Jeśli dopiero zaczynasz swoją przygodę z muzyką elektroniczną, masz przed sobą ogromny świat do odkrycia. Dzięki niezliczonym wtyczkom, syntezatorom i stale rozwijającej się gamie stylów produkcji, możliwości muzyki elektronicznej są niemal nieograniczone.

Oczywiście obfitość zasobów, która sprawia, że muzyka elektroniczna jest tak różnorodna, może również zniechęcać początkujących. Od czego w ogóle zacząć, gdy wokół tego tematu istnieje wszechświat filmów na YouTube, artykułów i kursów online?

Właśnie dlatego tu jesteśmy. W tym przewodniku omówimy podstawy tworzenia muzyki elektronicznej, od podstaw syntezy po labirynt oprogramowania i sprzętu produkcyjnego. Niezależnie od tego, czy chcesz produkować techno gotowe na parkiet, ambientowe pejzaże dźwiękowe, czy cokolwiek pomiędzy, mam szereg spostrzeżeń i wskazówek, które mam nadzieję zainspirują Cię do doskonalenia swoich umiejętności!

Czym jest muzyka elektroniczna?

Muzyka elektroniczna, w swoim najszerszym znaczeniu, wykracza daleko poza zakres typowego gatunku. To naprawdę metoda, która całkowicie zmieniła sposób, w jaki tworzymy i konsumujemy muzykę.

W przeciwieństwie do muzyki organicznej, która opiera się na naturalnych dźwiękach instrumentów akustycznych, takich jak gitary, smyczki, fortepiany oraz żywe bębny i perkusja, muzyka elektroniczna często składa się z syntetyzowanych dźwięków i tekstur.

Jego sercem są analogowe syntezatory i inne instrumenty elektroniczne, takie jak organy elektryczne i automaty perkusyjne, które zyskały na popularności na przestrzeni dziesięcioleci.

Oczywiście muzyka elektroniczna w dzisiejszych czasach ewoluowała od używania dotykowych pokręteł i elektronicznych systemów przewodów i obwodów znajdujących się w starym sprzęcie analogowym do eleganckich interfejsów komputerów i cyfrowych instrumentów programowych.

Większość producentów muzyki elektronicznej opiera się w dużej mierze na komputerach, wykorzystując DAW i ich nieskończoną paletę dźwięków i efektów. Lubię myśleć o tej zmianie jako o demokratyzacji produkcji muzycznej, ponieważ uczyniła ją dostępną dla każdego, kto ma komputer i kreatywność.

Chociaż muzyka elektroniczna była początkowo ruchem undergroundowym (przypomnijmy sobie narodziny muzyki house w Chicago pod koniec lat 70. lub wprowadzenie krautrocka w Niemczech pod koniec lat 60., który był podgatunkiem eksperymentalnego rocka, który obejmował syntezatory, sekwencery i pętle taśmowe), obecnie przeniknęła do kultury głównego nurtu, wpływając na wszystko, od popu po hip-hop.

Fascynujące jest to, jak wielu współczesnych producentów muzyki elektronicznej wplata elementy akustyczne do swoich utworów, takich jak Bonobo, Tycho i Four Tet. Jest to coś w rodzaju nowszej fuzji, która tworzy bogate, teksturowane brzmienie, aby oddać hołd przeszłości, jednocześnie przesuwając granice innowacji.

Produkcja muzyki elektronicznej jest tak rozległym parasolem, że trudno jest sprowadzić się do jednej definicji (musiałbym napisać całą książkę, gdybym chciał uniknąć pominięcia niektórych najważniejszych szczegółów). Niemniej jednak, jeśli jesteś kimś, kto chce zostać producentem muzyki elektronicznej, czuję, że są dobre miejsca, od których warto zacząć, aby się zorientować.

Niezbędne oprogramowanie i narzędzia

Podczas tworzenia muzyki elektronicznej warto zaopatrzyć się w kilka narzędzi. Każdy sprzęt z tej listy odgrywa unikalną rolę w procesie produkcji, od DAW, który jest sercem twojego cyfrowego studia, po syntezatory sprzętowe i automaty perkusyjne, które nadają twojemu dźwiękowi unikalny odcisk palca.

Przyjrzyjmy się bliżej, w jaki sposób każde z tych narzędzi może poprawić jakość produkcji muzyki elektronicznej.

Cyfrowa stacja robocza audio (DAW)

Podstawą konfiguracji każdego producenta muzyki elektronicznej jest cyfrowa stacja robocza audio (DAW).

Twój DAW będzie Twoim głównym narzędziem. Jest to centralny ośrodek, w którym powstają wszystkie kreatywne pomysły. Dzięki DAW możesz nagrywać, edytować, miksować i masterować swoją muzykę. Zasadniczo jest to kompleksowe środowisko do tworzenia muzyki elektronicznej w dowolny sposób.

Podczas gdy każdy producent ma swój ulubiony DAW, ja doszedłem do wniosku, że są takie, które są po prostu lepsze do tworzenia muzyki elektronicznej niż inne:

• Ableton Live: Od dekady jestem wielkim fanem programu Ableton Live, zwłaszcza ze względu na jego intuicyjny widok sesji. Jest to również ulubiony program wielu producentów muzyki elektronicznej ze względu na możliwość występów na żywo i sekwencjonowania MIDI.
• FL Studio: Dzięki przyjaznemu dla użytkownika interfejsowi i potężnemu sekwencjonowaniu opartemu na wzorach, FL Studio jest kolejnym hitem dla producentów muzyki elektronicznej, którzy chcą zacząć od ogromnej gamy wbudowanych syntezatorów i efektów.
• Logic Pro: Logic Pro firmy Apple to kolejny z najbardziej wszechstronnych pakietów produkcyjnych i podobnie jak większość produktów Apple, jest elegancki i łatwy w użyciu. Dodatkowo, otrzymujesz obszerną bibliotekę dźwięków i pętli na dobry początek.
• Propellerhead Reason: Dzięki wysokiej jakości wirtualnemu zestawowi syntezatorów, samplerów i efektów, które można łączyć ze sobą na nieskończoną liczbę sposobów, Reason oferuje być może najbardziej unikalne i eksperymentalne podejście do produkcji muzyki.

