좋아하는 노래를 듣다가 헤드폰을 벗고 "도대체 저 곡이 어떻게 저렇게 좋을 수 있지?"라고 생각한 적이 있나요?

때로는 멜로디, 코드 진행, 가사가 우리의 뇌리에 남아 우리의 존재에 틈새를 파고드는 경우가 있습니다.

진정으로 멋진 노래는 영원히 기억에 남는 노래입니다.

물론 매혹적인 곡과 평범한 곡을 구분하는 요소를 정확히 찾아내는 것은 까다로울 수 있습니다. 그렇긴 하지만, 더 기억에 남는 곡을 만들기 위해 작곡 기술을 발전시키고자 한다면 현대 노래의 태동기부터 일관되게 유지되어 온 몇 가지 요소가 있습니다.

여러분의 음악이 전례 없는 반향을 불러일으킬 수 있는 최고의 작곡 팁 몇 가지를 소개합니다.

1. 기억에 남는 멜로디 또는 후크

거의 모든 훌륭한 노래의 핵심은 코러스입니다. 기악곡이나 전자음악을 작곡하지 않는 한, 코러스에서 가장 중요한 부분은 보컬 멜로디일 가능성이 높습니다. 청중이 노래가 끝난 후에도 오랫동안 흥얼거리거나 휘파람을 불며 기억에 남을 수 있는 부분이 바로 후렴구입니다.

그렇기 때문에 잊기 어려운 멜로디를 만드는 데 창의적인 에너지를 집중하는 것이 매우 중요합니다.

하지만 노래의 후크가 반드시 보컬 멜로디일 필요는 없다는 점에 유의하세요. 사실 코러스의 일부일 필요도 없습니다.

음악 역사상 가장 상징적인 후크 중 하나는 악기 리프입니다.

딥 퍼플의 '스모크 온 더 워터'를 떠올려 보세요.

오프닝 기타 리프는 록 역사상 가장 잘 알려진 리프 중 하나이며, 초보 기타리스트들이 가장 많이 배우는 리프이기도 합니다.

핑크 플로이드의 "Money"도 좋은 예입니다.

곡의 시작을 여는 독특한 베이스 리프가 분위기를 조성하며(곡의 이상한 박자표도), 청취자가 다른 차원으로 나아갈 수 있는 길을 열어줍니다.

또한, 지난 수십 년 동안 얼마나 많은 차트 상위권의 히트곡을 들었지만 후렴구가 전혀 기억나지 않는지 잠시 생각해 보세요. 여기서 중요한 점은 매력적인 후렴구의 지속적인 힘입니다.

킬러 코러스를 쓸 수 있다면 세상을 떠난 후에도 오래도록 기억될 곡을 만들 수 있습니다.

2. 영혼과 감정

코드 진행이나 프로덕션과 같이 노래를 훌륭하게 만드는 가시적인 요소도 있지만, 노래가 사람들의 마음속에 자리 잡는 것은 감정적인 연결입니다. 사람들은 깊은 감정적 연결이 있는 노래에 열광합니다. 보컬리스트가 기술적으로 완벽하지 않은 노래를 불러도 자신이 가진 모든 것을 쏟아 부으면 목에 힘이 솟을 수 있는 이유이기도 합니다.

음악은 다른 어떤 것과도 달리 우리에게 깊은 감동을 주는 능력이 있습니다. 어떤 사람들은 이해하지 못할 것 같은 독특한 감정을 불러일으키는 곡을 쓰고 있더라도, 어쨌든 곡을 써보세요. 듣는 사람이 여러분과 똑같은 일을 겪지 않더라도 여러분에게 개인적인 감정이 담겨 있다는 것을 알아차릴 수 있을 것입니다.

노래가 감정을 사용할 수 있다고 해서 심금을 울려야 한다는 뜻은 아닙니다.

