Att komponera handlar ofta om att tänja på gränserna. Men när gränserna är helt borta, vad blir då komponerandet? Med andra ord: kan kompositörers verk någonsin sluta betraktas som... musik?

Oxford Dictionary definierar nämligen opera som "en form av musikdrama där rent melodiska rytmiska krafter flätas samman med berättande element". Detta verkar inte gälla Schönbergs "Pierrot Lunaire", till exempel. OK; kan vi fortsätta att kalla det ett "melodrama" då? :)

Förord

Att komponera är en djupt personlig och kreativ process för alla konstnärer. Varje konstnär har sin egen unika stil, som återspeglar deras individualitet och konstnärliga vision.

När konstnären inleder den kreativa processen överväger han eller hon noga hur olika element ska blandas för att skapa en sammanhängande helhet. Genom sin kompositionsstil förmedlar konstnären sin estetik och sina perspektiv till publiken.

En konstnärs kompositionsstil kan utvecklas över tiden och återspegla den personliga utvecklingen och olika influenser. Eller rättare sagt; det är sammansmältningen av stil och komposition som ger upphov till konstverk. Och varje verk bär på en bit av konstnärens själ och ett unikt budskap som världen kan tolka.

Bra musikkompositörer har alltid haft en unik förmåga att omvandla sina tankar och erfarenheter till musikaliska mästerverk. Idag fortsätter moderna kompositörer att tänja på gränserna för det musikaliska uttrycket.

Den västerländska musiken definierades på sätt och vis av en tonal mittpunkt. I atonalitet frigör sig kompositörerna från begränsningarna av att arbeta inom en viss tonart och de förväntningar som följer med den.

De kan använda alla tolv tonerna i den kromatiska skalan lika mycket och bortse från hierarkierna i den traditionella tonharmonin.

Denna avsaknad av en definierad tonart i atonaliteten banade väg för unika och innovativa kompositioner.

Klassisk musik

Klassisk västerländsk musik har en definierad tonalitet (eller tonala centra, om/när modulationer förekommer).

Ett starkt tonalt centrum kan hittas i praktiskt taget alla klassiska kompositioner. I Beethovens hyperpopulära Symfoni nr 9 fungerar till exempel tonarten d-moll som ett "ankare".

Det här exemplet illustrerar hur kompositörer använder begreppet tonalt centrum för att skapa musikalisk sammanhållning och en känsla av upplösning. Därmed inte sagt att den kromatiska skalan inte är ett grundläggande element i den klassiska musiken. Faktum är att det är precis tvärtom!

I klassisk komposition introducerar användningen av den kromatiska skalan en rik och uttrycksfull palett av musikaliska färger. Den fördjupar urvalet av alternativ, vilket möjliggör invecklade harmonier och laddade passager i klassiska verk.

De funktionella ackorden

Som vi nämnde i vår artikel om den diatoniska skalan har uppfattningen om vad som utgör ett ackord utvecklats genom tiderna. Tonal musik definierar det mer strikt och strukturellt.

Begreppet ackordfunktionalitet är nära relaterat till ackordens inbördes relationer, så som de definieras genom progressioner och harmoniska kadenser.

Men ett enda ackord kan också vara funktionellt och ge en struktur som ligger till grund för en melodi. Så allt beror på kompositörens färdigheter och avsikter.

Skickliga författare kan skapa en mängd olika stämningar genom ett enda ackord, förutsatt olika musikaliska sammanhang. Att lära sig att uttrycka sig genom ett ackord är verkligen ett avgörande steg mot musikalisk konstnärlighet!

Bortom klassicismen

I början av 1900-talet började Alexander Skrjabin och Igor Stravinskij att beskriva musik som avvek från den traditionella diatoniska skalan.

Deras expressionistiska verk präglades av en uttrycksfull kromatik med harmonier, skalor och ackord som i det närmaste övergav den konventionella tonaliteten.

När man hör deras kompositioner förstår man hur mästerliga de var. Deras laddade ackordföljder och melodier utmanade lyssnarens förväntningar.

Början

I takt med att utvecklingen gick framåt utmanade innovativa idéer de sista kvarvarande begränsningarna av funktionell harmoni.

Denna avvikelse från det traditionella tillvägagångssättet har lett till att på varandra följande ackord har blivit dissonanta och osammanhängande, sett ur den konventionella ackordstrukturens perspektiv.

Arnold Schönberg introducerade atonalitet och många andra experimentella tekniker och tänjde på gränserna ytterligare. Den "Schönbergska stilen" var så avantgardistisk på den tiden att vissa inte ens betraktade den som musik, vilket gör hans insatser till ett exempel på ett arketypiskt paradigmskifte.

Hans fria atonalitet krävde att traditionella harmoniska begrepp helt skulle överges, utan att vara strikt när det gällde exakt vad som utgjorde dem. Detta väcker frågan: fokuserar en atonal kompositör på att bara bryta mot alla traditionella regler?

Atonalitetens estetik

I motsats till vad många tror handlar atonalitet inte om "antitonalitet". Det är en uppsättning oberoende principer. Även om harmoniska kadenser är "förbjudna", baserar atonala kompositörer inte sin estetik på hur icke-tonalt ett musikstycke är.

Avsaknaden av ett traditionellt tonalt centrum är verkligen ett utmärkande drag i ett atonalt stycke. Och ja: i ett atonalt verk undviker kompositören medvetet att etablera en hemtonart, vilket leder till en dynamisk manifestation av olika ackordstrukturer.