Każdy DAW wnosi coś wyjątkowego, ale jeśli chodzi o to, który z nich najlepiej zaspokaja Twoje potrzeby, jest to całkowicie subiektywne. Zalecam wypróbowanie ich wszystkich, aby zobaczyć, który z nich najbardziej naturalnie integruje się z przepływem pracy.

Biblioteki dźwięków i pakiety próbek

Następnie mamy biblioteki dźwięków i pakiety sampli, które są podstawą muzyki elektronicznej. Niezależnie od tego, czy szukasz chrupiących pętli perkusyjnych, ostrych syntezatorowych leadów, czy oldschoolowego wokalu R&B, który możesz pociąć i zmienić tempo, dostęp do tych zasobów jest ważny.

W ciągu ostatnich kilku lat stałem się wielkim fanem Splice (podobnie jak wielu innych producentów muzyki elektronicznej). Dzięki modelowi opartemu na subskrypcji otrzymujesz kredyty, które możesz wymienić na ogromną, obejmującą różne gatunki kolekcję sampli i pętli.

Jeśli jesteś kimś, kto lubi pobierać pełne pakiety, polecam sprawdzić Loopmasters. Oferują oni również szeroką gamę wysokiej jakości pakietów w różnych gatunkach, od klasycznych próbek automatów perkusyjnych po współczesne syntezatory.

Byłbym niedbały, gdybym nie wspomniał również o Native Instruments Komple te. Choć nie jest to pakiet sampli per se, Komplete oferuje nieskończoną bibliotekę instrumentów, efektów i dźwięków, które są zabójcze dla ogólnej produkcji muzycznej.

Jeśli chcesz korzystać ze swoich bibliotek dźwiękowych i pakietów sampli w programie DAW, będziesz potrzebować jakiegoś narzędzia, które pozwoli ci je odtwarzać lub manipulować nimi na różne sposoby (rozciąganie w czasie, zmiana wysokości dźwięku itp.) Na szczęście większość programów DAW ma wbudowane samplery i automaty perkusyjne do tego właśnie celu.

Przykładowo, sampler i Drum Rack w Ableton Live zapewniają potężne możliwości samplowania i tworzenia bitów, a każdy z nich ma rozbudowane opcje modulacji i edycji.

Jeśli korzystasz z Logic Pro, możesz użyć Quick Sampler, który świetnie nadaje się do importowania i odtwarzania różnych formatów sampli. Oferuje on również dość szczegółową edycję i dostosowywanie.

Oczywiście istnieją również opcje innych firm, takie jak Kontakt firmy NI, który ma głęboko konfigurowalny sampler, a także ogromną bibliotekę dźwięków i rozszerzenia innych firm, lub Serato Sample, który ułatwia próbkowanie muzyki z różnych źródeł i korzystanie z narzędzi do szybkiego cięcia, rozciągania w czasie i zmiany wysokości dźwięku.

Wtyczki i instrumenty wirtualne

Oto najciekawsza część.

Wtyczki i instrumenty wirtualne to kluczowe elementy w procesie produkcji muzyki elektronicznej. Jest to czarna dziura, którą można odkrywać w nieskończoność, ponieważ istnieją tysiące różnych wtyczek efektów i VST. Powiedziałbym, że najlepszą rzeczą, jaką możesz teraz zrobić, jest zdobycie kilku w różnych kategoriach i poznanie ich najlepiej jak potrafisz.

Oto kilka typów, na które należy zwrócić uwagę:

• Wtyczki syntezatora: Generowanie dźwięków elektronicznych za pomocą syntezy (jak w przypadku syntezatora analogowego), doskonałe do tworzenia unikalnych leadów, basów, padów itp.
• Wtyczki efektów: Ulepszaj lub zmieniaj dźwięki za pomocą efektów, takich jak korektor, kompresja, pogłos, opóźnienie, zniekształcenie, modulacja i inne.
• Wtyczki samplerów: Odtwarzanie lub manipulowanie cyfrowymi nagraniami lub próbkami.
• Wtyczki do automatów perkusyjnych: Emuluj automaty perkusyjne lub samplery, doskonałe do odtwarzania lub rysowania rytmów.
• Wtyczka sekwencera: Świetne do aranżowania i sekwencjonowania muzyki. Często są one wyposażone w zaawansowane funkcje tworzenia wzorów i pętli.

Jak już wspomniałem, można spędzić dekady na odkrywaniu wtyczek i instrumentów wirtualnych od różnych deweloperów, a to, co może być obowiązkowym VST dla jednego producenta muzyki elektronicznej, może być klapą dla innego. Do Ciebie należy przeprowadzenie badań i znalezienie tych, które najbardziej Ci odpowiadają. Możesz nawet przeglądać strony takie jak Equipboard, aby dowiedzieć się, czego używają twoi ulubieni artyści.