우리가 전달하고자 하는 감정은 무궁무진합니다:

• 기쁨 (예: 퍼렐 윌리엄스의 'Happy' 또는 카트리나와 더 웨이브의 '워킹 온 선샤인')
• 분노 (예: 레이지 어게인스트 더 머신의 '킬링 인 더 네임' 또는 앨라니스 모리셋의 '유 오우타 노우')
• 사랑 (예: 브루노 마스의 "Just the Way You Are" 또는 에드 시런의 "Thinking Out Loud")
• 공포 (예: 마이클 잭슨의 '스릴러' 또는 빌리 아일리시의 '친구를 묻다')
• 향수 (예: 브라이언 아담스의 '69년 여름' 또는 로드 휴런의 '우리가 만난 밤')
• 영감 (예: 서바이버의 '호랑이의 눈' 또는 안드라 데이의 '라이즈 업')

노래로 자신을 표현할 수 있는 방법은 무궁무진하니 창의력을 발휘해 보세요. 중요한 것은 그 감정에 공감할 수 있어야 한다는 것입니다!

3. 우수한 생산 가치

로버트 존슨의 열렬한 팬인 저는 제작비가 항상 노래의 성패를 좌우하는 것은 아니라는 사실을 가장 먼저 인정할 것입니다. 존슨이 그의 가장 유명한 트랙 중 몇 곡을 울리는 타일로 된 욕실에서 녹음해도 여전히 훌륭한 곡이 될 수 있었을 것입니다.

하지만 그렇다고 해서 제작 가치가 뛰어나다고 해서 곡의 완성도를 높일 수 없는 것은 아닙니다.

1960년대는 새로운 기술과 기법이 등장하면서 아티스트와 엔지니어들이 음악 제작에 본격적으로 뛰어들기 시작한 시기로, 음악에 있어 매혹적인 시기였습니다.

잠시 비틀즈의 "캡틴 페퍼의 론리 하트 클럽 밴드 "를 생각해 봅시다. 이 앨범은 스튜디오가 그 자체로 하나의 악기로 사용될 수 있다는 것을 보여준 혁신적인 프로젝트였습니다. 이 앨범은 비치 보이즈의 '펫 사운드'와 함께 멀티 트랙 및 레이어링과 같은 복잡한 레코딩 기술을 도입하여 음악 제작에서 달성할 수 있는 새로운 기준을 세웠습니다.

오늘날에는 특히 모든 것이 제작에 달려 있는 일렉트로닉 음악에서 고품질 제작의 중요성이 그 어느 때보다 두드러지고 있습니다.

선명하고 깨끗하며 균형 잡힌 믹스를 통해 자칫 놓칠 수 있는 훌륭한 곡을 선보일 수 있는 독특한 그릇을 갖게 됩니다.

4. 효과적인 코드 진행

훌륭한 작곡가가 되기 위해 반드시 음악 이론 전문가가 될 필요는 없습니다. 하지만 코드 진행에 대한 확실한 이해는 필수입니다. 화음은 멜로디부터 리듬까지 다른 모든 것을 뒷받침하는 화성 구조를 제공하기 때문에 좋은 곡의 기초를 형성합니다.

소울 트랙에 Bbm7-Eb7 같은 펑키한 코드를 깔든, 록 애국가에 D-A-G를 기본으로 깔든, 선택한 코드에 따라 곡의 감정적인 분위기가 결정됩니다. 코드를 효과적으로 사용하는 방법을 알면 모든 차이를 만들 수 있습니다.

서양 대중음악에서 가장 인기 있는 코드 진행법 중 하나는 I-V-vi-IV 입니다. 실제로 코미디 음악 듀오인 Axis of Awesome이 이에 관한 노래를 만들 정도로 인기가 높습니다:

그렇다면 이 코드 진행이 왜 그렇게 대단할까요?

우선, 본질적으로 귀가 즐겁습니다. 팝, 록, 컨트리, 인디 음악 등 청중이 좋아하는 만족스러운 해상력과 친숙함을 제공합니다.

