 그 자리를 지키고 있습니다.

오보에

오보에는 코와 같은 음색으로 유명하며 오케스트라 내에서 흥미로운 질감을 선사합니다. 오보에의 음역대는 약 250Hz~4kHz로, 주로 중음역대에 속합니다.

뿔

호른은 주파수 스펙트럼의 중음역대를 가장 강하게 차지하지만, 그 범위가 상당히 넓은 편입니다. 호른은 표현력이 강하기 때문에 너무 대담하게 연주하면 밸런스를 쉽게 무너뜨릴 수 있으므로 주의해서 연주하세요.

드럼

DAW의 드럼과 마찬가지로 오케스트라 드럼 요소는 함께 연주할 때 전체 스펙트럼을 차지하며, 특정 요소는 다른 요소보다 높거나 낮은 음역을 차지합니다. 킥, 스네어, 심벌즈도 위에서 설명한 것과 동일한 음역대가 적용됩니다. 팀파니는 약 50~400Hz의 중저주파에 속하는 경향이 있습니다.

노래에 최신 악기를 사용하는 방법

클래식 음악을 직접 지휘하거나 전통 악기를 사용하지 않더라도 악기 제작의 교훈을 현대 음악 제작 환경에 적용할 수 있습니다. 디지털 오디오 워크스테이션에 악기 제작의 원리를 도입하는 방법은 다음과 같습니다:

사운드 선택 및 디자인

오케스트라 음악이나 라이브 악기를 사용할 때와 마찬가지로, 선택한 VST, 악기, 심지어 샘플도 최종 작곡에 큰 영향을 미칩니다. 멜로디 아이디어를 가장 잘 표현할 수 있는 사운드의 우선순위를 정한 다음 이를 중심으로 작곡하세요. 주요 아이디어를 벗어난 사운드는 초기 사운드를 덮지 않고 강조할 수 있도록 선택해야 합니다.

사운드 레이어링

같은 사운드를 쌓아 올리거나 다른 사운드로 연주하여 여러 옥타브에 걸쳐 비슷한 파트를 연주하는 실험을 해볼 수 있습니다. 레이어를 쌓아 올리면 개별 파트가 더 넓고 견고하게 느껴지고 믹스가 더욱 응집력 있게 느껴질 수 있습니다. 다만 너무 과하지 않도록 주의하세요. 멜로디가 항상 쇼의 주인공으로 남아야 합니다.

자동화

자동화는 청취자에게 더욱 역동적인 경험을 제공하여 실제 악기를 연주하는 것과 유사한 환경을 만들어 줍니다. 볼륨, 필터, 악기의 개별 구성 요소와 같은 파라미터를 시간이 지남에 따라 자동화하여 노래에서 더욱 사실적인 연주 표현을 프로그래밍해 보세요.

속도 및 기타 표현식 파라미터

직접 연주하고 캡처하지 않고 소프트웨어를 통해 음악을 제작할 때 발생하는 문제는 '인간적인' 소리를 내는 공연의 불완전한 측면을 놓칠 수 있다는 점입니다.

한 가지 예로 음표가 표현되는 속도 또는 강도를 변경할 수 있습니다. 악기 연주자가 곡의 파트를 연주할 때 일반적으로 모든 음을 균일하게 연주하지 않는 경우가 많지만, 이는 MIDI 파트에 기본으로 구워져 있는 경우가 많습니다. 시간을 들여 표현 매개변수를 무작위로 지정하고 조정하여 로봇 같은 느낌을 줄이세요.

음악에 생명을 불어넣는 악기

인스트루멘테이션은 작곡의 개별 구성 요소의 음향적 특성을 이해하고 그에 따라 선택해야 하며, 최종 목표는 한 음색이 다른 음색을 완전히 압도하지 않는 균형 잡힌 작품을 만드는 것입니다. 선택한 사운드에 담긴 표현은 작품의 전체적인 감성을 확실히 변화시킬 수 있으므로 악기는 강력하고 역동적인 도구가 될 수 있습니다.

이 가이드를 통해 악기 제작 기술을 더 쉽게 익힐 수 있었기를 바랍니다. 작곡가, 프로듀서, 악기 연주자 모두 악기를 사용해 균형 잡히고 잘 표현된 곡을 만들어 보세요.