Skoro jednak tu jesteś, przedstawię Ci kilka moich ulubionych rekomendacji, których używam w większości moich utworów, zaczynając od wtyczek efektów:

• FabFilter Pro-Q 3: Żaden miks nie obejdzie się bez tego niezwykle wszechstronnego i przyjaznego dla użytkownika EQ od FabFilter. Świetnie nadaje się do korekcji chirurgicznej i dynamicznej i ma piękny interfejs, który zapewnia przegląd spektrum częstotliwości.
• Valhalla VintageVerb: Prawdopodobnie moja najczęściej używana wtyczka pogłosowa, zwłaszcza gdy potrzebuję bujnych, inspirowanych stylem vintage pogłosów, aby dodać głębi i przestrzeni do dowolnego utworu.
• Soundtoys EchoBoy: Nie mogę sobie wyobrazić bardziej wszechstronnej wtyczki delay. Otrzymujesz zestaw bogatych, analogowo brzmiących efektów delay, który jest wystarczająco zróżnicowany, aby zaspokoić wszystkie gatunki muzyki elektronicznej.
• iZotope Ozone: Do masteringu, Ozone zawiera wszystko, czego potrzebujesz, aby uzyskać dopracowane, profesjonalnie brzmiące wykończenie, od korektora i kompresji po obrazowanie stereo i ograniczanie.
• Xfer Records LFOTool: Jeśli mam utwór, który potrzebuje ruchu, często sięgam po narzędzie LFO firmy Xfer Records, które zapewnia łatwy sposób dodawania efektów tremolo, auto-pan, trance-gate, symulacji kompresora side-chain i efektów wobble typu dubstep przy minimalnym wysiłku.
• FabFilter Saturn 2: Kolejna z moich ulubionych wtyczek FabFilter, Saturn 2 ma ogromny zakres zniekształceń, nasycenia i efektów modelowania wzmacniaczy, świetnych, gdy twoje utwory wymagają ciepła lub ziarnistości.

Jeśli chodzi o wirtualne instrumenty, oto kilka, które polecam sprawdzić, zwłaszcza jeśli zależy ci przede wszystkim na wszechstronności:

• Xfer Records Serum: Jako jeden z najlepszych instrumentów programowych do produkcji muzyki elektronicznej, ten syntezator wavetable oferuje jedne z najwyższej jakości dźwięków i najbardziej elastyczne możliwości projektowania dźwięku na rynku.
• Native Instruments Massive X: Massive stał się podstawą w produkcji muzyki elektronicznej, gdy na scenie pojawił się dubstep, a NI przesunęło kopertę jeszcze dalej dzięki Massive X. Jest to idealne rozwiązanie, gdy potrzebuję głębokich, potężnych basów i leadów.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 może być jednym z najbardziej wszechstronnych instrumentów programowych na rynku, z ogromną biblioteką dźwięków i nieskończonymi stylami syntezy. Keyscape jest równie przełomowy dla modelowanych fortepianów i klawiatur.
• Native Instruments Battery 4: Moim głównym samplerem perkusyjnym jest obecnie Battery 4. Nie tylko posiada ogromną bibliotekę zestawów i sampli dla wszystkich gatunków muzyki elektronicznej, ale także oferuje możliwość głębokiej edycji i łatwego odtwarzania po załadowaniu własnych próbek.
• Arturia V Collection: Dokładnie odwzorowane syntezatory i klawiatury vintage to nazwa gry z Arturia. Jeśli nie masz dostępu do analogowego sprzętu, ta kolekcja jest idealna do dodawania klasycznych brzmień do swoich utworów.
• Spitfire Audio LABS: Niedawno zacząłem odkrywać LABS i uwielbiam każde ich wydawnictwo. Jest to stale rosnąca seria wysokiej jakości darmowych instrumentów, od smyczków po wokale i eksperymentalne dźwięki, idealne do dodawania unikalnych tekstur do muzyki.

W miarę tworzenia muzyki elektronicznej, będziesz zakochiwał się i odchodził od niektórych wtyczek i instrumentów wirtualnych, choć zachęcam do dalszego odkrywania i śledzenia nowych wydań, ponieważ na horyzoncie zawsze jest coś ekscytującego.

Klawiatura lub kontroler MIDI

MIDI, skrót od "Musical Instrument Digital Interface", to język muzyki elektronicznej.

Jest to standard techniczny, który pozwala elektronicznym instrumentom muzycznym, komputerom i innym urządzeniom komunikować się, kontrolować i synchronizować ze sobą. Używamy go, aby pomóc różnym elementom cyfrowego sprzętu muzycznego współdziałać ze sobą. Zapoznaj się z naszym przewodnikiem MIDI, aby uzyskać więcej informacji na temat jego działania.

Podczas gdy nuty MIDI można rysować w programie DAW za pomocą myszy lub klawiatury komputerowej, posiadanie klawiatury lub kontrolera MIDI zapewnia znacznie bardziej dotykowe i ekspresyjne wrażenia. Za pomocą klawiatury lub kontrolera można odtwarzać melodie, rytmy perkusyjne i sterować syntezatorami w programie DAW w czasie rzeczywistym, co zapewnia natychmiastową informację zwrotną i bardziej intuicyjny sposób tworzenia muzyki elektronicznej.

Dla mnie posiadanie sprzętu, którego mogę użyć do tworzenia muzyki, przywraca ludzki charakter cyfrowemu procesowi.