다음은 킬러 코드 진행을 작성하기 위한 몇 가지 팁입니다:

• 변주로 실험해 보세요: I-V-vi-IV와 같은 표준 진행으로 시작한 다음 한두 개의 코드를 변경하여 분위기에 어떤 영향을 미치는지 살펴보세요.
• 전달하고자 하는 분위기를 고려하세요: 노래의 감정을 반영하는 코드를 선택하세요. 예를 들어 마이너 코드는 슬픔이나 긴장감을 불러일으킬 수 있는 반면, 메이저 코드는 밝고 경쾌한 느낌을 주는 경향이 있습니다. 좋아하는 트랙을 들어보고 어떤 코드를 사용하여 분위기를 조성하는지 살펴보세요!
• 긴장과 이완 사용: 불협화음이나 복잡한 화음으로 긴장을 조성한 다음, 더 단순하고 자음이 많은 화음으로 해결하여 청취자에게 이완감을 선사하세요.
• 멜로디에 연결합니다: 코드 진행이 멜로디를 뒷받침하는지 확인하세요. 때로는 올바른 화음으로 안내하는 훌륭한 멜로디만 있으면 됩니다.

5. 기억에 남거나 인상적인 가사

사람들의 재생 목록에 오래 남는 히트곡을 만들고 싶다면 킬러 가사를 작성하는 것이 중요합니다.

사람들의 마음을 사로잡지 못하면 한 번만 들어도 그 곡을 기억하지 못할 가능성이 높습니다.

다프트 펑크의 '어라운드 더 월드'를 예로 들어보세요. 가사는 말 그대로 계속해서 반복되지만, 머릿속에 계속 맴도는 것은 어쩔 수 없습니다. 이 노래가 전 세계적으로 히트한 이유는 바로 이 귀에 쏙쏙 들어오는 반복성 때문입니다.

반면에 퀸의 '보헤미안 랩소디'와 같이 전혀 다른 차원의 복잡한 노래를 생각해 보세요. 가사가 좀 더 연극적이어서 외우는 데 시간이 걸리지만 여전히 훌륭한 팝송만큼이나 귀에 쏙쏙 들어오는 미니 드라마에 빠져들게 합니다.

고전적인 I-V-vi-IV와 같이 동일한 기본 코드 진행을 사용하는 노래는 무수히 많지만, 노래를 돋보이게 하고 오래도록 기억에 남게 하는 것은 바로 가사입니다. 가사가 사람들과 소통하는 방식이기 때문입니다.

눈에 띄는 가사를 쓰고 싶다면 다음과 같은 몇 가지 팁을 참고하세요:

• 감각을 활용하세요: 그림을 그리거나 감정을 불러일으키는 디테일을 추가하세요.
• 실을 돌리세요: 가사에 청취자가 몰입할 수 있는 스토리를 담으세요.
• 진솔한 가사: 솔직한 가사는 더 공감되고 진정성 있게 느껴집니다.
• 시적 감각을 발휘하세요: 은유나 직유를 사용하여 감각을 더하세요.
• 주제를 유지하세요: 가사가 곡의 분위기와 일치하는지 확인하세요.

6. 예측 불가능성

특히 스트리밍 플랫폼에서 매일 12만 곡에 가까운 노래가 공개되는 요즘에는 예측할 수 없는 요소가 노래에 활기를 불어넣을 수 있습니다.

곡이 커브볼을 던질 때, 더 기억에 남고 군중 속에서 돋보이는 느낌을 줍니다.

예를 들어 라디오헤드의 'Paranoid Android'를 살펴보세요.

이 트랙은 좋은 의미에서 사방에 걸쳐 있습니다. 부드러운 어쿠스틱 인트로에서 보다 공격적이고 경계에 가까운 일렉트로닉 크레센도로 전환됩니다. 그 과정에서 요크는 소외와 같은 무거운 주제를 다루고 있습니다. 트랙의 모든 반전이 끊임없이 놀라움을 선사하기 때문에 지루하지 않고 반복해서 들을 수 있는 이유 중 하나입니다.

"보헤미안 랩소디"로 돌아가서, 기본적으로 여러 곡이 한 곡에 담겨 있습니다. 약 6분 동안 약간의 록, 피아노 발라드, 오페라가 적절히 섞여 있으며, 이 모든 것이 서로 매끄럽게 흘러갑니다.