Dessa principer gav upphov till vad som senare kom att kallas den andra wienerskolan. Arnold Schönberg skrev Pierrot Lunaire för att demonstrera sina estetiska poänger tidigare, och hans elever Alban Berg och Anton Webern följde efter och började skriva pianostycken och till och med sviter.

Särskilt deras pianostycken visade att det musikaliska fokuset var helt annorlunda. Högerhanden "flög" inte när den spelade melodin eller durkadensernas förbigående noter. Snarare handlade styckena mer om tonhöjdsklasser och struktur, eftersom de skickade durtonarter i pension.

Ja, i atonal musik blir virtuositet (eller snarare: fingerfärdighet) mindre viktigt. Webern och Berg byggde vidare på det som deras lärare gav dem, vilket ledde till ytterligare stilistisk utveckling.

Apex år

Den seriella musiken uppstod som en betydande avvikelse från den fria atonala musiken som sådan. Den bygger på en tolvtonsteknik eller tonrad, som bestämmer den melodiska sekvensen och de på varandra följande ackorden i en komposition.

Den motsvarande kompositionstekniken, som då kallades "serialism", fick en framträdande roll genom den andra wienskolans verk. Tonsättarnas drivkraft ledde till att banbrytande atonala verk skapades.

Schönbergs favoritelever (de tidigare nämnda Alban Berg och Anton Webern) gick i spetsen för den serialistiska rörelsen.

De började använda sig av rigorösa matematiska strukturer för att organisera sina kompositioner. Deras atonala verk använde sig ofta av de tidigare nämnda tolvtonraderna för att uppnå sitt mål.

Detta system krävde att alla 12 tonerna i den kromatiska skalan användes, men inte från en enda oktav och absolut utan någon likhet med en tonal melodi (enligt traditionell definition). För att göra utmaningen ännu större måste "raden" utvecklas utan tonrepetitioner.

Som en följd av detta blev atonal musik också mycket utmanande för artisten, särskilt atonala stycken med en sångstämma. På grund av avsaknaden av funktionell harmonisk referens behövde mindre erfarna sångare ofta göra särskilda övningar och till och med lära sig sin stämma utantill.

Serialismens inflytande har lämnat ett bestående avtryck i den samtida klassiska musikens värld. De atonala styckena banade väg för ytterligare experiment inom komposition.

Icke-wienare

Det vore ett misstag att dra slutsatsen att atonal musik är relaterad till Wien - eller bara till västvärlden i allmänhet, för den delen.

Sergej Prokofjev utforskade dessa koncept på egen hand och skapade verk som särskilt utmanade den konventionella operastrukturen. Han fortsatte att bygga vidare på den grund som Skrjabin och Stravinskij hade lagt.

I hans kompositioner, i likhet med Alban Bergs Opera Wozzeck, upplöstes det primära strukturelementet i takt med att melodier och rytmer blev mer självständiga och komplexa.

Ironiskt nog kan den fria atonaliteten betraktas som både början och slutet, helt enkelt därför att atonaliteten var mindre strikt före och efter serialisterna.

Man kan tycka olika, men vissa aspekter eller utdrag ur musiken av Prokofjev, Sjostakovitj eller till och med Rachmaninov är på sätt och vis "fritt atonala".

Jazz

Åtminstone sedan Charlie Parker, och definitivt efter honom, har bokstavligen alla jazzmusiker varit besatta av hur man kan utvidga toncentrum; hur man kan "omdefiniera tonarter" om man så vill. Detta gav upphov till cool jazz och modal jazz i synnerhet.

Något senare utforskade Herbie Hancock fusionen mellan modern klassisk musik och jazzgenrer - en oundviklig följd av hans innovativa anda. Han behandlade rytmen som en oskiljaktig partner till melodin och skapade banbrytande kompositioner.

Dessa experiment med melodiska och rytmiska spänningar blev en av de viktigaste faktorerna för utvecklingen av ny musik under 1900-talet.

Efterspelet

Atonal musik innebar inte slutet för den tonala musiken eller för den funktionella harmonin. Snarare omdefinierade den begreppen, ackorden och vad som definierar ett tonalt centrum, vad som utgör ett ackord etc.

Tonal musik idag

Samtida funktionell harmoni låter ... ja ... berikad (minst sagt). Estetiken tillåter både tonhöjdsklasserna i atonal musik och ett tonalt centrum.

Dagens tonala musik kan innehålla - och innehåller - även atonal musik. Eller kanske "likheter" med atonal musik, eller kanske glimtar och influenser av atonal musik. Och det är bara naturligt, för musik är musik, och nyckeln ligger i kompositörernas idéer.

Atonal musik av idag?

På samma sätt: atonal musik är atonal musik. Och samtida atonal musik finns, även om du inte kommer att hitta den namngiven som sådan (som "samtida atonal musik" ).

Arnold Schönberg och alla skolor före honom är helt annorlunda än dagens skolor. "Pierrot Lunaire" är inte jämförbar med dagens atonala musik. Men å andra sidan: den var inte heller jämförbar med Pendereckis "Threnody to the Victims of Hiroshima", och den kom bara ett decennium efter Schönbergs död...

Det viktiga är att Schönbergs atonala musik förde med sig nya idéer till musikvärlden. Viktiga idéer som är särskilt användbara inom film- och teatermusiken. Och ja: idag är alla överens om att Schönbergs verk var - och alltid kommer att vara - musik!