Oto kilka klawiatur i kontrolerów MIDI, którym polecam się przyjrzeć: które zaspokajają różne potrzeby i budżety:

• Akai MPK Mini MkIII: Jeśli kompaktowy i niedrogi jest tym, czego szukasz, ten kontroler jest idealny. Cena jest łatwa do przełknięcia dla początkujących, a 25-klawiszowy interfejs jest świetny dla osób z ograniczoną przestrzenią studyjną. Dodatkowo otrzymujesz przypisywalne pady i pokrętła dla jeszcze większej wszechstronności!
• Novation Launchkey Series: Chociaż seria Launchkey została zaprojektowana z myślą o Ableton Live, może pracować z dowolnym DAW. Oferuje pełnowymiarowe klawisze, pady, pokrętła i fadery do kontrolowania wszystkich aspektów produkcji muzyki elektronicznej.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential zapewnia dobrą równowagę między funkcjami a przystępną ceną i jest idealny do integracji z kolekcją instrumentów programowych Arturia. Klawiatura jest świetna, a wiele elementów sterujących DAW zapewnia bardziej praktyczne wrażenia.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Jeśli często korzystasz z oprogramowania Native Instruments, nie ma lepszego wyboru do integracji. Klawiatury z serii S oferują wysokiej jakości klawiatury z aftertouch, a także jeden z najbardziej intuicyjnych systemów przeglądania i kontroli parametrów na rynku.
• ROLI Seaboard Block: Ta klawiatura jest czarną owcą na rynku kontrolerów MIDI, ale jeśli chcesz wyjść poza tradycyjną grę na klawiaturze, ekspresyjna powierzchnia gry Seaboard oddaje pięć wymiarów dotyku w sposób, którego nie dorównała żadna inna klawiatura.

Ponownie, to tylko niektóre z moich ulubionych, choć istnieje wiele innych klawiatur i kontrolerów MIDI, które wnoszą coś wyjątkowego do stołu, niezależnie od tego, czy priorytetem jest przenośność i przystępna cena, czy też wszechstronność i głęboka integracja oprogramowania.

Jeśli to możliwe, wypróbuj różne z nich i sprawdź, które najlepiej pasują do Twojego przepływu pracy.

Maszyny perkusyjne i samplery

Chociaż nie sądzę, by automaty perkusyjne i samplery były "must-have" w produkcji muzyki elektronicznej w dzisiejszych czasach, są one ważnymi narzędziami, które należy rozpoznać, ponieważ od samego początku stanowiły podstawę produkcji muzyki elektronicznej.

Historia tych instrumentów jest bardzo długa, a wiele z kultowych modeli ukształtowało brzmienie całych gatunków muzycznych. Na przykład Roland TR-808, który pojawił się na początku lat 80-tych, stał się synonimem hip-hopu. Posłuchaj utworu "Planet Rock" Afriki Bambaataa, a usłyszysz jeden z pierwszych przykładów sławy tego automatu perkusyjnego.

Podobnie Akai MPC, który był samplerem i sekwencerem, zrewolucjonizował sposób, w jaki producenci tworzyli bity. J Dilla jest jednym z najlepszych przykładów legendarnego beatmakera, który zmienił sposób tworzenia muzyki elektronicznej za pomocą MPC.

Piękno korzystania ze sprzętowych automatów perkusyjnych i samplerów w porównaniu z ich wirtualnymi odpowiednikami polega na tym, że uzyskuje się wrażenia dotykowe i analogowe brzmienie. Podobnie jak wielu innych producentów, uważam, że fizyczna interakcja z pokrętłami, padami i suwakami jest znacznie bardziej inspirująca.

Co więcej, unikalna charakterystyka dźwiękowa i ograniczenia sprzętu mogą pobudzić kreatywność w danym momencie. Oczywiście istnieje również aspekt występów na żywo i nie ma wątpliwości, że sprzęt zapewnia bardziej niezawodny i wizualnie wciągający zestaw.

Chociaż zdecydowanie powinieneś przyjrzeć się temu, czego używają niektórzy z twoich ulubionych artystów i producentów, aby rozpocząć budowanie swojej kolekcji, oto kilka moich ulubionych automatów perkusyjnych i samplerów, które często polecam innym:

• Roland TR-8S: Jeśli jesteś jak większość producentów i nie masz tysięcy dolarów do wydania na oryginalny TR-08, polecam przyjrzeć się TR-8S. Ta stosunkowo nowa wersja Rolanda zapewnia klasyczne dźwięki perkusji z serii TR z możliwością odtwarzania próbek, co czyni ją wszechstronnym narzędziem do występów na żywo i pracy w studio.
• Elektron Digitakt: Ten kompaktowy automat perkusyjny i sampler to jeden z moich ulubionych produktów dla producentów będących w ciągłym ruchu. Posiada niezwykle potężne możliwości sekwencjonowania i mnóstwo wbudowanych narzędzi do projektowania dźwięku.
• Akai MPC Live II: Legendarny przepływ pracy MPC i autonomiczna elastyczność, dzięki wbudowanym głośnikom i akumulatorowi, MPC Live II to świetne rozwiązanie do produkcji w podróży.
• Korg Volca Sample: Ten niedrogi i kompaktowy sekwencer sampli jest idealny dla początkujących, ponieważ zapewnia mnóstwo mocy wydajności wątroby i ma mnóstwo funkcji i opcji łączności do tworzenia groove w czasie rzeczywistym.
• Dave Smith Instruments Tempest: Chociaż przez lata miał spory udział w kontrowersjach, ten wspólny automat perkusyjny Dave'a Smitha i Rogera Linna jest jedną z moich ulubionych opcji uzyskania potężnego analogowego brzmienia automatu perkusyjnego.

Sprzęt komputerowy powraca w wielkim stylu, dlatego też każdy, kto uczy się produkcji muzyki elektronicznej, powinien zapoznać się również z tą stroną szopy z narzędziami. Nawet jeśli nie dysponujesz ogromnym budżetem, nadal istnieje wiele opcji!

Interfejs audio

Z pewnością możesz uczyć się produkcji muzyki elektronicznej na laptopie, ale jeśli chcesz na poważnie zająć się produkcją muzyki elektronicznej i zbudować pomost między instrumentami, mikrofonami i komputerem, będziesz potrzebować interfejsu audio.