트랙에 예측 불가능한 요소를 섞을 수 있는 몇 가지 방법이 있습니다:

• 노래 구조 바꾸기: 일반적인 절-후렴구 노래 구조를 버리고 창의력을 발휘해 보세요. 악기 솔로를 무작위로 넣거나, 템포를 바꾸거나, 키 변화를 시도해 보세요.
• 사운드로 창의력을 발휘하세요: 특이한 악기나 사운드, 펑키한 보컬 효과 또는 신선한 일렉트로닉 샘플로 실험하여 청취자를 놀라게 하세요. Bon Iver의 저스틴 버논은 기대를 저버리지 않고 연주하는 아티스트의 좋은 예입니다.
• 가사로 대본 뒤집기: 말장난을 사용하거나, 갑자기 주제를 바꾸거나, 색다른 스토리라인을 만들어 보세요. 릴 웨인은 "진짜 G는 라자냐처럼 조용히 움직인다"라는 가사를 가장 잘 표현했습니다.

7. 다이내믹 레인지

가장 중요한 요소는 아니지만 다이나믹 레인지는 훌륭한 노래에서 흔히 볼 수 있는 요소입니다.

노래의 음량, 멜로디 프레이징, 악기 등 고음과 저음을 말하는 것입니다. 예를 들어, 가수가 후렴구에서 고음역대로 멜로디를 도약하여 리프트를 만들 수 있습니다.

제가 가장 좋아하는 예 중 하나는 필 콜린스의 "인 더 에어 투나잇"입니다.

이 곡은 리듬 패턴 없이 부드럽고, 잊혀지지 않고, 변덕스럽게 시작됩니다. 그리고 마지막 코러스에서 폭발적으로 터져 나오기 전에 역사상 가장 상징적인 드럼 필을 만나게 됩니다.

제플린의 '천국의 계단'은 다이나믹 레인지를 사용한 전설적인 곡의 또 다른 대표적인 예입니다. 이 곡은 부드러운 어쿠스틱 인트로로 시작하여 일렉트릭 기타 솔로와 풀 밴드의 클라이맥스로 강렬하고 파워풀한 진행으로 천천히 발전합니다.

음악을 작성할 때 다이나믹 레인지를 추가하는 몇 가지 방법이 있습니다:

• 계획으로 시작하세요: 노래에서 조용한 부분과 시끄러운 부분을 어디에 배치할지 계획하고 그 로드맵을 따르세요.
• 악기 브레이크 통합하기: 솔로 또는 악기 브레이크를 추가하여 음색 및 볼륨 대비를 추가할 수 있습니다.
• 악기 실험하기: 노래의 여러 부분에서 악기를 도입하거나 제거하세요. 예를 들어, 후렴구에서 어쿠스틱 기타나 피아노로만 연주하면 후렴구의 풀 밴드가 더욱 파워풀하게 느껴질 수 있습니다.
• 보컬 다이내믹으로 연주하기: 노래를 부를 때 구간마다 음역대나 스타일을 바꿔보세요. 절에서는 속삭이듯 낮은 옥타브를 고수하고 후렴구에서는 벨소리를 낼 수 있습니다.

최종 생각 - 무엇이 좋은 노래를 만드는가?

수많은 음악 애호가들에게 무엇이 좋은 노래인지 물어보면 다양한 대답을 들을 수 있습니다. 어떤 사람에게는 좋은 노래가 다른 사람에게는 지겨운 노래일 수 있습니다. 하지만 이것이 바로 좋은 음악의 아름다움이며 주관적인 것입니다.

그렇지만 수십 년의 음악 산업을 되돌아보면 인기 있는 노래의 핵심적인 특징을 발견할 수 있습니다. 귀에 쏙쏙 들어오는 멜로디부터 탄탄한 노래 구조까지.

훌륭한 음악을 만들고자 하는 수많은 뮤지션 지망생 중 한 명이라면, 먼저 성공한 전설들을 연구하고 그 내용을 자신의 작곡에 활용하는 것부터 시작하세요.