Krótko mówiąc, interfejs audio konwertuje sygnały analogowe na cyfrowe dane audio, które mogą być przetwarzane przez DAW i odwrotnie. Oprócz konwersji, interfejs audio może również znacznie poprawić jakość dźwięku nagrań w porównaniu do wbudowanych wejść i wyjść audio większości komputerów, a także zapewnić niezbędne funkcje, takie jak przedwzmacniacze mikrofonowe, bezpośrednie monitorowanie nagrywania bez opóźnień oraz wiele wejść i wyjść do podłączania różnych źródeł dźwięku i sprzętu zewnętrznego.

Interfejsy audio mają różne kształty i rozmiary, ale jeśli nie wiesz, od czego zacząć, oto kilka opcji dla różnych budżetów:

• Przyjazny dla budżetu :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3. generacji): Jedna z najlepszych rekomendacji dla początkujących, którzy chcą interfejsu z wysokiej jakości przedwzmacniaczami i wytrzymałą konstrukcją.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Niezwykle przystępna cenowo opcja, która zapewnia wszystkie podstawy potrzebne do rozpoczęcia nagrywania w domu.
• Średni zakres :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: nieskazitelna jakość dźwięku i przetwarzanie UAD w czasie rzeczywistym, idealne, jeśli chcesz poprawić swoją grę produkcyjną.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Oferuje dobrą równowagę między funkcjami i ceną, z wieloma wejściami/wyjściami i niską latencją.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Znany ze swojej niezawodności, wyjątkowej jakości dźwięku i niskiej latencji, odpowiedni dla małych, profesjonalnych studiów.
  • Apollo x4 od Universal Audio: Dzięki czterem przedwzmacniaczom Unison, przetwarzaniu UAD-2 Quad Core i doskonałej konwersji, otrzymujesz to, co najlepsze w sprzęcie UAD.

Wybór odpowiedniego interfejsu audio zależy od konkretnych potrzeb użytkownika.

Jeśli na przykład nagrywasz wiele mikrofonów jednocześnie, posiadanie wielu wejść i wyjść jest niezbędne. Jeśli jednak często podróżujesz, przenośność może być największą zaletą. Niezależnie od tego, inwestycja w interfejs audio jest koniecznością, jeśli chcesz podnieść jakość swojej muzyki.

Słuchawki lub monitory studyjne

Gdy zaczniesz tworzyć własną muzykę, będziesz potrzebować czegoś, na czym będziesz mógł jej słuchać.

Jedną z pierwszych rzeczy, o których musisz zdecydować, jest to, czy zainwestować w słuchawki czy monitory studyjne. Każdy z nich służy unikalnemu celowi w procesie produkcji muzyki, a w rzeczywistości posiadanie obu jest najlepszą opcją.

Monitory studyjne zapewniają dokładniejsze odwzorowanie dźwięku w pomieszczeniu, umożliwiając zrozumienie, jak muzyka przełoży się na rzeczywiste środowisko. Oferują również przestrzenną i wymiarową perspektywę miksu, pomagając w podejmowaniu świadomych decyzji dotyczących panoramowania, głębi i obrazowania stereo.

Z drugiej strony słuchawki oferują szczegółowość i izolację. Świetnie nadają się do identyfikowania subtelnych niuansów w miksie, które można przeoczyć na głośnikach, takich jak szumy niskiego poziomu lub kliknięcia i trzaski. Słuchawki są również kluczowe podczas nocnych sesji lub jeśli pracujesz w nieprzetworzonych przestrzeniach, w których nie możesz dokładnie monitorować przez głośniki.

Posiadanie obu narzędzi do dyspozycji jest niezwykle korzystne, ponieważ może pomóc ci zobaczyć, jak brzmi twój miks w różnych środowiskach odsłuchowych, dzięki czemu wiesz, że twoja muzyka brzmi świetnie na szerokiej gamie systemów odtwarzania.

Oto kilka moich rekomendacji dla każdego z nich:

Zalecenia dotyczące słuchawek:

• Budżet: Audio-Technica ATH-M40x - doskonała jakość dźwięku i trwałość w przystępnej cenie.
• Średni zakres: Beyerdynamic DT 770 PRO - Znane ze szczegółowego, zrównoważonego dźwięku i komfortu. Uwielbiam używać ich podczas długich sesji miksowania.
• High-End: Sennheiser HD 650 - Najwyższej klasy słuchawki studyjne z otwartym tyłem zapewniające wyjątkową wierność naturalnego dźwięku i dokładne odtwarzanie basów.

Zalecenia dotyczące monitorów studyjnych:

• Budżet: Presonus Eris E3.5 - Super kompaktowy i niedrogi, a jednocześnie zapewniający czysty i dokładny profil dźwiękowy dla małych domowych studiów.
• Średni zakres: Yamaha HS5 - Idealny dla płaskiej odpowiedzi i doskonałej reprodukcji dźwięku, szczególnie podczas miksowania w nieobrobionych pomieszczeniach.
• High-End: Adam Audio A7X - Doskonały dla profesjonalnych producentów muzycznych i inżynierów, którzy oczekują precyzyjnego basu i szczegółowych górnych częstotliwości.

Kiedy zacząłem produkować muzykę elektroniczną, pracowałem na słuchawkach przez około rok, zanim zmodernizowałem swoją konfigurację studyjną, więc jeśli monitory studyjne nie są obecnie w twoim budżecie na produkcję audio, nie przejmowałbym się tym zbytnio. Upewnij się tylko, że robisz częste przerwy, jeśli słuchasz tylko na słuchawkach, aby zachować perspektywę i zapobiec zmęczeniu uszu.

Jak tworzyć muzykę elektroniczną

Produkcja muzyki elektronicznej jest bardzo złożona. Z pewnością nie mogę obiecać, że po przeczytaniu tego artykułu opanujesz tę sztukę, ale mam nadzieję, że mogę zapewnić ci wgląd w moje doświadczenie w produkcji muzyki elektronicznej w ciągu ostatniej dekady i możesz wykorzystać to jako inspirację w swojej własnej podróży.

Lubię myśleć o procesie tworzenia muzyki w trzech etapach:

1. Pomysły: W pierwszej fazie szkicujesz swoje wstępne pomysły, eksperymentujesz z dźwiękami i wzorami oraz zbierasz pomysły lub inspiracje od innych artystów, których lubisz.
2. Aranżacja: Gdy masz już swoje pomysły, możesz ułożyć je w spójną całość, tworząc utwór, który zabierze słuchacza w podróż od początku do końca.
3. Dopracowanie: Jest to faza miksowania i masteringu, w której dopracowujesz swój utwór i upewniasz się, że wszystkie elementy dobrze do siebie pasują.

Ważne jest, aby pamiętać, że każdy producent przechodzi przez te etapy własną, unikalną ścieżką.

Niektórzy mogą zacząć od chwytliwej melodii i budować wokół niej, podczas gdy inni posiekają kilka sampli i stworzą fajną sekwencję na MPC. Inni mogą przyjąć tradycyjne podejście i użyć standardowej popowej struktury aranżacyjnej, aby zbudować piosenkę od podstaw, zaczynając od perkusji, potem basu, gitary i tak dalej.

Piękno produkcji muzyki elektronicznej tkwi w tej różnorodności podejść.

Chociaż zamierzam podzielić się metodą, która działa najlepiej dla mnie, pamiętaj, że nie ma jednego uniwersalnego procesu. Chodzi o znalezienie przepływu pracy, który rozpala kreatywność i pozwala na swobodny przepływ pomysłów.

Znalezienie swojego brzmienia

Kiedy po raz pierwszy uczysz się tworzyć muzykę elektroniczną, najtrudniejszą częścią może być znalezienie swojego brzmienia.

Pod pojęciem "muzyka elektroniczna" kryje się tak wiele podgatunków, a każdy z nich ma swoją unikalną paletę dźwięków, rytmów i struktur. Oto niektóre z popularnych podgatunków, by wymienić tylko kilka:

• Dom
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligent Dance Music)
• EDM (elektroniczna muzyka taneczna)
• Trance
• Drum and Bass
• Future Bass

Jako nowy producent uważam, że kluczem do odkrycia swojego brzmienia pośród tej różnorodności jest eksploracja i eksperymentowanie.

Zanurz się głęboko w różnych podgatunkach, nie tylko jako słuchacz, ale jako uczeń. Twórz krótkie utwory lub bity inspirowane różnymi stylami, aby zobaczyć, co rezonuje z tobą i pobudza twoje kreatywne soki. Możesz także spróbować współpracy z innymi producentami, którzy mogą zaoferować nowe perspektywy i zainspirować kierunki, których sam byś nie rozważał.

Takie podejście wymaga aktywnego słuchania. Jest to jedno z najpotężniejszych narzędzi do zrozumienia niuansów każdego podgatunku. Kiedy słuchasz utworu, spróbuj go przeanalizować: zidentyfikuj podstawowe elementy, które definiują jego brzmienie, od tempa i wzorców perkusyjnych po wybór syntezatorów i strukturę aranżacji. Zwróć uwagę na to, jak tworzone jest napięcie i zwolnienie, jak utwór ewoluuje w czasie i jakie emocje lub atmosfery są wywoływane.

Do dziś analityczne podejście do słuchania jest jednym z moich ulubionych sposobów, aby dowiedzieć się więcej o utworze.

Zdobywanie podstawowych umiejętności

Sercem muzyki elektronicznej jest groove, który często uzyskujemy z bębnów i perkusji.

BPM (Beats Per Minute) odgrywa kluczową rolę w definiowaniu podgatunku i chociaż zawsze można eksperymentować, większość słuchaczy ma oczekiwania, gdy słuchają pewnych rodzajów muzyki elektronicznej.

Na przykład, techno zazwyczaj waha się od 120 do 135 BPM i ma wzór perkusji kopiącej cztery na podłodze, podczas gdy tradycyjna muzyka house jest często bardziej uduchowiona i podnosząca na duchu, unosząca się między 120 a 130 BPM, z nieco bardziej funkowym i groove'owym wzorem perkusji.

Dubstep, który jest znany z ciężkiego basu i synkopowanych groove'ów, zazwyczaj oscyluje wokół 140 BPM, co tworzy trochę miejsca na te kultowe, ciężkie wzory perkusyjne w połowie czasu.

Drum and bass idzie jeszcze dalej przy prawie 160-180 BPM, wykorzystując przyspieszone rytmy breakbeat, które dostarczają bardziej intensywnej i chaotycznej energii.

Oczywiście mamy też ambientową muzykę elektroniczną, która unika tradycyjnych uderzeń perkusji na rzecz bardziej płynnej, ewoluującej tekstury. Czasami w ogóle nie ma perkusji. Skupia się raczej na tworzeniu bardziej atmosferycznego krajobrazu.

Znajomość typowych temp i schematów perkusyjnych tych podgatunków może pomóc w dostosowaniu utworów do konwencji gatunku. Oczywiście, jak już wspomniałem, nie bój się eksperymentować z tempem i rytmem, aby znaleźć swoje unikalne brzmienie!

Przygotowywanie rytmu

Zawsze uważam, że zaczynanie od perkusji jest solidną strategią w produkcji muzyki elektronicznej.

Sekcja rytmiczna może ustanowić fundament dla tempa i energii utworu oraz ustanowić groove, do którego reszta elementów może się zablokować. Potraktuj ją jako pierwszy szkielet utworu.

Chociaż utwory elektroniczne mogą zmieniać się dość drastycznie w zależności od utworu, kluczowe elementy większości groove'ów perkusyjnych obejmują kick, werbel lub klaskanie, hi-haty i dodatkowe instrumenty perkusyjne, które mogą dodać trochę smaku i tekstury.

Kiedy zaczynasz tworzyć własne bity perkusyjne, możesz zastosować kilka podejść:

• Korzystanie z samplerów perkusyjnych: Jestem wielkim fanem Battery 4 firmy Native Instruments, ponieważ można załadować własne sample perkusyjne i tworzyć groove'y MIDI od podstaw.
• Przerzucanie breaków, pętli i sampli: Możliwość przerzucania breakbeatów i pętli jest podejściem oldschoolowym, ale nadal jest kluczowym elementem tworzenia muzyki elektronicznej i inspirowania nowych pomysłów.
• Słuchanie utworów referencyjnych: Zalecam poświęcenie czasu na analizę groove'ów perkusyjnych w utworach, które lubisz i próbę ich odtworzenia. Zwróć uwagę na różne warstwy, swing lub proste taktowanie oraz sposób, w jaki rytm uzupełnia ogólny nastrój utworu.

Przyjrzyjmy się, jak można stworzyć prosty house beat:

1. Zacznij od Kick Drum: Znajdź idealny kick w stylu house i umieść go na każdym takcie miary (1, 2, 3, 4), aby uzyskać kultowy rytm four-on-the-floor.
2. Dodaj klaskanie lub werbel : Nałóż klaśnięcie lub werbel na 2. i 4. uderzenie, aby rozpocząć budowanie groove'u.
3. Wprowadzenie hi-hatów: Dodaj zamknięte hi-haty pomiędzy każdym wybiciem i uderzeniem werbla, aby uzyskać stały, napędzający rytm. Jeśli chcesz uzyskać bardziej płynny rytm, możesz użyć ósemek.
4. Włącz perkusję: Aby urozmaicić swoje groove'y, możesz dodać kilka elementów perkusyjnych, takich jak shakery lub tamburyny.
5. Eksperymentuj z pętlami: Jeśli chcę uzyskać dodatkową teksturę w moich groove'ach, często nakładam zapętloną perkusję lub górną pętlę, aby ją wypełnić.

Tworzenie bitu polega w równym stopniu na eksperymentowaniu, jak i na przestrzeganiu formuły, więc baw się wszystkimi powyższymi elementami i dostosuj je do własnych upodobań.

Układanie linii basu

Ułożenie linii basu to moment, w którym utwór naprawdę zaczyna nabierać tempa. Bas powinien uzupełniać rytm perkusji, ale także łączyć rytmiczne i harmoniczne elementy muzyki, o których więcej powiemy za chwilę.

Oto uproszczone podejście do tworzenia interesującej linii basu:

1. Wybierz dźwięk: Zacznij od wybrania dźwięku basu, który pasuje do Twojego gatunku. Syntezatorowe basy są wszechstronne i mogą być kształtowane w szerokim zakresie, podczas gdy samplowane basy mogą dodać rzeczywistą teksturę do utworu. A
2. Craft a Groove: Zacznij od podstawowego wzoru, który podąża za rytmem perkusji, a następnie eksperymentuj z synkopami lub dodatkowymi nutami, aby stworzyć rytm i zainteresowanie. Polecam posłuchać linii basu w innych utworach elektronicznych, które ci się podobają i zobaczyć, jakich technik używają.
3. Zmieniaj swoje nuty: Nie bój się odchodzić od nuty podstawowej. Możesz eksplorować skalę dla różnych opcji nut. Nie wiesz, jak zaimplementować skale oparte na teorii muzyki? Sprawdź niektóre z naszych blogów na ten temat.
4. Nałóż subbas: Jeśli bas potrzebuje nieco więcej "oomph" w niskich tonach, możesz dodać pod nim czysty, oparty na fali sinusoidalnej subbas. Upewnij się tylko, że jest on dostrojony i rytmicznie wyrównany z głównym basem.

Niezależnie od podejścia, linia basu jest podstawowym elementem każdego utworu muzyki elektronicznej, więc poświęć trochę czasu na jej dopracowanie i nie bój się wprowadzać zmian, dopóki nie znajdziesz idealnego rytmu.

Układanie akordów

Następnie należy rozpocząć opracowywanie progresji akordów dla utworu. Akordy są po to, aby położyć emocjonalne podwaliny, na których zbudujesz melodię i inne tekstury. Mają one moc wywoływania określonych nastrojów, budowania napięcia i uwalniania oraz prowadzenia słuchacza przez narrację.

Oczywiście sposób, w jaki podchodzimy do akordów może się znacząco zmieniać w zależności od gatunku. Na przykład w ambientowej muzyce elektronicznej bujne, rozbudowane progresje akordów mogą być dobre do tworzenia poczucia głębi, podczas gdy w house lub techno prostsze uderzenia akordów bez większego ruchu harmonicznego mogą być lepszym wyborem.

Chociaż nie musisz być ekspertem w dziedzinie teorii muzyki, solidne opanowanie teorii może pomóc w podejmowaniu bardziej świadomych decyzji dotyczących brzmień i progresji akordów. Piękno teorii muzyki polega na tym, że chodzi o poznanie zasad, aby móc je łamać. Dodatkowo, daje ci to możliwość przekazywania pewnych emocji i pomysłów poprzez muzykę,

Jeśli chcesz dowiedzieć się więcej o teorii muzyki, zapoznaj się z naszym przewodnikiem po tworzeniu progresji akordów.

Pisanie melodii

Czym więc jest melodia?

W najprostszym ujęciu jest to sekwencja nut, która służy jako główny temat lub punkt centralny utworu muzycznego.

Jest to część utworu, którą słuchacze zapamiętują najbardziej, co oznacza, że dobra melodia powinna zapadać w pamięć. Z punktu widzenia teorii muzyki, powinna ona również pasować do harmonicznego kontekstu utworu.

Jedną z głównych rzeczy, które należy wziąć pod uwagę podczas tworzenia zapadającej w pamięć melodii, jest siła powtórzeń.

Powtarzający się motyw lub fraza to świetny sposób na zakotwiczenie utworu i zapewnienie słuchaczowi poczucia spójności, choć należy również powstrzymać się od używania zbyt wielu powtórzeń, ponieważ melodia może brzmieć monotonnie.

Polecam aktywne słuchanie muzyki z mocnymi melodiami, aby uzyskać inspirację.

Przeanalizuj, jak te melodie są skonstruowane, zwróć uwagę na to, jak współgrają z akordami i rytmem oraz jak wykorzystują powtórzenia i wariacje, aby stworzyć ruch i emocje. Możesz czerpać inspirację z tych piosenek bez jawnego plagiatowania ich, tak jak robią to artyści od zarania dziejów. Wszystko opiera się na czymś wcześniejszym.

Łączenie wszystkiego razem

Następnie należy zacząć szukać sposobów na połączenie wszystkich elementów ścieżki.

Podczas gdy muzyka elektroniczna może różnić się pod względem struktury, większość utworów elektronicznych w stylu pop będzie miała standardową strukturę, która ma wzloty i upadki od początku do końca.

Z intro można przejść do zwrotki, w której historia zaczyna się rozwijać. Może to prowadzić do pre-chóru lub narastania, aby zwiększyć napięcie do refrenu, haka lub dropu, który działa jako punkt kulminacyjny utworu.

Stamtąd można dodać sekcję solową, aby zaprezentować konkretny syntezator lub linię wokalną, lub mostek na chwilę kontrastu lub refleksji przed końcowym refrenem, dropem lub outro.

Miksowanie i mastering

Wreszcie dochodzimy do procesu miksowania i masteringu, które są krytycznymi etapami procesu postprodukcji. W tym momencie należy skupić się na przekształceniu kolekcji pojedynczych utworów w spójny, dopracowany utwór muzyczny przeznaczony do wydania.

Podczas miksowania celem jest zrównoważenie poziomów, przesuwanie różnych instrumentów w polu stereo, zastosowanie korektora w celu usunięcia zgrzytów częstotliwości, kompresja w celu wyrównania dynamiki oraz użycie efektów takich jak pogłos i opóźnienie w celu stworzenia trójwymiarowej głębi.

Mastering to ostatni etap, w którym zmiksowany utwór jest dopracowywany i przygotowywany do dystrybucji. Na tym etapie dopracowujesz ogólny dźwięk, upewniasz się, że utwory są spójne na całym albumie lub EP, jeśli tworzysz projekt, i sprawdzasz, czy muzyka brzmi najlepiej na różnych systemach odtwarzania.

Oba te procesy wymagają szczegółowego słuchu i dogłębnego zrozumienia tego, jak zachowuje się dźwięk, i choć z pewnością można rozwinąć swoje umiejętności na tyle, by miksować i masterować własne utwory, to zazwyczaj korzystne jest, aby ktoś inny wykonywał te obowiązki, gdy dopiero zaczynasz, ponieważ dobrze jest mieć kogoś ze świeżym zestawem uszu i specjalistycznym sprzętem.

Najlepsze zasoby do nauki tworzenia muzyki elektronicznej

Poza tym artykułem, tworzenie muzyki elektronicznej to ciągły proces uczenia się z dużą ilością prób i błędów oraz eksperymentów. Na szczęście dostępne są niezliczone zasoby, które zaspokajają potrzeby producentów na wszystkich poziomach, w tym:

Oto lista różnych zasobów i powodów, dla których są one korzystne dla poszerzania wiedzy i umiejętności:

• Samouczki i kursy online: Platformy takie jak Skillshare, Udemy i Coursera oferują kursy muzyki elektronicznej prowadzone przez profesjonalistów z branży, które mogą obejmować poziomy od początkującego do zaawansowanego.
• Filmy na YouTube: Kanały takie jak Point Blank Music School i ADSR Music Production Tutorials zapewniają niekończące się bezpłatne samouczki, wskazówki i techniki dotyczące różnych aspektów procesu tworzenia muzyki, idealne dla osób uczących się wizualnie.
• Fora i społeczności internetowe : Społeczności takie jak Gearslutz, Reddit's r/edmproduction i KVR Audio świetnie nadają się do nawiązywania kontaktów z innymi producentami, dzielenia się muzyką, uzyskiwania opinii i omawiania technik produkcji.
• Zasoby specyficzne dla D AW: Większość programów DAW posiada oficjalne fora, samouczki i dokumentację. Jestem wielkim fanem strony Ableton's Learning Music, która zawiera niekończące się porady, wskazówki i przewodniki dotyczące DAW.

Nasz blog jest również pełen pomocnych zasobów do tworzenia muzyki elektronicznej, niezależnie od tego, czy uczysz się teorii muzyki, jak działa przemysł muzyczny, czy jak podejść do aranżacji utworów.

Przemyślenia końcowe

Nauka tworzenia muzyki elektronicznej nie jest czymś, co robi się z dnia na dzień.

Ostatecznym celem jest stworzenie utworu, który sprawia, że coś czujesz - utworu, z którego możesz być dumny. Muzyka nieustannie ewoluuje, więc nie ma powodu, by przywiązywać się do zestawu zasad. Jednak zrozumienie powyższych narzędzi i sposobu ich użycia może pomóc w stworzeniu czegoś, co będzie zarówno piękne, jak i wyjątkowe w rozległym świecie muzyki elektronicznej.